Orientador: Márcia V. Zamboni Gobbi / Banca: Leila de Aguiar Costa / Banca: Sonia Helena de Oliveira Raimundo Piteri / Resumo: Esta dissertação pretende demonstrar a relação que Almeida Faria, escritor português, promove entre palavra e imagem na configuração da narrativa do romance O Conquistador (1990), em que há uma intenção comunicativa e representativa de escrita como forma de expressão do percurso histórico português. Por meio da instrumentação teórica da Ekphrasis, será analisada a relação entre o texto não-verbal das imagens que acompanham toda a trama da obra, desde a capa e nos sete capítulos - cujas composições são do artista luso Mário Botas (1953-1983) - e as descrições dessas imagens dentro da narrativa. Na observação desta relação, serão identificados processos ekphrásicos, de acordo com o entendimento moderno da sua teoria, através dos quais será demonstrado como a Ekphrasis baseia-se nas imagens não-verbais para criar outras imagens verbais a partir dessa apropriação, o que sugere estratégias representativas que compõe a relação, atribuindo à narrativa vivacidade de linguagem e, ao mesmo tempo, narratividade ao texto não-verbal, aspectos que trabalham para ampliar e plurissignificar os sentidos do texto. / Abstract: This dissertation intends to show the relation that Almeida Faria, Portuguese writer, promotes between word and picture in the organization of the narrative of the novel O Conquistador (1990), in which there is a communicative and representative intention of writing as a way of expression of Portuguese historic rout. By means of theoric instrumentation of the Ekphrasis, will be analyzed the communication between non-verbal text of the pictures that follow throughout the plot of the work, from cover and through the seven chapters, which compositions belong to Portuguese artist Mário Botas (1953-1983), and the descriptions of these pictures in the narrative. In the observation of this relation will be identified ekphrastics process, according to modern understanding of his theory, which one will be shown how the Ekphrasis takes as base, the pictures to create other verbal images from these appropriations, which suggest representative strategies that compose the relation, attributing vivacity of language to the narrative and in the same time, narrative way to the non-verbal text aspects that work to broaden and give several meanings to the senses of the text. / Mestre

Orientador: Livre-Docente Omar Khouri / Banca: Loris Graldi Rampazzo / Banca: Neiva Pitta Kadotta / Resumo: O artista consciente do seu papel na sociedade - na qual vive e produz - pode e deve ser o primeiro crítico de suas obras. A análise de sua própria práxis, inserida no panorama artístico contemporâneo e, ao mesmo tempo dialogando com o legado da visualidade na pintura, contribui para a elaboração desta reflexão: as técnicas e os temas, os materiais e suportes adotados, refletem as suas escolhas, os processos e os procedimentos a sua poética. A reflexão resultante da compilação de teorias da arte pertinentes ao objeto também buscou nos discursos dos artistas - correspondência , notas, depoimentos e escritos em geral - as bases par s sua elaboração. Escolhidos por afinidade de gosto ou estilo, artistas como Cézanne, Van Gogh, Gauguin e Matisse - além dos brasileiros Rubens Gerchman e João Câmara - têm seus escritos e reflexões sustentado e elucidando suas poéticas. A crítica - neste caso, a autocritica - é apresentada como uma parte integrante da obra de arte comparada numa metáfora ao toque final dado pelo artista numa pintura: a demão de verniz. / Abstract: The artist conscious of his role in the society - in which he lives and produces - can and must be the first critic of his artistic works. The analysis of the praxis that is inserted lin the contemporary artistic scene and, at the same and at the time, dialoguing with the legacy of the visuality in the painting contibutes to the elaboration from this reflexion the tecniques and the themes, the materials and adopted supports, reflect their choices, the processses and procedures; its poetic. The reflection, resulting from the theories compilation of the art pertinent at the object, also looked for in the artists discourse - correspondences, notes, depositions and writings in general - the bases for its elaboration. Chosen by afinity or style artists like Cézanne, Van Gogh, Gauguin and Matisse - beyond the brazilians Rubens Gerchman and João Câmara - have their writings and reflections sustainning and elucidating their poetics. The critic - in this case, the self-criticism - is presented as an integral part of the art work, compared in a metaphor to the final touch given by the artist in a painting the varnish coating. / Mestre

Esta tese investiga a trajetória e a produção artística do artista norueguês radicado no Paraná, Alfredo Andersen (1860-1935) a partir de uma perspectiva históricosociológica. Nascido em Kristiansand, no sul da Noruega, o pintor teve sua formação artística realizada em ateliês particulares em seu país e na Academia de Belas Artes de Copenhagen, na Dinamarca, então locais periféricos em se tratando de Europa. A análise da sua fase norueguesa auxilia na compreensão da construção de seu esquema, em particular pela presença em sua juventude do movimento nacionalista, que trouxe para o artista, de um lado, uma visão do nacional ligada ao folk e, de outro, uma forma de ver a paisagem como um elemento identitário. A tese busca reinterpretar também sua vinda para o Brasil e sua fixação em Paranaguá, comparando as condições e alternativas que se apresentavam ao artista na Europa e as oportunidades que pode ter vislumbrado no Brasil. Rapidamente acolhido pelo meio local, Andersen desenvolve uma obra vasta e é considerado pai da pintura paranaense, mito que este estudo buscou desconstruir com o apoio de uma sociologia das biografias do pintor, que trouxe à tona os principais interessados em alçá-lo a essa condição. A tese analisou os principais gêneros praticados por Andersen dentro do contexto em que foram produzidos, buscando compreender seus significados sociais, e cada um trouxe elementos do intrincado quebra-cabeças que caracterizava a sua trajetória, repleta de tensões e ambiguidades. Com a análise da retratística foi possível compreender a função que sua arte teve para as elites locais, que se aburguesavam e buscavam distinção, e um gosto local bastante conservador. Já sua obra paisagística, que o levou a ser considerado pela historiografia como um regionalista, se mostrou um terreno fértil para perceber sua relação ambivalente com o paranismo, e a construção de uma alternativa mais autoral que desenvolveu nas marinhas. Com sua experiência social marcada pela condição de estrangeiro e pelo casamento nativo, as cenas de gênero se mostraram documentos ricos para a apreensão da sua posição na cena local e configuram uma faceta pouco valorizada e talvez a mais rica do pintor. Palavras-chave: Alfredo / This thesis investigates the trajectory and the artistic production of the Norwegian painter settled in the state of Paraná, Alfredo Andersen (1860-1935) through a historicalsociological perspective. Born in Kristiansand, Norway, the artists had his artistic training held in private studios and at the Academy of Fine Arts of Copenhagen, Denmark, then peripheral when it comes to Europe. The analysis of his norwegian phase search to comprehend the construction of his schema, and also his involvement with the nationalistic movement, which brought the artist, on the one hand, a vision of the national folk and on the other, a way of seeing landscape as an element of identity. The thesis also seeks to review his migration to Brazil and his settling in Paranaguá, by comparing the conditions and alternatives that were presented to him in Europe and the opportunities that he might have seen in Brazil. His plastic services quickly found a market, and by the importance of his work he is considered the father of Paranás painting, a myth that this study sought to deconstruct through a sociology of his biographies, that brought up the main interests behind that canonization. Also, this study analyzed the main genres painted by Andersen inside the context of their production, seeking to understand their social meanings, and each one brought elements of the intricate puzzle that characterized his trajectory, full of tensions and ambiguities, specially concerning his relation with the local elites. By analyzing portraiture, it was possible to understand the role that his art had to the rising bourgeoisie, that sought distinction, and had a conservative taste. Meanwhile, his landscapes, which led to him being considered by the historiography as a regionalist, has proved a fertile ground to see his ambivalent relationship with paranismo, and the construction of an alternative solution within his marines. With his social experience marked by the condition of beeing a foreigner and by the marriage with a native, the genre scenes were rich documents to the apprehension of his position in the local field and are perhaps the richest of the painter.

O objetivo deste trabalho é investigar a questão da pintura na filosofia de Merleau-Ponty. Inicialmente inscrita nos quadros de uma filosofia da existência, e depois, com maior destaque, nos quadros de uma ontologia. A questão da arte, particularmente a pintura, surge como meio privilegiado de investigação das nossas relações mais surdas e secretas com o Ser, ou com isso que Merleau-Ponty chamava de camada pré-reflexiva de sentido de mundo, anterior às teses de nossa linguagem. Isso porque a atividade da pintura revela os meios da visibilidade, que nosso olhar cotidiano deixa para trás e esquece a favor do mundo constituído culturalmente. Ou seja, habitamos um mundo que esquece suas premissas, e a tarefa do pintor, especialmente a de Cézanne, é recuperar o contato do olhar com este mundo inabitual. Nesta relação originária do corpo com o mundo, destaca-se, na obra de Merleau-Ponty, uma nova concepção de profundidade, que não é apenas do espaço, mas do corpo, e também das coisas. Merleau-Ponty apontou para esta noção em seus ensaios sobre arte, na tentativa de recolocar em questão a atividade artística como atividade que revela a implicação entre o mundo percebido e a corporeidade. Percebeu na profundidade a implicação da reversibilidade do corpo: a visibilidade a que se abre o vidente é também a de seu corpo visível, que é ao mesmo tempo vidente e visível, senciente e sensível. O autor afirma que, uma vez que este entrecruzamento está dado, aí estão, igualmente, colocados todos os problemas da pintura. Sendo assim, a pintura revela o enigma do próprio corpo. Minha visão se faz nas coisas e me apreende ao mesmo tempo no meu olhar desdobrado diante de mim, entrelaçamento que possibilita uma visibilidade secreta, ou um duplo carnal. O filósofo desenvolve o termo ?carne? para denominar este ?entre? o vidente e o visível, abertura de um ao outro, e passagem de um no outro, que define nosso acesso ao Ser. Percorremos algumas questões: entre o mundo percebido e o ato expressivo, o que é a atividade do artista, senão uma coerência com a visibilidade que o provoca e, portanto, que mal se desprende do espetáculo do mundo? Como o pintor ou o poeta expressariam outra coisa senão seu encontro com o mundo? E o que buscam neste encontro, senão uma relação mais verdadeira, sem ser uma verdade que se assemelhe ao mundo, mas coerente em seu encontro, isto é, capaz de expressar o invisível que anima a relação do olhar com a visibilidade, ou do sentir com a realidade? Neste movimento de pensamento, que inicialmente enfatiza uma nova idéia de Razão ou de Verdade através da atividade do olhar, chega-se, por fim, à noção de desejo ou de corpo libidinal. Perceber é desejar, movimento inscrito na abertura do Ser sensível, que inaugura as trocas entre o corpo e as coisas, em que o olhar ou a visibilidade é um elemento privilegiado. / The aim of this study is the research of the problem of painting in the philosophy of Merleau Ponty. Originally enrolled in the frames of an existencialistic philosophy, aferwards it was put with more prominence, in the frame of an ontology.The problem of art, especially of painting, arises as a privileged way of research of our more deaf and secret relations with Being, or wich that what Merleau Ponnty nominated the pre-reflexive layer of the sense of the world, previous to the thesis of our language. This is so because the activity of painting reveals the means of visibility that our daily look leaves behind and forgets privileging the cultural constructed world. In other words, we live in a world that forgets its premisses, and the task of the painter, especially of Cézanne, is to recover the contact of the look on this unhabitual world. In this original relation of the body with the world we may emphasize, in the work of Merleau Ponty, a new concept of depth, that is not only of space, but of the body, and also of the things. Merleau Ponty pointed to this notion in his essays about arts, trying to question again the artist?s activity as an activity that reveals the implication between the perceived world and the bodyness. He perceived in the depth the implication of the revertibility of the body: the visibility which opens itself to the beholder is also that of his visual body, which is at the same time beholder and visible object, sensing and sensible. The author states that once this intercrossing is given, all the problems of painting are here placed in the same way. In being so, the painting reveals the enigma of the body itself. My look realizes itself in the things and grasps me at the same moment in my look unfolded in front of myself, this interlinking makes possible a secret visibility or a carnal double. The philosophe develops the term \"flesh\" to denominate this \"between\" the beholder and the visible, opening one to the other, giving passage from one to the other, which defines our access to Being. We will deal with some questions: What is the activity of the artist between the perceived world and the expressive act, other then a coherence with the visibility that it causes and, therefore, what harm does come from the spectacle of the world? How the painter and the poet would express other things than their meeting with the world? And in this meeting what they are looking for other than a more true relation, without being a truth which is similar to the world, but coherent in their meeting, this is, capable to express the invisible that cheers up the relation of the gaze with the visibility or of the feeling with the realityIn this movement of thoughts, which emphasizes initially a new idea of Reason and of Truth by means of the activity of looking, one arrives, finally to the notion of desire or of the libidinal body. To perceive is to desire, a movement graved in the opening of sensitive Being, that inaugurates the exchanges between the body and the things, in whicht he looking or the visibility is a privileged element.

Neste trabalho são apresentados os principais conceitos relacionados às pinturas texturizadas. Foram propostas diretrizes mínimas para especificação e recebimento de pinturas texturizadas acrílicas em substratos de argamassa para fachadas de edifícios. Para o estabelecimento das diretrizes foram evidenciadas as práticas adotadas através de estudos de casos e foi realizado um estudo experimental para desenvolvimento dos principais critérios de aceitação propostos. Considera-se que a especificação técnica é o ponto de partida para assegurar que as pinturas texturizadas acrílicas atendam o uso previsto. / In this work the main concepts related to textured coatings are presented. The minimal directives are proposed for specification and act of receiving of acrylic textured coatings in renderings for buildings frontages. For the establishment of the directives the practices adopted through studies of cases had been evidenced and an experimental study was carried through for development of the main considered accepted criteria. It is considered that the technical specification is the starting point to assure that the acrylic textured coatings take care of the foreseen use.

O presente estudo volta-se ao romance Água Viva, publicado em 1973 por Clarice Lispector, compreendido como exercício de radicalização da linguagem sob influência do pensamento pictórico, no qual o rastro material do processo e a possibilidade de uma expressão não-verbal entram em questão. Será desenvolvida uma discussão sobre o romance enquanto gênero literário, que se desdobrará em uma comparação entre as linguagens literária e pictórica, suscitada pelas constantes sugestões ao universo da pintura presentes em Água Viva. Ao se estabelecer um embate entre crítica literária e crítica de arte visual, serão analisadas as tensões entre arte e realidade nos projetos estéticos da contemporaneidade, por meio de uma comparação entre o romance de nosso recorte e expressões artísticas consolidadas na década de 70, como o minimalismo, a arte-processo e a arte conceitual, que, ao colocar a pintura em xeque, desencadearam um amplo ataque ao ilusionismo. A análise do objeto deverá nos mostrar de que maneira os debates em torno da chamada morte da pintura auxiliam a compreender os movimentos dialéticos de Clarice Lispector, alternando afirmação e negação da arte em uma de suas obras de maior experimentação. É nesse contexto que será lido Água Viva, romance que se dispõe a refletir com complexidade sobre a crise das representações. / The present study is an approach to the novel Água Viva, published in 1973 by Clarice Lispector; it is understood as a radicalization of language under the influence of pictorial thought, in which the material trace of the process and the possibility of nonverbal expression are at stake. A discussion about novel as a literary genre will be developed; this will unfold into a comparison between literary and pictorial languages, implied by the constant suggestions regarding the universe of painting present in Água Viva. The confrontation of literary critic and visual arts critic settles an analysis of the tension between art and reality in the contemporary aesthetics projects, by means of a comparison between the novel in view and the consolidated art expressions from the 70s, like minimalism, process-art and conceptual art, which, challenging painting, triggered a comprehensive attack upon illusionism. The analysis of the object may show us how the debates about the so called death of the painting can aid in the understanding of Clarice Lispectors dialectic movements, in which art acceptance and denial take turns in one of her major works of experimentation. It is within this context that Agua Viva will be read, a novel that is willing to plunge with high complexity upon the crisis of representation.

Após iniciar sua trajetória como pintor junto às vanguardas parisienses do cubismo e do purismo, Le Corbusier cessa em 1923, aos olhos do público, tal atividade, mantendo-a regular e sistemática como um trabalho exclusivo seu. Afora algumas poucas exposições menores e discretas, Le Corbusier permanece cerca de 30 anos pintando sem expor até que, em 1948, inicia o redescobrimento do que veio a chamar de seu \"labor secreto\". Esse processo de retomada da pintura como a \"virtude profunda\" de sua arquitetura e de seu urbanismo converge, em 1953, para uma grande exposição em Paris, quebrando definitivamente o seu silêncio de três décadas. Nesse percurso, analisou-se não apenas as fases de sua pintura, como seu significado enquanto formalização discursiva do trabalho conceitual de Le Corbusier, valorizando-se a relação entre pintura e urbanismo, em especial, a partir de suas viagens para a América do Sul. / After beginning his trajectory as a painter in the Parisian cubist and purist avant-garde movements, Le Corbusier halts his painting activity to the eyes of the public, keeping it regularly and systematically just for himself. Aside from a few small and discreet exhibitions, Le Corbusier spends 30 years painting without exhibiting until 1948, when he begins the rediscovery of what was to be called his \"secret labor\". This process of recovery of his painting as a \"profound virtue\" of his architecture and urbanism culminates in a huge exhibition in Paris, in 1953, breaking once and for all his 30-year silence. In this piece, not only the phases of Le Corbusier\'s painting were analyzed, but also its meaning as a discursive formalization of his conceptual work.

Uma forma de reduzir a difusão de agentes agressivos para o interior do concreto é através da aplicação de sistemas de pintura, que funcionam como uma barreira ao ingresso destes agentes. A difusão dos agentes através de películas de pintura está relacionada com a sua porosidade, que, por sua vez, depende principalmente do teor e estrutura química da resina e do teor e morfologia dos pigmentos. Esta tese teve por objetivo principal demonstrar que, com uma formulação adequada, as tintas à base de resina acrílica podem ser utilizadas como barreira de proteção eficiente contra a penetração de água e vapor de água, anidrido carbônico (C\'O IND.2\') e íons cloreto, em estruturas de concreto ou em outros tipos de substratos. As formulações das tintas foram definidas em função do tipo de acabamento final e obtidas pela variação da relação pigmento/resina. Foram realizados ensaios de caracterização nas tintas líquidas e nas resinas utilizadas na preparação das tintas estudadas, bem como ensaios de desempenho nas películas livres e em concretos pintados, que apresentavam resistência à compressão de 20 e 40 Mpa. Para a medida da resistência à penetração dos agentes agressivos no concreto, foram desenvolvidos ensaios acelerados, com base em metodologias de avaliação de argamassas e concretos, adaptados a substratos pintados. A microestrutura das películas de tinta foi correlacionada com as propriedades físicas das películas e dos concretos pintados. Os resultados obtidos mostram a importância da formulação das tintas nos fenômenos de transporte e, além disso, mostram que tintas acrílicas e as estirenoacrílicas com diferentes temperaturas vítreas (Tg) apresentam comportamento físico distinto. Tintas de acabamento semi-brilho conferem boa proteção contra a penetração de agentes agressivos no concreto, enquanto que as de acabamento fosco apresentam função mais decorativa do que de proteção. / The diffusion of aggressive agents into concrete can be reduced by the application of painting systems which work as barriers to these agents. The capacity of these agents to pass through the paint is related to its porosity, which in turn is mainly dependent on the structure and content of the resin and on the morphology and content of the pigments. The main objective of this thesis is to demonstrate that with adequate formulation, paints based on acrylic resin polymers can be used as efficient barriers against the penetration of water and water vapour, carbon dioxide and chloride in concrete structures or any other porous substrate. Paint formulations were defined based on the final appearance (gloss) and obtained by varying the pigmentbinder ratio. Characterization tests on the liquid paints and polymers prepared for this study were done, as were performance tests on free dry films and painted concrete substrates, with compressive strength of 20 MPa and 40 MPa. In order to determine the effectiveness of paint in inhibiting the diffusion of aggressive agents into concrete, accelerated tests based on methodologies for the evaluation of mortars and concrete were developed. The films microstructures were correlated with their physical properties and with painted concrete. The results showed that the formulation of the paints has a important effect on the transport mechanism and also that acrylic and styrene-acrylic paints with different transition temperatures (Tg) do not present the same physical behavior. Glossy paints presented a high level of protection against the penetration of aggressive agents whereas matte finishes offered a more aesthetic function rather than protection.

A tela A Redenção de Cam (1895), de autoria de Modesto Brocos é um retrato de família marcado pelas distintas gradações de cor da pele entre seus membros, num movimento clareador que vai do negro (a avó) ao branco (o neto). Vencedora da medalha de ouro na Exposição Geral de Belas Artes de 1895, a pintura foi incorporada ao artigo apresentado por João Batista de Lacerda, diretor do Museu Nacional, no I Congresso Mundial das Raças em 1911, servindo de ilustração à tese do cientista, para quem o Brasil seria branco em três gerações. No mais, o quadro é fruto de um momento pós-emancipação, marcado pela forte adesão ao racialismo na esfera pública e da emergência de uma série de planos quanto ao destino da população de ascendência negra na ordem livre e republicana. A despeito de sua apropriação por Lacerda, a presente dissertação analisa A Redenção de Cam com base da hipótese de que a pintura procura demonstrar sua própria tese sobre o embranquecimento. Argumentamos que a tela concorre para fixar a imagem de um corpo negro branqueador, sobretudo na medida em que procura atribuir forma explícita a uma ideia ainda incerta, tanto aos olhos da ciência, quanto nos debates que ganhavam espaço junto à opinião pública de seu tempo. Logo, procuraremos discutir em que medida a pintura possibilita vislumbrar certas variáveis constitutivas de uma estética que, por sua vez, revela-se uma importante via de acesso a modos de ver profundamente imbricados em processos fundamentais daquilo que hoje entendemos como preconceito racial. Procuramos levar adiante a proposição de alguns críticos atuais, segundo os quais a tela é preconceituosa, observando em maior detalhe as soluções pictóricas empregadas pelo artista na caracterização da cena e de suas personagens. Será essencial, nesse trajeto, o diálogo com outras imagens, por meio do qual se tornarão mais evidentes certas tendências marcantes no tratamento pictórico de personagens de ascendência negra no período e também as especificidades de A redenção de Cam com relação a esses modelos. / Modesto Brocoss painting Redemption of Cham (1895) is a family portrait marked by the different colour shades of each characters skin, in a lightening movement from black (the grandmother) to white (her grandson). Awarded the golden medal in the 1895 Brazils General Fine Arts Exhibition, in 1911 the painting was incorporated as an illustration to the paper presented in the First Universal Races Congress by João Batista de Lacerda, the director of the National Museum, in order to exemplify the scientists thesis, arguing that in three generations, Brazil would be a white country. The painting is a post-emancipation work, marked by the strong adherence to racialism in the public sphere and by various projects regarding the black peoples destiny in the Brazilian free, Republican order. Despite of the paintings appropriation by Lacerda, the present master thesis analyzes Redemption of Cham through the hipothesis that it intends to demonstrante its own thesis on whitening. It will be argued that the painting contributes to fix the image of a black whitening body, especially when it seeks to attribute explicit form to an idea that still was not a consensus at that time, neither through the eyes of science, nor in the wider public debates on that issue. It will be asked to what extent the painting allows for envisaging certain aspects of an aesthetics that, in itself, could reveal to be an important chanel for accessing ways of seeing deeply embedded in fundamental processes of what is currently understood as racial discrimination. The thesis is aimed at developing the proposition made by recent critics, according to whom Redemption of Cham is biased by racial prejudice, taking a closer look at the ways adopted by the artist to depict the scene and its characters. In such an analysis, the dialogue between this painting and other images will be crucial in order to render visible certain patterns used to depict non-whites at that time, as well as the particularities of Redemption of Cham.

Este trabalho consiste numa pesquisa pictórica a partir de uma experiência de contemplação de mosaicos geométricos islâmicos medievais. A pesquisa busca fazer um percurso desde o estudo pictórico da urdidura dos mosaicos, mostrando a natureza de seu ritmo e seu movimento até a elaboração e apresentação de um corpo de trabalhos em desenho e pintura que se apropriam deste movimento \"encapsulado\" nos mosaicos, revelando-os. / This work consists in a pictorical research based on the contemplation of Islamic Medieval Geometric Mosaics. The research comprehends the trajectory from the study of Mosaics\' warp, in which are shown their rithm and movement, towards the preparation and presentation of a corpus of works in design and painting that reveals the countless possibilities of moves \"encapsulated\" in the Mosaics.