Réalisé en codirection avec Hélène Buzelin / Depuis le début des années 1980, le milieu théâtral québécois manifeste un intérêt croissant pour Tchekhov. Pourtant, les pièces traduites ne répondent pas à la tendance qui, dans le Québec des années 1970-1980, consistait à adapter les classiques du théâtre étranger de façon ethnocentrique, notamment en les traduisant en québécois. Pour Tchekhov, les traducteurs et les praticiens semblent davantage préoccupés par la dimension dramaturgique de la langue que par l'adaptation au contexte sociolinguistique d'accueil. Intriguée par ce phénomène, nous avons cherché à le vérifier et à le comprendre dans le présent mémoire en analysant trois traductions québécoises d’Oncle Vania, représentées entre 1983 et 2001. Notre travail se trouve au carrefour de deux disciplines : la traductologie et l’analyse dramaturgique. Il cherche à démontrer l’ancrage proprement dramaturgique des différentes stratégies de traduction d’Oncle Vania en étudiant la série de leurs concrétisations, du texte source jusqu’à la mise en jeu cible. Le corpus se compose de deux traductions à visée mimétique et d’une réécriture. Dans l'Oncle Vania de Michel Tremblay (1983), l'idiolecte du personnage de Marina a été traduit en joual de façon à recréer l'effet dramaturgique source. Dans Uncle Vanya (1993), une production anglaise du Théâtre du Centaur, les répliques de Sérébriakov ont été traduites en français par Jean-Louis Roux, l'interprète du personnage, et mettent en valeur plusieurs traits distinctifs de celui-ci. La troisième pièce à l'étude est une réécriture de la pièce par Howard Barker, (Uncle) Vanya, traduite au Québec par Paul Lefebvre (2001). La vulgarité de la langue de cette pièce a été traduite de façon sémantique pour recréer la relation déstabilisante spectacle/spectateur propre au Théâtre de la Catastrophe de Barker. Très différentes les unes des autres, ces versions d'Oncle Vania démontrent que la traduction peut s'inscrire, en tant que processus d'analyse dramaturgique, au sein de la critique et de la réflexion sur l'œuvre de Tchekhov. En effet, ces traductions semblent participer davantage de l'histoire globale de l'interprétation du théâtre de Tchekhov en français que d’un projet sociopolitique. Ce mémoire contribue ainsi aux études de traductologie, en y intégrant des modalités d’analyse dramaturgique et apporte un nouvel éclairage à l’histoire de la traduction théâtrale au Québec. / Since the beginning of the 1980’s, Quebec's theatrical milieu interest for Chekhov plays is growing. However, the translated plays do not reflect the tendency which, in the 1970’s and the 1980’s, consisted in adapting the foreign classics of theater in an ethnocentric way, especially by translating them into québécois French. For Chekhov, the translators and the practitioners seemed more worried about the dramaturgic aspects of the language than by the sociolinguistic adaptation of the plays to the context of reception. Intrigued by this phenomenon, we tried to verify and understand it by analyzing three Uncle Vania plays translated and produced in Quebec between 1983 and 2001. Our work is at the crossroads of two disciplines : traductology and dramaturgical analysis. It tries to demonstrate the strictly dramaturgic roots of the various translations strategies for Uncle Vania by studying the series of their concretizations, from the source text to the target mise en jeu. The corpus consists of two mimetic translations and a rewriting. The first play is Oncle Vania, translated by Michel Tremblay (1983), where the idiolect of Marina, one of the characters, was translated in joual in order to recreate the dramaturgic effect of the source text. In the second translation, Uncle Vanya, played in English at the Centaur Theater (1993), the lines of professor Serebryakov were translated into French by Jean-Louis Roux, the character's interpreter, and emphasize several of his characteristics. The third play of the corpus is a rewriting of Chekhov's, (Uncle) Vanya by Howard Barker, translated in Quebec by Paul Lefebvre (2001). The vulgarity of the language of this last play was translated in a semantic way, in order to recreate the show/spectator relation particular to the Barker’s Theatre of Catastrophe. These Uncle Vania’s versions are very different from one another and demonstrate that translation, as a process of dramaturgic analysis, can contribute to the criticism and the reflection on the work of Chekhov. In fact, these translations seem to participate more in the global history of the interpretation of Chekhov’s theater in French, than in a sociopolitical reading of theatrical translation in Quebec. In contributing top translation studies by the mean of dramaturgical analysis, this work also sheds new light on the history of theatrical translation in Quebec.

Le théâtre est le lieu d’un rapport privilégié au corps, dans la co-présence du corps de l’acteur et du corps du spectateur au moment de la représentation théâtrale. Il est l’arène privilégiée où s’observe l’impact des bouleversements qui ont modifié les codes de la représentation au cours du vingtième siècle. Le théâtre anglais contemporain attire les regards sur le spectacle d’un corps souffrant, exhibé, violenté (théâtre In-yer-face, théâtre de la Catastrophe) et dans le même temps propose la représentation d’un corps spectral dans un théâtre influencé par Beckett. Ces deux tendances – corps spectacle et corps spectral – sont les signes visibles d’une crise de la représentation du corps et de la déconstruction du sujet. Les auteurs que nous avons choisis pour cette étude (Edward Bond, Howard Barker, Martin Crimp et Sarah Kane) se sont imposés comme les figures de proue d’un théâtre non-naturaliste, poétique et subversif, qui font du corps le pilier de leurs esthétiques. Notre étude se présente comme une anatomie du « corps esthétique » (Roland Barthes) dans une perspective comparatiste des dramaturgies abordées. Elle explore le rôle du corps dans tous les domaines de la représentation : Comment le texte construit-il le corps ? Comment le corps envahit-il le texte ? Quelles sont les stratégies mises en œuvre pour représenter le corps dans le passage de la page au plateau ? Quelle est la place du corps de l’acteur ? du corps du spectateur ? Parce que « le » corps n’existe pas, les théâtres du corps en jeu ne cessent d’affirmer le potentiel illimité du corps en exposant la labilité du corps du personnage, de l’acteur et du spectateur. / The theatre is a privileged site to understand the body, because of the copresence of the body of the actor and that of the spectator during the representation. It is the privileged arena where we can observe the consequences of the upheavals that changed the conventions in representation in the course of the twentieth century. English contemporary theatre attracts our attention both to the spectacle of a suffering body, which is also exposed and violated (In-yer-face theatre, the theatre of Catastrophe) and that of a spectral body, in a theatre influenced by Beckett. These two trends – the body as spectacle and the spectral body – are the visible signs of a crisis in the representation of the body and the deconstruction of the subject. The authors chosen for this study (Edward Bond, Howard Barker, Martin Crimp and Sarah Kane) are the figureheads of a non-naturalistic, poetic and subversive theatre. The body is at the core of their aesthetics. Our contention is to develop an anatomy of the “aesthetic body” (Roland Barthes) with a comparative approach of the works, and to investigate the role of the body in all the different fields of representation: How does the text create a body? How does the body invade the text? What are the strategies at stake to represent the body in the translation from page to stage? How is the body of the actor used? How is the spectator’s body affected? Because it seems there is no such thing as “the” body, the theatres of the “body-at-play” try to reassess the limitless potential of the body, to deliver it from all constraints, and to expose the lability of the character’s body, as well as the actor’s and the spectator’s.

La vie et l’oeuvre de Howard Zinn cristallisent un ensemble de dynamiques contradictoires. Issu d’une génération marquée par la Grande Dépression et la Seconde Guerre mondiale, il deviendra – à la différence d’autres figures publiques de sa génération – une figure phare de la nouvelle gauche et de son pendant historiographique, la nouvelle histoire sociale. Hissé ainsi au rang d’intellectuel engagé suite aux mouvements sociaux des années 1960, il reste pourtant influencé par la Weltanschauung de son temps. Or loin d’être une trajectoire atypique au sein de sa classe d’âge, un tel parcours permet d’éclairer autrement les comportements collectifs de cette génération, notamment en permettant de s’extraire d’une grille de lecture encore largement axée sur des identités culturelles spécifiques. A ce titre, il permet une relecture des générations intellectuelles aux Etats-Unis associant des communautés trop souvent dissociées selon une approche idéologique plus inclusive. / Howard Zinn’s life and work embodies contradictory dynamics. Though himself from a generation which came of age during the Great Depression and World War Two, he became a leading figure of the New Left as well as a representative of the new social history. He indeed rose to prominence as a public intellectual through his involvement in the social movements of the 1960s, while remaining influenced by the Weltanschauung of his own times. Far from being atypical for his age group, his trajectory sheds new light on the collective behavior of this generation. Indeed, it points to the possibility of going beyond a historiography which has been largely informed by specific cultural identities. By moving away from an approach too narrowly ideological, the study of Howard Zinn’s life and work will offer a more inclusive approach to generational issues in the United States.

<p>The purpose of this paper is to examine translation norms, strategies and solutions in chapter <em>XIII Westbottom and Lapland</em> in <em>The Further Adventures of Nils</em> (Lagerlöf, 1911). In the foreword to the English translation of the novel, the translator writes that some of the purely geographical matter has been eliminated in the translation, and that cuts have been made where the descriptive matter is only of local interest. This statement raised questions about the intended readerships and the purposes of the original novel and the translation, respectively. Are these the same in the two texts, or are they different? Further questions were raised regarding the initial norm of the translator. Has she aimed for domestication or foreignization in the text?</p><p>In this paper, two domains were chosen as fields of study: proper nouns and the lexical fields of water, heights and flat land. Through an analysis of coupled pairs from the chosen domains, it was concluded that the translator’s initial norm was foreignization, but that there are also many examples of domestication in the text. It was also shown that while the original novel has two clearly stated purposes, namely of being a geography book for Swedish school children as well as a novel with high literary standards, the educational purpose is not as pronounced in the translation. However, the inclusion of a <em>Table of Pronunciation</em> displayed an educational addition to the translation, which is not part of the original novel.</p><p><strong>Keywords</strong><em>:</em> translation, Lagerlöf, English, Swedish, initial norm, domestication, foreignization.</p>

Depuis le début des années 1980, le milieu théâtral québécois manifeste un intérêt croissant pour Tchekhov. Pourtant, les pièces traduites ne répondent pas à la tendance qui, dans le Québec des années 1970-1980, consistait à adapter les classiques du théâtre étranger de façon ethnocentrique, notamment en les traduisant en québécois. Pour Tchekhov, les traducteurs et les praticiens semblent davantage préoccupés par la dimension dramaturgique de la langue que par l'adaptation au contexte sociolinguistique d'accueil. Intriguée par ce phénomène, nous avons cherché à le vérifier et à le comprendre dans le présent mémoire en analysant trois traductions québécoises d’Oncle Vania, représentées entre 1983 et 2001. Notre travail se trouve au carrefour de deux disciplines : la traductologie et l’analyse dramaturgique. Il cherche à démontrer l’ancrage proprement dramaturgique des différentes stratégies de traduction d’Oncle Vania en étudiant la série de leurs concrétisations, du texte source jusqu’à la mise en jeu cible. Le corpus se compose de deux traductions à visée mimétique et d’une réécriture. Dans l'Oncle Vania de Michel Tremblay (1983), l'idiolecte du personnage de Marina a été traduit en joual de façon à recréer l'effet dramaturgique source. Dans Uncle Vanya (1993), une production anglaise du Théâtre du Centaur, les répliques de Sérébriakov ont été traduites en français par Jean-Louis Roux, l'interprète du personnage, et mettent en valeur plusieurs traits distinctifs de celui-ci. La troisième pièce à l'étude est une réécriture de la pièce par Howard Barker, (Uncle) Vanya, traduite au Québec par Paul Lefebvre (2001). La vulgarité de la langue de cette pièce a été traduite de façon sémantique pour recréer la relation déstabilisante spectacle/spectateur propre au Théâtre de la Catastrophe de Barker. Très différentes les unes des autres, ces versions d'Oncle Vania démontrent que la traduction peut s'inscrire, en tant que processus d'analyse dramaturgique, au sein de la critique et de la réflexion sur l'œuvre de Tchekhov. En effet, ces traductions semblent participer davantage de l'histoire globale de l'interprétation du théâtre de Tchekhov en français que d’un projet sociopolitique. Ce mémoire contribue ainsi aux études de traductologie, en y intégrant des modalités d’analyse dramaturgique et apporte un nouvel éclairage à l’histoire de la traduction théâtrale au Québec. / Since the beginning of the 1980’s, Quebec's theatrical milieu interest for Chekhov plays is growing. However, the translated plays do not reflect the tendency which, in the 1970’s and the 1980’s, consisted in adapting the foreign classics of theater in an ethnocentric way, especially by translating them into québécois French. For Chekhov, the translators and the practitioners seemed more worried about the dramaturgic aspects of the language than by the sociolinguistic adaptation of the plays to the context of reception. Intrigued by this phenomenon, we tried to verify and understand it by analyzing three Uncle Vania plays translated and produced in Quebec between 1983 and 2001. Our work is at the crossroads of two disciplines : traductology and dramaturgical analysis. It tries to demonstrate the strictly dramaturgic roots of the various translations strategies for Uncle Vania by studying the series of their concretizations, from the source text to the target mise en jeu. The corpus consists of two mimetic translations and a rewriting. The first play is Oncle Vania, translated by Michel Tremblay (1983), where the idiolect of Marina, one of the characters, was translated in joual in order to recreate the dramaturgic effect of the source text. In the second translation, Uncle Vanya, played in English at the Centaur Theater (1993), the lines of professor Serebryakov were translated into French by Jean-Louis Roux, the character's interpreter, and emphasize several of his characteristics. The third play of the corpus is a rewriting of Chekhov's, (Uncle) Vanya by Howard Barker, translated in Quebec by Paul Lefebvre (2001). The vulgarity of the language of this last play was translated in a semantic way, in order to recreate the show/spectator relation particular to the Barker’s Theatre of Catastrophe. These Uncle Vania’s versions are very different from one another and demonstrate that translation, as a process of dramaturgic analysis, can contribute to the criticism and the reflection on the work of Chekhov. In fact, these translations seem to participate more in the global history of the interpretation of Chekhov’s theater in French, than in a sociopolitical reading of theatrical translation in Quebec. In contributing top translation studies by the mean of dramaturgical analysis, this work also sheds new light on the history of theatrical translation in Quebec. / Réalisé en codirection avec Hélène Buzelin

Thesis (M.A.)--Florida State University, 2004. / Advisor: Dr. Carrie Sandahl, Florida State University, School of Theatre. Title and description from dissertation home page (viewed May 20, 2005). Includes bibliographical references.

The purpose of this paper is to examine translation norms, strategies and solutions in chapter XIII Westbottom and Lapland in The Further Adventures of Nils (Lagerlöf, 1911). In the foreword to the English translation of the novel, the translator writes that some of the purely geographical matter has been eliminated in the translation, and that cuts have been made where the descriptive matter is only of local interest. This statement raised questions about the intended readerships and the purposes of the original novel and the translation, respectively. Are these the same in the two texts, or are they different? Further questions were raised regarding the initial norm of the translator. Has she aimed for domestication or foreignization in the text? In this paper, two domains were chosen as fields of study: proper nouns and the lexical fields of water, heights and flat land. Through an analysis of coupled pairs from the chosen domains, it was concluded that the translator’s initial norm was foreignization, but that there are also many examples of domestication in the text. It was also shown that while the original novel has two clearly stated purposes, namely of being a geography book for Swedish school children as well as a novel with high literary standards, the educational purpose is not as pronounced in the translation. However, the inclusion of a Table of Pronunciation displayed an educational addition to the translation, which is not part of the original novel. Keywords: translation, Lagerlöf, English, Swedish, initial norm, domestication, foreignization.

Howard Barker fait ses armes de dramaturge en composant en 1971 une pochade sur Henry V de Shakespeare et signe trente ans plus tard l’un de ses textes les plus aboutis avec Gertrude – The Cry, variation sur le thème d’Hamlet. À la faveur de ces réécritures et de quelques autres (notamment Seven Lears en 1989), décrire le dramaturge contemporain comme le « Shakespeare de notre époque », expression attribuée à Sarah Kane, s’est rapidement imposé comme un lieu commun, relayé tant par la presse que par la critique. Pourtant, en dépit de certaines caractéristiques communes, leurs œuvres apparaissent d’abord comme radicalement différentes, ne serait-ce qu’en raison du statut marginal que Barker occupe au sein du paysage théâtral anglais. Dès lors, si Shakespeare se manifeste dans son œuvre, ce sera sous une forme altérée, méconnaissable, transformée, autrement dit sous forme de spectres. Pourquoi l’œuvre de Barker a-t-elle suscité de façon si insistante la comparaison à celle de Shakespeare ? Et que révèle cette comparaison, non seulement de la pratique critique, mais surtout des enjeux poétiques du théâtre de Barker ? Cette étude s’efforce de répondre à ces questions en examinant d’abord les modalités d’élaboration de l’œuvre de Barker, et la manière dont celle-ci place le spectre, figure majeure du doute, au cœur de son esthétique. Elle se penche ensuite sur les critères qui ont pu justifier le rapprochement entre les deux dramaturges, notamment l’histoire et l’écriture, pour montrer que Shakespeare est toujours convoqué sur le mode paradoxal du leurre, modèle avancé pour être mieux rejeté. De la sorte, elle essaie de dégager non pas les traits que partagent les deux dramaturges, mais la manière dont Barker tente d’exorciser la présence étouffante du dramaturge élisabéthain en élaborant une poétique singulière. / From his earliest efforts to his latest and most accomplished plays, Howard Barker has often confronted Shakespeare, be it with his irreverent parody of Henry V in Henry V in Two Parts (1971) or with his variations on Hamlet in Gertrude – The Cry (2002). These rewritings, along with some others (notably Seven Lears in 1989) have prompted many, both in the media and in academia, to call him, as Sarah Kane allegedly did, “the Shakespeare of our age”. In spite of a number of common features, their works do however appear as radically different, if only because of Barker’s marginal status within the landscape of contemporary English drama. If Shakespeare manifests himself in Barker’s work, it will therefore be in an altered and possibly unrecognizable form, in other words as a spectre. Why is it that Barker’s work has been so insistently compared to that of Shakespeare? What does this comparison reveal both about critical practice and about the aesthetics of Barker’s theatre? In order to answer these questions, this dissertation first examines the overall design of Barker’s work and the way in which it endeavours to place the figure of the ghost, as an embodiment of doubt, at its core. It then moves on to consider the criteria that have been invoked to draw a parallel between both playwrights, especially their focus on history and poetic writing as the basis of drama, to show how Shakespeare is always paradoxically summoned as a lure, an empty model that both suggests and contradicts modes of interpretation. In doing so, it strives to bring out not the traits shared by both playwrights but Barker’s effort to thwart the haunting and overwhelming presence of Shakespeare by giving birth to his own original voice.

L’étude de l’œuvre de l’auteur fantastique américain H.P. Lovecraft a souvent été mise de côté dans les études littéraires, où on qualifiait son style d’excessif et maladroit. Celui-ci a alimenté beaucoup de débats sur l’appartenance de Lovecraft au genre fantastique en général, duquel on l’excluait, prétextant qu’il rompait la traditionnelle hésitation typiquement fantastique. Dans ce mémoire, nous souhaitons nous interroger sur le rôle que peut jouer l’écriture particulière de Lovecraft dans la construction d’un univers narratif cohérent, malgré la crise du signe à laquelle font face ses personnages. Nous observerons comment l’écriture de Lovecraft, grâce à son recours à l’ekphrasis, parvient à susciter le sublime, d’abord chez ses narrateurs, mais également transcender le récit pour atteindre le lecteur. Nous montrerons comment le sublime vécu par ses personnages parvient, grâce à une esthétique de la présence du surnaturel, à faire douter le lecteur sur sa propre réalité.

Thesis (MTh)--Stellenbosch University, 2011. / ENGLISH ABSTRACT: Critical New Testament study has drawn on analytical techniques and interrogatory methods from a wide range of disciplines. In recent decades the dominance of historical and ecclesiologicallylocated approaches have been challenged by insights from literary, sociological, anthropological, cultural and ideological scholarship. These challenges have proved fruitful and opened biblical scholarship to new and generative interpretation. This plurality of interpretation has in turn challenged the reductionism of biblical scholarship, leading to the now common acknowledgement that a particular reading or reconstruction is but one of many. Unfortunately many new readings have been too tightly bound to a single method or insight. The broad interaction between these readings has been often overlooked. In contrast to this trend an epistemology of text emerging from the poststructural notion of intertextuality allows the construction of links between a range of interpretive methods. Intertextuality emerges from literary and cultural theory but spills over to make hermeneutical connections with historical, cultural and ideological theory. For the most part New Testament scholars who have appropriated the term have noted this but not thoroughly explored it. In this study an ideologically-declared overtly intertextual approach to the third canonical gospel demonstrates the interlinking hermeneutic allowed by intertextuality. John Howard Yoder's reading of the gospel of Luke underscores the development of a Christian social-ethic. This reading in turn forms the framework for the more overtly intertextual reading offered here. An intertextual reading of the New Testament Scriptures is both narratively generative and politically directive for many Christian communities. / AFRIKAANSE OPSOMMING: Kritiese Nuwe Testamentiese studies het in die verlede gebruik gemaak van analitiese tegnieke en ondervraende metodes uit ‘n wye verskeidenheid van dissiplines. Meer onlangs is die oorheersing van historiese en kerklik-gerigte benaderings uitgedaag deur insigte vanuit letterkundige, sosiologiese, antropologiese, kulturele en ideologiese dissiplines. Hierdie uitdagings het vrugbaar geblyk en het Bybelse vakkennis toeganklik gemaak vir nuwe en produktiewe interpretasies. Hierdie meervoudige interpretasies het op hul beurt weer die reduksionisme in Bybelse geleerdheid uitgedaag, wat aanleiding gegee het tot die nou algemene erkenning dat ‘n bepaalde vertolking of rekonstruksie slegs een van vele is. Die breë wisselwerking tussen sulke vertolkings word dikwels misgekyk. In teenstelling met hierdie neiging, laat ‘n epistemologie van die teks wat te voorskyn kom uit ‘n poststrukturele begrip van intertekstualiteit toe dat verbande gekonstrueer word word tussen ‘n verskeidenheid van vertolkingsmetodes. Intertekstualiteit spruit voort uit literêre en kulturele teorie, maar vorm ook hermeneutiese skakels met historiese, kulturele en ideologie kritiek. Die meeste Nuwe Testamentici wat gebruik gemaak het van hierdie term, het kennis geneem van sulke verbande, maar dit nie altyd volledig verreken nie. In hierdie studie demonstreer ‘n ideologies-verklaarde, openlik intertekstuele benadering tot die derde kanonieke evangelie die gekoppelde hermeneutiek wat toegelaat word deur intertekstualiteit. John Howard Yoder se vertolking van die Evangelie van Lukas plaas klem op die ontwikkeling van ‘n Christelike sosiale etiek. Hierdie interpretasie vorm op sy beurt weer die raamwerk vir die meer openlik intertekstuele vertolking wat hier aangebied word. ‘n Intertekstuele interpretasie van die Nuwe Testamentiese geskrifte is beide verhalend produktief asook polities rigtinggewend vir talle Christelike gemeenskappe.