Essa pesquisa investiga a relação entre paisagem, imagem e memória, em duas séries de trabalhos artísticos, de minha autoria, realizados nos últimos dois anos. Ambas apresentam imagens feitas a partir da observação da memória. A primeira, Interiores, é composta por desenhos, feitos em grandes formatos, com materiais não convencionais para a arte: fórmica (PVC) e esmalte sintético para metais, usualmente utilizados nos acabamentos da construção civil. Esta série apresenta paisagens arquitetônicas, figurando ambientes comuns de nosso espaço urbano. Analiso seu simbolismo pela interpretação arquetípica do mito do Labirinto do Minotauro e a contextualizo na arte contemporânea brasileira recente, através da análise da obra de três artistas: Adriana Varejão, Daniel Senise e Rodrigo Andrade. A segunda série, Paisagens com Eucaliptos e Neblina, são pinturas acrílicas sobre tela, que apresentam imagens de plantações de eucaliptos nas beiras das estradas sendo engolidas pela neblina. Mapeio o território de influências conscientes e inconscientes que desembocam nelas. A investigação desta pesquisa começa pelos sentidos profundos da paisagem e seu papel na formação de nossa cultura visual, desde a absorção, por ela, das leis da perspectiva. A imagem contemporânea é entendida aqui a partir do conceito de simulacro de Baudrillard, no qual as imagens não se referem a uma realidade exterior, mas elas próprias formam uma realidade autônoma em si. / This research investigate the relation between landscape, image and memory, in two artworks series, from my own, realized in the last two years. The both presents images made from observation of memory. The first one, Interiors, is composed of drawings, done in large sizes, with non-conventional materials for ‘traditional art’: Formica (PVC) and synthetic enamel for metals, usuallly utilized for finishing touches in the construction industry. This series presents architectural landscapes featuring common settings within urban space. I analyse it’s symbolism using a archetypal interpretation of the myth of Minotaur’s labyrinth, and contextualize it within the recent Brazilian art scene through the artworks of three artists: Adriana Varejão, Daniel Senise and Rodrigo Andrade. The second serie, Landscape with Eucalyptus and Fog, is a set of acrylic paintings on canvas that present images of eucalyptus plantations by the roadside being swallowed by the fog. In it, I map the territory of conscious and unconscious influences that pour into it. I begin the research from the deep meanings of landscape and it’s place in the building of our visual culture, since it’s absorption of the laws of perspectives. I analyse the contemporary image using as a starting point the concept of simulacrum by Baudrillard, in which the images do not refer to another reality, but form an autonomous reality in themselves.

O centenário da independência do Brasil, comemorado em 1922, mostrou-se uma oportunidade excepcional para as elites brasileiras exporem projetos de identidade nacional, de predominância europeia, no que diz respeito à cultura, o que inclui considerações racistas, e de manutenção da estrutura social, calcada no capitalismo liberal. O presente trabalho tem por objetivo investigar como tais projetos impactaram as exposições, congressos, e outros eventos comemorativos. A Exposição Internacional e os congressos de História do Brasil e Internacional de Americanistas mostraram um país inserido na economia mundial, buscando os fatos e os personagens fundadores da nacionalidade, interessado em se aproximar dos demais países do continente e que considerava a miscigenação uma aliada para promover o branqueamento da população. O estudo também se volta ao mecenato estatal, cuja intenção de adquirir quatro quadros de assunto histórico, relacionados aos acontecimentos de 1822, estimulou alguns artistas a retomar a produção de tal gênero de pintura, porém algo distanciados dos cânones acadêmicos e incorporando questões e discursos em pauta naquele momento histórico. O juri encarregado selecionou, para aquisição, as obras: Sessão do Conselho de Estado, de Georgina de Albuquerque; Primeiros sons do Hino da Independência, de Augusto Bracet; Tiradentes, o precursor, de Pedro Bruno; Minha terra, de Hélios Seelinger. Os eventos retratados, apesar da presença de personagens históricos, abordaram o direito de voto à mulher; a revisão do período monárquico e da figura de Pedro I; a trajetória do país de 1500 a 1889, sob a perspectiva da miscigenação e do branqueamento; o papel do Estado, enquanto instância de repressão. / The centennial of Brazil independence, celebrated in 1922, was an exceptional opportunity for Brazilian elites expose projects of national identity, of European predominance, with respect to culture, which includes racists considerations, and maintenance of the social structure, based on liberal capitalism. The present study aims to investigate how these projects impacted the exhibitions, conferences, and other commemorative events. The International Exhibition and the Congress of History of Brazil and the International Congress of Americanists showed a country inserted in a world economy, looking for facts and founders for a nationality, interested in being closer to the other countries of the continent, considering miscegenation as an allied to promote whitening of the population. This work studies the acquisition of four historical paintings, related to the events of 1822, under the state commitments which led some artists to resume the production of this genre, although something distanced from academic canons but incorporating questions and speeches of that historical moment. The responsible committee selected for purchase the works: Sessão do Conselho de Estado, by Georgina de Albuquerque; Primeiros sons do Hino da Independência, by Augusto Bracet; Tiradentes, o precursor, by Peter Bruno; Minha terra, by Helios Seelinger. The paintings portrayed, despite the presence of historical characters, the womans right to vote; the revision of the monarchic period and the figure of D. Pedro I; the country history from 1500 to 1889, from the perspective of miscegenation and whitening; the state\'s role as an institution of repression.

Esse trabalho versa sobre a questão do olhar nos terrenos da psicanálise e da arte, partindo dos efeitos produzidos no encontro com obra do pintor italiano Amedeo Modigliani. Ao buscar sentido para a representação no buraco dos olhos, presente nas pinturas do artista, tece reflexões acerca da imagem, no tocante à sua relação com o sujeito. Através da proposição utópica de interdição da imagem, sublinha a importância dessas criações que implicam outro modo de acesso à imaginação, destacando a sua função de corte, função de rasgadura que faz emergir a experiência do avesso. Ao despir a imagem do véu que lhe recobre, a angústia inquietante que irrompe nesse ato de contemplação com a imagem traz a dimensão do horror proposta por Freud (1919/2006b), desvelando a nudez do olhar. Algo da morte faz rasura na imagem, na direção do que Barthes (1980/2015) desenvolve ao situar a noção de punctum nas fotografias. Por fim, a reflexão sobre a máscara mortuária de Modigliani aponta a possibilidade de inserção da imagem na morte, reverso daquilo que o artista convoca ao se fazer a travessia das suas imagens em que algo da morte emerge lhes fazendo marca, recolocando, com isso, a questão dos limites da imagem no seu limiar com o real. / This paper approaches the matter of look in the fields of psychoanalysis and art, starting from the effects produced by the work of the Italian painter Amedeo Modigliani. Seeking meaning for the socket´s representation in the eye, present in the artist's paintings, it makes reflections about the image in the question to its relation with the subject. Through the utopian proposition of image interdiction, this work underlines the importance of these creations that imply another way of accessing the imagination, highlighting its function of cut, a function of ripeness that makes the experience of the reverse emerge. By undressing the image of the veil that covers it, the distressing anguish that breaks out in this act of imagery contemplation, it brings the dimension of horror proposed by Freud (1919/2006b), revealing the nakedness of the look. Something of death shears the image, in the direction of what Barthes (1980/2015) develops by situating the notion of punctum in photographs. Lastly, the reflection over the mortuary mask of Modigliani points to the possibility of insertion of the image into death, in reverse of what the artist convokes when crossing his images in which something of death emerges, marking them, thereby bringing about the limits of the image on its threshold with the real.

Esta tese estuda histórias de artistas e suas obras produzidas na Península Ibérica entre os finais do Século XV a meados do século XIX vinculadas à Inquisição Moderna. Nesse processo de longa duração o Tribunal do Santo Ofício expressou seus propósitos através da arte buscando legitimação e exaltação de seus feitos. Exerceu sobre os artistas e suas obras rigorosa vigilância e censura. Embora sujeitos ao austero controle do Santo Ofício e obedecendo a cânones estéticos e iconográficos impostos pelo Concilio de Trento, uma gama de artistas conseguiu escapar a essa \"camisa de força\" produzindo, em condições especialíssimas, em terras ibéricas ou no exterior, expressões de aversão, crítica e condenação ao Tribunal e sua nefasta atuação. Engloba as três tipologias: a legitimação, a exaltação e a aversão. Discute fundamentalmente o papel desempenhado pela Arte e pelos artistas em suas relações com o Tribunal do Santo Ofício na Idade Moderna / This thesis studies the history of some artists and their works related to the Inquisition. Such works were created in the Iberian Peninsula, between the last years of the 15th century and the first years of the 19th century. During this long period, the Holy Office used Art as an expression of its aims, as it searched for legitimacy and praise with regard to its deeds. It therefore practiced strict control and censorship over the artists and their works. Although under strict control from the Inquisition and compliant with the aesthetic and iconographic canons imposed by the Council of Trent, several artists managed to evade these regulations and were able to conceive, at certain times and under very special conditions, works that expressed their aversion, criticism, and condemnation concerning the Holy Office and its heinous acts. The present study deals with those three typologies: legitimacy, praise, and aversion, as it fundamentally discusses the role played by Art and artists in their relationship with the Holy Office in the Modern Age

A presente tese versa a respeito das correspondências existentes entre a obra de dois dos mais importantes pintores flamengos, Hieronymus Bosch e Petrus Bruegel. A influência que Bosch (145?-1516) exerceu em Bruegel (15??-1569) é conhecida e mencionada, ainda que em termos gerais, por quase todos seus estudiosos. Este trabalho procura precisar alguns de seus aspectos. A influência de Bosch na obra de Bruegel apresenta-se não como algo fortuito ou resultante de meros traços de estilo, mas materializado em uma linguagem simbólica comum construída por suas figuras. Bruegel se apropria da linguagem pictórica de Bosch, desenvolve-a e com ela desenha várias de suas obras. É com essa mesma linguagem que Bruegel dá expressão a seu anticlericalismo. Em épocas de perseguição à heresia, o símbolo pictórico constitui um conveniente esconderijo para o ataque à Igreja e parece ter sido refúgio comum dos dois pintores. Existe entretanto uma obra de Bruegel em que a influência de Bosch parece estar ausente, trata-se de seu Procissão ao Calvário (Viena, 1564). Todavia, como se procurará apontar, há grande influência do famoso tríptico de Bosch Carro de Feno (1490, Escorial) nessa obra. Bruegel fez em seu Procissão ao Calvário uma espécie de releitura da pintura de Bosch, apesar de acrescentar novos significados. Desvendando um pouco da linguagem bruegueliana encontramos na Procissão ao Calvário uma alusão precisa e ampla ao Carro de Feno de Bosch. A obra de Bruegel parece comportar uma paráfrase velada do quadro de seu antecessor, além dar expressão às mesmas críticas. A temática de ambas as obras também é comum: a queda do homem, tema muito recorrente na arte renascentista. / This thesis deals with the connections between the work of two of the most important Flemish painters, Hieronymus Bosch and Petrus Bruegel. The influence Bosch (145 ? - 1516) exercised on Bruegel (15 ?? - 1569) is acknowledged and mentioned, even if only in general terms, by almost all scholars who study the authors. This work attempts to further analyze certain aspects of these connections. We are going to argue that the influence of Bosch on Bruegels work is not accidental or the result of mere traces of style; it is, in fact, materialized in a common symbolic language built by the figures he painted. Bruegel appropriated Boschs pictorial language, developed it and incorporated it in several of his paintings. Bruegel used this same language in order to express his anticlericalism. In times of persecution against heresy, the pictorial symbol was a convenient hiding place for the attack of the Church, and it seems to be, for both painters, a common place of refuge. There is one of Bruegels work in which the influence of Bosch seems to be absent, though: the \"Way to Calvary\" (Vienna, 1564). We are going to state, however, that there is a great influence of the famous triptych of Bosch \"Haywain\" (1490, Escorial) on this work. There is evidence to suggest that Bruegel, in his \"Way to Calvary\", carried out a kind of reinterpretation of Bosch\'s painting, although he also added new meanings. Unveiling a little Bruegels language, it is possible to find in \"Way to Calvary\" a specific and broad allusion to Boschs \"Haywain\". Bruegels work seems, thus, not only to contain a paraphrase of his predecessors triptych, but also to be an expression of the same criticism. This is further suggested by the fact that the theme of both works is common: the fall of man, which was a very recurrent theme in Renaissance art.

O estudo da poética de Mario Quintana terá por base as investigações da Literatura Comparada e da Teoria Literária, considerando o pensamento de Wellek, Ortega y Gasset, Bloon, Bakhtin, Paz, Pound, Antonio Cândido, entre outros. A primeira e a segunda partes da pesquisa se voltam às relações da literatura com a própria literatura e com outros campos do saber que têm nas relações sociais o pano de fundo para o desenvolvimento da produção artística e da visão de mundo expressa nas criações. Na parte seguinte, a dimensão simbólica do tempo é base dos estudos tanto na poesia como na pintura. Na quarta parte, é observado o processo das influências que estimulou a produção poética de Mario Quintana. Para tanto, a temática temporal, constante preocupação da lírica, foi o eixo centralizador das aproximações entre as suas poesias e as de Camões, com enfoque na problemática do carpe diem; nesta mesma parte, com relação ao tratamento da saudade, destacase a produção de Antônio Nobre, poeta português que, assim como Quintana, resgata em sua obra o passado vivido ou sonhado. Ampliando as inter-relações entre diferentes formas de expressão há, na quinta e na última parte, interesse nas analogias entre a poesia e a pintura com foco nas retomadas que Quintana faz da obra de vários pintores, privilegiando a de Van Gogh. / This paper aims at the study of Mario Quintana´s poetic, based mostly on the research and investigations carried out in Comparative Literature and Literary Theory fields, taking into consideration the thoughts and ideas of authors such as, Wellek, Ortega y Gasset, Bloon, Bakhtin, Paz, Pound, Antonio Cândido, among others. The first and second parts of the present research are concerned with the relationship the literature has to do with itself and with other knowledge areas which have the social interaction as the background for the art development and the worldview expressed in the masterpieces. In the next part, time symbolic dimension is the basis for the studies in both poetry and paintings. In the fourth part, the influential processes that would have stimulated Quintana´s poetic production are observed. For such purposes, the temporal thematic, a frequent concern of Quintana\'s poetry, was crucial to look for the similarities between Quintana\'s and Camões\' creations, focusing mostly on the carpe diem problems; in this same part, concerning with the treatment given to the feeling of missing, Antonio Nobre´s writings are highlighted, because this Portuguese poet, like Quintana, used to bring his past either experienced or dreamt to his verses. In the fifth and last part, making inter-relationships between different kinds of expression, there are interests in analogies between poetries and paintings, with focus on some painters recalling undertaken by Quintana, special and mostly on Van Gogh´s ones.

O presente estudo trata da linguagem pictórica do artista plástico Mario Zanini (1907-1971), tomando como referência suas leituras dedicadas à temática da paisagem. Norteia os esforços desta investigação a seguinte questão: será possível reconhecer os paralelos entre a produção pictórica de Zanini e as discussões sobre a questão da paisagem apresentada em sua biblioteca particular? Na busca por uma resposta, foram selecionados três livros (Paul Cézanne, Vincent Van Gogh e André Lhote) que compõem a Biblioteca particular de Mario Zanini, formada entre as décadas de 1930 e 1970, e posteriormente doada ao MAC USP, em conjunto com obras produzidas pelo artista. Este estudo também apresenta dois críticos que escolheram Mario Zanini como foco de suas pesquisas: Alice Brill e Walter Zanini. Ao final, o leitor encontrará a listagem com os títulos dos 226 livros da Biblioteca de Mario Zanini, ordenados pela data de publicação. / The research deals with the pictorial language and the landscape paintings of the Brazilian artist Mario Zanini (1907-1971), and the connections with his private Library, constituted between 1930 and 1970, and later donated by his family to MAC USP, along with his artworks. The study traces the parallels between his artworks and his pictorial language, through three books of his Library (Paul Cézanne, Vincent Van Gogh and André Lhote). The study is also based on the analysis of the art critics Walter Zanini and Alice Brill. Nevertheless, the total set of 226 books of his personal Library and their identifications are listed at the end of the thesis, sorted by date of publication.

Um dos fatores imprescindíveis no resultado estético satisfatório do tratamento reabilitador protético ocular é a reprodução fiel da íris do olho remanescente na íris protética. É a dissimulação da perda para os pacientes afetados. Este trabalho apresenta duas novas técnicas de confecção da íris protética, utilizando imagem digitalizada da íris remanescente, obtida por meio de imagem fotográfica impressa em etiqueta autocolante e em adesivo. Em função da fotodegradação que compromete a longevidade das próteses oculares, decidiu-se avaliar a estabilidade das cores, comparando-se ambas as técnicas, através de teste de envelhecimento acelerado. Para os ensaios foram confeccionados corpos de prova simulando a íris protética, divididos em dois grupos: adesivo e etiqueta autocolante, nas cores verde, azul, marrom e preto. A variação do grau de degradação foi avaliada por leitura colorimétrica inicial e, em três intervalos semanais durante o envelhecimento artificial com radiação ultravioleta. A análise estatística sugere que quando as cores foram avaliadas em função do período de ensaio de envelhecimento artificial, somente na cor azul no grupo adesivo houve diferença estatisticamente significante. Quando avaliadas em função do grupo e período de ensaio, os testes estatísticos indicam que não houve diferença entre as cores entre adesivo. Nenhuma das cores entre os grupos apresentou uma degradação de cor acima do nível clinicamente aceitável. / One of the essential factors in satisfactory final result of ocular prosthetic rehabilitation treatment is a faithful reproduction of the iris of the eye remaining in prosthetic iris. It concealment loss for affected patients. This paper presents two new techniques to manufacture prosthetic iris, using the remaining iris scanned image, obtained by photographic image printed sticker and adhesive. Depending on the photo degradation that compromises the longevity of artificial eyes, decided to evaluate the stability of colors, comparing both techniques, through accelerated aging test. For the tests were prepared specimens simulating prosthetic iris, divided into two groups: adhesive sticker and, in green, blue, brown and black. The variation of the degree of degradation was evaluated by colorimetric reading before and after and three weekly intervals during aging with artificial ultraviolet radiation. Statistical analysis suggests that when the colors were evaluated according to the period of artificial aging test, only in blue color in the adhesive group difference was statistically significant. When evaluated as a function of group and trial period, the statistical tests indicate no difference between the colors of adhesive. None of the colors between the groups showed color degradation above the clinically acceptable level.

El arte y las culturas amazónicas despertaron en mí el interés para investigar sobre el kené, elemento de identidad, simbólico y espiritual, de la cultura shipibo-konibo, que a su vez se convierte en cultura viva y en Patrimonio Cultural Inmaterial del Perú. La presente investigación busca visualizar el arte tradicional del kené y cómo se está adaptando a nuevos soportes que se han incorporado como producto de la migración y la globalización. En un nuevo contexto para la cultura nativa, se da paso a un diálogo entre la tradición y la cultura actual citadina en relación a la producción, representación y la significación, y cómo en torno a ellas se generan nuevas prácticas con el fin de estar en relación a las nuevas condiciones de producción y mercados. Así, busco desarrollar un documental participativo que muestre la nueva forma de producción y las redes de circulación que se dan alrededor del kené mural, a través de una comparación con la producción tradicional y el mural, visibilizando procesos de hibridación cultural. Para esto me enfocaré en los murales kené que comenzaron a producirse de manera constante en la ciudad de Lima en espacios públicos (tren Línea 1) y espacios de arte (Lugar de la Memoria- LUM). Las madres artesanas shipibo-konibo de Cantagallo innovan constantemente la representación del kené sobre nuevos soportes: en la moda, la pintura, los murales y otros soportes tecnológicos. Esto permitirá cuestionar sobre la identidad y representación del kené, su futuro como Patrimonio Cultural Inmaterial del Perú, la identidad shipibo-konibo y sobre los nuevos soportes de producción del kené, como también de las prácticas sociales y los nuevos espacios de circulación. El kené como objeto de diseño ha permitido a la cultura shipibo-konibo desarrollarse en diferentes niveles artísticos, sociales, económicos y, por supuesto, tener el reconocimiento y la distinción de su cultura en la sociedad limeña, peruana y mundial. / Tesis

O presente trabalho tem por objetivos: em primeiro lugar, realizar uma transcrição modernizada do tratado Antiguidade da Arte da Pintura, sua nobreza, divino, e humano que a exercitou, e honras que os monarcas fizeram a seus artífices, 1696, de Félix da Costa Meesen; em segundo lugar, apresentar uma análise de elementos retóricos do texto, para isso levando em consideração a tradição de leitura à época de Félix da Costa Meesen. O tratado é um dos primeiros documentos a reivindicar a criação de uma Academia de Artes em Portugal, o que de fato só aconteceria em meados do século XIX. Para assegurar seus argumentos, Félix da Costa aplica no discurso do tratado escolhas elocutivas a partir do gênero epidítico, como por exemplo, quando opera lugares-comuns de Plínio, o Velho. Esses lugares-comuns elevam a Pintura a altos patamares. O tratado conta atualmente apenas com uma publicação: uma edição fac-similar seguida de uma tradução para o inglês sob a organização de George Kubler, de 1967, por meio da Yale University Press, da Universidade de Yale - EUA. A versão digitalizada do tratado está disponível no site Beinecke Rare Book & Manuscript Library da Biblioteca da Universidade de Yale. O códice é de difícil acesso a demais leitores que não possam compreender manuscritos seiscentistas. Justificamos, assim, nossa transcrição modernizada porque acreditamos que ela fará com que esta obra de Félix da Costa, de grande relevância por abordar a tratadística sobre a Arte da Pintura, ganhe mais consulentes. / The present work has as its objectives: firstly, to carry out a modernized transcription of The Antiquity of the Art of Painting, its nobility, the divine, and the human who practiced it, and the honors that monarchs made to their artificers, 1696, by Felix da Costa Meesen; Secondly, to present an analysis of the rhetorical elements of the text, taking into account the reading tradition at the time of Félix da Costa Meesen. The treatise is one of the first documents to argue for creation of an Academy of Arts in Portugal, which in fact, only happened in the mid-nineteenth century. Félix da Costa uses eloquent choices from the epideictic genre in the discourse of the treatise to ensure his arguments, specially, when he operates in Pliny the Elder commonplaces. These commonplaces elevate the painting to high levels. The treatise currently has only one publication: a facsimile edition followed by an English translation under George Kubler organization, 1967, Yale University Press, Yale University - USA. The digitilized version of the treatise is available on Yale University Library website at Beinecke Rare Book & Manuscript Library. The book is difficult to access for readers who can not understand seventeenth-century manuscripts. We justify, therefore, our modernized transcription because we believe that it will make this work of Félix da Costa, of great relevance for the Art of Painting, gain more readers.