Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

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Cette thèse est une étude comparative entre L. S. Senghor, poète sénégalais d’expression française, et Mohamed Al-Faytouri, poète soudano-libyen d’expression arabe. Elle consiste à révéler et comparer les dimensions spirituelles de leurs poésies. Elle vise également à mettre en évidence la multivalence de la quête qui est indissociable de leur écriture. Leurs œuvres s’articulent sur les rapports féconds et ambigus entre l’humain et le divin, le matériel et le spirituel, les vivants et les morts, le visible et l’invisible. La démarche critique suit les deux poètes dans leur aventure poético-spirituelle qui correspond à la trajectoire du mystique à la recherche du surréel et de l’absolu. La poésie senghorienne se nourrit du souffle animiste et de l’esprit chrétien. La poésie faytourienne est marquée par la spiritualité soufie et par la mystique africaine. Elle renferme aussi des allusions animistes et chrétiennes.Quel que soit le degré d’originalité propre à chacun d’eux, ils ont en commun des thèmes qui forment un ensemble cohérent. Leurs poèmes sont intrinsèquement imprégnés du mysticisme africain qui se manifeste dans l’omniprésence des Esprits et des Ancêtres. Les deux poètes ont le même désir de retourner aux origines, de réintégrer l’innocence originelle et d’entrer en communion avec le sacré ; ils ont la même aspiration à une pureté qu’ils cherchent dans une voie jalonnée de difficultés. Ils s’efforcent de sonder le sens de l’existence et de vivre en harmonie parfaite avec le cosmos. Ils recourent à la médiation de la femme, de la musique, de la nuit et de la nature afin d’établir la communication avec l’univers intime et secret de l’invisible. / This thesis concerns a comparative study between Senghor; a Senegalese poet who writes in French and Mohamed AL-Faytouri, half Sudanese half Libyan poet who writes in Arabic. It targets comparing the spiritual dimensions of their poems. Furthermore, it aims to show the multiple meanings of the quest that cannot be separated from their poems. Their writings describe the search of unity between human and divine, material and spiritual, the living and the dead and finally visible and invisible. Our critical approach would follow the poetic and spiritual adventure of both poets regarding their search for the surreal and the absolute. Senghor's poetry is influenced by the animist and Christian spirituality, while Faytouri’s poetry is inspired by the Sufi spirituality and by African mysticism.In spite of their different origins, they use the same themes that complete each other in establishing a coherent form. The two poets have the same desire to return back to the origins, find the original innocence and have the mystical union. Their search for “purity” in human nature is surrounded by danger. They aim to emphasis on the idea of living in perfect coherence with the Universe. Last but not least, the poets refer to woman’s mediation, music, night and nature to communicate with the intimate and the secret of the invisible.

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Nîmâ Youchîdj, père de la poésie nouvelle en Iran, bénéficie d’apports culturels multiples dans le domaine de lalittérature persane et mondiale. Parmi les facteurs fondamentaux dans la réussite de ce poète novateur, la connaissancede la langue et de la littérature française apparaissent primordiales. C’est à l’école Saint-Louis que le poète s’initie à lalangue française, et que naît alors une véritable passion pour la littérature française, ses écrits en sont un témoignagefidèle. La maîtrise de cette langue lui ouvre de nouvelles perspectives littéraires. Il fréquente avec assiduité les ouvragespoétiques du XIXe siècle.Aussi le présent travail analyse l’influence d’Arthur Rimbaud, figure phare de la poésie française, sur la théorie et lapoésie de ce poète iranien. La méthodologie de base de cette thèse est puisée dans les théories de Carl Gustave Jung etde Gaston Bachelard. Afin de présenter l’importance de Nîmâ Youchîdj dans la révolution littéraire, cette étude traitedes différents styles et mouvements littéraires en Iran et du rôle de quelques poètes novateurs dans la modernisation dela poésie persane. La fréquence des éléments fondamentaux communs entre la poésie de ces deux poètes, la nature, lesconnotations symboliques et politiques et en particulier la notion de la poésie « objective » constituent le corps de cetteétude comparatiste. Celle-ci montre comment et dans quelle mesure le poète persan s’inspire des écrits d’ArthurRimbaud, précurseur de la poésie objective française pour fonder son manifeste et rompre avec la poésie classique, afinde fonder la « poésie libre » en Iran. / Youchîdj Nima, father of the new poetry in Iran, benefits from multiple cultural contributions in the field of Persian andworld literature. Among the fundamental factors in the success of this innovative poet, knowledge of the Frenchlanguage and literature seems to be of paramount importance. The poet started learning French language at the St. Louisschool where his passion for French literature is born; his writings are a true testimony to it. His command of Frenchopened up new literary perspectives for him. He studied diligently the poetic works of the 19th century.Moreover the present work analyses the influence of iconic French poet Arthur Rimbaud on the theory and poetry ofYouchîdj. The basic methodology of this thesis is drawn from the theories of Gustave Carl Jung and Gaston Bachelard.In order to present the importance of Nima Youchîdj in the literary revolution, this study deals with different styles andliterary movements in Iran and the role of several innovative poets in modernizing the Persian poetry. The frequency ofcommon fundamental elements between the poetry of these two poets forms the body of this comparative study whichincludes: nature, symbolic and political connotations, and especially the notion of the “objective” poetry. It shows howand to what extent the Persian poet was inspired to begin free poetry in Iran, following the writings of Arthur Rimbaud,the French pioneer of objective poetry who created his manifesto and broke away from classical poetry.

Cette étude porte sur l’exploration du processus et du phénomène par lesquels l’identité nationale et culturelle des Caraïbes a été construite. Dans la poursuite de cet objectif, deux poèmes majeurs et une pièce de théâtre dramatique de Derek Walcott seront examinés. La première s’agit de son poème épique créole, Omeros, qui se concentre sur les enjeux de l’identité créole et le concept de l’héros national.Étant donnée que la poésie de Walcott est fortement influencée par sa vie personnelle et en conséquence,par la vie dans son pays natal, l'île de Sainte-Lucie, il paraît indispensable à examiner son poème autobiographique, Another Life, qui est un compte rétrospectif de Walcott et son parcours artistiquejusqu’à l’âge de 33 ans. En outre, puisque Omeros met en parallèle la poésie homérique, cette étude bénéficie également d’une exploration de son autre réécriture de la poésie homérique, The Odyssey : aPlay. Cette étude tente à monter que ces deux réécritures se sont complémentaires : le poème épique antillais est la quête d’identité du point de vue du sujet colonial, tandis que la pièce de théâtre dramatique antillaise est la quête d’identité de la perspective du colonisateur. L’étude de la poésie et des pièces de théâtre dramatiques de Walcott nous aident à percevoir les façons dont le poète antillais tente à déconstruire l’importance de la tradition littéraire occidentale à travers la réécriture de la poésie homérique. Cette tradition perpétue l’opposition binaire de supériorité/infériorité qui joue un rôle déterminant dans la construction de l’identité d’un individu. En déplaçant les personnages et la littérature de Saint Lucie de leur emplacement dans les marges vers le centre, Walcott décentre la poésie homérique, et la littérature occidentale. Créolisation, Colonialisme, Postcolonialisme,Déconstruction, Poésie homérique, Histoire, Mémoire, Réécriture / This thesis seeks to explore the process and phenomenon through which Caribbean national and cultural identity has been constructed. In order to achieve this goal, two of Derek Walcott’s major poems and one of his dramas have been chosen. The first is his Creole epic poem, Omeros, which concentrates on the issues of Creole identity and the concept of national hero. Since Walcott’s poetry is highly influenced by his personal life and consequently life in his homeland, the island of Saint Lucia, it seems indispensable to study his autobiographical poem, Another Life, which is Walcott’s retrospective review of his artistic journey until the age of 33. Moreover, since Omeros draws parallelswith Homeric epics, it seems highly beneficial to this study to include his other rewriting of Homericepics, The Odyssey : a Play. This study makes an effort to show that these two rewritings are complementary to each other: the West Indian epic poem is the quest for identity seen from the point of view of the colonized subject, whereas the West Indian stage drama is the quest for identity from the colonizer’s perspective. Studying Walcott’s poetry and dramas helps one perceive the ways in which the West Indian poet makes an effort to deconstruct the importance of the Western literary tradition through rewriting the Homeric epics. This tradition perpetuates the binary opposition of superiority/inferiority which plays a seminal role in the construction of individual identity. By displacing the Saint Lucian characters and literature from their place in the margins to the center, Walcott decenters the Homeric epics, and Western literature. Creolisation, Colonialism, Postcolonialism,Deconstruction, , History, Memory, Rewriting

ROUGE libère de l'hermétisme la poésie d'un homme se découvrant une nouvelle identité au sein de sa propre douleur amoureuse. Originaire du traumatisme de la rupture, une voix poétique s'y déploie peu à peu, cherchant d'un lyrisme ténu à accepter l'inéluctable et embrasser la vie devant la mort. Transcendé par la déchéance et la folie, le poète revient vivre sur les terres du drame pour ériger le mémorial du reflet de la femme aimée dépouillant à jamais son existence du regret. Or, pour que la poésie puisse tracer un chemin vers la réalité du monde, l'être doit accepter de se révéler dans l'essence même de sa vérité. L'AURORE DE LA PAROLE vient donc réfléchir les instances fatidiques que sont devenues l'hermétisme du symbole et l'objectivité littéraire afin que la poéticité de l'image et la puissance de l'analogie puissent surgir au cœur de l'être comme une aurore affirmant l'irrémédiable nécessité d'aimer.

La pratique du slam de poésie, dont les débuts remontent à une cinquantaine d'années tout au plus, gagne en popularité. C'est un art de la brièveté et, surtout, fortement ancré dans l'oralité, ce qui lui confère sa singularité. Ainsi, il est nécessaire de s'imprégner de l'essence du slam de poésie afin de s'assurer de sa pleine réception. La nature orale du slam de poésie l'exigeant, la partie critique de ce mémoire précède la partie création puisqu'il est essentiel de comprendre l'orientation de cette pratique particulière et de saisir quel état d'esprit est requis à la lecture. Nous nous intéressons donc, dans la première partie, à l'origine du slam de poésie, à son évolution en contexte québécois, aux particularités propres à sa pratique dans la ville de Québec ainsi qu'aux détails de sa pratique. Nous étudions les textes de slam de poésie sous l'angle de leur oralité, c’est-à-dire en considérant le texte comme une partition et chercherons à comprendre les traces d'oralité sous un aspect rhétorique pour ensuite écouter les performances enregistrées et ainsi valider nos observations. Une fois l'univers du slam de poésie mis en perspective, la partie création propose d'explorer les possibilités qu'offre le slam dans des textes de création que nous proposons de lire comme des partitions.

Cette thèse se propose d’étudier des pratiques poétiques dans et hors du livre à partir de parcours de poètes « passés » par les éditions Al Dante. Il s’agissait de questionner en particulier la notion de « performance », souvent réduite à une dimension scénique. Ou encore l’idée d’avant-garde, trop souvent limitée à une histoire politique close. L’idée d’avant-garde n’apparaît plus comme principe de structuration du groupe, mais comme spectralité agissante, conduisant à mêler des enjeux politiques — critique des institutions, critique de la langue dominante, contestations des places assignées par la culture — avec des enjeux esthétiques. Il est donc question de traduction poétique comme actualisation de la situation politique, et de transmédiation.L’approche stylistique a été progressivement supplantée par une approche médiologique pour problématiser des pratiques hétérogènes. La spécificité de la maison d’édition Al Dante nous permet de replacer le livre dans un écosystème poétique plus général, où le livre n’est plus la seule finalité, mais la médiation entre un processus de création et des manifestations publiques. Aussi peut-on lire ce moment contemporain non seulement comme l’émergence de thématiques dominantes, mais aussi comme une mise en crise de la centralité du livre et de son économie. La pratique des éditions Al Dante nous a donc amenés à défendre une « théorie du geste éditorial » qui ne se réduit pas à la mise en page d’un manuscrit, la production d’un livre et sa commercialisation, mais amène parfois à la création de livres qui ne possédaient pas d’espace éditorial. Repousser les frontières de l’édition, penser la spécificité du livre de « poésie-action » n’est pas sans paradoxes : déstructuration de la linéarité des discours, reconfiguration de l’espace de la page, adaptation spécifique des formats des livres et des polices de caractères. Ces pratiques ont pour enjeu la dimension performative du livre. En cela, on participe d’une manière renouvelée à une « performance typographique ». / This doctoral thesis offers to study poetic practices in and out of the book from poets’ itineraries published by the Al Dante publishing house. The thesis is questioning the performance's notion, most often reduced to its scenic's dimension, but also the avant-garde's idea, too often limited to a political history which has ended. The avant-garde notion doesn't appear anymore as the element structuring the group but as an acting spectrality, leading to mix political issues - criticism of the institutions, criticism of the dominant language, challenges the places assigned by culture - with aesthetic issues. It is therefore a question of poetic translation as actualization of the political situation, and of transmediation. The stylistic approach has been gradually supplanted by a mediological approach to problematize heterogeneous practices. The Al Dante publishing house specificities allow us to see the book in a more general poetic ecosystem, where the book is no longer the only purpose, but the mediation between a process of creation and public events. So we can read this contemporary moment not only as the emergence of dominant themes, but also as a crisis of the book’s centrality and its economy. The Al Dante publishing house practices has led us to defend a theory of “editorial gesture” that cannot be reduced to the layout of manuscript or the production of a book and its marketing, but sometimes leads to the creation of books that didn’t find an editorial space. To push the boundaries of edition, to think the specificity poetry-action’s book is raising paradoxes: the disintegration of the linearity of the speeches, the reconfiguration of the page’s space, the specific adaptation of the books forms and fonts. These practices concern the book’s performative dimension. So it participates in a renewed way to a "typographic performance".

Ce mémoire vise à placer le travail de la poète colombienne Olga Elena Mattei au sein de la poésie colombienne de son temps (1962-2005). Dans le premier chapitre, certains concepts théoriques sont définis et le terme «canon», axé sur la poésie, est synthétisé. Dans le deuxième chapitre, le paysage de la poésie colombienne de la seconde moitié du XXe siècle est défini. La stylistique des poètes les plus importants et jugés comme étant canoniques, est présentée. Dans le dernier chapitre, les particularités de la poésie de Mattei sont analysées. Il est conclu qu'Olga Elena Mattei fait partie du canon de la poésie colombienne, mais que son travail a contesté le canon dominant de celle-ci, au fil des décennies, et qu'il a été en avance sur les tendances qui émergeraient plus tard. À titre d'exemple, il est montré comment, dans les années soixante du XXe siècle, quand, en Colombie, la rime et le mètre étaient toujours hégémoniques dans la poésie, Olga Elena Mattei a osé écrire et publier en vers libres. Puis, dans les années soixante-dix, lorsque le vers libre a été accepté et il régnait à la poésie colombienne, Mattei fut la première femme à écrire anti-poésie en espagnol. Dans les années quatre-vingt, alors que l'anti-poésie était la principale tendance en Colombie, Mattei s'est consacrée à écrire de la poésie au sujet de la science, jamais réalisée auparavant en Colombie. Et, dans les années quatre-vingt-dix, lorsque le vers libre est dominant en Colombie, Mattei retourne à la rime. / This thesis aims to place the work of the Colombian poet Olga Elena Mattei within the Colombian poetry of her time (1962-2005). In the first chapter, some theoretical concepts are defined and the term "canon", focused on poetry, is explained. In the second chapter, the landscape of the Colombian poetry of the second half of the twentieth century is set. The style of the most important poets, who are considered as canonical, is presented. In the last chapter, the peculiarities of Mattei's poetry are analyzed. It is concluded that Olga Elena Mattei is part of the canon of the Colombian poetry, but her work has challenged the dominant trends over the decades. For example, it is shown how, in the sixties of the twentieth century, when, in Colombia, rhyme and metrics were still preponderant in poetry, Olga Elena Mattei dared to write and publish in free verse. In the seventies, when free verse was accepted and it reigned in the Colombian poetry, Mattei was the first woman to write anti-poetry in Spanish. In the eighties, while anti-poetry was the main trend in Colombian poetry, Mattei devoted herself to write poetry about science, never wrote in Colombia before. And in the nineties, when free verse is dominant in Colombia, Mattei returns to rhyme. / Esta tesina pretende ubicar la obra de la poeta colombiana Olga Elena Mattei en el marco de la poesía dominante de su tiempo (1962-2005), en Colombia. En un primer capítulo, se definen algunos conceptos teóricos y se sintetiza el término “canon”, enfocado en la poesía. En el segundo capítulo, se define el campo poético colombiano de la segunda mitad del siglo XX. Se discute sobre la estilística de los poetas más relevantes, aquellos que han sido determinados como canónicos. En el capítulo final, se analiza la poesía de esta autora, sus particularidades, confrontándola con el canon antes explicado. Se concluye que Olga Elena Mattei hace parte del canon de la poesía colombiana, pero que su obra, a lo largo de los decenios, ha rebatido el canon preponderante en Colombia y se ha adelantado a las tendencias que habrían de surgir posteriormente. Como ejemplo, se muestra cómo, en los años sesenta del siglo XX, cuando, en Colombia, todavía la rima y la métrica eran hegemónicas en la poesía, Olga Elena Mattei se atrevió a escribir y publicar en verso libre. Luego, en los setenta, cuando ya el verso libre era aceptado e imperaba en la poesía colombiana, Mattei fue la primera mujer en escribir antipoesía en español. En los ochenta, cuando la antipoesía ya era tendencia distinguida en Colombia, Mattei se encaminó hacia la poesía de temática científica, nunca antes realizada en Colombia, y en los noventa, cuando, predomina el verso libre, Mattei regresa a la poesía con rima y ritmo.