Submitted by Cláudia Bueno (claudiamoura18@gmail.com) on 2016-08-16T20:22:33Z No. of bitstreams: 2 Tese - Vandimar Marques Damas - 2016.pdf: 6025669 bytes, checksum: dd6f01c88b07888dac822d5ee8caa618 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Rejected by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com), reason: A meu ver a palavra Beauty do título" Red and black: Beauty, feelings and protection among Tapirapé" não precisa ser maiúscula e na citação o nome do autor não está como quer ser citada no currículo lattes, mas não sei se ele preencheu como vocês fez no formulário de metadados. on 2016-08-17T11:56:42Z (GMT) / Submitted by Cláudia Bueno (claudiamoura18@gmail.com) on 2016-08-17T16:49:26Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Tese - Vandimar Marques Damas - 2016.pdf: 6025669 bytes, checksum: dd6f01c88b07888dac822d5ee8caa618 (MD5) / Approved for entry into archive by Cláudia Bueno (claudiamoura18@gmail.com) on 2016-08-17T16:51:05Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Tese - Vandimar Marques Damas - 2016.pdf: 6025669 bytes, checksum: dd6f01c88b07888dac822d5ee8caa618 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-17T16:51:05Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Tese - Vandimar Marques Damas - 2016.pdf: 6025669 bytes, checksum: dd6f01c88b07888dac822d5ee8caa618 (MD5) Previous issue date: 2016-07-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The aim of this thesis is to ponder on the relationship among the production of artifacts, body painting, and shamanism amongst the indigenous people Tapirapé - auto denomination Apyãwa- and how this knowledge is intertwined and shared within and outside the village. The methodology used in this paper is the field work conceded in the Tapi'itãwa village, located in the territory of Urubu Branco MT, with records in the field’s diary, photographic and audiovisual. Tapirapé has its roots on the Tupi language, and its territory is located in the northeastern state of Mato Grosso. The research was based on Wagley Charles (1988), Baldus Hebert (1972) and Els Lagrou (2007) works as the main theoretical references to produce this ethnography. The body painting here is understood as the reasons executed on the bodies of people, and these reasons are present both in the bodies of people, but also in the masks, bowls and other artifacts produced by the Tapirapé. The Shaman is the chief warrior and he has the power of healing, of disease, and death. In addition, the shaman is responsible for protecting the village. Body painting as artifacts and shamanism operate in the bodies among Tapirapé. Finally, I believe in the Shaman as a demiurge as it connects the visible and invisible to grasp and pass on the knowledge to the Tapirapé. Therefore, if the Shaman is responsible for bringing this knowledge, the school appears as an organization that contributes to the preservation and transmission of knowledge. Nonetheless, the school is not exempt of critics among the Tapirapé. Also, the insertion of artifacts in museums generates debate on how to place and how to expose these artifacts. The image is one of the components of this ethnography, as well as the photographs in this paper, and of course the shamanism and the rituals that also denote to images. Furthermore, this research contains two videos about Tapirapé body painting and shamanism. / O objetivo desta tese é pensar a relação entre a produção de artefatos, pintura corporal e xamanismo entre o povo indígena Tapirapé,- autodenominação Apyãwa- e como esses saberes entrecruzam-se e são compartilhados dentro e fora da aldeia. A metodologia utilizada é o trabalho de campo, realizado na aldeia Tapi'itãwa, localizada no território Urubu Branco MT, com registros em diário de campo, fotográficos e em audiovisual. Os Tapirapé têm a língua de tronco tupi, e seu território está localizado no nordeste do estado de Mato Grosso. Busquei como principais referências para essa etnografia Charles Wagley (1988), Hebert Baldus (1972), Els Lagrou (2007). A pintura corporal, aqui, é entendida como os motivos realizados nos corpos das pessoas, e esses motivos estão presentes tanto nos corpos das pessoas quanto nas máscaras, cuias e demais artefatos produzidos pelos Tapirapé. O Xamã é o principal guerreiro e tem o poder da cura, da doença, e da morte e é o responsável pela proteção da aldeia. A pintura corporal, os artefatos e o xamanismo operam na transformação dos corpos entre os Tapirapé. Como reflexão final, penso o Xamã como um demiurgo, pois ele conecta o visível e invisível para apreender e repassar os saberes para os Tapirapé. Se o Xamã é o responsável por trazer esses saberes, a escola surge como uma instituição que contribui para a manutenção transmissão desses saberes. Mas ela não é isenta de críticas entre os Tapirapé. A inserção dos artefatos nos museus gera debate sobre como inserir e como expor esses artefatos. A imagem é uma das vertentes dessa etnografia, além das imagens aqui inseridas, o xamanismo e os rituais são compostos por imagens. Integra esta pesquisa, também, a realização de dois vídeos sobre a pintura corporal e xamanismo Tapirapé.

Sostiene que el mural de Chongos Alto ha sido concebido desde principios y conceptos de la cosmovisión andina. Asimismo, busca aportar al estudio de la pintura mural provinciana, y dar a conocer la vida y obra del artista Josué Sánchez. Describe, el concepto, los principios lógicos, elementos y formas de relacionarse con lo sagrado en la cosmovisión andina. Aborda la vida y producción artística de Josué Sánchez. Analiza las 26 escenas del mural, empleando el método iconográfico-iconológico y el formal, a través del cual se encuentran similitudes con los mates burilados de Cochas Grande. / Tesis

La presente investigación desarrolla un plan de mejora del área de pintura para una empresa fabricante de tableros y celdas eléctricas, que desea implementar un sistema que mejore la línea de producción de las piezas metálicas y consecuentemente reduzca los tiempos de pintado, secado y reprocesos generados que actualmente se pueden encontrar en la empresa. Además de permitir una mejor atención al cliente en cuanto a las entregas oportunas del producto terminado y regular los procesos de producción mediante la propuesta del nuevo sistema y mejoras. Por medio de la propuesta de implementación de un sistema de pintura Electrostática, también denominada pintura en polvo, se podrá dar un cambio sustancial tanto del entorno laboral, como productivo y económico, estableciendo medidas adecuadas que permitan trabajar de forma eficiente en el proceso de pintura. Se inicia con un mapeo, toma de datos y evidencias relevantes que nos indican las deficiencias en el área a estudiar. Es así que se plantea demostrar que un sistema de pintura electrostática mejorará el proceso del área de pintura. Además se muestra el costo de la inversión que representa la implementación del sistema de pintura electrostática y los beneficios al cabo de la propuesta de implementación, terminando con las conclusiones y recomendaciones al finalizar el proyecto de investigación. Se recogieron datos del año 2015, del sistema que se utiliza actualmente en el proceso de pintura, comparando resultados con el sistema de pintura propuesto. The present investigation develops an improvement plan to the painting area, for the manufacture of electrical panels and cells, that it wants to implement a system to improve the production line of metal parts and consequently reduce times of painting, drying and rework, usually generated in the company. Also to permit a better customer service in terms of timely deliveries of finished product and regulate the production processes by proposing the new system and improvements. By the proposal implementation of a system of electrostatic painting, also called as powder, it can make an important change between work environment as productive and economical, establishing appropriate measures and to permit work efficiently in the painting process . It starts with a mapping, data collection and relevant evidence which indicate deficiencies in the area to study. It's like that propose illustrated a system that improve electrostatic painting process of painting area. Also the cost of the investment required to implement the system of electrostatic painting and benefits of the proposal after the implementation, ending with conclusions and recommendations at the end of the research project it is shown. The information was collected in 2015, of the actual system used in the painting process, comparing results with the proposed system.

Dans cette thèse, nous nous sommes intéressés à la période de formation du peintre et philosophe brésilien Pedro Américo de Figueiredo e Mello (1843-1905). Nous y étudions les premières oeuvres écrites et picturales de cet artiste, produites à la fin d\'une bourse d\'études à Paris, offerte directement par la Maison de l\'Empereur brésilien. Ces travaux sont La réforme de l\'Ecole des Beaux-Arts et l\'opposition (1863), Considérations Philosophiques sur les Beaux-Arts des Anciens («Considerações Filosóficas sobre as Belas Artes entre os Antigos») (1864), Lettres d\'un plébéien («Cartas de um Plebeu») (1865), et la peinture A Carioca (1863-64). A partir de ces productions, nous discutons la démarche d\'études artistiques et scientifiques poursuivies par Américo à Rio de Janeiro, à Paris et dans d\'autres villes européennes. Nous analysons ses intérêts artistiques et philosophiques, et les relations qu\'il avait directement ou indirectement établies avec des artistes et des politiciens, au Brésil et à l\'étranger. VII L\'hypothèse principale de cette thèse concerne l\'effort de l\'artiste à structurer une théorie artistique et, aussi, un projet politique pour les arts au Brésil. Le premier servira de base permanente à plusieurs d\'autres tout au long de sa carrière. Notre postulat de départ est qu\'il s\'agit d\'une théorie adressée à la réalisation du « Beau idéal », mais dans une perspective comprise comme « moderne »; et d\'un projet axé sur la valorisation sociale de l\'artiste, nourrie par une demande permanente de son apprentissage théorique et philosophique; par l\'expansion « universelle » et obligatoire de l\'enseignement du dessin; et, finalement, par la fondation d\'un art national qui devrait être « blanc », aux yeux d\'Américo, en s\'opposant de cette manière à la représentation de l\'indigène, représentation qui, à partir des années 1860, devenait un symbole important pour les arts plastiques au Brésil. / Esta Tese concentra seu interesse nos anos de formação do pintor e filósofo brasileiro Pedro Américo de Figueiredo e Mello (1843-1905). Toma como objetos principais de reflexão as suas primeiras obras autorais - escritas e pictóricas -, produzidas no fim de sua bolsa de estudos na Europa, especialmente em Paris, concedida diretamente pela Casa Imperial brasileira. São os textos \"La réforme de l\'École des Beaux-Arts et l\'opposition\" (1863), Considerações Filosóficas sobre as Belas Artes entre os Antigos (1864), Cartas de um Plebeu (1865), e a pintura A Carioca (1863-64). A partir dessas produções, discutem-se retrospectivamente os estudos artísticos e científicos realizados por Américo no Rio de Janeiro, em Paris e em outras cidades européias, suas inclinações artísticas e filosóficas, e suas relações com alguns artistas e políticos, no Brasil e no exterior. Apresenta-se como hipótese central o esforço do artista em estruturar uma teoria artística e seu primeiro projeto político endereçado às artes no Brasil, que proverão as bases permanente para várias de suas atuações ao longo da carreira. Defende-se se tratar de uma teoria interessada em revelar o \"Belo ideal\", mas um \"ideal moderno\"; e de um projeto centrado na valorização social do artista por meio de uma demanda permanente de instrução teórica e filosófica; na expansão \"universal\" e obrigatória do ensino do desenho; e na fundação de uma arte nacional que se opusesse - com o aporte das teorias sobre as diferenças entre as \"raças\" humanas - ao indianismo que, nas artes plásticas, ganhava força no país, a partir dos anos 1860.

El presente trabajo de Suficiencia Profesional propone un acercamiento a la práctica artística que vengo realizando estos últimos años mediante la investigación y desarrollo de diversos conceptos que nutren mi trabajo y cómo orientan las aproximaciones que decido tomar. Estas se sitúan en complejas dinámicas que encuentro en los entornos de la ciudad moderna y cómo contrastan con la naturaleza. Asimismo, presentaré referentes visuales que inspiran mi producción artística y analizaré diez obras seleccionadas de mis últimos proyectos que reflejen las reflexiones realizadas en cuanto a la predominancia y elección del Dibujo como medio principal para las representaciones visuales que planteo y cómo se entrelazan con las nociones exploradas. El objetivo fue familiarizarme profundamente con mi obra para poder manifestar, de una manera más clara, las inquietudes y dudas que me rodean y cómo las vengo traduciendo en un lenguaje visual que busca representar mucho más que paisajes urbanos. Finalmente, esta búsqueda se encuentra fuertemente relacionada a los sentimientos y a la experiencia de vivir en un imponente mundo moderno que no se detiene, pero cuya esperanza por un futuro mejor tampoco se apaga. Es el silencio de vivir en el primer cuarto del siglo XXI. / The present Professional Sufficiency work proposes an approach to the artistic practice that I have been carrying out in recent years through the research and development of various concepts that nourish my work and how they guide the approaches that I decide to aboard. These are situated in complex dynamics that I find in modern city environments and how they contrast with nature. Likewise, I will present visual references that inspired my artistic production and I will analyze ten works selected from my latest projects that reflect the contemplations I made regarding the predominance and election of Drawing as the main medium for the visual representations that I propose and how they are intertwined with the notions explored. The purpose was to become deeply familiar with my work in order to express, in a clearer way, the concerns and doubts that surround me and how I have been translating them into a visual language that seeks to represent much more than urban landscapes. Finally, this research is strongly related to the feelings and experience of living in an imposing modern world that doesn’t stop, but whose hope for a better future does not fade either. It´s the silence of living in the first quarter of the 21st century.

Esta tesis hace un estudio teórico de la evolución histórica de las técnicas de arranque de pinturamural así como de los nuevos soportes que se les aplican. Tras la aplicación práctica en probetas de laboratorio de los soportes estudiados, se le confiere un nuevo soporte a las pinturas murales arrancadas de la bóveda de la Iglesia de los Santos Juanes de Valencia. Y se hace una propuesta para su reubicación en el lugar de origen. / Soriano Sancho, MP. (2005). Los frescos de Palomino en la bóveda de la iglesia de los Santos Juanes de Valencia: estudio y aplicación de un nuevo soporte [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/1825

La preadolescente no tuvo una iconografía propia en el arte hasta mediados del siglo XVIII, cuando se originó un concepto de infancia como estado biológico humano diferente al adulto. Durante el siglo XIX en Inglaterra, la imagen infantil y en concreto la de "las niñas", se desarrolló notablemente a través de la literatura, la pintura, la ilustración y la naciente fotografía. El fenómeno cultural, casi obsesivo, de la imagen infantil por parte de numerosos intelectuales y artistas victorianos como John Everett Millais o Lewis Carroll, se vino a llamr "Culto por las niñas", que las dotaba de una naturaleza inocente, pura e idealizada, pero por otro lado, les otorgaba misterio y perversidad. A partir del siglo XX hasta la actualidad, las artes y los medios de masas tomarían la imagen preadolescente generada durante la etapa victoriana como base para la construcción de diversos iconos y estereotipos de la feminidad infantil, como la inocente ambigua Shirley Temple en el cine de la década de 1930, las provocadoras escenas con niñas desnudas del pintor Balthus, la concreción de un icono femenino de naturaleza sensual y nínfica con nombre propio a través de la novela Lolita de Vladimir Nabokov, y la repercusión de éste, sobre todo en la última década, en manifestaciones artísticas y visuales como el manga japonés o la pornografía infantil en Internet. / Silvestre Marco, M. (2007). La imagen de la preadolescente y su representación en el arte [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/1961

El discurso del presente trabajo se articula desde la premisa que defiende una relación secular entre arte y funcionalidad, ya establecidad por la pintura mural en el Paleolítico Superior. Al analizar una pintura mural de carácter monumental, queremos decir de superficie considerable, ubicada en el espacio público e integrada en el edificio que la sustenta y en la arquitectura del entorno, observamos que coexisten al menos tres tipos de funciones: estética, decorativa y publicitaria.. La aridez de esta conclusión nos obliga a trazar un recorrido cronológico para demostrar los sucesivos desplazamientos funcionales que ha sufrido la pintura mural a lo largo de la Historia. Paralelamente, otras aproximaciones al núcleo de nuestra hipótesis, nos llevan a situar la pintura mural y la publicidad exterior en lugares antinómicos de lo que genéricamente puede entenderse como el mundo de la imagen. La pintura y la publicidad son dos actividades del intelecto distintas y autónomas, en ningún caso debe hablarse de identidad ; pero ello no es óbice para trazar relaciones entre la pintura mural y la publicidad exterior, bien sabido es que durante el siglo XX las contaminaciones y trasvases entre el Arte y la Publicidad han sido mutuos y recíprocos. Las diferencias de fondo entre el Arte y la Publicidad, básicamente, hacen referencia a la intencionalidad y el uso de la imagen y la palabra, La imagen publicitaria y pictórica comparten aspectos morfológicos pero se diferencian en el aspecto semántico. Ambas, con o sin texto, se insertan dentro de mensajes; el mensaje publicitario resulta necesariamente descodificable con respecto a un código convencional, conocido por emisor y receptor. La publicidad debe significar con claridad, los mensajes deben ser entendidos por miles de consumidores de diferentes culturas y clases sociales. El mensaje artístico es ambiguo y polisémico y se caracteriza por la destrucción o instauración de códigos privados, funciona como un simulacro de comunic / Canales Hidalgo, JA. (2006). Pintura mural y publicidad exterior. De la función estética a la dimensión pública [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/1980

Esta tesis doctoral es el primer estudio monográfico que se ha realizado en España acerca del artista. Su presencia en nuestro pais resulta altamente significativa, no solo pòr tener un estudio en Barcelon, sino también porque ha mantenido una continuidad expositiva en diversas ciudades españoals. Todo ello pone de relieve la conveniencia del presente proyecto en el contexto académico de los estudios de artes visuales. En general podemos decir que su pintura es abstracta, con una estructura formal compuesta por rectángulos, cuadrados y líneas verticales y horizontales, que junto al tratamiento del color mediante el uso de complementarios, fríos y cálidos, y las diferentes texturas resultantes de la disposición de múltiples capas de pintura sobre el lienzo, confiere a las obras una plasticidad que reconcilia el orden y la emoción. El pintor se ve a si mismo y a su obra dentro de una práctica específica y apunta más que nada a una determinada actitud, que informa de su labor artística. Es obvio que su obra, culta y expresiva, deriva hacia un lenguaje abstracto que posee una rigurosa estructura y un humanismo que desemboca en una pintura accesible y profunda a la vez. En la primera parte de la investigación se analizan los antecedentes pictóricos con respecto a su obra, los orígenes e influencias con diversos artistas que forman parte de la tradición abstracta, desde principios del siglo XX hasta los años ochenta. En la segunda parte se estudian los principios compositivos de sus pinturas, desde la década de los setenta hasta la actualidad, así como una recopilación de artistas contemporáneos relacionados con la obra de Scully. La tercera parte trata de la dimensión humanística que el artista aporta con su pintura a diferentes cuestiones como la geometría y las técnicas pictóricas, donde podemos encontrar un estudio del color, mediante un análisis de la paleta cromática, así como los distintos soportes y formatos utilizados en sus obras: también se alude a las acuarel / Maestro Grau, MC. (2008). Sean Scully: la dimensión humanística de la pintura abstracta [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/2923

[ES] Toda imagen bidimensional de carácter figurativo presenta dos espacios codependientes determinados por sus cuatro bordes. Todo lo que compone la imagen formará parte del campo, mientras que aquello susceptible de existir más allá de sus límites pasará a formar parte de ese espacio virtual, intangible y misterioso al que denominamos fuera de campo. Este espacio ausente se convierte en la proyección imaginaria de aquello que la imagen fragmenta, existiendo solo en la medida en la que es insinuado desde la propia representación. En sus primeros años de vida, el cine hereda y perpetúa gran parte de las convenciones espaciales establecidas en la pintura renacentista. En cuestiones de representación espacial, sin embargo, el cine desarrolla un complejo lenguaje propio que convierte el fuera de campo cinematográfico en un espacio mucho más versátil que en el resto de medios. Debido a esta compleja relación con el recurso, el término fuera de campo surgirá por primera vez en el seno de la imagen cinematográfica, fruto de las complejas relaciones que el cine establece con este espacio más allá del marco. Conscientes de sus orígenes cinematográficos, la presente tesis doctoral propone una revisión del recurso desde la historia de la pintura occidental, con una mirada retrospectiva que permita analizar y redescubrir este espacio oculto en un contexto ajeno al cine. La defensa de un fuera de campo genuinamente pictórico conlleva necesariamente un análisis del paradigma representacional en la pintura que permita vislumbrar las convenciones espaciales necesarias para la aparición del recurso en el cuadro. Partiendo del concepto del cuadro como ventana introducido en el Renacimiento, esta investigación abarca los cambios producidos en la representación espacial pictórica desde finales del siglo XIV hasta la introducción del cinematógrafo en 1895, lo que permite establecer las características de un fuera de campo genuinamente pictórico previo a la aparición del cine. / [CA] Tota imatge bidimensional de caràcter figuratiu presenta dos espais codependents determinats per les quatre vores. Tot el que composa la imatge formarà part del camp, mentre allò susceptible d'existir més enllà dels seus límits pasarà a formar part d'eixe espai virtual, intangible i misteriòs al que denominem fora de camp. Aquest espai ausent es converteix en la projecció imaginària d'allò que la imatge fragmenta, existint tan sols en la mesura en la que és insinuat des de la pròpia representació. En els seus primers anys de vida, el cinema hereta i perpetua gran part de les convencions espacials establertes a la pintura renaixentista. En qüestions de representació espacial, però, el cinema desenvolupa un complex llenguatge propi que converteix el fora de camp cinematogràfic en un espai molt més versàtil que a la resta de mitjans. A causa d'aquesta complexa relació amb el recurs, el terme fora de camp sorgirà per primera vegada en el context cinematogràfic, fruit de les complexes relacions que el cinema estableix amb aquest espai més enllà del marc. Conscients dels seus orígens cinematogràfics, aquesta tesi doctoral proposa una revisió del recurs des de la història de la pintura occidental, amb una mirada retrospectiva que permeti analitzar i redescobrir aquest espai ocult en un context aliè al cinema. La defensa d'un fora de camp genuïnament pictòric comporta necessàriament una anàlisi del paradigma representacional a la pintura que permeti entreveure les convencions espacials necessàries per a l'aparició del recurs al quadre. Partint del concepte del quadre com a finestra introduït al Renaixement, aquesta investigació abasta els canvis produïts en la representació espacial pictòrica des de finals del segle XIV fins a la introducció del cinematògraf el 1895, cosa que permet establir les característiques d'un fora de camp genuïnament pictòric previ a l'aparició del cinema. / [EN] Every two-dimensional figurative image presents two codependent spaces determined by its four edges. Everything shown in the image will be part of the in space, while those elements that could exist beyond its limits will become part of this virtual, intangible and mysterious space called the off-screen. This invisible space becomes the imaginary projection of what the image fragments, existing only as something insinuated by the representation itself. In its early years, the cinema inherited and perpetuated a large part of the spatial conventions established in the Renaissance painting. In matters of spatial representation, however, cinema develops its own complex language that turns cinematographic off-screen into a much more versatile space than in other media. Due to this complex relationship with this non-seen space, the term off-screen will appear for the first time in a cinematographic context, as a result of the complex relationships that cinema establishes with the space beyond the frame. Aware of its cinematographic origins, this Dissertation proposes a review of the off-screen in from western painting history, using a retrospective look that will allow us to analyze and rediscover this hidden space in a context alien to cinema. The defense of a genuinely pictorial off-screen necessarily entails an analysis of the representational paradigm in painting that could allows us to glimpse the spatial conventions necessary for the appearance of the resource inside the painting. Starting from the concept of the painting as a window introduced in the Renaissance, this research covers the changes produced in the pictorial spatial representation from the end of the 14th century until the introduction of the cinematograph in 1895, which allows us to establish the characteristics of a genuinely pictorial off-screen. previous to the appearance of the cinema. / Palés Chaveli, S. (2023). El fuera de campo en la pintura. Un estudio sobre la representación espacial pictórica desde lo ausente en el cuadro [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/198861