La photographie numérique a transformé les comportements sociaux, en devenant un élément important de nos vies quotidiennes. Ne restant pas à l’écart, le milieu de l’art contemporain a suivi cette tendance. La fin des années 1960 marque l’apparition de l’art éphémère, y compris la performance. Сes courants artistiques au 20e siècle ont incité une documentation des œuvres qui est passée par la photographie. Progressivement, elle a pris une position plus forte, intervenant comme support majeur de la création artistique. En documentant ces œuvres, la dimension éphémère de la performance est remplacée par une certaine matérialité qui devient un moyen de posséder ces œuvres. Vanessa Beecroft, une artiste italienne-américaine, est un exemple parfait qui réunit ces tendances et ces paradoxes. Attaquée par les uns qui critiquent son approche qui « exploite » les femmes, elle est glorifiée comme « féministe » par les autres. Sa production artistique efface en effet les frontières entre le monde réel et l’imaginaire, ainsi qu’entre le monde de l’art légitime et celui de la culture populaire, du marché de l’art et du commerce. Dans notre mémoire, nous étudions les photographies prises pendant les performances de Beecroft en tant qu’objets indépendants, ce qui nous permet de pousser l’analyse sociologique de l’œuvre plus loin, démontrant une série de médiations qui sont au cœur de l’œuvre de l’artiste et qui créent la valeur de son œuvre. Enfin, cette analyse nous permet de placer l’œuvre de Beecroft dans un contexte du marché de l’art plus global. / Digital photography has transformed our social behaviour and has become an important part of our daily lives. The contemporary art scene also followed this trend. The late 1960s were marked by the emergence of ephemeral art practices, including performance. These twentieth-century artistic trends prompted an intensified usage of photographic documenting in art. The photographic medium has gradually become a major support for ephemeral artistic creation. The ephemeral dimension of photography has thus become more material, which has in turn allowed possessing these works of art. Vanessa Beecroft, an Italian American artist, is a perfect example of this phenomenon, as her art brings together these tendencies and paradoxes. She has been both criticized for her exploitative approach toward women who participate in her performances and glorified as a feminist artist. Her artistic production erases the boundaries between the real world and the imaginary, as well as between the world of legitimate art and that of popular culture, the art market, and commerce. In my thesis, I study the photographs taken during Beecroft’s performances as independent works of art. This allows me to push the sociological analysis further and to trace a series of mediations that are at the heart of her work and that create the value of these artworks. Lastly, this analysis places Beecroft’s work in the global context of the current art market.

Mémoire de recherche-Double culture. / Ce mémoire examine les contacts, les relations établies entre l’art qualifié d’occidental et les arts actuels d’artistes d’origine africaine pour mettre en évidence l’émergence d’une dualité culturelle émanant de deux mondes différents donnant naissance à un genre artistique uniquement hybride. Il sera question de construire une étude se penchant sur le travail des artistes Omar Victor Diop, Kehinde Wiley et Yinka Shonibare. En ayant recours à un médium qui leur est propre, ces trois artistes réalisent un travail hybride associant cette double culture dont ils ont hérité par le phénomène de la mondialisation. Les origines et nationalités différentes auront leur importance dans cette analyse, Diop étant sénégalais, Wiley afroaméricain et Shonibare anglo-nigérian. C’est un moyen aussi d’analyser cette question de la double identité que la mondialisation a entrainée par le prisme de l’art et la manière dont cela se manifeste chez ces artistes. Nous assistons à une ouverture des frontières géographiques créant ainsi de nouveaux contacts entre les différents pays notamment d’un point de vue culturel. Ainsi, s’ajoute au phénomène de la mondialisation celui de la mouvance postcoloniale. Cette pensée post-coloniale nous pousse à nous questionner sur la manière dont les artistes contemporains, et dans notre cas les artistes contemporains africains, définissent leur identité et ce que la notion d’authenticité signifie pour eux. Il y a une remise en question des stéréotypes, une réflexion autour de la binarité Occident/Orient, blanc/noir et enfin une volonté de montrer l’importance de la place des Noirs dans l’histoire chez Wiley, Shonibare et Diop. C’est donc une conscience commune autour de l’identité noire chez ces trois artistes qui nous permet de les rattacher à la notion de panafricanisme. / This thesis investigates the relationships between Western art and the works of three artists of African descent, Omar Victor Diop, Kehinde Wiley, and Yinka Shonibare, to uncover a distinct artistic genre, called hybrid, through these artists’ respective media. The hybridity that their art embodies results from the type of cultural duality that globalization enables. Of particular interest are these artists’ nationalities and ethnic identities, Diop being Senegalese, Wiley African-American, and Shonibare Anglo-Nigerien. As such the analysis unpacks the phenomenon of cultural duality engendered by globalization through the prism of art and the way it manifests itself in these artists’ works through which we witness the opening of geographical borders, thus breaking down barriers between different countries, particularly from a cultural point of view. In addition to the phenomenon of globalization, the thesis also investigates whether these artists of hybridity find their place in the post-colonial movement. The focus on the post-colonial era prompts us to question how contemporary artists, in this case contemporary African artists, define their identities and reveal what authenticity means to them. Stereotypes are questioned, as are the Western vs. non-Western and white vs. black divides. Finally, the thesis investigates these artists’ desire to show the place that Black people occupy in history. In this way, the black consciousness that runs through these three artists’ works allows us to appreciate their contributions to Panafricanism.

Cotutelle de thèse, Institut d'études politiques de Paris, Centre d'histoire de Sciences Po Paris Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de cette thèse a été dépouillée de certains documents visuels et audio‐visuels. La version intégrale de la thèse a été déposée à la Division de la gestion des documents et des archives. / Cette thèse revisite certains grands thèmes associés à l’économie à travers des analyses d’œuvres d’art. Nous proposons de mettre en question l’image, très souvent relayée en histoire de l’art, d’une économie actuelle essentiellement abstraite et détachée des conditions politiques. Dans un premier temps, nous revenons sur la définition même de l’économie. Nous identifions certains principes théoriques servant de légitimation aux discours qui entretiennent l’idée d’une neutralité des objectifs économiques. Puis nous construisons un cadre théorique à la croisée de plusieurs courants de pensée en sciences humaines et sociales, afin d’inscrire la vision de l’économie dans des dimensions politiques et matérielles. Nous réalisons ensuite une analyse de trois performances de l’artiste argentine Marta Minujín. Nous suivons l’artiste quant à l’importance qu’elle accorde aux matières premières, qui deviennent ainsi notre principal moyen d’enquête et de réflexion. Afin de renouveler la vision de l’économie à travers l’analyse d’œuvres d’art, nous conjuguons des comparaisons iconographiques inédites avec une mise à jour de la compréhension des contextes historiques, reposant notamment sur la récente littérature en analyse des systèmes-monde et en économie écologique, et nous présentons des réflexions abouties sur plusieurs concepts majeurs du fonctionnement économique, tels que la monnaie, la dette, le profit et la valeur. Nous montrons ainsi la polysémie du dispositif mis en place par l’artiste, et sa capacité à révéler des dynamiques politiques, territoriales et matérielles récurrentes qui soutiennent le fonctionnement de l’économie. Nous explorons comment les œuvres renversent la hiérarchie habituelle des subordinations économiques, et comment elles en débusquent les origines et les prolongements jusqu’à ce jour. Nous voyons également comment les performances de Marta Minujín pointent et confrontent les arrangements consensuels qui garantissent l’enrichissement économique. / This thesis revisits a number of major economic themes through an in-depth analysis of three works of art. It seeks to interrogate the prevailing conception of the contemporary economy as an abstract domain detached from political concerns—a conception commonly found in art historical texts. The first chapter of this thesis reassesses the definition of the economy. I identify a set of theoretical principles that serve to legitimate the idea that economic objectives are neutral. In the second chapter, I build a theoretical framework at the crossroads of several bodies of thought in the social sciences and humanities, in view of putting forward a renewed conception of the economy, anchored in political and material considerations. I then turn to my analysis of three performances by Argentinian artist Marta Minujín. Taking a cue from the artist's approach, I use raw materials as a prism of analysis and reflection. I combine novel comparative analyses of works of art with a fresh re-examination of key moments in the history of capitalism, drawing on recent literature on world-systems analysis and ecological economics, among others. I also present extensive reflections on a number of important economic concepts, namely money, debt, profit and value. In so doing, I expose the polysemic nature of Minujín’s performances and highlight their capacity to reveal recurring political, territorial and material dynamics undergirding the economy. I explore the ways in which Minujín’s works overturn the traditional hierarchy of economic subordination all the while revealing its historical roots and present-day manifestations. Lastly, I show how Marta Minujín’s performances highlight and challenge the consensual deals and arrangements that guarantee economic profit-making.

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L’art furtif est un procédé artistique qui consiste à intégrer l’art de manière anonyme dans l’espace urbain, et ce, sans qu’une signalétique explicite en désigne le statut artistique. Créées sous l’anonymat, en secret et sans public, les actions furtives intègrent le champ artistique à travers la documentation que les artistes produisent pour les enregistrer. Cette documentation sera ensuite présentée dans plusieurs situations de diffusion. Cela va de l’exposition d’art jusqu’à son catalogue d’exposition, en passant par toutes formes de communications promotionnelles de l’exposition et dans lesquelles une documentation d’œuvre est susceptible d’apparaître : pamphlets, affiches, dossier de presse, site internet mis en place pour l’occasion, pages événementielles sur les réseaux sociaux, etc. Au-delà de ces situations de diffusion qui se rattachent à un événement précis, il y en a d’autres qui sont plus indépendantes : présentations, conférences, articles de revue, publications. Notre travail s’attache à démontrer plus concrètement, à travers le travail artistique de Diane Borsato, karen elaine spencer et Steve Giasson, comment des documents photographiques faisant l’objet de différents modes de diffusion ont permis à des gestes, des interventions ou des performances qui semblent n’avoir rien de particulier — à part la volonté de passer inaperçus — de devenir des œuvres d’art connues. Nous cherchons à saisir les médiations ayant permis l’intégration des actions furtives dans le champ artistique. Il s’agit de mieux comprendre d’une part, leur nature, et d’autre part leur mécanisme de fonctionnement, soit tous les acteurs, les situations et les actions ayant participé à leur développement. L’étude des médiations permettra en retour d’identifier la fonction d’une documentation d’œuvre au sein d’une situation de diffusion — de même que la fonction de cette dernière — ce qui, tout bien considéré, permettra une meilleure compréhension de l’action furtive et de sa réception. / Art furtif is an artistic process that consists of integrating art anonymously into urban space, without any explicit signage designating its artistic status. Produced anonymously, in secret and without an audience; furtive actions are integrated into the artistic field through documents of all kinds. These documents are then transmitted through a variety of media. These range from art exhibitions to exhibition catalogues and all of its forms of promotional communications in which the documentation of an artwork is likely to appear: pamphlets, posters, press kit, website set up for the occasion, event pages on social networks, etc. Beyond these modes of transmission, which are linked to a specific event, there are others more independent media such as presentations, conferences, journal articles and publications. Our task is to demonstrate, through the work of Diane Borsato, karen elaine spencer and Steve Giasson, how photographs have made it possible for gestures, interventions, or performances, which seem to have nothing in particular—apart from their desire to go unnoticed—to become known works of art. Our goal is to understand the mediations that have allowed the integration of furtive actions into the artistic field. This study gives a better understanding of their nature and underlying mechanism. Studying mediations will in turn make it possible to identify the function of an artwork documentation within a given medium — as well as the function of the latter — which, all things considered, will provide a better understanding of furtive action and its reception.

Ce mémoire consiste en la création d’un atlas numérique de l’architecture publique en France dans la première moitié du XIXème siècle. Le Conseil des bâtiments civils, institution publique chargée de l’architecture publique après la révolution, avait pour tâche de bâtir la République. Ainsi, le projet architectural est chargé d’une fonction symbolique, l’inscription du pouvoir dans l’espace, ainsi que d’une fonction de contrôle de l’espace public. La rationalisation et la codification de la pratique architecturale, ainsi qu’une pensée structurée par le développement de la cartographie et de la statistique, émergent afin de bâtir un territoire à l’image de ce nouvel Etat-nation. Issue du dépouillement analytique des procès-verbaux des séances du Conseil entre 1795 et 1840, la base de données CONBAVIL présente l’opportunité de traiter l’OEuvre du Conseil à travers une approche spatiale et quantitative alliant territoire, savoir et pouvoir. Suite à une analyse critique critique de son contenu, l’éditorialisation de CONBAVIL prend la forme d’une application web. Il s’agit d’un outil de recherche cartographiant et visualisant les données avec la librairie de code D3.js. L’exploitation de multiples formes de représentation, dont l’interactivité décuple le potentiel analytique, permet de faire émerger de nouvelles connaissances sur les pratiques et les politiques architecturales de cette institution. La dimension numérique de l’atlas habilite une exploration visuelle, pluridimensionnelle et hyperliée des données CONBAVIL, jusqu’à présent accessibles uniquement à travers des fiches statiques et via un formulaire. Ainsi, il s’agit d’explorer le potentiel de l’éditorialisation d’une base de données en un atlas numérique pour la production d’une épistémologie visuelle en histoire de l’art. / This master's thesis entails in the creation of a digital atlas of public architecture in France during the first half of the XIXth century. The Council of Civil Buildings, the public institution in charge of civil architecture after the revolution, had as aim to build the Republic. Thus, their architectural project takes on a symbolic function, the inscription of power into space, as well as the function to control the public space. A rationalisation and codification of the architectural practice, as well a mindset structured by the advancements in cartography and statistics, form in order to build a territory mirroring the new nation-state. Derived from the analysis of the Coucil’s sessions’ reports between 1795 and 1840, the CONBAVIL database presents the opportunity to study Council’s work through a spatial and quantitative approach uniting territory, knowledge, and power. After a critical analysis of its contents, the editorialisation of CONBAVIL takes the shape of as a web application. This research tool maps and visualizes this data using the D3.js code library. The multiple forms of representation, whose interactivity multiply their analytical potential, aim to reveal a new understanding of the political and architectural doings of the Council of Civil Buildings. The digital dimension of the atlas will allow a visual, multidimensional and hyperlinked explora-tion of the CONBAVIL data, until now only accessible through a form and as static records. Thus this research explores the potential of editorialising a database into a digital atlas for a visual epistemology in art history.

Cette étude vise à esquisser les fondements et influences philosophiques de la pensée de l’historien de l’art Aby Warburg par le biais de deux penseurs : Friedrich Nietzsche et Ernst Cassirer. La question de la mémoire offre un fil conducteur à cette investigation dans la mesure où, pour Warburg, celle-ci est véhiculée de manière insigne par et dans l’image. D’abord, il s’agira de souligner que la Renaissance italienne, point de départ de l’investigation mémorielle de ce dernier, s’est présentée avant tout en tant que question au sein de l’imagination historique allemande. C’est notamment chez l’historien de la culture Jacob Burckhardt et Nietzsche, deux maîtres à penser de Warburg, que cette période historique est thématisée pour repenser le rapport de l’individu à son passé. Ensuite, l’approche des sciences de la culture, une constellation disciplinaire duquel se revendique Warburg, nous permet de voir de quelle manière la méthode de celui-ci se distingue de l’abstraction esthétique afin de préserver le sens équivoque de la mémoire et la possibilité de faire l’expérience vivante ou posthume de l’image. Enfin, c’est par le biais du symbole, objet d’étude centrale de la philosophie de Cassirer, que Warburg en viendra à penser les polarités de l’image. Sans vouloir rabattre la pensée de Warburg sur celle d’un système, le dialogue avec Cassirer permettra de voir comment ceux-ci ont réussi leur pari de rendre compte de la pensée mythique et de ses intermédiaires avec la raison. / This study aims to outline the philosophical foundations and influences of art historian Aby Warburg's work through two thinkers: Friedrich Nietzsche and Ernst Cassirer. The question of memory offers a red thread to this investigation insofar as, for Warburg, it is conveyed in an insignificant way in and through the image. First, it will be emphasized that the Italian Renaissance, the starting point of his investigation of memory, was presented above all as a question within the German historical imagination. In particular, the cultural historian Jacob Burckhardt and Nietzsche, two of Warburg's influences, thematized this historical period in order to rethink the relationship of the individual to his past. Secondly, the approach of cultural sciences, a disciplinary constellation used by Warburg, allows us to see how his method differs from aesthetic abstraction to preserve the equivocal meaning of memory and the possibility of experience the life or the afterlife of images. Finally, it is through the symbol, the central object of study in Cassirer's philosophy, that Warburg comes to ponder the polarities of the image. Without seeking to reduce Warburg's thought to that of a system, the dialogue with Cassirer will make it possible to see how they succeeded in their wager to give an account of mythical thought and its intermediaries with reason.