Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Este trabalho aborda a influência dos elementos da língua falada coloquial na obra de Lygia Bojunga, cujo estilo costuma ser definido como prosa falada. Através da elaboração lingüístico-estilística de determinados aspectos da oralidade, a autora promove a identificação com o público-leitor ao utilizar uma linguagem que se aproxima daquela presente em seu cotidiano. Partindo do pressuposto de que a relação entre fala e escrita se baseia na noção de continuum, busca-se, por meio do levantamento das principais marcas da oralidade encontradas na obra de Bojunga, demonstrar as semelhanças entre ambas as modalidades, e assim provar que não se pode falar de superioridade de uma com relação a outra. No que se refere ao ensino do Português, pretende-se, levando a questão oralidade para as salas de aula, ampliar a visão dos alunos sobre a língua ao discutir as noções de heterogeneidade e preconceito lingüístico. / This research approaches the influence of the colloquial spoken language elements on Lygia Bojungas workmanship, whose style uses to be defined as "spoken prose".Through the linguistics-stylistics elaboration of determined orality aspects, the authoress promotes identification with the reader while using a language that approaches to that used in its quotidian. Considering that relation between spoken and written language bases on the notion of continuum, it is intended, by the survey of the main orality marks on Bojungas workmanship, to demonstrate likeness between both modalities, so that, it should not be affirmed that there is a superiority of one over the other. Regarding the Portuguese teaching, it is intended, bringing orality to the classrooms, to extend the students vision of the language while discussing about heterogeneity and linguistics prejudice notions.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Este trabalho aborda a influência dos elementos da língua falada coloquial na obra de Lygia Bojunga, cujo estilo costuma ser definido como prosa falada. Através da elaboração lingüístico-estilística de determinados aspectos da oralidade, a autora promove a identificação com o público-leitor ao utilizar uma linguagem que se aproxima daquela presente em seu cotidiano. Partindo do pressuposto de que a relação entre fala e escrita se baseia na noção de continuum, busca-se, por meio do levantamento das principais marcas da oralidade encontradas na obra de Bojunga, demonstrar as semelhanças entre ambas as modalidades, e assim provar que não se pode falar de superioridade de uma com relação a outra. No que se refere ao ensino do Português, pretende-se, levando a questão oralidade para as salas de aula, ampliar a visão dos alunos sobre a língua ao discutir as noções de heterogeneidade e preconceito lingüístico. / This research approaches the influence of the colloquial spoken language elements on Lygia Bojungas workmanship, whose style uses to be defined as "spoken prose".Through the linguistics-stylistics elaboration of determined orality aspects, the authoress promotes identification with the reader while using a language that approaches to that used in its quotidian. Considering that relation between spoken and written language bases on the notion of continuum, it is intended, by the survey of the main orality marks on Bojungas workmanship, to demonstrate likeness between both modalities, so that, it should not be affirmed that there is a superiority of one over the other. Regarding the Portuguese teaching, it is intended, bringing orality to the classrooms, to extend the students vision of the language while discussing about heterogeneity and linguistics prejudice notions.

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No. of bitstreams: 2 license_rdf: 811 bytes, checksum: e39d27027a6cc9cb039ad269a5db8e34 (MD5) DISSERTAÇÃO Izabella Maria da Silva Medeiros.pdf: 2698954 bytes, checksum: b6f39fd082d42ea330fa5fe8f4aee4d4 (MD5) Previous issue date: 2012-08-31 / CNPq / Este trabalho partiu do interesse em se investigar a possibilidade de tensionamento da arte com a vida num contexto brasileiro em que há um forte desejo de inserção social da arte, de se estabelecer novas formas de interação com o público e se construir novos modelos de experiência estética. Refiro-me ao período que teve como marco inicial a década de 1960, momento marcado por importantes mobilizações e reflexões em torno de e sobre as questões que envolviam o debate sobre cultura e arte no país. É um momento em que novas concepções de arte e cultura conquistam cada vez mais espaço e o desejo de uma arte que concilie os sentidos da experimentação e da participação surge como principal reinvindicação. Diante do cenário político em que o Brasil vivia então, havia um forte desejo de construir-se uma arte que se opusesse incisivamente aos valores autoritários do regime militar. Assim, os artistas procuraram construir um novo conceito de arte e de artista, capaz de desenvolver uma prática artística que se constituísse enquanto tal vinculando-se ao contexto da vida comum dos sujeitos. Tomando, então, a produção artística de Lygia Clark como objeto de estudo, meu objetivo foi investigar de que maneira ela elaborou um programa estético-artístico capaz de atingir as finalidades acima citadas. Marcada por um permanente questionamento da função da arte e do artista, Lygia Clark revolucionou a relação espectador-obra de arte e assumiu, acima de tudo, o ato estético como campo de experiência. Com a pesquisa sobre seu trabalho e, consequentemente, sobre a emergência da arte contemporânea no Brasil, é possível compreender que a arte não se reduz ao objeto e/ou à manifestação que redundam de sua prática. A arte é exatamente essa prática em sua totalidade, configurada como uma prática estética aberta à invenção e que, por isso mesmo, problematiza e transforma a realidade. Afirmo, desse modo, que o artista contemporâneo, ao deslocar-se de sua posição tradicional (distanciada do público) e procurar se inserir na matéria do mundo e da vida comum, demonstra como a arte é uma prática de problematização da vida cotidiana: processo de produção e (re)significação de sentidos e criação de mundos. / The present study set out from the interest in investigating the possibility of distending the relationship between art and life. This is set in a Brazilian background where there is an urge towards art's social insertion, the establishment of new forms of audience interaction and towards new models for esthetic experience. This refers to the period which has the decade of 1960 as milestone, being marked by important mobilizations and reflections revolving around the issues dealing with the country's art and culture debate. This is a period when new notions of art and culture gradually gain space and that, moreover, has as its central claim a desire for a form of art reconciling experience and participation. Given, in that time, Brazil's political background there was an urge towards constructing an art strongly opposed to the military regime's authoritarian values. In this way, artists attempted to construct new concepts of art and artist able to promote an artistic practice which, as such, would constitute itself bonded to the average individuals' life context. Drawing for this purpose on Lygia Clark's artistic production as study object, my objective was to investigate through which way she managed to develop an esthetic-artistic program able to achieve the goals mentioned above. Marked by a continuous inquiry on the function of art and artists, Lygia Clark revolutionized the expectator-work of art relationship and, most of all, incorporated the esthetic act as a field of experience. Through this research on her work and, consequently, on the emergence of contemporary art in Brazil it is possible to comprehend that art is not reduced to the object and/or the manifestation ensuing of its practice. Rather it is in itself this practice in its entirety and constituted as an esthetic practice open to creation which, for this reason, questions and changes reality. In this way, I attest that the contemporary artist by moving from her/his original position (distant from the audience) and attempting to become inserted in the matter of the world and average life demonstrates how art is a practice of questioning everyday life: a process of producing and (re)signifying senses and creations of worlds.

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A leitura inicial de As três Marias (1939), de Rachel de Queiroz, e As meninas (1973), de Lygia Fagundes Telles, evidencia o emprego de um recurso de composição semelhante aos dois romances, que consiste na utilização de tríades de personagens femininas centrais que atuam como as protagonistas dos fatos narrados; sendo, no primeiro caso, o trio de figuras composto por Maria Augusta, Maria José e Maria da Glória, e, no segundo, Lorena, Lia e Ana Clara. Esta dissertação propõe a análise dos aspectos formais, como o estudo das personagens, o foco narrativo e as questões de tempo e de espaço, e de conteúdo relacionados às referidas tríades, argumentando que a utilização desse recurso permite às duas autoras representarem possibilidades diversas da existência feminina em meio à sociedade brasileira das décadas de 1930 e 1970, épocas nas quais ocorre a publicação dos romances. Parte-se do pressuposto de que essa construção triádica das personagens se constitui como um dos aspectos estruturantes centrais às obras, podendo ser considerado como o elemento que permite à Rachel de Queiroz e à Lygia Fagundes Telles trabalharem os conteúdos de caráter feminino e feminista observados nas narrativas. Após os capítulos dedicados à análise e interpretação dos romances sob a perspectiva da teoria literária, como forma de conclusão é apresentada uma leitura comparativa entre as obras, no sentido de demonstrar não somente as semelhanças existentes entre os textos, mas principalmente as suas diferenças fundamentais. / A first reading of As três Marias (1939), by Rachel de Queiroz, and As meninas (1973), by Lygia Fagundes Telles, evidences the use of a similar composition resource in both novels. This resource consists in the use of triads of female characters who act as the protagonists of the narratives. In the first case, the group of figures is composed of Maria Augusta, Maria José and Maria da Glória, whereas in the second, of Lorena, Lia and Ana Clara. This dissertation proposes the analysis of the novels\' formal aspects, such as the study of the characters, of the narrative focus and of time and space issues, as well as the analysis of content related to the triads, arguing that the use of such resource allows both authors to represent different possibilities of the feminine existence in Brazilian society in the 1930s and 1970s. It is assumed that the triadic construction of the characters constitutes one of the central structuring aspects of the novels, and it can be considered as the element that allows Rachel de Queiroz and Lygia Fagundes Telles to develop the feminine and the feminist content observed in the narratives. After the chapters dedicated to the novels analysis and interpretation from a literary theorys perspective, a comparative reading between both literary works is presented as a conclusion in order to demonstrate not only the similarities between texts, but mainly their fundamental differences.

Esta dissertação tem por objetivo discutir e comparar as imagens da violência e da infância, que são histórica e culturalmente construídas, na literatura de recepção infantil, analisando as obras As aventuras de Ngunga, do escritor angolano Pepetela e Sapato de salto, da escritora brasileira Lygia Bojunga, buscando compreender em que medida a articulação entre as duas obras possibilita a compreensão dessas culturas para identificar os efeitos estéticos, culturais e sócio-políticos presentes nessas obras. Utilizou-se como aporte teórico o referencial dos Estudos Comparados de Literaturas de Língua Portuguesa e os estudos relativos à formação e ao desenvolvimento da literatura juvenil no Brasil e em Angola, utilizando também as noções do paradigma indiciário proposto por GINZBURG (1989) como um recurso metodológico que pode contribuir com a Literatura Comparada. O modelo indiciário mostrou-se uma perspectiva de análise produtiva para o desvelamento das imagens das violências, no percurso de construção das identidades dos protagonistas das duas obras analisadas, por mapear os indícios, que permitiram identificar as diferentes violências que constituem, em parte, um legado universal, por estarem presentes em todas as culturas e nas mais diversas temporalidades; e, em parte, um conceito idiossincrático, por apresentarem tonalidades locais, de acordo com o tempo-espaço em que elas se materializam, já que partimos da hipótese de que se trata de um conceito que é histórico e culturalmente construído. Nos universos ficcionais analisados, os protagonistas não se apresentaram apenas como meras potencialidades de recursos estético-formais, mas revelaram uma natureza simbólico-coletiva, à medida que espelharam a matriz constitutiva do adulto que constrói o futuro das sociedades a que pertencem. Por essa razão, o constructo emprestado de Deleuze e Guattari do devir-criança mostrou-se eficaz para caracterizá-los, afastando-os da imagem idealizada da infância vista apenas como uma etapa da vida humana marcada pelas narrativas da inocência e possibilitando sua análise como uma construção histórica, cultural, social e econômica que permite explicar a sociedade de que eles são produtos. Também as imagens das violências que gravitam em torno desses universos ficcionais puderam ser recuperadas pelo mapeamento de indícios, em cada um dos projetos estéticos estudados. Assim, foi possível concluir que para além das histórias que cada protagonista constrói e que são marcadas na efabulação pelo seu chrónos específico, a condição de devir-criança os aproxima, no tempo aiônico das experiências por que passam, já que eles interrompem a história, revolucionam-na e criam pelo princípio-esperança uma nova e potencial história, uma matriz espaço-temporal de onde outras histórias podem ser contadas sobre o que pode ser a infância como potência, como possibilidade real. Dessa forma, não se pode falar em infância, mas em infâncias, em existências singulares que aprendem, de acordo com os modelos que lhes são oferecidos pelo universo adulto, mostrando que se deve tornar o passado útil e não coercitivo, na formação das novas gerações, ensinando não o que aprender, mas como fazê-lo e não com o que comprometer-se, mas mostrando-lhes o valor do compromisso. / This thesis aims to discuss and compare the images of violence and childhood, which are historically and culturally constructed in the literature of children receiving, analyzing the works of Ngunga The adventures of the Angolan writer Pepetela and high heels, the Brazilian writer Lygia Bojunga, trying to understand to what extent the relationship between the two works allows for an understanding of these cultures to identify the aesthetic effects, cultural and socio-political in those works. It was used as the theoretical reference of the Comparative Studies of Literature and Portuguese Language and studies concerning the formation and development of juvenile literature in Brazil and Angola, also using the notions of evidential paradigm proposed by Ginzburg (1989) as a resource methodology that can contribute to the Comparative Literature. The semiotic model proved to be a productive analytical perspective to better understand the images of \"violence\" in the course of construction of the identities of the protagonists of both films are analyzed by mapping the evidence, which enabled the identification of different forms of violence that are, in part , a universal, being present in all cultures and in various time frames, and in part an idiosyncratic concept, by producing local tones, according to the time-space in which they materialize, since we start from the assumption that it is a concept that is historic and culturally constructed. Analyzed in fictional universes, the protagonists are not presented as mere potential for formal-aesthetic features, but revealed a collective-symbolic nature, as it mirrored the constitutive matrix of the adult who builds the future of their societies. For this reason, the construct borrowed from Deleuze and Guattari\'s \"becoming-child\" was effective to characterize them, away from the idealized image of childhood seen only as a stage of life marked by tales of innocence and allowing its analysis as a historical, cultural, social and economic information that helps explain the company that they are products. Also the images of violence that gravitate around these fictional universes could be recovered by mapping evidence in each of aesthetic projects studied. Thus, we conclude that in addition to the stories that each player builds and are marked on the fable by its specific Chronos, the condition of \"becoming-child\" approach them in time \"aiônico\" of experiences that they encounter as they interrupt the story, and revolutionize it by creating a new beginning, hope and potential history, an array of space-time where other stories can be told about what may be his childhood as power, as a real possibility. Thus, one can not speak in childhood, but in childhood, individuals who learn in stocks, according to the models offered to them by the adult world, showing that the past should become useful and non-coercive, in the formation of new generations teaching not to learn, but how to do it and what not to commit himself, but showing them the value of commitment.

Este trabalho aborda questões relacionadas ao esquecimento e à lembrança em narrativas de ficção e de testemunho da escritora Lygia Fagundes Telles. Tendo como base teórica pressupostos de Sigmund Freud, a intenção é discutir elementos preponderantes em torno do esquecimento associado à culpa, nos contos \"Helga\" e \"Natal na barca\"; ao \"estranho\" e \"inexplicável\" nos contos \"A caçada\" e \"O noivo\", e, finalmente, a lembrança nostálgica verificada tanto no romance As horas nuas quanto no testemunho \"Nada de novo na frente ocidental\". Com isso, se enfatiza que a autora expõe em sua obra uma problemática em torno da memória, do esquecer e do lembrar. / This work approaches questions related to forgetfulness and memory in fictional and memoir narratives by writer Lygia Fagundes Telles. Using as theoretical base Sigmund Freud\'s assumptions, the intention is to argue about preponderant elements around the forgetfulness associated with guilty, in the short stories \"Helga\" and \"Natal na barca\"; to the \"strange\" and the \"inexplicable\" in short stories \"A caçada\" and \"O noivo\", and, finally, the remembering nostalgic verified in the novel As horas nuas and in the memoir \"Nada de novo na frente ocidental.\" So, it is emphasized that the author displays in her work an issue of memory, forgetting and remembering.

Esta dissertação aproxima o livro Fluxo-floema, 1970, de Hilda Hilst (1930-2004), e as obras relacionais de Lygia Clark (1920-1988). Contemporâneas, apesar de não estabelecerem diálogo explícito em vida, as poéticas dessas artistas tangenciam temas comuns à arte da segunda metade do século XX. A despeito de se expressarem em linguagens diferentes, elas tematizam em sua obra literária ou plástica o desejo da comunicação e da alteridade como topos recorrente e privilegiado, a ponto de tal questão deslocar-se para rupturas formais que colocam em xeque a materialidade de seus códigos as palavras e as imagens e os limites de suas gramáticas a narrativa e a pintura. Além disso, Hilda Hilst experimenta o desenho e Lygia Clark se aventura em textos poéticos, memórias e cartas, o que permite uma leitura transversal das artistas. Ao comparar o gesto criativo de ambas, pode-se ver na escritora a plasticidade sugerida pela artista, ou ainda, ler na artista as palavras evocadas pela escritora. / This research brings closer the book Fluxo-floema, 1970, by Brazilian writer Hilda Hilst (1930-2004) to the relational objects by Brazilian artist Lygia Clark (1920-1988). Despite there is no evidence that they have established a dialogue in life, their contemporary poetics affect themes shared with the art from the second half of 20th century. In their literary and plastic works, Hilst and Clark, respectively, express the wish of alterity and communication as privileged topics. Such issues disrupt the form and even challenge the materiality of the adopted codes words and images and the boarders of their system of rules that is, the narrative and the painting. Moreover, Hilst experiments with drawing and Clark experiences adventures with poetic texts, memories and letters, which allows us a transversal reading of their oeuvres. The comparison of their creative gestures allows us to see in the writer the plasticity suggested by the artist and to read in the artist the words evoked by the writer.

O presente trabalho lança luz sobre a trajetória de Lygia Pape (1927-2004), artista experimental que atuou em diversas linguagens e suportes. Pautando a análise de sua produção pela relação com o contexto urbano no qual se inseria, enfocamos três momentos e conjuntos de obras: o primeiro, parte do amplo \"projeto cultural moderno\", inclui as obras concretas e neoconcretas, como as xilogravuras \"Tecelares\" (1955-1959), o roteiro para um filme sobre Brasília (1959), o \"Livro da criação\" (1959) e \"Balés neoconcretos\" (1958-1959); o segundo, de crise do anterior conceito de projeto, contempla as obras participativas como \"Ovo\" (1968), \"Divisor\" (1968) e \"Roda dos prazeres\" (1968) e o terceiro, cronologicamente mais recente, no qual Lygia, menos propositora e mais crítica, evidencia características de uma cidade já permeada por outros discursos e práticas culturais, analisa obras como o projeto \"Eat me: a gula ou a luxúria?\" (1976) e os filmes \"Wampirou\" (1974) e \"Carnival in Rio\" (1974). / This work analyses the trajectory of Lygia Pape (1927-2004), experimental artist who worked in several languages and media. By the analysis of her production in relation with the urban context she was inserted, we focus three moments and piece sets: the first, part of the wide \"modern cultural project\" includes concrete and neoconcrete pieces, like the wood cut \"Tecelares\" (1955-1959), the script for a movie about Brasília (1959), the \"Livro da criação\" (1959) e \"Balés neoconcretos\" (1958-1959); the second, on the crisis of the previous project concept, embraces the participative pieces like \"Ovo\" (1968), \"Divisor\" (1968) and \"Roda dos prazeres\" (1968) and the third, chronologically most recent, in which Lygia, in a more critical way, brings to evidence characteristics of a city relating it to other discourses and cultural practices, analyses pieces like her project \"Eat me: a gula ou a luxúria?\" (1976) and the movies \"Wampirou\" (1974) and \"Carnival in Rio\" (1974).

Esta dissertação aproxima o livro Fluxo-floema, 1970, de Hilda Hilst (1930-2004), e as obras relacionais de Lygia Clark (1920-1988). Contemporâneas, apesar de não estabelecerem diálogo explícito em vida, as poéticas dessas artistas tangenciam temas comuns à arte da segunda metade do século XX. A despeito de se expressarem em linguagens diferentes, elas tematizam em sua obra literária ou plástica o desejo da comunicação e da alteridade como topos recorrente e privilegiado, a ponto de tal questão deslocar-se para rupturas formais que colocam em xeque a materialidade de seus códigos as palavras e as imagens e os limites de suas gramáticas a narrativa e a pintura. Além disso, Hilda Hilst experimenta o desenho e Lygia Clark se aventura em textos poéticos, memórias e cartas, o que permite uma leitura transversal das artistas. Ao comparar o gesto criativo de ambas, pode-se ver na escritora a plasticidade sugerida pela artista, ou ainda, ler na artista as palavras evocadas pela escritora. / This research brings closer the book Fluxo-floema, 1970, by Brazilian writer Hilda Hilst (1930-2004) to the relational objects by Brazilian artist Lygia Clark (1920-1988). Despite there is no evidence that they have established a dialogue in life, their contemporary poetics affect themes shared with the art from the second half of 20th century. In their literary and plastic works, Hilst and Clark, respectively, express the wish of alterity and communication as privileged topics. Such issues disrupt the form and even challenge the materiality of the adopted codes words and images and the boarders of their system of rules that is, the narrative and the painting. Moreover, Hilst experiments with drawing and Clark experiences adventures with poetic texts, memories and letters, which allows us a transversal reading of their oeuvres. The comparison of their creative gestures allows us to see in the writer the plasticity suggested by the artist and to read in the artist the words evoked by the writer.