Llevar a cabo una filosofía de la música, es una empresa no solo compleja y problemática, sino además, con demasiados obstáculos. La música no es de un interés filosófico mayor, no lo es ahora, ni lo ha sido en el pasado, a pesar de que yo estoy convencido de lo crucial que es para esta. Son pocos los libros de filósofos que realmente se dedican a pensar la música. Esto es justamente lo que me mueve a llevar a cabo una especie de compendio de filosofías de la música. En las páginas que siguen, se llevara un análisis crítico de diversas filosofías de la música. Ahora bien, no es un conjunto desarticulado de estudios, puesto que todos, son recorridos naturalmente por una intuición fundamental: la música como (...). A entender, como verdad, pero una que es a la vez luminosa y oscura. Digamos, una verdad infinita, que nunca terminaremos de conocer, y a la que en gran medida hay que ver como oscura. Cabe señalar que el orden en que se dispusieron los diversos estudios que conforman esta tesis, no es cronológico, sino estructurado en función de que se entienda con más facilidad la noción central de esta tesis, que busca comprender la música como (...). Así es como nos adentraremos en la verdadera y originaria oscuridad musical, en un comienzo explícitamente, a través de la -oscura- filosofía de Emile Cioran, para luego llegar a notarla incluso en filosofías “luminosas” como las de Platón y Aristóteles, pasando -obviamente- por F. Nietzsche, y también considerando los monumentales trabajos filosóficos en torno a la música de K. Stockhausen, T. Adorno, G. Deleuze, R. Scruton, E. Lange, entre otros.

Estilo é essencialmente um conceito de juízo de expressão. Em arte atua em nível de metalinguagem pela injunção ou sobreposição de linguagens afins. Do grego metá provém a noção de intermediação ou de 'mudança de lugar' e marca o ponto a partir do qual se pode de-constituir os níveis de relacionamento dessas linguagens. É um fato histórico em arquitetura que analogias lingüísticas desta natureza pareçam constituir o modelo de uma linguagem em especial ou pelo menos boa parte dela. Então as formas pelas quais se desenham as estratégias de integração dessas linguagens acabam por nos induzir a pensar a arquitetura como uma linguagem de fato. Em Teoria da Arquitetura, este nível de discussão é levado a efeito, ainda que de forma elíptica, muitas vezes ocultando os instrumentos e a centralidade de um jogo estético crucial. Como nas categorias estéticas de Vitrúvio, trata-se de formas de interação que desenham o relacionamento simultâneo e tentativo de elementos e intenções de desenho. Um estudo genealógico das linhas de argumentações sobre o tema, presentes nas publicações classificadas como Teoria da Arquitetura, permite que se reconstituam os traços evolutivos do relacionamento e funcionamento destas suas categorias. Como num jogo elas se comportam como regras relativamente constantes cujas hierarquias de relacionamento podem se alterar sob determinadas circunstâncias históricas. Se em determinado período histórico estas relações tendem a permanecer constantes, nos períodos de mudança ou transformação novas categorias podem ser propostas, reorganizando instrumentos e procedimentos. A reconstituição da Teoria da Arquitetura como um discurso de estilo enseja, portanto, um estudo extensivo de suas manifestações históricas na arquitetura ocidental desde o Renascimento. São formas de controle a priori e a posteriori que se alternam e tensionam a criação, alterando o grau de organização ou entropia do sistema tanto quanto a previsibilidade ou imprevisibilidade do resultado final. Dessa forma, pela perspectivização de um conjunto de proposições, pelo acordo entre sentidos e inteligência ou mesmo pelo etos do objeto, pode-se, como fio de Ariadne, recuperar o sentido de uma Teoria da Arquitetura e renovar o interesse hermenêutico para o tema. / Style is, essentially, a concept of expression judgement. In art, it concerns metalinguistics for injunction or superposition of languages alike. From the greek metá comes the notion of intermediation or 'place changing' from what we can de-constitute these languages relationship levels. In Architecture, and this is an historical fact, linguistic analogies like this seem to constitute models of special languages or at least for a good deal of them. Thus, forms for whom one can design integration strategies for these languages could induce us to think them as they were a real language. In Architectural Theory, yet on an elliptical way, this level of discussion takes place, but many times omitting tools and the centrality of a crucial game. As in the vitruvian esthetical categories they are interaction forms that draws the attempting and simultaneous relantionship of elements and design intentions. A genealogical study of this theme plead lines current on publications known as Architectural Theory allow us to reconstitute the evolutionary traces of these operative categories. As in a game they behave like relatively constant rules whose relationship hierarchies may change on some historical circumstances. If in some historical period these relations tend to appear constant, in changing or transformation periods new categories may be proposed then reorganizing tools and procedures. To reconstitute Architectural Theory as a style discourse drive us to an extensive study of its disclosings in occidental architectural history since Renaissance. So, there are a priori and a posteriori control forms who alternate themselves stressing creation, changing its degree of organization or entropic system so as the previsibility or imprevisibility of final design results. Notwithstanding, from the perspectivation of a propositions ensemble, between a feeling and intelligence accord, or even by the architectural object ethos, style redeems, as the Ariadne's thread, the sense of an Architectural Theory, bringing a new hermeneutical interest on the theme.

237f. / Submitted by Suelen Reis (suziy.ellen@gmail.com) on 2013-03-25T13:50:53Z No. of bitstreams: 3 Amoroso%20parte%203.pdf: 6229956 bytes, checksum: 57214e5a8b28e11ae230e7848f48c02d (MD5) Amoroso%20parte%202.pdf: 7141087 bytes, checksum: 18d6b1efd9e9b60366248c9dcabed1a1 (MD5) Amoroso%20parte1.pdf: 7424775 bytes, checksum: 8f08dc3e75b3cda97ea3f159eb49d9f8 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães(ednaide@ufba.br) on 2013-04-10T13:52:42Z (GMT) No. of bitstreams: 3 Amoroso%20parte%203.pdf: 6229956 bytes, checksum: 57214e5a8b28e11ae230e7848f48c02d (MD5) Amoroso%20parte%202.pdf: 7141087 bytes, checksum: 18d6b1efd9e9b60366248c9dcabed1a1 (MD5) Amoroso%20parte1.pdf: 7424775 bytes, checksum: 8f08dc3e75b3cda97ea3f159eb49d9f8 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-04-10T13:52:42Z (GMT). No. of bitstreams: 3 Amoroso%20parte%203.pdf: 6229956 bytes, checksum: 57214e5a8b28e11ae230e7848f48c02d (MD5) Amoroso%20parte%202.pdf: 7141087 bytes, checksum: 18d6b1efd9e9b60366248c9dcabed1a1 (MD5) Amoroso%20parte1.pdf: 7424775 bytes, checksum: 8f08dc3e75b3cda97ea3f159eb49d9f8 (MD5) Previous issue date: 2009 / Essa tese trata do samba de roda de roda de duas cidades do recôncavo baiano, São Félix e Cachoeira. Essas duas cidades estiveram historicamente envolvidas nos processos de colonização e independência da Bahia e, dessa forma, incluídas no mapa das encruzilhadas da diáspora africana. Entende-se que as relações da diáspora africana no Brasil, em especial no recôncavo, incluem o samba de roda no rol das formas de expressão da cultura do Atlântico negro. E, argumenta-se, que o elemento perceptível do parentesco entre essas formas se dá na estética. Os conceitos-chave utilizados para fortalecer esse argumento são: matriz estética, modernidade, encruzilhada e estética diaspórica. A metodologia de pesquisa utilizada se baseia nos métodos propostos pela etnocenologia. Entende-se que a imersão nas cidades foi fator condicionante da escolha e determinação do sujeito de pesquisa e da contextualização do 'eu pesquisador' no ambiente cultural do samba de roda. Elegeu-se, a partir da pesquisa in lócus, dois grupos de samba de roda, o “Filhos de Nagô” e o “Suerdieck”, de São Félix e de Cachoeira, respectivamente. A contextualização do objeto, a imersão no campo de pesquisa e a prática corporal constituíram, dessa forma, a estratégia metodológica para a compreensão sensível do samba de roda. Entende-se que a compreensão da estética do samba de roda se dá através da experiência prática e através do corpo que dança, toca, canta, se alimenta e transforma. Ele, o corpo, é o local da memória, da ancestralidade, da síncopa, da oralidade e do movimento. / Salvador

Trabajo de Investigación Requisito para optar al Título de Cirujano Dentista / INTRODUCCIÓN. Los pacientes contemporáneos son más informados y participativos sobre los tratamientos disponibles. Esto ha generado la necesidad de métodos de evaluación de creencias y necesidades de salud. Se ha estudiado que la percepción de la salud puede ser diferente para el paciente y el profesional sanitario. Para ello se ha desarrollado una de las herramientas actuales más completas para medir la autopercepción del estado de salud bucal (Locker, 2002): “El Perfil de Impacto de la Salud Oral (Oral Health Impact Profile [OHIP]). En el área de la estética dental existe una versión llamada: OHIP-Estético en español. Esta herramienta está validada y es usada internacionalmente en este tipo de estudios. El propósito es investigar si hay una asociación entre la percepción estética y la pérdida dentaria. MATERIALES Y METODOS. Estudio descriptivo transversal. Participaron 245 voluntarios, de los cuales 232 fueron seleccionados: de ambos sexos, adultos jóvenes dentados completos, adultos dentados parciales y adultos mayores desdentados totales. Los voluntarios respondieron el cuestionario OHIP-Estético. El cuestionario se aplicó de manera escrita bajo supervisión en un tiempo estimado de 20 minutos. Para el análisis de resultados se utilizó el test no paramétrico Kruskal-Wallis y el test de Correlación de Pearson. RESULTADOS. Existe diferencia estadística al comparar las respuestas de los tres grupos, siendo más alto el valor de OHIP-estético al existir pérdida dentaria. El grupo de adultos desdentados parciales son los que presentan valores más altos en la encuesta con un puntaje total de 28.95/ 56. Además hay diferencia estadística entre hombres y mujeres, en donde éstas presentaron valores más altos en la encuesta con un promedio de 25.62/56. CONCLUSIONES. La autopercepción estética, al comparar los tres grupos, es más negativa en sujetos desdentados parciales. También podemos decir que 7 estaría asociada al deterioro en las Mediciones de la Calidad de Vida Relacionadas con Salud Oral, siendo más afectados, en general, los adultos desdentados. Las mujeres son más críticas que los hombres mostrando una autopercepción estética más negativa. El área que más afecta a los tres grupos es el disconfort psicológico, teniendo niveles muy similares y más elevados de insatisfacción en los sujetos desdentados.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Literatura, Florianópolis, 2015. / Made available in DSpace on 2015-09-22T04:10:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 334238.pdf: 14936163 bytes, checksum: 1e031535b62ca07849129d07b5a0d77c (MD5) Previous issue date: 2015 / A nacionalização musical proposta pelo modernismo brasileiro por meio da apropriação erudita de elementos do cancioneiro popular e do folclore implica a identificação com uma musicalidade nacional. A afirmação de uma sensibilidade moderna, pressuposta pela referida identificação, subentende a construção de um sentido e de um sentimento nacional no interior de uma arte caracterizada, segundo uma concepção kantiana, pelo desinteresse e pela ininteligibilidade. Objetivamos compreender, a partir da nacionalização musical proposta por Mário de Andrade, as implicações do conceito de estesia, entendida como os efeitos sobre o corpo produzidos pelo contato com a arte. Em Andrade, a estesia recupera a etimologia de ?aisthesis? contra a sua subordinação ao modelo da representação e da contemplação, evidenciando a sensibilidade e, por conseguinte, o corpo. Como recusa da representação e da contemplação, a estesia designa uma reconciliação da arte com a vida, revelando, ao fim, um interesse eminentemente social. Ao propor um senso de comunidade, Andrade contraria tanto a ontologia nacional sustentada em teorias raciais positivistas, quanto o nacionalismo oficial do Estado Novo. Para tanto, revisamos os caracteres musicais de sua nacionalização musical em contraste com toda uma tradição ocidental, observando como as suas concepções musicais convergem, nos anos 1940, em um teatro cantado coletivo. Café, que representa um complemento para o poeta, permaneceria incompleto, no entanto, uma vez que os compositores Francisco Mignone e Camargo Guarnieri, que se responsabilizaram por sua musicalização, nunca o concluiriam. A tarefa caberia, ironicamente, a H. J. Koellreutter, acusado, desde que aportou no Brasil nos anos 1930, de formalista, sectarista e elitista, por empregar o atonalismo. No contexto de uma disputa de sentido em que as concepções musicais de Andrade serviriam para a legitimação e autorização do nacionalismo musical, de um lado, e o universalismo associado com o decadentismo da burguesia capitalista, de outro, o presente trabalho investiga, por fim, a busca de Koellreutter por uma interlocução com a obra de Andrade, que se consagra com a musicalização, nos anos 1990, do teatro cantado inacabado.<br> / Abstract : The musical nationalization proposed by Brazilian modernism through the appropriation of musical elements of popular music and folklore by classical composers implies an identification with national musicality. The affirmation of a modern sensibility, presupposed by such identification, involves the construction of a national sense and sensation through an art considered to be unintelligible and disinterested since Kantian aesthetics. Our goal, regarding Mário de Andrade?s musical nationalization proposal in particular, is to understand the implications of the concept of aesthesis, understood as contact with a work of art and its effects on the body. On Andrade?s work, aesthesis recovers the etymological sense of ?aisthesis?, going against its subordination to the model of representation and contemplation, highlighting the sensitivity and, consequently, the body. When refusal of representation and contemplation, aesthesis also names a reconciliation between art and life, revealing a social interest. Andrade?s musical nationalization therefore proposes a concept of community, contradicting both the national ontology sustained by positivist racial theories as a basis for the national State, and the official nationalism of the state from the Brazilian Revolution of 1930 forward, especially concerning its relation with the body. Therefore, we review the musical characters of Andrade?s nationalization and observe how his musical conceptions converge in Café. Conceived in the 1940s, the opera considered by the author to be his most socialist work and a complement of himself would remain incomplete, since Brazilian composers as Francisco Mignone and Camargo Guarnieri would never musicalize it. Ironically, H. J. Koellreutter, who has been accused of formalist, sectarian and elitist since he arrived in Brazil in the 1930s, would accomplish the task in the 1990s. In the context of a hegemonic dispute in which Andrade?s musical conceptions would serve to legitimize and authorize the musical nationalism discourse, on one hand, and the universalism connected to the decadence of the capitalist bourgeoisie, on the other, we investigate Koellreutter persuit for a dialogue with Andrade?s work, consolidated with his musical composition of Andrade?s opera in the 1990s.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas, Programa de Pós-Graduação em Filosofia, Florianópolis, 2017. / Made available in DSpace on 2017-08-08T04:11:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 346416.pdf: 1673470 bytes, checksum: d3f50921dbb6804a74b3e955a7f224d5 (MD5) Previous issue date: 2017 / Essa dissertação discorrerá sobre conceitos de ontologia e de estética na filosofia de Maurice Merleau-Ponty. A produtividade da natureza e suas consequências para a esfera cultural é eixo temático no qual se procurará compreender o momento da criação de um novo ?ser cultural?, especificamente no processo criativo da arte, para investigar como ali a expressão criativa, autêntica ou inédita ainda pode ser pensada como exercício de liberdade. E isso segundo as indicações da ?última? ontologia de Merleau-Ponty, a que funda no real (no tecido do Sensível) toda a possibilidade do sentido emergente na cultura. Tal proposta de investigação sobre a relação entre criação e liberdade à luz dos escritos de Merleau-Ponty do final da década de 1950 exige, em primeiro lugar, que o deslocamento dos conceitos de ontologia referentes às imbricações entre a ordem da natureza e a ordem da criação cultural seja devidamente descrito. Somente depois de realizada essa tarefa, pautada no trajeto merleau-pontyano da eliminação dos vestígios de uma filosofia da consciência, que num segundo momento poder-se-á abordar o problema da passividade na atividade de criação. Visto que o ?ser cultural? é condicionado pelo ?ser natural?, toda a atividade de criação apenas retoma e amplia algo já sussurrado pela natureza. Desse modo devemos despojar a autarquia da atividade criativa, isto é, retirar-lhe uma autoria que exceda ou ultrapasse a ordem da natureza; admitindo, desde então, certa passividade no exercício livre de criação. O agente da livre iniciativa assume um protagonismo ambíguo ao inovar na criação, vive certa autoria repartida daquilo que cria de inédito pelo que há de passivo (e anônimo) em sua iniciativa. E eis que se configura então o alvo principal desse discurso: tornar presente ao pensamento os contornos da ambiguidade do sentido de ser originário do horizonte cultural, aberto pela expressão criativa na compatibilidade entre natureza e liberdade.<br> / Abstract : This dissertation will discuss concepts of ontology and aesthetics in the philosophy of Maurice Merleau-Ponty. The productivity of nature and its consequences for the cultural sphere is a thematic axis in which one will try to understand the moment of the creation of a new "cultural being", specifically in the creative process of art, to investigate how the creative expression, authentic or unpublished Can be thought of as an exercise in freedom. And this according to the indications of the "last" ontology of Merleau-Ponty, that founds in the real (in the fabric of the Sensible) all the possibility of the emerging sense in the culture. Such a research proposal on the relation between creation and freedom in the light of the writings of Merleau-Ponty of the late 1950s requires, first, that the displacement of the ontology concepts concerning the entanglements between the order of nature and the order of the Cultural creation is duly described. Only after this task, guided by the Merleau-Pontyan path of the elimination of the vestiges of a philosophy of consciousness, can the second pass of the question of passivity in the activity of creation be addressed. Since "cultural being" is conditioned by the "natural being," all creation activity only takes over and amplifies something already whispered by nature. In this way we must deprive the autarchy of creative activity, that is, withdraw authorship that exceeds or exceeds the order of nature; Admitting, since then, a certain passivity in the free exercise of creation. The agent of the free initiative assumes an ambiguous role in innovating in creation, he lives a certain shared ownership of what he creates of unprecedented for what is passive (and anonymous) in his initiative. And this is the main aim of this discourse: to make present in thought the contours of the ambiguity of the sense of being original of the cultural horizon, opened by the creative expression in the compatibility between nature and freedom.

Made available in DSpace on 2016-08-29T15:08:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_4899_Antonio Almeida Neto20130822-162014.pdf: 599509 bytes, checksum: b2281d10fa1b5801992bbdfb2a91d47f (MD5) Previous issue date: 2011-06-15 / O que significa compreender uma obra de arte? A hermenêutica, segundo Hans Georg Gadamer, se identifica com uma estrutura de pergunta e resposta dentro de um limite de uma conversação possível. Uma obra de arte pode ser compreendida ao modo de um texto. Porém não é qualquer pergunta que dirigimos a obra . Para isso precisamos ganhar a questão. Seria isso um método apropriativo, ou seja, ganhamos a questão e uma vez feito isso podemos dominar o que está em obra na obra? O conceito de jogo será, em nosso projeto repensado, à luz de Gadamer. Isso vai nos permitir mostrar no jogo da arte que somente participando dele é que ganhar a questão faz sentido. Desse modo, articulando a noção de jogo com a idéia da lógica de pergunta e resposta nos esforçaremos em mostrar tal possibilidade interpretativa desde a perspectiva Gadameriana de que se pode compreender a obra de arte também como um texto. O compreender e interpretar não são atividades referentes somente aos textos mas expressam a experiência cotidiana feita pelo homem no mundo. Quando compreendemos por exemplo a tradição não estamos compreendendo apenas um texto mas também pontos de vista e discernimentos que podem ser reconhecidos também como verdades. Doravante, tentaremos investigar o fenômeno da compreensão direcionando este para a experiência da arte. Uma compreensão que nunca se esgota. A obra de arte como um texto nos provoca a pensar que compreensão é essa que sempre é possível. O que tem a obra de arte genuína para participar (pertencer) as coisas de caráter inesgotável? Desse modo a relevância de nosso estudo é exatamente investigar por que, seja arte moderna ou antiga, a experiência de tal obra ultrapassa de um modo essencial todo o horizonte subjetivo da interpretação, tanto do autor (artista) quanto do espectador que recebe a obra. Aonde ninguém possui a última palavra.

Made available in DSpace on 2016-08-29T15:08:26Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_6645_WERIQUISON - Dissertação de mestrado - concluida - com folha.pdf: 1054768 bytes, checksum: fab45da02e431428889f4288b87fa150 (MD5) Previous issue date: 2013-07-26 / O estudo consiste, primeiramente, em investigar o quanto a estética se coloca como elemento significativo para a composição do diálogo República, perpassando a obra do início ao fim e, por assim dizer, emoldurando-a em beleza. São inúmeras as passagens que fazem menção aos poetas arcaicos, a reverência à música como arte das Musas, o apreço pela harmonia, pelo ritmo, pela simetria, enfim, há na República um cuidado estético em sua arquitetura. Havendo constatado, então, que o belo ocupa um lugar considerável dentro do diálogo, buscamos valorizá-lo e evidenciá-lo a partir do artístico, propriamente dito, para trilharmos um caminho que nos conduzisse, cada vez mais, a encarar o belo como algo que não se restringisse ao sensível, uma vez que, em se tratando de Platão, a beleza mais esplendorosa reside no inteligível. Neste sentido, propomos tomar a metafísica platônica das ideias como estética inteligível, objetivando apontar para o belo suprassensível possível de ser contemplado pelo intelecto filosófico. Isso porque, as ideias são formas inteligíveis, que se fazem mostráveis em sua perfeição ao intelecto. A ideia é essência, a unidade singular da qual os objetos sensíveis imitam e recebem seu ser. Em outras palavras, a ideia é o aspecto que se apresenta ao intelecto do filósofo. E junto a essa investida de tomar a metafísica platônica como estética inteligível, fazemos algumas considerações sobre imagem e visão, tais considerações seguem na direção de tomar a imagem como metáfora, como linguagem figurada utilizada como recurso para dar encaminhamento às almas até o inteligível e, visão, quer dizer visão intelectiva, visão filosófica. Por fim, veremos, a atividade do filósofo consistirá em um ver a bela paisagem das ideias no inteligível.

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas, Programa de Pós-Graduação em Filosofia, Florianópolis, 2015. / Made available in DSpace on 2016-01-05T03:04:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 336681.pdf: 10839665 bytes, checksum: 75fb3c789ac453b93c63fb6eb470d46d (MD5) Previous issue date: 2015 / Um autor como Michel Foucault (1926-1984), ao apresentar um estudo extenso sobre saber, poder e ética, deixa o leitor com dúvidas e indagações: O sujeitado ao poder não teria como se contrapor à submissão? O poder psiquiátrico, com seus saberes sobre a loucura, seria tão poderoso assim? Na tentativa de responder estas questões, estabeleceu-se como objetivo geral investigar a parrhesía e a loucura no exemplo de Estamira. Como pressuposto metodológico, optou-se pelos escritos de Michel Foucault sobre a temática da loucura. Na análise do documentário a respeito de Estamira, produzido por Marcos Prado em 2004, foram analisadas algumas cenas, fundamentando-se, sobretudo, em seus últimos escritos, de 1980 a 1984, do Collège de France. O pensamento último de Foucault evidencia uma preocupação histórica do que seria o cuidado de si e a parrhesía no período da Grécia Clássica, por volta do séc. IV a.C., o período helênico romano séc. I e II d.C. e os primeiros cristãos (IV a V d.C.). O autor consegue perceber, na antiguidade grega, a existência de uma subjetividade que não segue normas, a qual se torna uma prática de liberdade (práticas ascéticas), uma busca de como dizer a verdade (parrhesía) que leva a uma constituição ética atrelada à estética da existência da vida do sujeito. Conclui-se, com base nas análises históricas foucaultianas, que o exemplo de Estamira nos remete a uma ?ontologia do presente?, ?ontologia dos discursos verdadeiros?, uma concepção de subjetividade, de verdade e de filosofia de vida para o indivíduo, com sua loucura, transformar sua vida e ser diferente do que é, governando a si mesmo pela parrhesía, ser franco, falar a verdade.<br> / Abstract : An author such as Michel Foucault (1926-1984) when presenting an extensive study of knowledge, power and ethics, leaves the reader with doubts and questions: The subjected to power could not possibly oppose itself from submission? The psychiatric power, with its knowledge about insanity, would be that powerful? In the attempt to answer these questions, it was established as a general objective to investigate the parrhesia and insanity in the case of Estamira. For the methodological presupposition, it was chosen the writings of Michel Foucault on the theme of madness. In the documentary film analysis about Estamira, produced by Marcos Prado in 2004, some scenes were analyzed mostly based in his later writings, from 1980 to 1984, from the Collège de France. The final thought of Foucault reveals a historical concern of what would be the self care and the Parrhesia in the Classical Greece period from around the IV century B.C., the Roman Hellenistic period during the I and II century A.D. and the early Christians (IV to V A.D.). The author is able to perceive that in Greek antiquity, the existence of a subjectivity that does not follow rules, which turns to a practice of freedom (ascetic practices), a search for how to tell the truth (parrhesia) leading to an ethical constitution tied to the aesthetics of existence of the subject´s life. The conclusion is, based on Foucault's historical analysis, that the example of Estamiranos refers to an "ontology of the present", "ontology of real discourses," a conception of subjectivity, truth and life philosophy for the individual, with his insanity, to transform his life and be different than it is, ruling himself through parrhesia, be honest and to tell the truth.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão. Programa de Pós-Graduação em Literatura. / Made available in DSpace on 2012-10-26T10:33:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 310654.pdf: 3256224 bytes, checksum: 2302323e706c8b912c23f24f1b8391d3 (MD5) / Este trabalho se volta para os fluxos e refluxos do percurso das Galáxias, texto fragmentário escrito por Haroldo de Campos entre 1963 e 1976. Permeado pela trajetória da poética sincrônica apresentada pelo escritor paulistano ao longo de diversos ensaios publicados especialmente entre os anos 50 e 70, o percurso galáctico assim como lido aqui indica uma possibilidade de consideração diferencial em relação aos estudos sobre as formas e a dinâmica entre a sincronia e a diacronia, apresentando uma corrente de abordagem tão ensaística quanto ditirâmbica do fenômeno barroco e da experiência de linguagem ou melhor, do fato de que os homens usem os nomes em face de uma vontade de dizer e de significar