This work focuses on the evolution of Dada and its manifestation in Czech literature, especially in the twenties of the twentieth century, but, of course, it focuses on later manifestations too. It focuses on the main features of dadaism, like abhor technics, mysticism and rituality, destruction, universality, dada language or humour. Application of dada to czech discourse would be unable, without defining these features. This work focuses on real or potential dadaistic manifestations and theoretical reception in the czech discourse, which is represented by Karel Teige on the side of oppositors and the Devetsil group of Brno on the side of propagators. The last chapter is about the relations between dadaism and carnival culture, that wat theoretically formulated by Bachtin. I focuses especially on identical properties. Key words: Dadaism, carnival culture, humour, destruction, manifesto.

Den här studien undersöker hur identifikationsprocessen i fumblecore-spel ter sig utifrån Cohens dimensioner kring identifikation. För att undersöka detta utvecklades en artefakt som designades utifrån tre teorier kring humor (Superiority Theory, Incongruity Theory och Relief Theory) samt definierade karaktäristiska element som tillsammans utgör spel inom genren. Undersökningen genomfördes på tolv respondenter där data samlades in genom observation, frågeformulär och kvalitativa intervjuer där frågorna baserades på Cohens fyra dimensioner kring identifikation (emotionell empati, kognitiv empati, motiverande identifikation och absorberande identifikation) för att mäta detta. Resultatet visade på att respondenter projicerar sina egna känslor och mål på karaktären och använder denne som ett medel att utföra sina önskade handlingar. Således är det snarare karaktären som tar på sig spelarens identitet och anammar dennes perspektiv och målsättning än spelaren som tar på sig karaktärens. / This study examines how the identificatory process in fumblecore games plays out according to Cohen’s dimensions about identification. To examine this, an artifact was developed based on three theories on humour (Superiority Theory, Incongruity Theory and Relief Theory) as well as prominent characteristic elements that defines games within the genre. The survey was conducted on twelve respondents where data was collected through observation, questionnaires and qualitative interviews where the questions were based on Cohen's four dimensions about identification (emotional empathy, cognitive empathy, motivational identification and absorbing identification) in order to measure this. The result showed that respondents project their own feelings and goals on the character and use this as a means of performing their desired actions. Thus, it is rather the character that takes on the player's identity and embraces his perspective and goal rather than the player who takes on the character’s.

A presente tese analisa o percurso cômico do cinema na Itália até sua transformação em commedia all\'italiana. Transcorrido entre 1958 e 1977, o movimento baseou-se na representação neorrealista, no cinema mudo e na commedia dell\'arte para retratar a Itália durante o boom econômico iniciado nos anos 1950. Antecipados pelas trajetórias do diretor Vittorio de Sica e do cômico Totò, os grandes criadores empenharam-se em praticar um humorismo ácido e crítico. Diretores como Mario Monicelli, Dino Risi e Pietro Germi, atores como Alberto Sordi, Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Nino Manfredi, Stefania Sandrelli, Monica Vitti e Franca Valeri, roteiristas como Age Incrocci, Furio Scarpelli, Rodolfo Sonego, Suso Cecchi d\'Amico, Ruggero Maccari e Ettore Scola retrataram a distopia italiana encenada nas ruas, nas praias, dentro dos automóveis. A era do consumismo desenfreado consumiu o próprio homem, e seu épico de angústias foi descrito no cinema por meio de máscaras cômicas. / This thesis analyzes the comic route of cinema in Italy until its transformation into the commedia all\'italiana. Between 1958 and 1977, the movement was based on the neo-realist representation, the silent film and the commedia dell\'arte, to portray Italy during the economic boom begun in the 1950s. Anticipated by the trajectories of director Vittorio de Sica and the comic Totò, the great creators committed themselves to practicing an acid and critical humor. Directors like Mario Monicelli, Dino Risi and Pietro Germi, actors like Alberto Sordi, Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Nino Manfredi, Stefania Sandrelli, Monica Vitti and Franca Valeri, writers like Age Incrocci, Furio Scarpelli, Rodolfo Sonego, Suso Cecchi d\'Amico, Ruggero Maccari and Ettore Scola portrayed the Italian dystopia staged in the streets, on the beaches, inside the cars. The era of unbridled consumerism consumed man himself, and his epic of anguish was described in the movies by comic masks.

Dans ce mémoire, nous nous intéressons aux phases de l'existence de Croc, un magazine québécois à teneur humoristique dont la publication s'est étendue de 1979 à 1995. Nous y procédons à une mise en perspective historique et socioéconomique de sa gestation et de son évolution, puis détaillons les structures administrative et éditoriale de Ludcom, l'entreprise qui en présidait les destinées. Nous tentons par la suite d'expliquer à la lumière de la théorie des industries culturelles les raisons de l'échec de la plupart des stratégies de croissance déployées par ses dirigeants, stratégies qui ont ultimement mené à sa fermeture dans le contexte de conditions structurantes défavorables malgré qu'elles présentaient toutes les apparences du contraire. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Croc, Safarir, Ludcom, Québec, Canada, Magazines québécois, Humour québécois, Industrialisation du comique, Industries culturelles québécoises, Entreprises culturelles québécoises.

Par le présent mémoire, l'auteur cherche à identifier et examiner quelques traits particuliers de l'écriture de Daniel Pennac, en exploitant plus particulièrement le roman La fée carabine (1987). Les critiques mentionnent fréquemment le ton et le style uniques et reconnaissables de cet auteur, et notre expérience personnelle de lecteur confirme cette affirmation. Cependant, il existe peu de travaux analysant plus en détail son style, et c'est pourquoi il nous a semblé intéressant de nous pencher sur un de ses romans ayant reçu un accueil enthousiaste tant des lecteurs que des critiques. Puisqu'il s'agit d'un roman policier, et que la paralittérature se dote de codes solides, notre travail d'analyse consiste principalement en un exposé de quelques caractéristiques du roman policier français contemporain de La fée carabine, suivi d'un examen du roman de Pennac afin de voir comment, au fil des pages, l'auteur traite ces caractéristiques: langue, humour et archétypes. Pennac a remporté un vif succès auprès des lecteurs de romans policiers ; nous sommes donc en droit de nous attendre à ce qu'il reprenne à son compte le travail sur la langue, l'humour et les personnages archétypaux réalisé par ses prédécesseurs, puisque ceci fait désormais partie de l'horizon d'attente des lecteurs. Cependant, La fée carabine a également été le tremplin qui a mené cet auteur à publier son roman suivant, La petite marchande de prose, hors des collections policières. Il est donc fort probable que nous y trouvions une part d'inventivité importante, d'audaces au niveau du style que la majorité des auteurs de paralittérature ne se permettent pas. Notre analyse confirme cette intuition : Pennac s'inscrit bien dans la répétition propre à la paralittérature, mais la place qu'il accorde à la variation est très grande, et surtout, développée avec une subtilité et un travail d'écriture peu communs. Nous terminons par un examen de quelques éléments supplémentaires qui nous ont interpellé lors de notre lecture, mais qui s'inscrivent mal dans un dialogue avec la « norme » policière. Ces points supplémentaires -le travail sur la longueur de la phrase et l'exploitation des images religieuses -nous lancent sur d'intéressantes pistes de réflexion qui nous aident à percevoir comment Pennac a su rayonner hors du cercle paralittéraire dans lequel il a débuté. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Daniel Pennac, La fée carabine, Roman policier, Polar, Style, Littérature, Langue, Humour, Archétypes.

Notre mémoire porte sur Joseph Quesnel, marchand, dramaturge puis poète d'origine malouine qui aboutit au Canada par déveine en 1779 et qui va s'y établir jusqu'à sa mort en 1809. Dès lors, l'héritage français de Quesnel côtoiera, dans son oeuvre et dans sa vie, l'identité canadienne naissante. Cette rencontre sera marquée par les conséquences de la Révolution française et la formation de l'opinion publique au Canada, alimentée par les débuts du parlementarisme. Étudiant un très large éventail de textes sélectionnés parmi ses comédies, ses poèmes, ses chansons et ses correspondances, nous nous intéressons à l'usage que Joseph Quesnel fait de l'humour, principalement du mot ou du trait d'esprit, du discours satirique et de l'autodérision. Nous voulons démontrer que cet humour sert à concilier deux ambitions qui lui sont chères: faire entendre sa voix et ses idées, ses élans lyriques ou satiriques et mener une carrière d'écrivain en jouissant de l'estime et de la reconnaissance du public. Parfois ce sont les critiques qu'il formule qui sont dissimulées ou adoucies par un tour comique, d'autres fois c'est sa déception, causée par un public dont l'enthousiasme n'est pas à la hauteur de ses attentes, qu'il sert en pâture aux plus moqueurs, faisant aussi preuve d'autodérision. L'écrivain, en bon marchand, sait transiger. La première partie de ce mémoire montre comment le comique et la comédie permettent à Quesnel de conquérir la société canadienne par le rire. À cette occasion, nous nous intéressons aussi à ses modèles littéraires, à son bagage culturel et à ses origines bourgeoises. Dans la seconde partie, nous observons comment les s de Quesnel, satirique ou lyriques selon le cas, trouvent leurs destinataires (ce qui peut aller jusqu'à entretenir la polémique), ou bien se buttent à l'indifférence. C'est le public et les conditions de production dans un Canada plus préoccupé de politique que de littérature qui apparaissent alors dans l'oeuvre de celui qui réfléchit à sa carrière et à son statut, se concevant même comme écrivain. En tenant compte des positions défendues par Joseph Quesnel et de ses stratégies, c'est son parcours d'écrivain que nous reconstituons au fil de ce mémoire, l'humour en étant la trame principale. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Joseph Quesnel, XVIIIe-XIXe siècle, Québec, Bas-Canada, Littérature, Poésie, Chanson, Théâtre, Identitaire.

L'humour intrigue les philosophes depuis des siècles. Les questions existentielles riment très bien avec toute la liberté et l'inventivité intellectuelle propre aux différentes façons de provoquer le rire. Curieusement, il ne s'agit pas d'un sujet de prédilection pour les politologues même si l'humour, par les nombreux référents sociaux qui l'alimentent, peut être un outil de domination ou d'émancipation. Mais à l'heure où le rire devient une marchandise et un bien de consommation au même titre qu'un produit en conserve, certaines personnes jugent que l'humour a perdu toute substance politique. Nous serions désormais pris dans ce que Gilles Lipovetsky nomme la « société humoristique ». Devant ces propos qui annoncent la désubstantialisation définitive du rire, il est urgent de penser comment et en quels endroits l'humour peut encore avoir une valeur politique. Deux types d'humour, entre autres, nous permettent cette sortie : l'humour policier et l'humour anarchisant. Le premier accompagne les schèmes de la domination systémique, intergroupale et interpersonnelle. Il a pour principale fonction de maintenir les hiérarchies et de figer les identités des groupes dominés. Le deuxième est directement lié à l'émancipation. Il marque un refus des classifications sociales imposées par le sens commun et permet de se libérer momentanément des mains de l'oppression. Si l'humour policier prend très au sérieux le maintien des inégalités, l'humour anarchisant en fait de même avec la liberté et l'égalité. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Humour, rire, domination, émancipation, anarchisme, féminisme, antiféminisme, police, subversion.

Texte remanié de: Thèse de doctorat--Histoire culturelle--Berlin--Freie Universität, 2002. / Titre original de la thèse : "James Gillray - the juvenal of caricature" - Karikatur und Poetik. Bibliogr. p. 321-336.

После рассмотрения пьес «Бег», «Багровый остров» и «Иван Васильевич» можно выделить общие закономерности в области приемов комического, характерные для всех трех произведений. Итак, наиболее частотными приемами комического, используемыми при создании сюжетных ситуаций и обрисовке характеров действующих лиц, являются: прием несоо��ветствия (между словом и делом, видимостью и явным положением вещей, внешностью героя и его поведением); смена «масок» и ролей; алогичность, абсурдность поведения действующих лиц. Общим для пьес является и обращение писателя к «говорящим» именам и фамилиям в качестве приема комического, что позволяет автору дать более точную характеристику героям. Несмотря на наличие общих приемов комического (как в изображении сценических ситуации, так и речи действующих лиц), пьесы «Бег», «Багровый остров» и «Иван Васильевич» обладают и принципиальным различием в области форм комического. Так, доминирующей формой комического в пьесе «Бег» является ирония, в «Багровом острове» - сатира, в комедии «Иван Васильевич» - переплетение сатиры и юмора. / Magistrinio darbo tikslas – komiškumo formų ir raiškos būdų nagrinėjimas M. Bulgakovo pjesėse „Bėgimas“, „Purpurinė sala“ ir „Ivanas Vasiljevičius“. Išnagrinėjus M. Bulgakovo kūrinius, galima išskirti bendrus dėsningumus komiškumo raiškos būdų srityje, kurie yra būdingi visoms trims pjesėms. Dažniausiai naudojami komiškumo raiškos būdai yra šie: nesuderinimas tarp veikėjo žodžių ir jo veiksmų, „kaukių“ keitimas, veikėju veiksmų absurdiškumas. Visoms trims pjesėms yra būdingi parodija ir groteskas kaip komiškumo raiškos būdai, „kalbantys“ veikėjų vardai ir pavardės. Trijų pjesių komiškumo formos yra skirtingos: pjesėje „Bėgimas“ dominuoja ironija, „Purpurinėje saloje“ – satyra, komedijoje „Ivanas Vasiljevičius“ – satyra ir humoras. / The purpose of work - consideration of comic forms and means in M. Bulgakov plays "Running", “The Crimson Island " and "Ivan Vasiljevich". After consideration of plays of М. Bulgakov, it is possible to note the general comic means which are typical to all plays. The most often comic means which are used at creation of subject situations and characters of heroes are the following: the means of discrepancy; change of "masks" of heroes; absurdity of behaviour of characters. Means of a parody and use of "speaking" names and surnames are often. Comic forms in each play are different: in "Running" - irony, in “The Crimson Island” - satire, in a comedy "Ivan Vasiljevich" - satire and humour.

L'impact de l'humour absurde et déjanté proposé par les Monty Python sur le monde de la comédie n'est plus à démontrer. Quarante ans après la formation de la troupe britannique, son humour est toujours actuel et ses héritiers, toujours plus nombreux. Si les influences de la troupe humoristique sur le monde de l'humour sont reconnues, celles qu'elle a eues sur l'univers cinématographique sont plus mitigées. Pourtant, le médium cinématographique, et les outils offerts par la comédie en particulier sont au cœur des préoccupations des Monty Python. Pour ces derniers, le rire n'est pas la finalité de la comédie; il n'est que le début d'une démarche réflexive. Entre leurs mains, le rire devient un moyen plutôt qu'un aboutissement, il renferme différentes fonctions qui ne demandent qu'à être utilisées. Combinées avec une maîtrise des outils énonciatifs offerts par le médium cinématographique, les fonctions du rire offrent aux Monty Python un contrôle et un pouvoir inestimable à la fois sur leur œuvre et sur le spectateur. Ce contrôle, les Monty Python tentent de s'en servir à bon escient en ouvrant toujours la porte de la réflexion et du questionnement. La réflexion proposée par les Monty Python s'inscrit non seulement dans plusieurs thèmes sociaux et politiques, mais aussi à propos de la forme cinématographique elle-même. L'énonciation et les institutions cinématographiques sont tantôt mises à mal, tantôt utilisées dans le respect des règles. Le dépassement des règles et le détournement des normes font partie de l'arsenal pythonesque, le tout ancré dans une réflexion sur le médium cinématographique. Avec les Monty Python, la comédie et le rire qu'elle déclenche ne sont plus une finalité : ils ne sont que le commencement. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : rire, Monty Python, énonciation, distanciation, institution