Made available in DSpace on 2018-08-01T23:30:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_10873_Dissertação de Eduardo Costa.pdf: 1303884 bytes, checksum: 0ce853cf54a876ca44f5015be39752d9 (MD5) Previous issue date: 2017-04-06 / Os filmes de Miike, em seu caráter non sense e ultra-violento, parecem não dizer muito em termos de representação, mas tragam o espectador para a experiência da imagem enquanto superfície, com a mesma violência e brutalidade que percebemos em suas cenas mais emblemáticas. Este trabalho investiga, as partir de um conjunto de teorias de raiz deleuziana que buscam colocar o lugar dos afetos e da sensorialidade no discurso do cinema, especialmente no filme Visitante Q (2001), a possibilidade de um olhar tátil, auto-reflexivo e político, capaz de submeter o seu discurso à própria superfície da imagem, desterritorializando-o. Imagem do vídeo, da textura e do grão. Imagem do toque, imagens que transpiram imediatismo. Palavras-chave: Cinema; vídeo; corpo; espectador; cinema japonês; Takashi Miike.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:13:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Nordan Manz.pdf: 3130822 bytes, checksum: 8cddf0ff577addef073739df280c4017 (MD5) Previous issue date: 2013-10-21 / This dissertation presents tokusatsu examples, a genre that is part of the Japanese cinema and television, identifying how, since World War II, some of the most prominent characters and political metaphors aroused. After the emergence of the so called pop culture, many of these metaphors were deconstructed and depoliticized. The goal is to analyze the evolutional process of these productions, focusing on the epistemological changes, whose main symptom is, precisely, the trivialization of the issues that defined genre landmarks. The theoretical grounding rises from the works from Yoshikuni Igarashi (2011) who analyzed the birth of monstrous bodies in several Japanese media (TV, movies, Manga, etc.), as well as war and post-war symbolic representations. Beyond that, we depart from George Lakoff e Mark Johnson (2002) theories surrounding on cognitive metaphors and another specific bibliography relative to the Japanese cinema. As the research corpus four cinema and television series launched between 1954 and 1985 were analyzed: Godzilla (1954) by Ishiro Honda, first movie to present a giant monster; Ultraman (1966) by Eiji Tsuburaya, which presented discussions with ecological scope; the P-Production series, Spectremen (1971) which also questioned ecological themes and bodies control; and, finally, The fantastic Jaspion, produced by Toei Company during the 1980 decade, which received great disclosure in Brazil. We hope to contribute with a critical bibliography almost unknown in Brazil, which analyzes media tensions in Japanese political productions that, gradually, seemed to become only entertainment and consume object, widely disseminated by JPOP culture / Esta dissertação apresenta exemplificações do tokusatsu, gênero que faz parte do cinema e televisão japoneses, identificando como, a partir da 2ª Guerra Mundial, surgiram alguns dos mais importantes personagens e suas metáforas políticas. Após a emergência da chamada cultura pop, muitas destas metáforas foram descontruídas e despolitizadas. O objetivo do trabalho é analisar o processo evolutivo destas produções, focando nas mudanças epistemológicas, cujo principal sintoma é, justamente, a banalização das questões que marcaram o início do movimento. A fundamentação teórica parte da obra de Yoshikuni Igarashi (2011) que analisou o nascimento dos corpos monstruosos em diversas mídias japonesas (TV, cinema, mangá, etc.), assim como as representações simbólicas da guerra e do pós-guerra. Além disso, partimos das teorias de George Lakoff e Mark Johnson (2002) acerca das metáforas cognitivas e outras bibliografias específicas referentes ao cinema japonês. Como corpus da pesquisa foram analisadas quatro séries japonesas de cinema e televisão lançadas entre 1954 e 1985: Godzilla (1954) de Ishiro Honda, primeiro filme a apresentar um monstro gigante; Ultraman (1966) de Eiji Tsuburaya, que apresenta discussões de cunho ecológico; a série de P-Production, Spectreman (1971) que também problematiza temas ecológicos e doutrinação dos corpos; e, finalmente, O Fantástico Jaspion produzido pela Toei Company, durante a década de 1980 e teve ampla divulgação no Brasil. Espera-se contribuir com uma bibliografia crítica pouco conhecida no Brasil e que analisa as tensões entre produções midiáticas japonesas de cunho político que, gradativamente, parecem tornar-se mero entretenimento e objeto de consumo, amplamente disseminadas pela cultura JPOP

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-12-15T18:02:46Z No. of bitstreams: 1 Célia Maki Tomimatsu.pdf: 2671502 bytes, checksum: 069b8b0915e99636ba594b533d5b4186 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-12-15T18:02:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Célia Maki Tomimatsu.pdf: 2671502 bytes, checksum: 069b8b0915e99636ba594b533d5b4186 (MD5) Previous issue date: 2017-12-07 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The objective of this research is to analyze how the Japanese filmmaker Hirokazu Koreeda transforms the concept of ikigai (生 き が い) into a communicational resource that affects the Japanese and international audiences, to such an extent that it summons life in its everyday singularity and not necessarily from major events. Although ikigai is a difficult term to translate, it has been considered by researchers of diverse areas as "reason for living". The main corpus of the thesis is composed of four films: A luz da ilusão (1995), Depois da vida (1999), Tão distante (2001) and Seguindo em frente (2008). In all of them, there is an emphasis on the questions about life, death and, above all, the memory as a human interaction among the characters. This is because, in addition to the dialogues, the silence and images of the memories express the reason for living of each one of them. In regard to the theoretical framework, we have related bibliographies of Mieko Kamiya's ikigai (2004a, 2004b) with Hirokazu Koreeda's own writings (2001, 2004, 2008, 2016a, 2016d), as well as his interviews, in which the author interprets ikigai in a complex way and elucidates its insertion in contemporary Japanese cinema. In addition, we start with Christine Greiner's (2010 and 2017) research that considers the relationship between Japan and the West from perceptual and empathic chains, without neglecting the cultural singularities, but observing cultures beyond the given categories. As a methodological procedure, we will analyze the four films selected above, observing the filmmaker's script and the work developed by the characters, having as a main focus the interaction of the narration with the bodies that communicate with the external world, according to the ikigai of each one. The main hypothesis is that in the filmography of Koreeda the reason for living of an individual is not restricted to happiness, but also to an obscure and somber side that exposes ambivalences between life and death, joys and sorrows. The contribution of the thesis is to discuss this new interpretation of the concept, besides analyzing the work of a filmmaker who does not have any bibliography in Portuguese / O objetivo desta pesquisa é analisar como o cineasta japonês Hirokazu Koreeda transforma o conceito de ikigai （生きがい） em um recurso comunicacional que afeta o público japonês e as plateias internacionais, na medida em que convoca a vida na sua singularidade cotidiana e não necessariamente a partir de grandes acontecimentos. Embora ikigai seja um termo de difícil tradução, tem sido considerado por pesquisadores de áreas diversas como razão de viver. O corpus principal da tese é composto por quatro filmes: A luz da ilusão (1995), Depois da vida (1999), Tão distante (2001) e Seguindo em frente (2008). Em todos eles, há um destaque para os questionamentos sobre a vida, a morte e, sobretudo, a memória como interação humana entre dos personagens. Isso porque, além dos diálogos, o silêncio e as imagens das lembranças expressam a razão de viver de cada um deles. No que se refere ao quadro teórico, relacionamos bibliografias sobre ikigai de Mieko Kamiya (2004a, 2004b) com os escritos do próprio Hirokazu Koreeda (2001, 2004, 2008, 2016a, 2016d), bem como suas entrevistas, nas quais o autor interpreta ikigai de um modo complexo e elucida a sua inserção no cinema japonês contemporâneo. Além disso, partimos da pesquisa de Christine Greiner (2010 e 2017) que pensa a relação entre Japão e Ocidente a partir de cadeias perceptivas e empatias, sem negligenciar as singularidades culturais, mas observando as culturas para além das categorias dadas a priori. Como procedimento metodológico, analisaremos os quatro filmes acima selecionados, observando o roteiro do cineasta e o trabalho desenvolvido pelos personagens, tendo como foco principal a interação da narração com os corpos que se comunicam com o mundo externo, de acordo com o ikigai de cada um. A hipótese principal é que na filmografia de Koreeda a razão de viver de um indivíduo não se restringe à felicidade, mas também a um lado obscuro e sombrio que expõe ambivalências entre vida e morte, alegrias e tristezas. A contribuição da tese está em discutir esta nova interpretação do conceito, além de analisar a obra de um cineasta que não conta com nenhuma bibliografia em português

Nesta etnografia, o cinema japonês exibido na cidade de São Paulo entre as décadas de 1950 a 1980 é abordado a partir da memória de antigos freqüentadores das salas de cinema do bairro da Liberdade. O foco desta investigação são os significados locais atribuídos pelos públicos nikkei e não-nikkei aos filmes japoneses, às salas de cinema da Liberdade e à experiência de freqüentá-las. A experiência vivida é acionada pelo método da história de vida e ganha centralidade na análise por meio das reflexões suscitadas pela antropologia da experiência. / In this ethnography, the Japanese cinema which was shown in the city of São Paulo between 1950 and 1980 is evoked in the memories of old-time movie goers of the Liberdade district. This investigation focuses on the local meanings attributed by both nikkei and non-nikkei audiences to Japanese films, to Liberdades cinemas and to the experience of frequenting them. Lived experience, which is made accessible by the method of life history, becomes central to analysis in a reflexive process provoked by the anthropology of experience.

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Orientador: Claudiney Rodrigues Carrasco / Acompanha 1 DVD-R DL Recordable / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T02:58:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Chritaro_GustavoRocha_M.pdf: 2779207 bytes, checksum: 36c364413fdb91f0537ab70583dc27f4 (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Este trabalho tem como proposta analisar o uso do jazz no cinema de animação japonês, através de um estudo de caso que tem como objetivo o longa-metragem de animação "Metrópolis" (2001), dirigido por Rintaro, com roteiro de Katsuhiro Otomo, e música de Toshiyuki Honda. A metodologia que escolhemos foi a de estabelecer conexões com a literatura específica da área de trilhas sonoras, e dialogar com o pensamneto de outras áreas, como a filosofia e a crítica literária Além disso, foram feitas exposições formais sobre a parte técnica da trilha musical e a partir de então, foram realizadas uma síntese entre a literatura e o procedimento de análise / Abstract: This work intents to analyse the use of jazz music in the Japanese animated cinema , trough a case study that has as object the feature-film "Metropolis" (2001),direct by Rintaro, screen-played by Katsuhiro Otomo , and underscored by Toshiyuki Honda. The methodology we have chosen was that of establishing connections with the film music specific writings, and dialoging with the thinking of other areas, such as philosophy and literary criticism. Formal exposition about the form music technical characteristics was also made, and then a synthesis was made between the literature and the analyses procedure / Mestrado / Mestre em Música

Nesta etnografia, o cinema japonês exibido na cidade de São Paulo entre as décadas de 1950 a 1980 é abordado a partir da memória de antigos freqüentadores das salas de cinema do bairro da Liberdade. O foco desta investigação são os significados locais atribuídos pelos públicos nikkei e não-nikkei aos filmes japoneses, às salas de cinema da Liberdade e à experiência de freqüentá-las. A experiência vivida é acionada pelo método da história de vida e ganha centralidade na análise por meio das reflexões suscitadas pela antropologia da experiência. / In this ethnography, the Japanese cinema which was shown in the city of São Paulo between 1950 and 1980 is evoked in the memories of old-time movie goers of the Liberdade district. This investigation focuses on the local meanings attributed by both nikkei and non-nikkei audiences to Japanese films, to Liberdades cinemas and to the experience of frequenting them. Lived experience, which is made accessible by the method of life history, becomes central to analysis in a reflexive process provoked by the anthropology of experience.

Esta pesquisa tem como objetivo o mapeamento do espaço que ocupa Terayama Shūji, poeta, escritor, dramaturgo e diretor de cinema japonês, frente ao período histórico a que pertenceu e frente às teorias da vanguarda e do pós-modernismo. A investigação se inicia com o período do pós-guerra no Japão, quando em meio a protestos e ansiedades políticas, floresce na capital do país uma nova vanguarda artística. O primeiro capítulo é dedicado a um exame do teatro angura e da nova onda do cinema, dois movimentos dos quais Terayama fez parte. Procura-se então delinear suas propostas artísticas e suas principais influências, japonesas e estrangeiras, examinando como seu trabalho se aproxima ou se afasta do paradigma pós-moderno conforme teorizado principalmente por Fredric Jameson, mas levando em conta reflexões sobre as aplicações desse conceito especificamente no Japão. Por fim, o último capítulo se debruçará sobre dois longas-metragens do diretor Joguem seus livros, vamos às ruas, de 1971, e Pastoral: Morrer no campo, de 1974 de modo a encontrar exemplos do seu caráter experimental, subversivo, de sua insurreição contra as instituições da família e do Estado e de suas complexas relações com a política, a história, o pastiche e a espetacularização. / This research aims at mapping the space occupied by Terayama Shūji, a Japanese poet, playwright and filmmaker, in his historical context and in relation to avant-garde and postmodernism theories. The investigation begins with postwar Tokyo, when amid protests and a climate of political anxiety, a new avant-garde movement starts to flourish. The first chapter is dedicated to an examination of the angura theatre and the Japanese new wave, two of the movements Terayama was part of. We shall then trace his general artistic views and main influences, Japanese and foreign, examining how they relate to postmodern characteristics as theorized mainly by Fredric Jameson, but also inquiring at how this very concept can apply to the Japanese context. In the last chapter, we shall take two of Terayamas feature films Throw Away Your Books, Rally In The Streets and Pastoral: To Die in The Country for further analysis, in order to find more specific examples of his experimental and subversive character, his rejection of the institutions of family and the State, and his complex relationship with politics, history, pastiche and spectacularization.