In his most popular prose work, Mary Magdalens Funeral Teares (1591), English Jesuit Robert Southwell adapts the Mary Magdalene tradition by incorporating the meditative practices of St. Ignatius Loyola coupled with the Petrarchan language of poetry. Thus, he creates a prose work that ministered to Catholic souls, appealed to Protestant audiences, and initiated the literature of tears in England. Southwell readapts the traditional image of Mary Magdalene for a Catholic Early Modern audience by utilizing the techniques of Jesuit meditation, which later flourished in the weeper texts of Richard Crashaw and George Herbert. His vividly imagined scenes also employ the Petrarchan and Ovidian language of longing and absence and coincide with both traditional and mystic early church writers such as Bernard and Augustine. Through this combination, Southwell’s Marie Magdalens Funeral Teares resonated with Catholics deprived of both ministry and the presence of Christ in the Eucharist. These contributions solidify Southwell’s place as a pivotal figure in the religious and literary contexts of Early Modern England.

Thesis Across the Line of the World: On Poetics of Being on the Road in the Central and East European Novel of the second half of the Twentieth Century dissert on the phenomen of vagabondism in a given space and time. Analysis of eight texts (Albahari, Bachmannová, Bernhard, Bondy, Chwin, Miłosz, Müllerová, Sebald, Velikić) through the concept of smooth and striated space (Gilles Deleuze, Félix Guattari), and Milan Balaban's exegesis on the Biblical Exodus shows four basic principals of this rather intensive than extensive vagabondism: nothingness, sense for smoothness, melancholy and fragmentarization. Central and East European Novel Vagabondism Smooth and striated space (Gilles Deleuze, Félix Guattari) Exodus (Milan Balabán) Melancholy Nothingness Sense for smoothness Fragmentarization

Religieuse, fondatrice, mystique, docteure de l’Église catholique, et auteur de textes autobiographiques, doctrinaux, épistolaires et poétiques, Sainte Thérèse d’Avila (1515-1582) est l’une des personnalités majeures de la littérature mystique du Siècle d’Or espagnol. Profondément observatrice de la nature humaine, elle a écrit avec une simplicité profonde sur la maladie mélancolique, un trouble des humeurs qui a vraiment affecté la société de cette époque attirant l’intérêt des médecins, philosophes et religieux. Ce mémoire examine à la lumière d’une perspective interdisciplinaire le traitement de la mélancolie dans la littérature thérésienne dans le cadre des idées exposées dans les textes Vida (1562-65), Las moradas (1577) et Fundaciones (1573-1582), appuyées de cas concrets décrits dans les lettres de Thérèse et le livre Procesos de beatificación y canonización de Santa Teresa de Jesús. La première partie expose un survol sur certains traits de la mélancolie conçus dans la pensée occidentale antique et médiévale ainsi que ses influences reformulées par la société espagnole des XVIe et XVIIe siècles. Ensuite, il est proposé un dialogue entre Thérèse et le discours de plusieurs textes médicaux, suivi des rapports complémentaires entre ses déclarations et quelques œuvres ascétiques et mystiques d’autres auteurs catholiques de cette période. La deuxième partie fournit l’analyse des mots clés utilisés par l’écrivaine pour décrire la mélancolie ainsi que des considérations naturelles et préternaturelles autour de cette maladie. Finalement, ce travail présente la systématisation de ses causes, symptômes et souffrances, types de mélancoliques et formes de traitement. / Religious, founder, mystic, doctor of the Catholic Church, Teresa of Avila (1515-1582) was a relevant figure during the Spanish Golden Age. Her writings include autobiographical, doctrinal, epistolary and poetic texts. Being a deep observer of human nature, Teresa wrote with deep simplicity about melancholy which was a disease caused by a humor’s disorder that greatly affected society at that time. This fact drew the attention of physicians, philosophers and religious authors. This Master’s thesis examines the treatment of melancholy in Teresa’s literature from an interdisciplinary perspective in the framework of the ideas exposed in Vida (1562-65), Las moradas (1577) and Fundaciones (1573-1582), complemented by some cases described in her letters and in the book Procesos de beatificación y canonización de Santa Teresa de Jesús. The first part exposes a general overview of certain features of melancholy according to the ancient and medieval Western thought, as well as its influences, which were reformulated by the Spanish society during 16th and 17th centuries. Afterwards, this study proposes a dialogue between Teresa and some medical writing’s discourse, followed by complementary connections between her statements and some ascetic and mystical works of other catholic authors of this time. The second part provides an analysis of the keywords used by the writer for describing melancholy as well as some natural and preternatural considerations about this illness. Finally, this work presents a systematization of its causes, symptoms and sufferings, types of melancholic persons and healing treatment variations. / Religiosa, fundadora, mística, doctora de la Iglesia Católica y autora de textos autobiográficos, doctrinales, epistolares y poéticos, Santa Teresa de Jesús (1515-1582) fue una de las personalidades más sobresalientes del Siglo de Oro. Siendo una gran observadora de la naturaleza humana, escribió con simplicidad profunda sobre la enfermedad melancólica, un trastorno humoral que afectaba seriamente la sociedad de su tiempo y atrajo la atención de médicos, filósofos y religiosos. Esta memoria examina a través de una perspectiva interdisciplinaria el tratamiento de la melancolía en la literatura teresiana en el marco de las ideas expuestas en Vida (1562-65), Las moradas (1577) y Fundaciones (1573-1582), complementados por algunos casos concretos descritos en sus cartas y en el libro Procesos de beatificación y canonización de Santa Teresa de Jesús. La primera parte expone un panorama sobre ciertos rasgos de la melancolía según el pensamiento antiguo y medieval así como sus influencias reformuladas por la sociedad española de los siglos XVI y XVII. Posteriormente, este estudio propone un diálogo entre Teresa y el discurso de varios textos médicos, seguido de las relaciones de complementariedad entre sus afirmaciones y algunas obras ascéticas y místicas de otros autores católicos de ese periodo. La segunda parte plantea un análisis de palabras clave utilizadas por la escritora para describir la melancolía, así como algunas consideraciones naturales y preternaturales respecto a esta enfermedad. Finalmente, este trabajo presenta una sistematización acerca de las causas, síntomas y padecimientos, tipos de melancólicos y formas de tratamiento.

This thesis will explore and compare two artists who at first meeting seem to have very littlein common more than being two modernist artists. The Swedish artist Nils Dardel and theMexican artist Frida Kahlo, even though the obvious differences — sex and nationality —came to have quite similar fates. Both artists were bisexual, came across death at an early age and as a consequencewould die rather young too, and in life would both struggle with pain and anxiety. The twoartist never met in life even though their similarities, and still after life their fates wouldcontinue on a similar path as they both after death would receive greater recognition. Nils Dardels and Frida Kahlos art is filled with emotions and portray themes that stilltouches people who comes across them today. What is it in their art that touches so manypeople, and do they have similar themes just as the similar aspects in their lives. These themes and two artists will be studied and analysed in this thesis. This thesispresents biographical background and will through a semiotic and comparative methodanalysis a total of six artworks made by the artists. This thesis by these methods will alsoexamine the two artists later receptions and try to explain how they came to be.

L’omniprésence du thème du vieillissement dans la poésie de Philippe Jaccottet a déjà été relevée par de nombreux critiques. Mais elle n’avait encore jamais fait l’objet d’une analyse spécifique. Cette thèse de Ludivine Moulière, rédigée sous la direction d’Isabelle Chol, au sein du laboratoire Arts-Langage / Transitions et Relations de l’Université de Pau et des Pays de l’Adour, et intitulée Le Poète tardif, mélancolie, vieillesse et poétique du déclin dans l’œuvre de Philippe Jaccottet, entreprend de combler cette lacune en analysant, dans l’œuvre poétique et critique, les représentations de la vieillesse. Pour ce faire, comme y invite la théorie humorale exposée dans Saturne et la mélancolie (Klibansky, Panofsky, Saxl), le vieillir a été mis en lien avec la mélancolie, comprise dans plusieurs de ses acceptions. Ordonnant d’abord l’imaginaire de l’œuvre à la lumière de l’iconologie mélancolique, sont exposés les liens qu’entretient la représentation des éléments avec celles des âges de la vie, des saisons et des tempéraments. Cela permet de dégager l’humeur mélancolique qui informe la perception du monde en une structure bipolaire ou antithétique. Cette approche iconologique et phénoménologique laisse ensuite la place à une approche plus historique et sociologique. L’analyse des représentations de l’urbain et du jardin montre que la nostalgie, en contredisant l’héritage des Lumières et son idéal progressiste, donne au mouvement de l’histoire la forme d’un déclin graduel, qui rapproche l’historiographie jaccottéenne de l’historiographie romantique. Enfin, le commentaire de la poétique ou de la « poéthique » (Pinson) de Philippe Jaccottet montre de quelle manière l’écriture est infléchie par l’expérience du temps et de la vieillesse. La figuration du poète en « grave vieillard falcifère » (Steinmetz) s’avère ainsi participer d’une conversion axiologique à la fois de la vieillesse et de la mélancolie, en en faisant d’une part la condition d’une aspiration vers l’infini et d’un retour vers la finitude, et d’autre part le principe d’élaboration de l’éthopée jaccottéenne aussi bien que l’aboutissement de la quête lyrique de son identité. / Many critics have already noticed the omnipresence of the theme of old age in Philippe Jaccottet’s work, yet it has never been the object of a specific analysis. Ludivine Moulière’s thesis, entitled The Late Poet, Melancholy, Old Age and Poetic of Decline, written under the direction of Isabelle Chol at the laboratory Arts-Language / Transitions and Relationships of the University of Pau, fills this gap by analyzing the representations of old age within poetic and critical works. Ageing is linked to melancholy as understood in several of its meanings, along the lines of humoral theory as developed in Saturn and Melancholy (Klibansky, Panofsky, Saxl). Firstly, the work’s imaginative realm is organized through the melancholic iconology model in order to show relationships between the representation of the elements and the ages of life, seasons and temperaments. As a result, a melancholic mood is shown to shape perception into a bipolar or antithetic structure. This iconological and phenomenological approach is followed by a more historical and sociological one. The analysis of the representations of urbanity and gardens shows that nostalgia gives the form of a gradual decline to the movement of history, unlike the Enlightenment Legacy and its idea of progress, bringing Jaccottet’s historiography closer to romantic historiography. Finally, the commentary on Jaccottet’s poetic or « po-ethic » (Pinson) shows how his writing is tempered by experience of time and old age. The image of the poet as a « grave old man carrying a sickle » (Steinmetz) proves to fall within an axiological conversion of both old age and melancholy making it, on the one hand, the condition of an aspiration towards infinity and a return to finitude, and on the other hand the elaboration of the Jaccottean ethopoeia as well as the outcome of the lyrical quest for his identity.

I'm working with photographs of Sigmund Freud's apartment and creating their pseudo reconstruction. I'm trying through technique of linocut uncover light from black and white photos taken by documentarist Edmund Engelman in Vienna in 1938. I'm revealing volumes of individual fragments, which light falls on. Exposed light I keep for myself, for some melancholy reasons, and store it in glass jars. It is negative and final linocut represents positive. Atmosphere of pictures from Edmund Engelman's book has a big influence on me as well as Robert Longo's cycle Freud Drawings. Their atmosphere is catalyst for my own art solution.

Denna uppsats undersöker gotiska teman som melankoli, isolering, galenskap och död i verk av Edgar Allan Poe och Howard Phillips Lovecraft. Utgångspunkt är följande forskningsfråga: På vilket sätt framträder melankoli, isolering, galenskap och död i de olika verken, samt vilka är likheterna och skillnaderna mellan hur temana framkommer? Metoden är grundad i tematisk analys, intertextualitet och komparation. De verk som analyseras i uppsatsen är Poes The Fall of The House Usher, Ligeia och Berenice. Verk av Lovecraft som analyserats är Cthulhu, The Color out of Space, The Tomb och Polaris. Resultaten visar att alla teman finns närvarande i verk av båda författarna, men att de tar olika former. Poes melankoli är till exempel mycket närmare hans karaktärer än Lovecrafts melankoli, som är mer kopplade till miljöer och objekt. Vidare visar undersökningen bland annat också att Poe inte fokuserar på fysiska dödsbeskrivningar utan på andra typer av död. Lovecrafts dödsbeskrivningar å andra sidan är mer externa och kopplade till monster. / This essay examines the presence of what is considered to be gothic themes such as melancholy, isolation, madness and death in works of Edgar Allan Poe and Howard Phillips Lovecraft. The following research question was formulated: In what way do melancholy, isolation, madness, and death appear in the various works, and what are the similarities and differences between how the themes emerge? Methods of thematic analysis, intertextuality and comparison are used. The works analysed in the essay are Poe’s The Fall of The House Usher, Ligeia and Berenice. The works analysed are also Lovecraft’s The call of Cthulhu, The Colour out of Space, The Tomb and Polaris. The results show that all the themes are present in works by both authors, but that they take different forms. Poe’s melancholy is for example much closer to his characters than Lovecrafts melancholy, which are more connected to environments and objects. The study also shows among other things, that Poe does not focus on physical death descriptions but on other types of death. Lovecraft's death descriptions on the other hand, are more external and linked to monsters.

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Les patients atteints de cancer traversent des conditions d’existence extrêmes demandant un cadre spécifique de prise en charge psychothérapique. Le cancer et les soins anticancéreux indispensables, forment pourtant la situation cancéreuse envahie par les logiques processuelles du cancer, violentes. Cette situation peut être un raz de marrée dans la vie d’un sujet, emportant les convictions les plus établies et les bases narcissiques-identitaires et du caractère les plus ancrées. Le sujet présente un risque majeur d’effondrement. De plus, la puissance du traumatisme actuel puise ses racines dans la reviviscence de traumatismes primaires restés jusque là éteints. Leur retour a lieu sous la forme de sensations hallucinatoires induisant des états de corps et des états de perception du monde extérieur psychiquement irreprésentables. Le sujet se vit et s’éprouve alors passivement, sans pouvoir s’affecter véritablement. Mortifères, la pesanteur, l’inertie et la douleur dominent ou au contraire, le sujet se sent à vif, hypersensible, envahi, persécuté, au risque de l’éclatement. Le monde s’articule alors essentiellement sur cette bipolarité que vient recouvrir la défense opératoire radicale de la blancheur. Elle jette son dévolu sur le monde, les relations, les objets, les affects, le corps du sujet. Parfois, rien ne touche ce dernier dont la psyché s’est resserrée autour de son noyau archaïque aux limites psyché-soma. Le cancer éradique la subjectivité, subtilisant le principe actif des logiques de l’originaire. Cet état de mélancolie blanche parfois durable, n’est que l’une des phases d’une processualité mélancolique polymorphe. Cette dynamique domine la vie du sujet selon deux tendances à la proto-mélancolie et à la proto-manie, qui remplacent le monde affectif par une propension à l’inertie ou à la psychomotricité. Le travail de mélancolie vise la relance des capacités d’identification en impasse. Nous allons étudier les modalités spécifiques du transfert et en particulier la mobilisation essentielle d’un transfert formel de base. Il fonctionne à partir de l’activation originaire en double de signifiants formels alors partagés par le thérapeute et son patient. Des mouvements de léthargie et d’excitations psychocorporelles peuvent gagner le clinicien et plonger la relation thérapeutique dans des états crépusculaires, relatifs au cancer et au retour des traumatiques primaires. Nous verrons comment le but premier de la psychothérapie vise l’utilisation psychique – et non l’éradication – de l’objet-cancer, comme moyen de forger les conditions de viabilité du cadre : permettre la mise en représentation des états de corps, rétablir la symbolisation, l’imagination et le recours aux fantasmes inconscients. Ce sont là les bases indispensables d’une psychothérapie auprès des patients atteints de cancer. / Cancer patients experience extreme conditions of existence requiring a specific form of psychotherapy. The cancer and essential anticancer treatments together form the cancerous situation, invaded by the cancer’s violent, processual logic. This situation can constitute a sea change in the subject’s life, sweeping away their most firmly held convictions and the most deeply rooted foundations of their narcissistic identity and character. The subject is at major risk of suffering a breakdown. In addition, the ‘actual’ trauma draws strength from the revival of primary traumas up until now extinguished. Their return takes the form of hallucinatory sensations producing states of body and perception of the external world psychologically unrepresentable. The subject sees and experiences themself passively, without really being capable of feeling affected. Deadly dullness, inertia and pain dominate or, on the contrary, the subject feels vividly alive, hypersensitive, invaded and persecuted, at the risk of bursting. The world essentially revolves around this bipolarity, which the radical operational defence system covers in whiteness. It throws its mantle over the world, relationships, objects, affects and the subject’s body. Sometimes nothing can touch the subject at all, and their psyche is reduced to its archaic core, at the edge of psyche-soma. The cancer eradicates subjectivity, steeling away the active principle of primal logic. This sometimes lasting state of white melancholy is but one phase in a polymorphic melancholic processuality. This force dominates the subject’s life, with a tendency either to proto-melancholy or proto-mania, which replace the affective world by a propensity to inertia or psychomotricity. The aim of melancholy work is to revive the deadlocked capacity for identification. We will examine the specific use of transference and, in particular, the key implementation of a basic formal transference. This works based on the dual primal activation of formal signifiers shared by the therapist and their patient. The therapist may be subject to motions of lethargy and psychocorporal excitations, plunging the therapeutic relationship into crepuscular states, relative to the cancer and to the return of primary traumas. We will look at how the principle aim of psychotherapy is the psychological use, and not eradication, of the cancer object, as a means of forging the conditions rendering the therapeutic context feasible: allow the representation of states of body, restore symbolisation, imagination and recourse to unconscious fantasy. Together, these form the essential basis of psychotherapy for cancer patients.

Cette thèse propose l’émergence d’une poésie de l’entre deux dans la littérature expérimentale, en suivant ses développements du milieu du vingtième siècle jusqu'au début du vingt-et-unième. Cette notion d’entre-deux poétique se fonde sur une théorie du neutre (Barthes, Blanchot) comme ce qui se situe au delà ou entre l'opposition et la médiation. Le premier chapitre retrace le concept de monotonie dans la théorie esthétique depuis la période romantique où il est vu comme l'antithèse de la variabilité ou tension poétique, jusqu’à l’émergence de l’art conceptuel au vingtième siècle où il se déploie sans interruption. Ce chapitre examine alors la relation de la monotonie à la mélancolie à travers l’analyse de « The Anatomy of Monotony », poème de Wallace Stevens tiré du recueil Harmonium et l’œuvre poétique alphabet de Inger Christensen. Le deuxième chapitre aborde la réalisation d’une poésie de l’entre-deux à travers une analyse de quatre œuvres poétiques qui revisitent l’usage de l’index du livre paratextuel: l’index au long poème “A” de Louis Zukofsky, « Index to Shelley's Death » d’Alan Halsey qui apparait à la fin de l’oeuvre The Text of Shelley's Death, Cinema of the Present de Lisa Robertson, et l’oeuvre multimédia Via de Carolyn Bergvall. Le troisième chapitre retrace la politique de neutralité dans la théorie de la traduction. Face à la logique oppositionnelle de l’original contre la traduction, il propose hypothétiquement la réalisation d’une troisième texte ou « l’entre-deux », qui sert aussi à perturber les récits familiers de l’appropriation, l’absorption et l’assimilation qui effacent la différence du sujet de l’écrit. Il examine l’oeuvre hybride Secession with Insecession de Chus Pato et Erin Moure comme un exemple de poésie de l’entre-deux. A la fois pour Maurice Blanchot et Roland Barthes, le neutre représente un troisième terme potentiel qui défie le paradigme de la pensée oppositionnelle. Pour Blanchot, le neutre est la différence amenée au point de l’indifférence et de l’opacité de la transparence tandis que le désire de Barthes pour le neutre est une utopie lyrique qui se situe au-delà des contraintes de but et de marquage. La conclusion examine comment le neutre correspond au conditions de liberté gouvernant le principe de créativité de la poésie comme l’acte de faire sans intention ni raison. / This dissertation proposes the emergence of a poetry of the threshold in experimental literature, tracing its development from the mid-twentieth century to the early twenty-first century. The notion of threshold poetry is premised on a theory of the neutral (Barthes, Blanchot) as that which is located beyond or between opposition or mediates. Chapter One retraces the concept of monotony in aesthetic theory, from the Romantic period, where it figures as the antithesis to changefulness or poetic tension, to the emergence of conceptual art in the twentieth century. Chapter One further examines the relationship of monotony to melancholy through an analysis of “The Anatomy of Monotony” by Wallace Stevens and alphabet by Inger Christensen. Chapter Two proposes a ‘poetry of the threshold’ through an analysis of four works of experimental, paratextually structured works of poetry: Louis Zukofsky’s index to “A”; Alan Halsey’s “Index to Shelley’s Death,” which comes after The Text of Shelley’s Death; Lisa Robertson’s Cinema of the Present; and Carolyn Bergvall’s multimedia work Via. Chapter Three retraces the politics of neutrality in translation theory. Against the oppositional logic of original versus translation, it hypothetically proposes the realization of a ‘third’ or threshold text, which also serves to disrupt the familiar narratives of appropriation, absorption and assimilation that efface the difference of the writing subject. It examines the hybrid work Secession with Insecession by Chus Pato and Erin Moure as an example of threshold poetry. For both Maurice Blanchot and Roland Barthes, the neutral represents a potential third term that baffles the paradigm of oppositional thought. For Blanchot, the neutral is difference taken to the point of indifference and the opacity of transparency while Barthes’ desire for the neutral is for a lyrical utopia that is located beyond the constraints of purpose and marketability. The conclusion examines how the neutral corresponds to the conditions of freedom governing the creative principle of poiesis as the act of making without intention or purpose.