Cette thèse a pour objectif de lire à travers les médias hôtes que sont la littérature, la bande dessinée et le cinéma, la présence d’éléments picturaux au sein de fictions biographiques. Il s’agit d’une étude comparative qui considère l’art comme lieu de reconstruction mais aussi de conservation de l’histoire en général et de l’histoire artistique en particulier. De manière générale, les interactions entre le pictural et les autres arts prennent deux orientations. La première est la reconstitution du champ pictural et de son fonctionnement. Et la seconde orientation passe par la réappropriation des techniques et des moyens de création produisant des effets picturaux au sein des autres formes artistiques. L’insertion du pictural laisse donc entrevoir une tension entre le média qui recoit et la forme insérée et le résultat se partage entre opacité et transparence; homogénéité et hétérogénéité du média hôte. / The aim of this thesis is to read through the media hosts that are the literature, comics and cinema, the presence of pictorial elements in biographical fiction. Here is about a comparative study that considers art as a construction’s place but also the conservation of the history in general and artistic history in particular. In general, the interactions between the pictorial and other arts take two ways. The first way or orientation is the reconstitution of the pictorial field and it's functioning. And the second way or orientation goes through the reappropriation of techniques and means of creation producing pictorial effects with other artistic forms. The insertion of the pictorial may suggests a clear tension between the host media and the inserted form and the result is divided between opacity and transparency; homogeneity and heterogeneity of the host media.

La fiction de Steven Millhauser est caractérisée par le mouvement perpétuel : un mouvement générique du réalisme au fantastique, avec des intrigues qui résistent aux dénouements et des personnages, des lieux et des objets en transformation constante. Son œuvre nous présente exploration de la métamorphose littéraire, qui se manifeste à la fois comme style d'écriture et comme motif. Enracinée dans une conception typiquement américaine de la métamorphose, née de la philosophie Ralph Waldo Emerson, la métamorphose millhauserienne attire l'attention du lecteur sur le pouvoir transformateur de l'art et plus spécifiquement de la littérature. Utilisant la relation entre l'art et l'identité culturelle comme point de départ, notre thèse montre que la fiction de Millhauser développe la nature métamorphique de l'expérience esthétique. Au cœur de la dynamique de la métamorphose littéraire se trouve la relation entre lecteur, texte et auteur, relation transformatrice que Millhauser met en scène à plusieurs reprises, afin d'explorer les possibilités et les limites du language. Si sa fiction illustre le potentiel destructeur de la métamorphose linguistique, et manifeste aussi une certaine angoisse concernant les limites du langage, son œuvre est néanmoins dominée par un sentiment d'émerveillement et d'espoir dans la valeur régénératrice de la fiction, et son pouvoir de faire resurgir la beauté d'un monde devenu ordinaire. / Steven Millhauser's fiction is characterized by perpetual movement: a transition from realism to the fantastic, with plots which resist denouement and characters, places and objects in constant transformation. Millhauser's work offers the reader a literary metamorphosis which is both stylistic and thematic. The millhauserien metamorphosis is typically American, the offspring of Emersonian philosophy, and it highlights the transformative power of art and, specifically, of literature. Using the mutually transformative relationship between art and cultural identity as a starting point, this thesis demonstrates the ways in which Millhauser's fiction develops the metamorphic nature of the esthetic experience. The relationship between the reader, the text and the author is at the heart of literary metamorphosis, and this transformative relationship, which often appears in Millhauser's work, sets the stage for an exploration of the possibilities and limits of language. If Millhauser's fiction illustrates the destructive potential of linguistic metamorphosis, and articulates a certain anxiety concerning the limits of language, his work is nonetheless dominated by the sentiment of wonder and hope in the regenerative value of fiction and its power to reveal the unusual beauty of a world which has become ordinary.

Dans le domaine des littératures francophones, on peut dénombrer actuellement une vingtaine d’auteurs chinois francophones : Tcheng Ki-Tong, Sheng Tcheng, Chow Ching Lie, François Cheng, Gao Xingjian, Shen Dali, Ya Ding, Dai Sijie, Ying Chen, Wei Wei, Shan Sa, et Ling Xi… Ces écrivains circulent dans différentes cultures, se servent de deux langues, et, par conséquent, leurs écritures mélangent une couleur chinoise avec une couleur occidentale. À travers leurs expériences, nous remarquons que certains d’entre eux ont développé une double pratique artistique, en accord avec leur identité culturelle désormais duelle. Ils construisent ainsi non seulement un pont entre deux langues et deux cultures, mais aussi un pont entre différents médias ou supports artistiques (romanesque et cinématographique ou pictural). Comment s’est développée la littérature francophone chinoise ? Et comment appréhender l’écriture romanesque et la pratique artistique des auteurs francophones chinois ? Centré sur des auteurs francophones chinois et leurs œuvres, notre travail formule une hypothèse sur l’articulation entre interculturalité et intermédialité au sein de la francophonie chinoise. / In the field of francophone literature, there are currently about twenty French-speaking Chinese authors : Cheng Ki-Tong, Sheng Cheng, Cheng Ching, Francois Cheng, Gao Xingjian, Shen Dali, Ya Ding, Dai Sijie, Ying Chen, Wei Wei, Shan Sa, and Ling Xi... These writers circulate in different cultures, use two languages, and consequently their writing mixes a Chinese color with a Western one. Through their experiences, we note that some of them have developed a double artistic practice, in accordance with their cultural identity, which is now dual. They thus build not only a bridge between two languages and two cultures, but also a bridge between different media or artistic supports (novelistic and film or pictorial). How has Chinese francophone literature developped itself ? And how can we understand the novelistic writing and the artistic practice of the French-speaking Chinese authors ? Focused on French-speaking Chinese authors and their works, our research formulates a hypothesis about the articulation between interculturality and intermediality within the Chinese Francophonie.

Dans la lignée des « romans de l’actrice » de la fin du XIXe siècle, plusieurs romanciers français et américains prolongent la fortune littéraire de cette figure au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, dans un siècle marqué par l’essor du cinéma et plus largement de la culture populaire. Il s’agit d’analyser comment la littérature perçoit et raconte ces changements à travers la figure de l’actrice, que celle-ci soit inventée ou inspirée de personnes réelles. Les romans de l’actrice du second XXe siècle se caractérisent par une forte homogénéité des enjeux narratifs et empruntent à d’autres genres, tels que le roman de l’artiste et le conte de fées. La sémiologie du personnage central est marquée par un métier qui sème le trouble dans son identité, entre le moi, les rôles et la persona et par l’importance d’un corps portant les marques hyperboliques du genre et de la beauté. Les actrices romanesques illustrent la domination masculine et bien rares sont celles qui trouvent une capacité d’agir et se font « actrices » de leur devenir. L’écriture romanesque opère ainsi une « défiguration » de la figure qui expose la déchéance derrière les images splendides, ou exacerbe ces images pour faire de la merveille un monstre. L’enjeu de ces textes est également intermédial : il s’agit, pour le roman, de se mesurer au cinéma qui l’a remplacé dans son statut de récit populaire, en imitant ses procédés mais aussi en racontant ses modes de réception dans une vision parfois iconoclaste. S’opère ainsi une réflexion sur la littérature et la culture à travers la figure de l’actrice, artiste sans œuvre propre, parfois double de l’auteur dans des jeux entre référence et fiction. / Following in the footsteps of late-19th-century “actress novels”, a number of French and American novelists prolonged the literary fortunes of the actress-protagonist in the years immediately following the Second World War, in the broader context of a century heavily influenced by the rise of the cinema and, more largely, of popular culture. This dissertation analyzes how literature perceives and recounts these changes through the character of the actress, be she fictional or based on a real-life person. Actress novels of the second half of the 20th century are characterized by their predominantly homogenous narrative aims and borrow from other genres, such as the artist novel and the fairytale. The semiology of the main character is marked by a profession that confuses her identity between her own ego, her characters and her persona, and by the importance placed on her body that bears the hyperbolic markers of gender and beauty. Novelistic actresses illustrate male domination and few of them are capable of autonomous action, of becoming independent “actors” of their own destinies. Novelistic writing thereby causes a “disfiguration” of the very figure that exposes the degradation behind the splendid images, or exacerbates those images in order to transform the marvel into a monster. The goal of these texts is also intermedial: the novel is intended to be compared to cinema, which recently supplanted it in its status of popular tale, by imitating its techniques but also by recounting its modes of reception through a sometimes-iconoclastic lens. This leads to a reflection on literature and on culture via the figure of the actress, an artist without her own work, sometimes a clone of the author in a game between referentiality and fiction.

Ce travail se divise en deux volets. Le premier volet, théorique, étudie la musique comme sujet dans le cinéma narratif, occidental et contemporain, soit des années 1960 à aujourd’hui. Il s'agit du présent document. Le deuxième volet, pratique, consiste en un film fictionnel de trente minutes portant le titre d'A Capella, dont le scénario se trouve ici en annexe. SYNOPSIS : Né avec un handicap vocal, Hubert a développé au fil du temps une nouvelle technique de réadaptation : la physiophonie. Sophie, une jeune danseuse blessée, essaie cette nouvelle méthode... Le volet théorique propose tout d'abord un état de la question en se basant sur les réflexions de Michel Chion et Claudia Gorbman. Ensuite, une première ébauche d'une typologie sur le sujet selon quatre catégories est présentée : le musicien, le groupe de musique, le lieu de la musique et la matérialisation de la musique. Cette dernière catégorie incarne bien le volet pratique de ce projet et est développée davantage dans la troisième partie. L'intérêt de ce travail est principalement de créer des ponts entre la théorie et la pratique, ce qui est l'objet de la quatrième partie. La matérialisation de la musique est analysée à partir de la voix du personnage principal, les mouvements de la danseuse ainsi que la technique de réadaptation, la physiophonie. Les défis rencontrés sur le plan de la scénarisation, de la réalisation et de la composition de la musique sont aussi expliqués. / This work is divided in two parts. The first one, theoretical, studies music as the subject in the narrative, western and contemporary cinema, i.e., from the 1960s until today. The second part is a fictional movie of thirty minutes titled A Capella. The scenario is included here in appendix. SYNOPSIS: Born with a vocal handicap, Hubert developed as time goes by a new technique of rehabilitation: the physiophony. Sophie, a young wounded dancer, tries this new method... This document, consisting in the theoretical part, first summarizes the reflections of Michel Chion and Claudia Gorbman on the subject. Then it presents the first draft of a typology on the subject organized around four categories: the musician, the music group, the place of music and the materialization of music. This last category echoes well the practical part of this project and, as such, it will be developed furthermore in the third section. The interest of this work lies mainly in the bridges between theory and practice it creates, which will be treated in the fourth section. The materialization of the music is analyzed from the voice of the main character, the movements of the dancer as well as the technique of rehabilitation, the physiophony. The challenges faced while screenwriting, directing the movie and composing the music will also be explained.

Cette thèse s'avère une réflexion, selon une perspective intermédiale, sur l'espace audiovisuel et la représentation dans le cinéma de Marguerite Duras des années soixante-dix et quatre-vingts. En soulevant des questions qui sont au cœur de l'œuvre filmique de Marguerite Duras, comme la déambulation (écriture et espace), la perception de l'espace audio-visuel (l'écart entre la voix et l'image) et de la représentation du dispositif intermédial, ce travail met aussi l'accent sur le processus créateur. La déambulation sera envisagée sous deux aspects. Le premier se présente comme un motif récurrent dans l'œuvre de Marguerite Duras et se trouve dans les personnages qui marchent ou errent dans les villes fictives de l'imaginaire durassien. Le deuxième aspect inscrit la déambulation comme un mouvement au sein du processus créateur de l'œuvre durassienne, et dans ce sens elle sera traitée comme un procédé. La déambulation s'inscrit également dans une perception de l'espace, faisant émerger une poétique de la flânerie dans les films qui constituent notre corpus, notamment Les Mains négatives, Aurélia Steiner Melbourne, La Femme du Gange, Le Navire Nigth et Césarée. L'espace audio-visuel fait l'objet de la deuxième partie de la thèse. L'écart apparent entre le son et l'image du cinéma durassien sera abordé comme une combinaison audio-visuelle. Ainsi, l'audio et le visuel sont complémentaires; leur combinaison influence et transforme la perception du public. La thèse met l'accent sur la nature transmédiale de l'œuvre durassienne, suivant les emprunts, les échanges, les transferts qui s'opèrent du texte au film et du film au film. Nous considèrerons ces opérations transmédiales comme une forme de poétique du déplacement. Quant à la représentation, certains films de Marguerite Duras, dont Agatha et les lectures illimitées et L'Homme atlantique, oscillent entre les effets d'opacité et de transparence. Ces rapports transmédiaux seront abordés au final selon les phénomènes de la remédiation. / This thesis turns out to be a reflection, from an intermedial perspective, on the audiovisual space and on the representation of Marguerite Duras's cinema of the seventies and eighties. By raising questions that are at the heart of Marguerite Duras' filmic work, such as wandering (writing and space), the perception of audiovisual space (the gap between voice and image) and the representation of the intermedial device, this work also emphasizes the creative process. The déambulation will be considered from two aspects. The first highlights it as a recurring motif in Marguerite Duras's work, making itself felt in the characters who walk or wander in the fictional cities of the Durassian imagination. The second aspect inscribes the déambulation as a movement within the creative process of the Durassian work, and in this sense, it will be treated as a process. Thus, the déambulation is also part of a perception of space by arousing a poetics of strolling in the films that constitute our corpus, in particular Les mains negatives, Aurélia Steiner Melbourne, La Femme du Gange, Le Navire Nigth and Césarée. The audio-visual space is the subject of the second part of the thesis. The apparent gap between sound and image in Durassian cinema will be approached as an audio-visual combination. Thus, the audio and the visual are complementary; their combination influences and transforms public perception. We will again emphasize the transmedial nature of the work, taking into account the exchanges, the transfers that transit from text to film and from film to film. We consider these transmedial operations as a poetics of displacement. As for representation, certain films by Marguerite Duras, such as Agatha et les lectures illimitées and L'Homme atlantique oscillate between the effects of opacity and transparency. These transmedial relationships will be approached according to the phenomena of remediation.

Cette recherche propose d’investiguer l’espace entre ma pratique artistique et ma pratique comptable à travers une approche qui déploie des activités de recherches théoriques sur l’art, des activités de recherches théoriques en comptabilité, la réalisation d’un protocole de création en atelier, et la prestation d’une conférence. L’approche flexible, multifocale et exploratoire adoptée se situe en affinité avec Intermedia, développé par Dick Higgins. Partant de ces deux figures type d’opposition, l’art et la comptabilité, je contextualise cette opposition avec l’analyse socio-historique d’Ève Chiapello. Je présente plusieurs pratiques artistiques contemporaines et actuelles de la posture d’opposition spécifique appelée critique artiste. Ces artistes représentent une pluralité de figures d’opposition que j’explique, pour ensuite proposer d’autres figures telles la permutation, la fusion par That’s Painting et la confusion par Dick Higgins et Intermedia. Je convoque les recherches comptables aux fondements historiques de la comptabilité hors de l’implication monétaire et se situant majoritairement dans le champ interprétatif de la recherche selon Burrell et Morgan. La comptabilité moderne ayant comme point de repère Fra Luca Pacioli, j’y relie mes recherches comptables aux recherches de l’archéologue Denise Schmandt-Besserat afin de développer une réflexion sur l’objet analogique dans l’histoire du calcul comptable, et ce, jusqu’à la mise en place de la monétarisation que l’on connait aujourd’hui. Je convoque les écrits de Bernard Colasse portant sur les principes comptables. J’engage les principes de monétarisation, d’indépendance des exercices et le principe de continuité à travers une réflexion critique sur la valeur, la durée et la finitude. Ce mémoire privilégie les recherches théoriques expliquant la quête humaine de savoir combien et les fonctions de mémoire et de contrôle de la comptabilité. Je présente le protocole d’atelier intitulé Compter mes jours de même qu’une analyse dialectique qui convie ces théories comptables et des pratiques artistiques, en particulier Tehching Hsieh. J’exprime comment Compter mes jours est le récit qui rend compte et devient l’archive d’un récit, un compte rendu. Cette comptabilité domestique a été divulguée lors de La Conférence présentée le 30 mai 2017. La Conférence poursuit l’analyse d’une pratique rituelle, morale et politique, soulignant les recherches de James A. Aho, Ève Chiapello, Hans Derks, Mahmoud Ezzamel, Basil S. Yamey. L’ensemble de cette recherche exploratoire engage une réflexion singulière sur l’existence.

Par son recours à diverses formes d’expression, Unica Zürn (1916-1970) redynamise l’espace de la feuille en le faisant activement participer à l’écriture de soi. Le « je » semble en effet se démultiplier grâce à des jeux « anagrammatiques » sur les divers signes mobilisés, qu’ils soient alphabétiques, picturaux ou musicaux. L’autoreprésentation s’inscrit alors au sein d’une œuvre pluridisciplinaire inusitée, qui renouvelle l’esthétique quelque peu « essoufflée » du mouvement surréaliste. Cette attitude vis-à-vis de la feuille, où plusieurs signes « décomposables » et « recomposables » se partagent l’espace, est observable tant dans l’œuvre littéraire que picturale d’Unica Zürn. Le processus de création par la lettre, le trait et la note de musique, tend à revaloriser le support matériel utilisé par l’effacement des frontières entre les disciplines artistiques, qui appelle un regard distancié du lecteur/spectateur sur l’œuvre. Afin d’interpréter les travaux de Zürn dans la pluralité des moyens artistiques qui y sont déployés, l’approche intermédiale sera favorisée. Dans le premier chapitre de ce mémoire, il s’agira d’abord de voir comment s’articule un certain dialogue entre le discours des chercheurs de l’intermédialité et l’œuvre d’Unica Zürn. Le rapport à l’objet sera notre porte d’entrée dans la matière intermédiale. Par un retour à la matérialité de l’expérience médiatique, nous constaterons que Zürn met à l’avant-scène les instruments et supports de la création, ce qui mène à une représentation distorsionnée de soi, de l’espace et du temps. Une fois le parallèle établi entre les concepts de l’intermédialité et les travaux de Zürn, nous nous concentrerons sur le pan musical de l’œuvre pluridisciplinaire de l’auteure-artiste. Le second chapitre traitera de l’intrusion du sonore dans l’univers textuel, qui se fera notamment par la réappropriation de l’opéra Norma, de Vincenzo Bellini. Cette réécriture s’intitule Les jeux à deux et prend une distance considérable par rapport au texte originel. Elle s’accompagne de dessins effectués par l’auteure-artiste à même les partitions de l’opéra. Le regard multiple posé sur l’œuvre zürnienne permettra de comprendre que l’écriture palimpseste participe du processus d’autoreprésentation, tout en élaborant un discours sur la rencontre entre littérature, dessin et musique, ainsi que sur l’influence de cette juxtaposition sur le débordement des frontières médiatiques traditionnelles. / Having recourse to many forms of expression, Unica Zürn (1916-1970) revitalizes the space of the sheet by having it take an active part in the individual writing. The “I” seems to increase thanks to “anagrammatic” games on the many mobilized signs, whether they are alphabetical, pictorial or musical. The self-representation is inspired by an unusual multidisciplinary work, which renews the aesthetics, somewhat “worn”, of the surrealist movement. This attitude towards the sheet, where many “decomposable” and “recomposable” signs share the space, is observable in Unica Zürn’s literary work as well as in her pictorial work. The process of creation through the letter, the stroke and the musical note tends to reassert the value of the material support used by the abolition of the boundaries among the artistic disciplines, which calls for a distanced look from the reader/spectator on the work. In order to interpret Zürn’s work in the plurality of the artistic means that are deployed, the intermedial approach will be favoured. In the first chapter of this dissertation, we will see how a certain dialog is structured between the views of the intermediality’s researchers and Unica Zürn’s work. The relation to objects will be our entry point in the intermedial subject. Through a return to the materiality of the media-related experience, we will notice that Zürn puts at the forefront the instruments and the supports to the creation, which leads to a contorted representation of oneself, space and time. Once the parallel established between the intermediality’s concepts and Zürn’s work, we will focus on the musical aspect of the author-artist’s multidisciplinary work. The second chapter will deal with the intrusion of sound in the textual universe, which will occur through the reappropriation of the Vincenzo Bellini’s opera “Norma”. This revising is called “Les jeux à deux” and is significantly different from the original text, and is paired with drawings made by the author-artist directly on the opera’s partitions. The multiple look placed upon the zurnian work will allow to understand that the palimpsest writing takes part in the self-representation process, through elaborating a view regarding the interrelation of literature, drawing and music, as well as the influence of this juxtaposition on the overflow of the traditional media boundaries.

Ce mémoire analysera les différents procédés de transmission à l'oeuvre dans Metal Gear Solid V: The Phantom Pain (2015) et Metal Gear Solid V: Ground Zeroes (2014) afin de saisir l'ensemble de la vision auctoriale du réalisateur de la série Metal Gear Solid, Hideo Kojima, ce qui nous permettra dans un second temps de comprendre la signification du réseau communicationnel rhizomatique qui précède et accompagne ces jeux vidéo. Ma recherche sera ainsi divisée en trois sections. La première section s'intéressera à la publicité entourant les deux volets de Metal Gear Solid V, laquelle sera étudiée en tant que signe social. La deuxième section présentera une analyse scénaristique dans laquelle il sera question des inspirations historiques et intermédiales qui contribuent à former l'univers narratif de notre corpus. La troisième section sera une analyse du modèle interactif de Metal Gear Solid V: Ground Zeroes et de Metal Gear Solid V: The Phantom Pain. Il y sera question de l'avantage parfois insoupçonné de l'encadrement de systèmes logiques vidéoludiques afin d'influencer le joueur à abandonner ou à adopter de nouvelles perspectives sociopolitiques. Ce mémoire démontrera comment Metal Gear Solid V utilise et unit un maximum de méthodes de transmission afin de convaincre son public de se laisser séduire par son message auctorial, ce qui servira finalement à prouver le potentiel rhétorique d'une union songée du paratexte et du contenu d’une œuvre vidéoludique. / This memoir will analyse the different processes of transmission used in Metal Gear Solid V: The Phantom Pain (2015) and Metal Gear Solid V: Ground Zeroes (2014) in order to grasp the whole auctorial vision of the Metal Gear Solid series director, Hideo Kojima, which will in turn allow us to understand the meaning of the rhizomatic communicational network that precedes or accompanies these video games. My research will be divided in three sections. The first section will focus on the publicity (and therefore social signs) that surrounds the two parts of Metal Gear Solid V. The second section will present a story analysis where historical and intermedial inspirations of both games will be discussed. The third section will analyse the interactive model of Metal Gear Solid V: Ground Zeroes and Metal Gear Solid V: The Phantom Pain. That chapter will focus on the often unsuspected advantages of the logical videoludic systems as means to influence the player to abandon or to adopt new sociopolitical perspectives. This memoir will decompose how Metal Gear Solid V uses and unites a maximum of transmission methods to persuade its public to give in to its auctorial message, which will hopefully demonstrate the rhetorical potential of a thoughtful union of paratext and content within videoludic works.

L’étude de « Tous les matins du monde», de Pascal Quignard, et ponctuellement, de « Terrasse à Rome», nous permettra d’examiner les relations entre cinéma et littérature d’un point de vue poétique et esthétique et d’approfondir l’approche intermédiale de la littérature. À l’aide de la théorie de la lecture d’Umberto Eco, nous montrerons comment l’encyclopédie filmique du lecteur peut le rendre réceptif à un effet-cinéma en littérature. Nous étudierons les indices implicites qui, ensemble, permettent de parler d’une esthétique filmique. Trois grands chapitres permettront d’étudier cela : vision, montage et univers sonore du texte. Cet angle d’approche devrait permettre de relire « Tous les matins du monde » suivant une perspective critique nouvelle, tout en approfondissant les recherches sur l’intermédialité. / The study of « Tous les matins du monde », of Pascal Quignard, and punctually, of « Terrasse à Rome », will allow us to examine the relationship between cinema and literature from a poetic, esthetical point of view and a deepen literature’s intermediary approach. Using Umberto Eco’s reading theory, we will observe how the reader’s film encyclopaedia may make him receptive to cinema-effect literature. We will study the implicit clues which, together, create the film esthetic. Vision, editing and sounding can be studied through three chapters. We hope that this perspective will allow the reading of « Tous les matins du monde » from a new critical perspective, while deepening the intermediality researches.