Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:28Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-08-30Bitstream added on 2014-06-13T20:28:53Z : No. of bitstreams: 1 pereira_dms_me_ia.pdf: 2875732 bytes, checksum: ccf1d90300572347cb5641930beea4a5 (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / Universidade Estadual Paulista (UNESP) / Esta dissertação analisa e compara as pinturas coloniais da região de Diamantina e do Serro, no meio-norte de Minas Gerais, com as pinturas do forro da Igreja da Ordem Terceira do Carmo de Mogi das Cruzes, em São Paulo. Os estudos desenvolvidos procuram avaliar as possibilidades de influência, ainda que apenas visual, dessas pinturas mineiras sobre as obras paulistas. As obras da rota do Serro (MG) são classificadas como pertencentes aos ciclos barroco e rococó da pintura mineira. São obras destacadas no panorama artístico por seus efeitos ilusionistas, a arquitetura e a pintura se integram aos forros das construções, criando arquiteturas fantasiosas em direção ao céu ou apresentando-nos uma visão celestial, que arrebata o espectador. As pinturas carmelitas de Mogi das Cruzes possuem visualmente uma relação muito intensa com as obras mineiras, o que indica as trocas artísticas ocorridas entre os pintores. Documentos levantados em arquivos mineiros possibilitaram identificar diversos dados sobre as obras que foram utilizadas para a análise: informações a respeito de sua construção e, principalmente, a identificação dos pintores que realizaram as obras mogianas. Dos artistas que realizaram as obras em São Paulo, não há em Diamantina ou no Serro nenhum documento que revele sua passagem pela região, mas isso não afasta a influência que se nota quando comparamos os elementos formais e constitutivos dessas obras. Essas são pinturas diferenciadas na arte colonial paulista, não encontram pares no território ao qual estão circunscritas e, por isso mesmo, devem ser preservadas e destacadas na história da arte nacional / This dissertation analyzes and compares the colonial paintings from the region of Diamantina and Serro in mid-north of Minas Gerais with paintings on the ceiling of the Church of the Third Order of Mogi das Cruzes’ Carmo in Sao Paulo. The studies carried out look to evaluate the possibilities of influence, even if only visual, of these paintings from Minas Gerais with the paintings in São Paulo. The paintings from Rota do Serro (MG) are classified as belonging to the cycles of the Baroque and Rococo painting from Minas Gerais. They are paintings that stands out in the art scene, where the architecture and the paintings integrate with the buildings ceiling, creating fanciful architectures toward the sky or showing us a heavenly vision, which grabs the viewers attention. The paintings from the Carmelites of Mogi das Cruzes have, visually, an intense relationship with the paintings of Minas Gerais, which indicates the artistic exchanges that took place among the painters. Documents collected from Minas Gerais’ archives helped to identify various data regarding the paintings that were used for analysis, information regarding the construction of paintings and especially the identification of the artists who worked on the mogianas paintings. From the artists who worked on the paintings in Sao Paulo, there is not, in Diamantina nor in the Serro any document that reveals its passage through the region, but this does not rule out the influence when comparing the formal and constituent elements of these works. These unique paintings of the colonial art in São Paulo, and wich there are no matching pairs in the territory to which they are confined, should be preserved and highlighted in the history of national art

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 AtilaRibeiroregiani.pdf: 2518398 bytes, checksum: 9c0777c6641e381ddcb213a22e55c281 (MD5) Previous issue date: 2008-12-14 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Esta dissertação se propõe a investigar as relações entre o trompe l'oeil e a algumas experimentações em arte contemporânea. A análise recai sobre as relações travadas entre o espectador e a obra, retomando o duelo entre Zêuxis e Parrásius, o relato de Giotto enganando seu mestre, dentre outros, bem como a relação que algumas obras recentes impõem ao espectador, obras como After Sherrie Levine de Mandiberg, Sleep de Warhol, 300 toneladas de Sierra, etc. Não se trata de um retorno ao ilusionismo pictórico, ou a formulação de novas formas ilusórias. Contrário a esta leitura, mais freqüente do tema, não se entende o trompe l'oeil como o uso de artifícios pictóricos para exacerbar o ilusionismo, mas como um intrincado jogo de relações. Sendo assim, se analisam algumas características do trompe l'oeil para compreender como estas estão presentes em obras contemporâneas. Estas podem ser definidas como a sobreposição de sentidos e superfícies que geram uma dialética colocada atrás na obra e não nos seus elementos internos. Outra característica é a semelhança, sendo esta uma construção que o trompe l'oeil evidencia como tal, ao propor paradoxos imagéticos, que direcionam o olhar para o processo de fruição, pensando-o. Parte-se do espectador para a análise aqui realizada, pois sua crença inabalável de que aquilo que se vê é 'real' ou 'verdadeiro' é um elemento fundamental dessa fruição. Tal crença inabalável que o leva a tentar adentrar a obra relaciona-se, de certo, com a alucinação psíquica. Todavia, diferentemente desta, o trompe l'oeil ocorre a partir da consciência, e não apesar da mesma. Em sua ironia ou em seu agudo pensamento, abala as crenças na realidade como fato contínuo e no real como instância inabalável

A pesquisa Enunciados Verbais no Espaço da Produção Pictórica define-se pela realização de um conjunto de dez pinturas e sua reflexão teórica apresentando conceitos e referências capazes de auxiliar a análise das mesmas. As pinturas foram executadas em telas de formatos regulares (quadradas ou retangulares) com dimensões variáveis entre 1,00 x 1,00 e 1,00 e 2,30 m; as técnicas utilizadas foram: óleo, encáustica e acrílica. Sua aparência geral é definida pela economia de informações visuais que lhes confere um caráter reducionista. A principal característica das obras é o fato de possuírem, em seu interior, enunciados verbais gráficos dotados de um componente ambíguo: sua leitura pode envolver tanto uma qualidade representativa, quanto auto-referente. Seus títulos/enunciados são: 1. Tão Presente em seu Retrato; 2. Sem Ver-se Repentinamente; 3. Sobre sua Própria Imagem; Sob sua Própria Imagem; 5. Seu Desaparecimento; 6. Desde en...; 7. Sendo Visto; 8. Sendo Visto; 9. Ao Ver-se; 10. Dessa Aparição. A partir do cruzamento entre verbal e visual foram buscados conceitos relativos a imagem e texto na Filosofia (Foucault, Deleuze); Semiótica e Semiologia; referências históricas em artistas do século XX (Duchamp, Magrtte, J. Johns, Klein, Mira Schendel); e poéticas (reducionismo). Levantados esses dados foi feita a análise de cada pintura, vistas sob uma perspectiva pessoal na intenção de garantir a continuidade do processo e permanência das obras no contexto contemporâneo. / The research project Verbal Propositions in the Space of Pictorial Representation is characterized by the production of a group of ten paintings and the theoretical reflection involving the presentation of concepts and historic references which capacitate their analysis. The paintings were made using stretched canvases with square or rectangular shapes of dimensions varying between 1.0 x 1.0 meters and 1.0 x 2.3 meters. Painting techniques utilized include: oil, encaustic, and acrylic. Their general appearence is defined by an economy of visual information wich confers to them a reductionist character. The principle characteristic of the work is the presentation in its interior of a formally graphic/verbal proposition wich has an ambiguous component: its decodification could be seen, on one hand, as representational, and on other hand, as auto-referential. The painting titles propositions are the following: 1. Tão Presente em Seu Retrato; 2. Sem Ver-se Repentinamente; 3. Sobre sua Própria Imagem ; 4. Sob Sua Própria Imagem ; 5.Seu Desaparecimento; 6. Desde En...; 7.Sendo Visto; 8. Aparição Silenciosa ; 9. Ao Ver-se; 10. Dessa Aparição. From this point of intersection theories are investigated including concepts relating to text and image in Philosophy (Foucault, Deleuze); Semiotics and Semiology; historical refernces of twentieth century artists (Duchamp, Magritte, Johns, Klein, Schendel) and poetical form (reductionism). Based on this information the analysis of each painting was carried out from a personal perspective with the intention to guarantee the continuity of the process and the permanence of these works in a contemporary context.

A pesquisa Enunciados Verbais no Espaço da Produção Pictórica define-se pela realização de um conjunto de dez pinturas e sua reflexão teórica apresentando conceitos e referências capazes de auxiliar a análise das mesmas. As pinturas foram executadas em telas de formatos regulares (quadradas ou retangulares) com dimensões variáveis entre 1,00 x 1,00 e 1,00 e 2,30 m; as técnicas utilizadas foram: óleo, encáustica e acrílica. Sua aparência geral é definida pela economia de informações visuais que lhes confere um caráter reducionista. A principal característica das obras é o fato de possuírem, em seu interior, enunciados verbais gráficos dotados de um componente ambíguo: sua leitura pode envolver tanto uma qualidade representativa, quanto auto-referente. Seus títulos/enunciados são: 1. Tão Presente em seu Retrato; 2. Sem Ver-se Repentinamente; 3. Sobre sua Própria Imagem; Sob sua Própria Imagem; 5. Seu Desaparecimento; 6. Desde en...; 7. Sendo Visto; 8. Sendo Visto; 9. Ao Ver-se; 10. Dessa Aparição. A partir do cruzamento entre verbal e visual foram buscados conceitos relativos a imagem e texto na Filosofia (Foucault, Deleuze); Semiótica e Semiologia; referências históricas em artistas do século XX (Duchamp, Magrtte, J. Johns, Klein, Mira Schendel); e poéticas (reducionismo). Levantados esses dados foi feita a análise de cada pintura, vistas sob uma perspectiva pessoal na intenção de garantir a continuidade do processo e permanência das obras no contexto contemporâneo. / The research project Verbal Propositions in the Space of Pictorial Representation is characterized by the production of a group of ten paintings and the theoretical reflection involving the presentation of concepts and historic references which capacitate their analysis. The paintings were made using stretched canvases with square or rectangular shapes of dimensions varying between 1.0 x 1.0 meters and 1.0 x 2.3 meters. Painting techniques utilized include: oil, encaustic, and acrylic. Their general appearence is defined by an economy of visual information wich confers to them a reductionist character. The principle characteristic of the work is the presentation in its interior of a formally graphic/verbal proposition wich has an ambiguous component: its decodification could be seen, on one hand, as representational, and on other hand, as auto-referential. The painting titles propositions are the following: 1. Tão Presente em Seu Retrato; 2. Sem Ver-se Repentinamente; 3. Sobre sua Própria Imagem ; 4. Sob Sua Própria Imagem ; 5.Seu Desaparecimento; 6. Desde En...; 7.Sendo Visto; 8. Aparição Silenciosa ; 9. Ao Ver-se; 10. Dessa Aparição. From this point of intersection theories are investigated including concepts relating to text and image in Philosophy (Foucault, Deleuze); Semiotics and Semiology; historical refernces of twentieth century artists (Duchamp, Magritte, Johns, Klein, Schendel) and poetical form (reductionism). Based on this information the analysis of each painting was carried out from a personal perspective with the intention to guarantee the continuity of the process and the permanence of these works in a contemporary context.

Orientador: Luciano Migliaccio / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-10T17:16:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DelFabbro_ChristineGiseleDecarli_M.pdf: 137114848 bytes, checksum: ab2969ef192a060768d43677a090707d (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: O objeto de estudo da dissertação é a obra Aparição do Menino Jesus a Santo Antônio de Pádua, 1627-1630, pintada pelo espanhol Francisco de Zurbarán (1598-1664) e conservada pelo Museu de Arte de São Paulo 'Assis Chateaubriand¿. A tela mostra um santo no sublime momento de sua visão mística. As características da fisionomia da figura geraram opiniões contrárias quanto a sua identidade, estabelecendo uma dúvida entre a representação dos dois mais populares santos franciscanos: Santo Antônio de Pádua e São Francisco de Assis. A dissertação apresenta uma análise iconográfica comparativa da obra em questão com outros quadros de mesma temática pintados por Zurbarán, com o objetivo de esclarecer qual é o santo representado na tela. A iconografia de ambos os santos apresenta algumas variações no século XVII que visaram adequá-las à uma nova iconografia religiosa que demonstrava uma clara preferência para a representação de santos em momentos de êxtase. O texto comenta alguns aspectos relativos a essas mudanças, dando especial atenção à evolução observada nas representações da aparição do Menino Jesus a Santo Antônio de Pádua, do final do XVI até o fim do século XVII / Abstract: The object of this study is the painting Aparição do Menino Jesus a Santo Antônio de Pádua, 1627-1630, executed by the Spanish painter Francisco de Zurbarán (1598- 1664), and kept at the Museu de Arte de São Paulo 'Assis Chateaubriand¿. This canvas depicts a saint at the sublime moment of his mythic vision. The character¿s physiognomy has given rise to opposite opinions about his identity, which therefore generated a doubt about the representation of the two most popular Franciscan priests: Saint Anthony of Padua and Saint Francis of Assis. This thesis presents a comparative iconographical analysis of this painting and of other paintings of the same theme by Zurbarán in order to find out which saint has been depicted. The iconography of both saints presented some variations throughout the seventeenth century, which aimed at adjusting it to a new iconography favoring the depiction of saints in moments of trance. This text discusses some aspects of this change, with special attention to the evolution of the representations of the apparition of Infant Jesus to Saint Anthony of Padua, from the end of the sixteenth century until the end of the seventeenth century / Mestrado / Historia da Arte / Mestre em História

Submitted by Neusa Fagundes (neusa.fagundes@unioeste.br) on 2017-10-09T20:21:39Z No. of bitstreams: 1 Paulo_Fachin2017.pdf: 3570285 bytes, checksum: d9988942b8d0bbf836441841d90b1ccc (MD5) / Made available in DSpace on 2017-10-09T20:21:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Paulo_Fachin2017.pdf: 3570285 bytes, checksum: d9988942b8d0bbf836441841d90b1ccc (MD5) Previous issue date: 2017-03-31 / Frida Kahlo registra alegría, dolor, tristeza y sufrimiento a través de su Diario, trayendo en toda su obra características que hablan de amor, de la existencia trágica, intimidad y aspectos de la cultura mexicana relacionada a la cultura indígena. Esta tesis tiene como objetivo estudiar la imbricación del elemento autobiográfico y de la consciencia del femenino, de la alteridad y de la cultura popular en la obra de Frida Kahlo. Reflexionaremos sobre las imágenes poéticas contenidas en los textos escritos y en la pintura, a partir de una selección temática. Al considerar la extensión de la obra de la pintora, haremos un recorte de textos de las biografías, de la correspondencia, del diario y de las pinturas que establecen relación con la idea de la alteridad, con elementos de una existencia apasionada y trágica que apuntan aun para elementos históricos y culturales de México e, por consiguiente, para el contexto latinoamericano a partir de las biografías de Jamís (1985), Mayayo (2008), Sánchez (2008), Le Clézio (2010), Haghenbeck (2011), Herrera (2011), Kettenmann (2015), de la correspondencia, del diario y de las pinturas que establecen relación con datos autobiográficos, con el doble, con la tragicidad y con la memoria, los relacionando con las reflexiones de Lejeune (2008), Le Goff (2013), Ricoeur (2007), Sontag (2004) y Tin (2005). Con este trabajo, nosotros responderemos las siguientes preguntas: ¿Cómo se da la relación entre escrita y pintura? ¿En qué medida las imágenes de la escrita e imágenes de la pintura reafirman o desconstruyen identidades? Verificaremos cómo la obra polémica de la autora mexicana fue recibida en su tiempo en el contexto latinoamericano. Los resultados, los cuales se espera atingir con esta investigación, envuelve el Diario de la pintora mexicana, así como varias biografías producidas sobre ella, pero, sobre todo, una reflexión más profunda sobre sus autorretratos y sus cartas. Esta investigación traerá contribuciones para el campo de las escritas del yo, pintura y posibilitar el diálogo entre literatura, escritas autobiográficas e pintura. La metodología que guía esta investigación está amparada en los fundamentos teóricos y metodológicos de la Literatura Comparada y en la Sociocrítica, se utilizando de los estudios de Nitrini (2000) e Coutinho (2003). Para este estudio, serán considerados aún los fundamentos teóricos de Perrone-Moysés (2005), Vilas Boas (2008), Seligmann-Silva (2005), Didier (1996), Viné-Krupa (2014), Fabris (2004), Ostrower (2002), entre otros. / Frida Kahlo registra alegria, dor, tristeza e sofrimento por meio de seu Diário, trazendo em toda a sua obra traços que falam de amor, da existência trágica, intimidade e aspectos da cultura mexicana relacionados à cultura indígena. Esta tese tem como objetivo estudar a imbricação do elemento autobiográfico e da consciência do feminino, da alteridade e da cultura popular na obra de Frida Kahlo. Refletiremos sobre as imagens poéticas contidas nos textos escritos e na pintura, a partir de uma seleção temática. Considerando-se a extensão da obra da artista, faremos um recorte de textos das biografias, da correspondência, do diário e das pinturas que estabelecem relação com a ideia da alteridade, com elementos de uma existência apaixonada e trágica que também apontam para aspectos históricos e culturais do México e, por extensão, para o contexto latino-americano a partir das biografias de Jamís (1985), Mayayo (2008), Sánchez (2008), Le Clézio (2010), Haghenbeck (2011), Herrera (2011), Kettenmann (2015), da correspondência, do diário e das pinturas que estabelecem relação com dados autobiográficos, com o duplo, com a tragicidade e com a memória, relacionando-os com as reflexões de Lejeune (2008), Le Goff (2013), Ricoeur (2007), Sontag (2004) e Tin (2005). Com este trabalho, responderemos as seguintes perguntas: como se dá a relação entre escrita e pintura? Em que medida imagens da escrita e imagens da pintura reafirmam ou desconstroem identidades? Verificaremos como a obra polêmica da autora mexicana foi recebida em seu tempo no contexto latino-americano. Os resultados os quais se espera atingir com este estudo, envolve o Diário da pintora mexicana, assim como várias biografias produzidas sobre ela, mas principalmente, uma reflexão mais profunda sobre seus autorretratos e suas cartas. Esta pesquisa trará contribuições a outros estudos voltados para o campo das escritas do eu, pintura e oportunizar o diálogo entre literatura, escritas autobiográficas e pintura. A metodologia que orienta este trabalho está amparada nos pressupostos teórico-metodológicos da Literatura Comparada e na Sociocrítica, utilizando-se dos estudos de Nitrini (2000) e Coutinho (2003). Para este estudo, serão considerados, também, os pressupostos teóricos de Perrone-Moysés (2005), Vilas Boas (2008), Seligmann-Silva (2005), Didier (1996), Viné-Krupa (2014), Fabris (2004), Ostrower (2002), entre outros.

Orientador : Luiz Cesar Marques Filho / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-03T04:09:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_MariaAntoniaCoutoda_M.pdf: 21412470 bytes, checksum: 3a2eba07f78e4e8d332c767a0a74798b (MD5) Previous issue date: 2003 / Resumo: O objetivo principal deste estudo é a análise do contexto histórico e artístico em que foram realizadas duas telas pertencentes ao Museu de Arte de São Paulo, cópias de quadros de Paolo Veronese (1528-1588): Hércules entre o Vício e a Virtude e Alegoria da Sabedoria e da Força, pintadas por François Boucher (1703-1770). Os originais foram pintados por volta de 1576 e pertencem atualmente à Frick Collection, de Nova Iorque. As cópias pintadas por Boucher foram realizadas quando os originais estavam na Coleção do Regente da França, sendo datadas de a partir de 1752. As cópias de Veronese do século XVIII pertencem a um contexto histórico europeu de revalorização da pintura veneziana do século XVI. Esta ocorreu não apenas através de Sebastiano Ricci, que retoma a poética dos mestres venezianos do século XVI, mas também através da irradiação das obras de Rubens no contexto francês do século XVIII, através de artistas como Watteau, Coypel, La Fosse. Através dos debates na Academia francesa em tomo da supremacia da linha ou do colorido e da admiração pela obra de Rubens, a Paris do século XVIII redescobriu a sensibilidade cromática veneziana e a poética de seus mestres do Renascimento. O colecionismo e a possibilidade de acesso dos artistas franceses do século XVIII a estas obras venezianas foi outro fator importante. Pelos motivos abordados, as cópias de Boucher assumem assim um caráter paradigmático. A pintura francesa da segunda metade do século XVIII iria traçar caminhos muitos diferentes / Abstract: The main aim of this study is the anaIysis of both the historicaI and the artistic context of production of two paintings beIonging to the Art Museum of São Paulo. They are copies, painted by François Boucher (1703-1770), of previous paintings by PaoIo Veronese (1528-1588): Hercules between Vice and Virtue and Allegory of Wisdom and Strength. The originaIs were painted around 1576. Nowadays theyare at the Frick Collection in New Y orIe. The copies painted by Boucher were made while the originaIs were at the Collection ofthe Regent ofFrance. In this way, they are dated to the years around 1752. The 18th century copies of Veronese's paintings should be set within a context of European reappraisal of 16th century venetian painting. This reappraisal happened through Sebastiano Ricci's retaken of 16th century venetian masters poetics and through the irradiation ofRubens paintings, which happened in 18th centuty France through artists like Watteau, Coypel and La Fosse. The debates that took place in the French Academy, regarding the supremacy either of the line or the color, and the admiration that Ruben's works received, made it possible, in 18th century Paris, to happen the rediscovery of venetian chromatic sensibility and of its Renascence masters poetics. "Collecting" and the accessibility to these paintings by french artists of the 18th century were other essential factors for these rediscoveries. In this context, Boucher's copies have a paradigmatic character. French painting of the second half of the 18th century would go through very different paths / Mestrado / Mestre em História

La presente tesis surgió de la necesidad de analizar y teorizar un grupo de pinturas y dibujos realizados en los años 2005-06, pertenecientes a la serie denominada Al-boeira (Albufera en árabe). El Paisaje del lago es la geografía referencial en la que situamos el cuerpo fundamental de esta investigación, y sobre el que intentamos extraer cuestiones que nos parezcan relevantes para concretar nuestra tesis. En este estudio se han analizado principalmente el componente temático y su tratamiento representativo, la composición y los desarrollos estructurales, el empleo del color, y la línea y la forma como factores definidores de imágenes. Uno de los alicientes ligados a este trabajo ha sido volver a estudiar la historia del paisaje, y su evolución en el tiempo, así como algunos componentes de su vertiente cultural, social, filosófica y estética, algo que hemos hecho desde la experiencia que supuso el trabajo de creación inherente a la realización de Al-boeira. Escribir de todo ello ha supuesto un ejercicio de reflexión para clarificar en la medida de lo posible la parte de nuestro pensamiento que tiene que ver con aquello que aquí se dice, permitiéndonos entender mejor lo que otros han aportado. La metodología se ha estructurado partiendo de antecedentes históricos, abordando cuestiones relacionadas con el arte y la naturaleza, y de la naturaleza con el paisaje; se ha hecho a si mismo un estudio de aquellas nociones como "belleza, gusto, pintoresco y sublime", aplicables a la idea de paisaje. Para este trabajo se ha recurrido a diferentes fuentes documentales, predominando aquellas relacionadas con el paisaje. Otra parte esencial de la tesis se ha centrado en el análisis pormenorizado de los elementos que constituyen material, formal y conceptualmente las pinturas de paisaje que conforman la serie. Para finalizar, aparecen las conclusiones alcanzadas en el proceso de ejecución del presente trabajo de investigación. / Pérez Sanleón, JF. (2010). La Pintura de paisaje en la serie Al-boeira [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/8363

Resumen en inglés This thesis presents the color as a dynamic formal element with the ability to be part of the visual language within a specific context, the pictorial treatment. An investigation into the color and its various contributions to plastic and visual language. On the one hand, a study on the color dynamics which determines the factors of both physical perceptual process, as physiological, researching the development of the dynamic qualities of color that help form a conceptual framework. And on the other side from the practice, which enable testing methods, techniques and concepts that enable the development of the dynamics of color in the visual language, incorporating the movement of color into a pictorial speech and visual communication. It has tried to narrow within a specific research field of color, pictorial support. In it, we have developed three projects in order to control the dynamic color capabilities, testing, replicating experiences and drawing conclusions that help develop methods and concepts applied to the dynamics of color in the painting process. Each of the studies corresponds to different goals but they are complementary in the communication process. In a first study the dynamic possibilities of color are analyzed from its physical dimension, investigating the interaction between light color and color pigment. An approach to activity light and the pigment in different historical moments that have contributed values to the basics of color. In a second study these acquired skills are made available by applying the pictorial language in the environment of artistic creation. a painting project called "Wide spectrum light painting" or "painting WSL. Type of painting based on the interaction of light with matter. The wide spectrum light painting develops images based lighting control and behavior of materials. The interaction between light and pigments propose a research field in the work as communicative process. In a third study, a project serving mainly the perceptual aspect of color dynamics is performed. The design of a perceptual dome which allows the study of aspects such as the relationship between the viewer and the work to perceptual level, development of visual language from the painting WSL exhibition and the use of the dome as a pictorial support. This section has also sought to reflect the importance of designing not only the spatial composition of the work but its temporary composition. The colors become part of the movement so dependent progression, in that order before and after it. Spatiotemporal perception that shapes the performance of color. We have seen the relativity of colors depending on their location, changing its perception as a musical note changes its sense depending on where you are. As timing control allows analysis of the interaction of the colors and the appearance of post-images. From these three projects, the underlying objective has been to facilitate the treatment of the dynamics of color as a formal element in the image composition looking to open new ways in expressive and aesthetic values. / Resumen castellano La presente tesis expone el color como elemento formal dinámico con la capacidad de formar parte del lenguaje visual dentro de un contexto concreto, el tratamiento pictórico. Una investigación sobre el color y sus diferentes aportaciones al lenguaje plástico y visual. Por un lado, un estudio sobre la dinámica del color el cual determina los factores del proceso perceptivo tanto físicos, como fisiológicos, investigando el desarrollo de las cualidades dinámicas del color que ayuden a formar un marco conceptual. Y por otro lado desde la praxis, se presentan ensayos donde habilitar métodos, técnicas y conceptos que permitan el desarrollo de la dinámica del color en el lenguaje plástico, incorporando el movimiento del color al discurso pictórico y a la comunicación visual. Se ha tratado de acotar dentro de un campo de investigación específico del color, el soporte pictórico. En él, hemos desarrollado tres proyectos con la finalidad de controlar las capacidades dinámicas del color, haciendo pruebas, reproduciendo experiencias y extrayendo conclusiones que ayuden a desarrollar métodos y conceptos aplicados a la dinámica del color dentro del proceso pictórico. Cada uno de los estudios corresponde a objetivos diferentes sin embargo son complementarios dentro del proceso comunicativo. En un primer estudio se analizan las posibilidades dinámicas del color desde su dimensión física, investigando la interacción entre el color luz y el color pigmento. Se contextualiza la actividad de la luz y del pigmento en diferentes momentos históricos que han aportado valores a los fundamentos del color. En un segundo estudio estas capacidades adquiridas se ponen a disposición del lenguaje pictórico aplicándolo en el entorno de creación artística. Se desarrolla un proyecto de pintura denominado "Pintura de amplio espectro lumínico" o también "Pintura WSL.1 Tipología de pintura basada en la interacción de la luz con la materia. La pintura de amplio espectro lumínico trata la imagen en función del control de la iluminación y el comportamiento de los materiales. La interacción entre la luz y los pigmentos proponen un campo de investigación en la obra como proceso comunicativo. En un tercer estudio se realiza un proyecto atendiendo principalmente al aspecto perceptivo de la dinámica del color. Se realiza el diseño de una cúpula perceptiva la cual permita el estudio de aspectos como la relación entre el espectador y la obra a nivel perceptivo, el desarrollo del lenguaje visual a partir de la exposición de pintura WSL y la utilización de la cúpula como soporte pictórico. En este apartado se ha buscado también reflejar la importancia de diseñar no solo la composición espacial de la obra sino su composición temporal. Los colores pasan a formar parte del movimiento por lo que dependen de la progresión, en que orden se preceden y suceden. Percepción espacio-temporal que configura la actuación del color. Hemos podido comprobar la relatividad de los colores dependiendo de su ubicación, cambiando su percepción al igual que una nota musical varía su sensación según el lugar donde se encuentre. Por lo que el control temporal permite el análisis de la interacción de los colores y de la formación de post-imágenes. A partir de estos tres proyectos, el objetivo consiguiente ha sido facilitar el tratamiento de la dinámica del color como elemento formal en la composición de la imagen buscando abrir nuevas vías en valores expresivos y estéticos. / Resumen en valenciano La present tesi exposa el color com a element formal dinàmic amb la capacitat de formar part del llenguatge visual dins d'un context concret, el tractament pictòric. Una investigació sobre el color i les seues diferents aportacions al llenguatge plàstic i visual. D'una banda, un estudi sobre la dinàmica del color el qual determina els factors del procés perceptiu tant físics, com fisiològics, investigant el desenvolupament de les qualitats dinàmiques del color que ajuden a formar un marc conceptual. I per un altre costat des de la praxi, es presenten assajos on habilitar mètodes, tècniques i conceptes que permeten el desenrotllament de la dinàmica del color en el llenguatge plàstic, incorporant el moviment del color al discurs pictòric i a la comunicació visual. S'ha tractat de fitar dins d'un camp d'investigació específic del color, el suport pictòric. En ell, hem desenrotllat tres projectes amb la finalitat de controlar les capacitats dinàmiques del color, fent proves, reproduint experiències i extraient conclusions que ajuden a desenrotllar mètodes i conceptes aplicats a la dinàmica del color dins del procés pictòric. Cada un dels estudis correspon a objectius diferents no obstant això són complementaris dins del procés comunicatiu. En un primer estudi s'analitzen les possibilitats dinàmiques del color des de la seua dimensió física, investigant la interacció entre el color llum i el color pigment. Es contextualitza l'activitat de la llum i del pigment en diferents moments històrics que han aportat valors als fonaments del color. En un segon estudi estes capacitats adquirides es posen a disposició del llenguatge pictòric aplicant-ho en l'entorn de creació artística. Es desenrotlla un projecte de pintura denominat "Pintura d'ampli espectre lumínico" o també Pintura WSL1. Tipologia de pintura basada en la interacció de la llum amb la matèria. La pintura d'ampli espectre lumínic tracta la imatge en funció del control de la il·luminació i el comportament dels materials. La interacció entre la llum i els pigments proposen un camp d'investigació en l'obra com a procés comunicatiu. En un tercer estudi es realitza un projecte atenent principalment a l'aspecte perceptiu de la dinàmica del color. Es realitza el disseny d'una cúpula perceptiva la qual permeta l'estudi d'aspectes com la relació entre l'espectador i l'obra a nivell perceptiu, el desenrotllament del llenguatge visual a partir de l'exposició de pintura WSL i la utilització de la cúpula com a suport pictòric. En este apartat s'ha buscat també reflectir la importància de dissenyar no sols la composició espacial de l'obra sinó la seua composició temporal. Els colors passen a formar part del moviment pel que depenen de la progressió, en que orde es precedixen i succeïxen. Percepció espai-temporal que configura l'actuació del color. Hem pogut comprovar la relativitat dels colors depenent de la seua ubicació, canviant la seua percepció igual que una nota musical varia la seua sensació segons el lloc on es trobe. Pel que el control temporal permet l'anàlisi de la interacció dels colors i de la formació de post-imatges. A partir d'estos tres projectes, l'objectiu consegüent ha sigut facilitar el tractament de la dinàmica del color com a element formal en la composició de la imatge buscant obrir noves vies en valors expressius i estètics. / Bellod Ortuño, G. (2017). Dinámica del color en la pintura. Prácticas plásticas y visuales [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/78979

La iconografía musical, o el estudio de las manifestaciones musicales (principalmente organológicas) presentes en las obras de arte, es una disciplina humanística relativamente nueva, que hace su aparición en el último tercio del siglo XX. En el Perú, se trata, prácticamente, de una disciplina desconocida e inexplorada. La presente investigación es un primer paso en el desarrollo de esta disciplina en nuestro medio. A través del estudio de las fuentes iconográficas musicales presentes en las pinturas de la llamada Escuela cuzqueña de los siglos XVII y XVIII, esta investigación no sólo demuestra las diversas correspondencias entre la pintura de esta escuela y las prácticas reales de las capillas musicales del Virreinato peruano, sino, y lo que es más importante, las profundas vinculaciones del arte de la escuela cuzqueña con la realidad circundante y el pensamiento y sensibilidad de la sociedad colonial de su tiempo, más allá de estereotipos y formulismos derivados del arte europeo, principalmente, de la copia de grabados. La investigación, finalmente, pone en evidencia la importancia y necesidad de desarrollar estos estudios iconográfico- musicales en nuestro medio, ya que constituyen una valiosa herramienta para la Historia del arte. / Musical iconography, or the study of musical manifestations (mainly organological) present in works of art, is a relatively new humanistic discipline, which made its appearance in the last third of the 20th century. In Peru, it is practically an unknown and unexplored discipline. The present investigation is a first step in the development of this discipline in our environment. Through the study of the musical iconographic sources present in the paintings of the so-called Cuzco school of the 17th and 18th centuries, this research not only demonstrates the various correspondences between the painting of this school and the actual practices of the musical chapels of the Peruvian Viceroyalty if not, and what is more important, the profound links between the art of the Cuzco school with the surrounding reality and the thought and sensitivity of the colonial society of its time, beyond stereotypes and forms derived from European art, mainly from the copy of engravings. The research, finally, shows the importance and need to develop these iconographic-musical studies in our environment, since they constitute a valuable tool for the History of art. / Tesis