Este estudo etnomusicológico, pautado pelo método etnográfico, busca explorar as dimensões sonoras dos manifestos e espaços de ocupação dos atuais movimentos de contestação estudantil ocorridos na Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS) iniciados nos dois últimos meses de 2016, concomitantemente às mobilizações nacionais que geraram grande impacto na sociedade e na comunidade escolar e acadêmica. A partir da noção de narrativas sonoras baseadas em relatos e materiais audiovisuais proveniente do contato com os participantes, esta pesquisa se propôs a compreender as dinâmicas de participação dos sujeitos envolvidos na criação e difusão de performances nos espaços reais/virtuais, incluindo sites e redes de compartilhamento. O referencial teórico-metodológico foi construído a partir das perspectivas etnomusicológicas que abordam os estudos da performance (SEEGER, 2008), (LUCAS, 2013), (TURINO, 2008), (WONG, 2008), além de abordagens aliadas às interfaces dos Sound Studies como o ethos sônico cohabeiro (ZAMBIAZZI DOS SANTOS, 2015) e a realização de soundwalks (percursos sonoros) propostos pela acustemologia (FELD, 1982, 2001, 2004, 2015). O estudo dialoga com as contribuições teóricas recentes sobre o contexto dos protestos e movimentos de ocupação, bem como uma relação entre campos reais e virtuais (MILLER, 2012), (MANABE, 2015), (COOLEY, 2008) e com os estudos sobre as juventudes latino americanas (REGUILLO, 2000, 2012), (CANCLINI, 2011, 2012, 2105). / This ethnomusicological study, based on the ethnographic method, seeks to explore the sound dimensions of the manifestos and spaces of occupation of the current student protest movements that occurred in the Federal University of Rio Grande do Sul (UFRGS) initiated in the last two months of 2016, concomitantly with the national mobilizations which have had a great impact on society and the school and academic community. Based on the notion of sound narratives based on reports and audiovisual materials from contact with participants, this research aimed to understand the participation dynamics of the subjects involved in the creation and diffusion of performances in real / virtual spaces, including websites and networks. sharing. The theoretical-methodological framework was constructed from the ethnomusicological perspectives that approach the performance studies (SEEGER, 2008) (LUCAS, 2013), (TURINO, 2008), (WONG, 2008) Sound Studies interfaces like a ethos sônico cohabeiro (ZAMBIAZZI DOS SANTOS, 2015) and the realization of soundwalks proposed by the acustemology (FELD, 1982, 2001, 2004, 2015). The study discusses recent theoretical contributions on the context of occupational protests and movements, as well as the relationship between real and virtual fields (MILLER, 2012), (MANABE, 2015), (COOLEY, 2008) and the studies on the Latin American youths (REGUILLO, 2000, 2012), (CANCLINI, 2011, 2012, 2105).

Este estudo etnomusicológico tem por objetivo examinar a constituição de uma música popular do sul do Brasil a partir da trajetória dos Tápes, grupo criado em uma cidade do interior do Rio Grande do Sul, e atuante no período entre o começo da década de 1970 e o final da década de 1980. Pretendo problematizar esse passado musical e suas reverberações em atuais músicos do Estado. Focalizando nas narrativas musicais e nos discursos sobre música, busco evidenciar a agência dos atores sociais e os significados atribuídos a esse fazer sonoro local como um espaço de negociações, e cuja noção de politização opera como um signo expressivo, delineado desde uma cultura de esquerda. Através das inserções em campo, das interlocuções com músicos do passado e do presente, do contato com acervos e gravações, pretendo discutir memória e política como duas dimensões emergentes nesses diálogos. Do Canto da Gente, projeto de disco e espetáculo dos Tápes, aos atuais cantos politizados, apontados por perspectivas insider, transversalizo passado/presente, e sugiro memória e política enquanto nexos, como proposto pelo etnomusicólogo Kwabena Nketia, indicados por esse fazer sonoro musical. A noção de música popular do sul remete ao projeto da Marcus Pereira Discos, na década de 1970, no Brasil, condicionante para o desdobramento da trajetória dos Tápes e demais continuadores de um modo de performatizar a música popular. / This ethnomusicological study aims to examine the constitution of a popular music in southern Brazil from the trajectory of Os Tápes, a group created in a country town of Rio Grande do Sul, and active in the period between the early 1970s and end of the 1980s. My research proposal is to problematize this musical past and its reverberations in current musicians from the state of Rio Grande do Sul. Focusing on the musical narratives and discourses about music, I seek to highlight the agency of social actors and the meanings attributed to this local musical practice as a space for negotiations, and whose notion of politicization operates as an expressive sign, outlined from a leftwing culture. Through field researches, dialogues with musicians from the past and present, and the contact with collections and recordings, I intend to discuss memory and politics as two emerging dimensions in these dialogues. From Canto da Gente, a disc project and a concert of Os Tápes, to the current politicized chants, pointed for an insider’s perspectives, I mainstream past/present, and suggest memory and politics while nexuses, as proposed by the ethnomusicologist Kwabena Nketia, indicated by this sound and musical practicing. The notion of popular southern music refers to Marcus Pereira Discos project in the 1970s, in Brazil, a conditioning factor for the unfolding of Os Tápes’ trajectory and other heirs of a way to performatize the popular music.

CoordenaÃÃo de AperfeiÃoamento de NÃvel Superior / Este estudo procura interpretar como à vivenciada uma prÃtica cultural conhecida como âcocoâ pelas populaÃÃes que habitam pequenas comunidades de pescadores no litoral cearense. Principalmente nas localidades de Iguape e Balbino, pertencentes aos municÃpios de Aquiraz e Cascavel, respectivamente. à uma interpretaÃÃo antropolÃgica, com o intuito de entender nÃo apenas como a prÃtica do coco proporciona uma produÃÃo especÃfica de sujeitos sociais. Mas, seguindo uma via de mÃo dupla, como esses sujeitos experimentam e atualizam a brincadeira, herdada de seus antepassados, no atual contexto da especulaÃÃo imobiliÃria, da indÃstria do turismo e das polÃticas culturais. A danÃa, a mÃsica e a poesia oral presente nos cocos. Os instrumentos musicais, as vestes, os significados vividos na brincadeira. O coco como um elemento de articulaÃÃo social nÃo apenas entre os seus brincantes, mas tambÃm entre estes e o pÃblico urbano dos centros culturais. O trabalho apresenta uma reflexÃo sobre as relaÃÃes estabelecidas entre Estado e brincantes, por meio das PolÃticas Culturais, e o papel dos intermediÃrios (promotores de eventos) nesse processo.

Neste estudo, busco compreender como as performances musicais das cantoras/chanteuses dos clubes noturnos de Porto Alegre nas primeiras décadas do século XX podem mediar as relações de gênero dentro e fora destes espaços de sociabilidade moderna. O termo chanteuse é largamente difundido na imprensa e nas crônicas brasileiras de início de século, posto que uma parcela considerável de artistas-cantoras eram enviadas da Europa para o mercado sul-americano e o termo francês conferia-lhes status sobretudo em relação às cantoras nacionais que também disputavam espaço neste cenário artístico-musical. Através de uma etnografia histórica, procuro recompor esse cenário, para compreender como a música, através do repertório e da performance, contribui na construção social da figura dessas mulheres nas urbes modernas. Apesar da associação, via senso comum, dessas artistas à prostituição, observo que a profissionalização artística lhes proporcionava uma alternativa ao meretrício, garantindo sua sobrevivência sem necessariamente vender seu sexo. Entretanto, a prática musical feminina aparece estreitamente relacionada ao corpo, à sensualidade, o que é fortemente expresso nas imagens e crônicas jornalísticas, colocando-o em evidência. A partir dos estudos de gênero e na literatura musicológica, trato de examinar a trajetória musical dessas mulheres através do fenômeno social dos cabarés na modernidade urbana do Brasil. / This study aims to understand how the musical performance of the singers/chanteuses of the night clubs in Porto Alegre, in the early decades of the twentieth century, could mediate the gender relationships either inside or outside these spaces of modern sociability. The term chanteuse is widely spread and used by the press and in the Brazilian chronicles of the early century, once a considerable amount of artists-singers would be sent from Europe to South America, and the French term would give them a superior status in relation to the national singers that were also competing for a place in this artistic-musical scenario. Through a historical ethnography, I have sought to rebuild this scenario in order to learn how music, through repertoire and performance, contributes to the social construction of these women in modern cities. Despite the association of the figure of these artists with prostitution, I observe that the fact of women turning into professionals of arts provided them an alternative of not being involved with prostitution, ensuring their survival without the need of selling sex. However, the female musical performance happens to be closely related to the body, sensuality and this fact is strongly expressed in the pictures and in the newspaper chronicles. From the studies of gender and musicological literature, I examine the musical journey of these women through the social phenomenon of cabarets in the modern cities in Brazil.

Esta pesquisa aborda, pelo método etnográfico, o Sopapo, um gênero de tambor de grandes dimensões existente nas cidades de Rio Grande, Pelotas e Porto Alegre, sua sonoridade e presença nos universos do carnaval e música popular. Este instrumento, produto da reconstrução diaspórica dos escravos trabalhadores nas Charqueadas em Pelotas, no século XIX, foi amplamente usado a partir da década de 1950 em escolas de samba nestas três cidades. Com a realização do festival de música chamado CABOBU, ocorrido em Pelotas no ano 2000, foi apresentado o ritmo cabobu, num processo de (re)invenção de uma tradição percussiva. Assim, artistas e grupos musicais do universo da música popular e da dança afro se apropriaram do instrumento, ressemantizando sua sonoridade e conferindo status diferenciado ao Sopapo, como elemento identitário e ideológico. Utilizando as categorias e falas dos colaboradores, esta pesquisa apresenta uma etnografia da cultura musical destes universos – o carnaval, a música popular e a dança afro, observando os repertórios, os instrumentistas e suas performances, tendo como fio condutor o Sopapo. / This research intends to approach, using an ethnographic method, the Sopapo, a kind of drum with big dimensions used in the cities of Rio Grande, Pelotas and Porto Alegre, its sonority and presence in the carnaval, afro dance, and popular music universes. This instrument, a product of the diasporic reconstruction of the slave workers in the Charqueadas in Pelotas, in the XIX century, has been largely used since the 1950s in samba academies in the cities mentioned previoulsy. When a music festival called CABOBU took place in Pelotas in 2000, the rhythm cabobu was introduced, in a process of (re)invention of a percussive tradition. In this way, artists and music groups of the universes of popular music and afro dance assumed the instrument, giving a new meaning to its sonority and giving the Sopapo a new status, as an element of identity and ideology. Using the folk evaluation and discourse of the collaborators, this research intends to present an ethnography of the musical culture of these universes – carnaval, popular music and afro dance -, observing the repertories, the players and their performances, with the Sopapo as a reference.

O presente trabalho tem como objetivo entender a partir da observação participante, da etnografia musical e do estudo de trajetórias, os processos e procedimentos técnico estéticos que fundamentaram a construção da performance das musicalidades e liturgias performatizadas nas sessões e festividades da Quimbanda do Sr. Exu Rei das Sete Encruzilhadas, através da médium e mãe de Santo Ieda Viana da Silva, conhecida como Mãe Ieda do Ogum, residente na cidade de Porto Alegre, no Rio Grande do Sul. Este ser espiritual apresenta-se nos ritos da modalidade religiosa denominada Quimbanda ou Linha Cruzada, que faz parte do campo religioso afro-gaúcho. Para dar conta do objetivo proposto, a pesquisa focou nos elementos e procedimentos performativos (dança, música e magia) realizados durante as sessões semanais de Quimbanda e no período do calendário festivo do mês de agosto, quando diversas festas são celebradas em homenagem à entidade no terreiro de Mãe Ieda, sendo a principal realizada no dia dezoito de agosto e contando com a presença de aproximadamente mil e quinhentas pessoas de diversas regiões do Brasil e Conesul. / The present work aims to understand from participant observation, etnography of music and trajectory studies, the processes and technical aesthetical procedures that underlie the construction of performance and musicality of the liturgies performed at the sessions and festivities in the Quimbanda of the Mr. Exu King of the Seven Crossroads, trough the medium Ieda do Ogum, resident in the city of Porto Alegre, Rio Grande do Sul. This spiritual being is presented in the form of religious rites named Quimbanda or Linha Cruzada, which is part of the afro-gaucho religious field. This research focused on the performative elements and procedures (dance, music and magic) conducted during the Quimbanda sessions, that happened weekly and during the festive calendar of the month of August, when occur at the Mãe Ieda’s house, various festivals that are celebrated in honor of the spirit, being the primary held on August 18 and with the presence of about fifteen hundred people from different regions of Brazil and Southern Cone.

Made available in DSpace on 2014-06-12T15:05:24Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo4340_1.pdf: 2659342 bytes, checksum: 58905332299fa6456657aba31a46444e (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2007 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / O trabalho aborda a situação do maracatu-nação após o seu boom na década de 1990. As dinâmicas da linguagem musical são observadas no contexto histórico do desenvolvimento das comunidades maracatuzeiras afro-descendentes, sobretudo na zona norte do Recife, desde o momento de violenta repressão, durante o Estado Novo, até a transformação da tradição em objeto de fetiche e canibalização pela classe média branca. Assim, diferenças e articulações entre o fazer musical dos diversos grupos, diversamente situados nesse sistema do maracatu , são analisados por meio da etnografia e de temas importantes da Etnomusicologia. Um modelo de oposição e continuum entre monologia e dialogia é montado para evidenciar duas concepções complementares e em tensão na performance e na representação da música. Atenção especial é dada a uma nação, o Encanto da Alegria, em que batuqueiros mais velhos tocaram com jovens recentes ao baque virado. Outras nações articuladas na análise e descrição do contexto histórico são: Almirante do Forte, Axé da Lua, Cambinda Africana, Cambinda Estrela, Elefante, Estrela Brilhante, Gato Preto, Indiano, Leão Coroado e Porto Rico

Esta pesquisa consiste no estudo da prática musical da Banda de Pífanos de Caruaru, em sua trajetória cultural, social e musical, buscando compreender os sentidos constitutivos de sua cultura no sertão nordestino e as relações sociais e culturais estabelecidas no contexto da cultura brasileira urbana a partir da década de 60. Em um primeiro momento, procuramos compreender as formas musicais e os significados simbólicos da música da banda de pífanos no contexto de origem, no sertão de Alagoas e Pernambuco, de 1924 a 1939, as suas relações culturais e a sua concepção de mundo marcada pela oralidade. Em um segundo momento, procuramos reconstituir as relações culturais a partir da residência em Caruaru, entre as décadas de 40 e 70, no contato com o contexto urbano, e a sua experiência social a partir da década de 70 no Rio de Janeiro e em São Paulo, quando a sua música foi inserida nos meios de comunicação e na indústria fonográfica. Com isso, temos como objetivo refletir sobre o processo de trocas culturais e as transformações e permanências construídas em sua prática e linguagem musical, a partir da sua interação particular com o mundo moderno, em um processo de circularidade, na cultura musical brasileira. Ao situarmos o objeto como uma prática social expressiva da cultura oral e diante de suas especificidades metodológicas, foi necessário desenvolver uma abordagem interdisciplinar baseada no diálogo entre a história da cultura, a etnografia e a etnomusicologia. / This research is the study of Banda de Pífanos de Caruaru\'s musical practice in its cultural, social and musical path, seeking to understand the constituent senses of its culture in the northeastern wilderness and the social and cultural relations established in the context of the brazilian\'s urban culture from the 60\'s. At first, we sought to understand the musical forms and the symbolic meanings of the Banda de Pífanos\' music in the context of origin in Alagoas and Pernambuco\'s interior, from 1924 to 1939, its cultural relations and its world\'s conception marked by orality. In a second step, we sought to reconstruct the cultural relations from the residence in Caruaru, between the 40\'s and 70\'s, in contact with the urban context, and its social experience from the 70\'s in Rio de Janeiro and Sao Paulo, when its music was inserted in media and music industry. Thus, we aim to reflect on the process of cultural exchange and the changes and continuities built in its practice and musical language, from its particular interaction with modern world, in a circularity process, in the brazilian\'s musical culture. By situating the object as a significant social practice of the oral culture and before its methodological specificities, it was necessary to develop an interdisciplinary approach based on the dialogue between the history of culture, the ethnography and the ethnomusicology.

Trabalho voltado a três brincadeiras populares com personagem negro de máscara, em três Estados brasileiros, e a comparações com o personagem Macunaíma, de Mário de Andrade. Foi realizada pesquisa de campo com registro áudio-visual por quatro anos, em continuidade com pesquisa anterior de Mestrado. O capítulo 1 introduz abordagens de Mário de Andrade, etnomusicologia, semiótica, estudos africanos e afro-brasileiros. O capítulo 2 avalia grandezas reunidas em Macunaíma, da fonte etnográfica às visões dos personagens negros da cultura popular, com índices da própria obra, da correspondência com Bandeira e da crítica. O capítulo 3 tange à experiência de campo, ao registro de Mário de Andrade do palhaço Veludo no Lundu do Escravo e à visão de Tinhorão dos palhaços negros cantores. No capítulo 4 vêm as transcrições dos textos registrados em campo com os personagens Pai Francisco, Catirina, Mateus e Bastião, nos três Estados. E o capítulo 5 traz balanço comparativo dos três registros e coerências com Macunaíma. A conclusão aborda o disfarce social e a vitalidade das representações negras. / This is a study of three dramatic dances with masked black character, from three states of Brazil, in comparison with Mario de Andrade´s character Macunaíma. Field research with audio/video capture was done in four years, in continuity with the research for a previous thesis. Chapter 1 introduces Mário de Andrade´s approaches, ethnomusicology, semiotics, African and Afro-brazilian studies. Chapter 2 considers diferent values in Macunaíma, from the ethnographic base to visions of black characters in Brazilian popular culture, referring data from the book itself, from Andrade´s letters to Manuel Bandeira and from the critics. Chapter 3 discusses field experience, Andrade´s register of the clown Veludo in Lundu do Escravo and Tinhorão´s vision of the singing black minstrels. Chapter 4 brings transcriptions of texts registered in field with the characters Black Francisco, Catirina, Mateus and Bastião in three states of Brazil. And chapter 5 brings comparisons of the three narratives, and coherences with Macunaíma. The conclusion approaches social disguise and masks and vitality of black representations.

Neste trabalho estudamos a dinâmica da organização de uma Folia de Reis do Estado de São Paulo, a Folia de Reis dos Prudêncio, da cidade de Cajuru. Mais do que a dinâmica em si, nos ocupamos do estudo das toadas que são cantadas durante os seis dias da Folia, ou seja, entre os dias 1º e 6 de janeiro, quando celebramos o culto aos Três Reis Magos que no Brasil encontra um grande veículo de devoção. Nos embrenhamos por diversos estudos da área que desde a década de 1940 encontra representação na literatura. Contando com um grande acervo de registros desta Folia, i.e., fotografias, gravações de áudio, vídeo, depoimentos de participantes e matéria de periódicos, transcrevemos as cinquenta toadas identificadas em seu repertório, procurando refletir sob a luz da etnomusicologia: como \"funciona\" esta música, sob o ponto de vista bi-musical, considerando os aspectos da música, da cultura, daquele grupo e daquela sociedade em particular, e da relação de cada um com a devoção que enfeixa a Folia dos Prudêncio durante seis dias de todos os meses de janeiro, desde 1982. / In this work we study the dynamics of the organization of a Folia de Reis of the State of São Paulo, Folia de Reis dos Prudêncio, from the city of Cajuru. More than the dynamics itself, we deal with the study of the songs that are sung during the six days of Folia, that is, between January 1st and 6th, when we celebrate the cult of the Three Kings who in Brazil finds a great vehicle of devotion. We are embarked by several studies of the area that since the 1940s finds representation in literature. With a large collection of records of this Folia, ie, photographs, audio recordings, video, participants\' testimonies and newspaper articles, we transcribe the fifty toadas identified in its repertoire, seeking to reflect in the light of ethnomusicology: how \"works\" this music, from the bi-musical point of view, considering the aspects of music, culture, that group and that particular society, and the relationship of each one with the devotion that binds the Folia dos Prudêncio during six days of every month of January, since 1982