Cette thèse s'intéresse au processus de création chorégraphique d'un spectacle de danses traditionnelles en Bretagne. Elle a été menée à partir d’un terrain effectué au sein de la Kevrenn Alré, ensemble de musique et danse bretonnes basé à Auray dans le Morbihan, de novembre 2010 à novembre 2012. Comme la majorité des groupes bretons, cet ensemble crée son spectacle annuel pour le besoin d'un concours organisé par sa confédération. La recherche analyse les activités et les modes collectifs de production mis en œuvre lors de la fabrication du spectacle Abenn dimeurh sur le thème des préparatifs d'une noce en pays d'Auray vers 1900. La description ethnographique d'un moment de concours et l'analyse des dynamiques internes de la Kevrenn Alré permettent d'abord d'appréhender la relation du groupe à son environnement socio-culturel et d'interroger la façon dont le cadre compétitif façonne le processus de création d'un spectacle. La fabrication d'Abenn Dimeurh est ensuite observée en détaillant les différentes étapes organisées par les chorégraphes : émergence du thème, collectage, présentation du projet aux danseurs, écriture chorégraphique. Cette observation met en lumière la façon dont les responsables de la Kevrenn Alré, pour faire aboutir leur projet artistique, doivent articuler un processus de création nettement ordonnancé et une organisation collective des activités. Au fil du processus sont engagées différentes formes de coopération qui montrent que les acteurs envisagent la notion du collectif et le travail en groupe autour d'une vision commune du sens de l'effort et de la responsabilité partagée. Il se dégage de l’analyse que la définition du travail artistique comme une activité collective est opératoire dans le contexte de la danse bretonne de spectacle en tenant compte des spécificités de l'univers associatif. Dans cet univers, les membres de la Kevrenn Alré s'efforcent de concilier le plaisir du partage et la réussite au concours. De ce constat émerge que le processus de création marque la production de son empreinte en engendrant un spectacle qui exprime leur vision de la culture bretonne. / This thesis focuses on the process of choreographic creation of a folk dance performance in Brittany. It is based on fieldwork conducted in Kevrenn Alré, a Breton music and dance ensemble based in Auray in Morbihan, from November 2010 to November 2012. Like most Breton groups, Kevrenn Alré create their show to compete in the annual contest organized by the folk dance organization to which they belong. The research analyses the collective activities and modes of production implemented during the creation of the performance Abenn dimeurh on the theme of the preparations for a wedding in the Auray region around 1900.The ethnographic description of a dance contest and the analysis of Kevrenn Alré's internal dynamics first allow us to understand the group's relationship to its socio-cultural environment and to examine how the competitive framework shapes the creative process of a show. The making of Abenn Dimeurh is then observed by investigating the various steps organized by the choreographers: finding the theme, collecting data, presenting the project to the dancers, making and staging the choreographic score. This observation highlights the way Kevrenn Alré's leaders, in order to carry out their artistic project, must articulate a clearly organized creative process and a collective organization of activities. Throughout the process, various forms of cooperation are initiated, showing that the actors consider the notion of being and working together around a common vision of joint endeavour and shared responsibilities. The analysis shows that the definition of artistic work as a collective activity is operative in the context of Breton folk dance performance, taking into account the specificities of voluntary associations. In this environment, the members of Kevrenn Alré struggle to bring together the pleasure of shared activities and success in the contest. From all this, it emerges that the creative process leaves its imprint on the production by generating a performance that expresses their vision of Breton culture.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal. / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Huit paires de jambes jaillissant de l’eau simultanément et scandant des mouvements identiques au rythme fulgurant d’une musique entraînante. Voilà ce que l’on retient généralement des ballets de natation synchronisée que proposent les retransmissions télévisées d’épreuves sportives internationales. Alors que les journalistes et les spectateurs témoignent de leur émerveillement face à ces réalisations, on pourrait légitimement s’interroger sur la teneur musicale, entre collages, arrangements et compositions inédites, de ces manifestations sportives. En s’intéressant d’un peu plus près à ce monde sportif on découvrirait qu’un compositeur, Jean-Michel Collet, collabore depuis 1996, avec l’équipe de France de natation synchronisée. Une série de questions se poserait alors : pourquoi un musicien collabore-t-il avec cette équipe ? Comment des entraîneures et un musicien arrivent-ils à travailler ensemble ? Sur la base de quels critères (musicaux et/ou sportifs) ces acteurs parviennent-ils à coordonner leurs actions pour créer une musique de ballet ? En somme, comment analyser les processus de création musicale en natation synchronisée ? Dans son enquête, l’auteure mobilise les outils de la musicologie et de la sociologie pour faire saillir les caractéristiques stylistiques de ces musiques de ballet. L’analyse des documents formant le corpus de cette thèse (transcriptions musi-chorégraphiques, entretiens, compte rendus d’observation, corpus journalistique, etc.) montre notamment que « faire la musique » en natation synchronisée relève de savoirs et de savoir-faire inscrits dans une tradition sportive, de l’utilisation et de l’appropriation de conventions, de négociations et autres compromis qui témoignent de la dimension éminemment collective des processus de création artistique. / Eight pairs of legs simultaneously arising from the water, and with identical movements marking the lightning rhythm of a lively music. This is the vision one usually holds from a broadcasted synchronized swimming international competition. Sportscasters and viewers giving rave reviews on skills and figures, it seems rightful to question the value of the music heard with these routines, be it a mix, an arrangement, or an original composition.Investigations conducted within the synchronized swimming world reveal that a composer, Jean-Michel Collet, is a long-time associate to the French national team. Questions arise: why does a musician commit to working in such an environment? How do different partners, i.e. coaches, one musician, manage to work hand-in-hand? What are the criteria, musical and/or athletic, that both parties need to meet, in order to make water ballet music happen? In short, how can the creative processes in music, concerning synchronized swimming, be addressed and analyzed?Analytical methods used in musicology and sociology are called upon by the inquiring author, in order to point out the stylistic characteristics of water ballet music. At the core of this research work, analysis of multiple documents, e.g. transcribed sheet music using ballet marks, records of interviews, on-site personal collections of data, news articles, shows that “music making” in synchronized swimming falls under the law of a tradition in sports, with its own rules and know-how. Actors in both fields need to grasp and take advantage of conventions. Negotiations and other kinds of settlements establish the fact that interaction and teamwork are major components found in the creative processes.

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Cette thèse envisage les effets occasionnés par la créativité collective contextualisée, plus particulièrement à l’échelle des groupes restreints, à partir d’une approche communicationnelle par les « constructions médiatrices ». Elle poursuit trois grands objectifs. Premièrement, elle s’inscrit dans une volonté d’éclaircissement de la notion de créativité de groupe en tant que phénomène (tel qu’abordé par Woodman, Sawyer et Griffin, 1993) et propose d’en faire la distinction par rapport à la méthode employée par le groupe de créativité (Demory, 1986; Aznar, 2011). Deuxièmement, elle cherche à clarifier les formes d’échanges et d’interactions au cours du processus de création-communication. Troisièmement, elle interroge les effets de ce phénomène collectif complexe de manière à mieux comprendre les conditions de déploiement de la créativité contextualisée.En prenant pour objet d’étude l’expérience vécue d’acteurs en situation par le biais d’un dispositif pédagogique, nous avons convié une communauté d’apprenants à vivre une expérience de création collective immersive et originale qui, par sa nature engageante et déroutante, était susceptible de heurter les habitudes et le cadre traditionnel d’apprentissage. Nous avons émis l’hypothèse que la tension créative entraine la réorganisation constante de l’activité des groupes en influençant les « constructions médiatrices » puis, que la nature de ce contexte cristallise la cohésion et l’engagement des groupes impliqués. Par une analyse de l’activité-créativité (la créactivité) de groupe, et plus particulièrement par l’observation des actions conjointes, des rapports d’interactions et de l’implication des membres, cette étude postule que la créativité collective contextualisée participe à l’émergence de formes d’interactions. Puis, que le recours aux moyens médiateurs (aux artefacts, à la division du travail et aux règles d’interactions) s’effectue dans un mouvement constant de réorganisation de l’activité par dépassements successifs des contradictions, par la formation de noeuds de médiations. Les constructions médiatrices sont ainsi le reflet du processus de transformation du sens des interactions sociales au cours de l’activité. / This thesis considers the effects caused by contextualized collective creativity, especially in small groups, based on a communicational approach by “mediational constructs". It has three main objectives. First, it wishes to clarify the concept of group creativity as a phenomenon (as discussed by Woodman, Sawyer and Griffin, 1993) and to propose its distinction from the method used by creativity groups (Demory, 1986; Aznar, 2011). Secondly, it seeks to clarify the forms of exchange and interactions during the communicative-creative process. Third, it investigates the effects of this complex collective phenomenon for a better understanding of contextualized creativity conditions and deployment.Using a pedagogical framework, we have invited a community of learners to experiment an immersive and original collective creation experience which was likely to upset habits and the traditional framework of learning by its engaging and confusing nature. We hypothesized that creative tension leads to the constant reorganization of group activity by influencing " mediational constructs " and that the nature of this context crystallizes the group cohesion and commitment. Through an analysis of group activity-creativity (creactivity), and more specifically by observing joint actions, interactions relationships and the involvement of members, this study postulates that contextualized collective creativity participates in the emergence of forms of interactions. Then, that the use of meditational means (artefacts, division of labor and rules of interactions) takes place in a constant movement of activity reorganization by overcoming contradictions by successive formation of “mediation nodes”. Thus, the mediational constructs represent a reflection of the transformation process of the social interactions meaning during the activity.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Dans un contexte international marqué par la prise de conscience des enjeux environnementaux, et dans un contexte national d'injonctions réglementaires visant la réduction de la consommation énergétique, les disciplines liées à l’aménagement de l’espace voient leurs frontières et leurs méthodes évoluer de manière conséquente. Cette thèse a pour objet d’analyser les influences du développement durable sur le processus de création en architecture dans le cadre particulier du Global Award for Sustainable Architecture™ et en fonction de la réglementation sur le bâtiment et le territoire en France. Elle examine des mutations des modes opératoires du processus du projet architectural et propose des éléments de méthode et d'analyse concernant la prise en compte des piliers du développement durable, l'environnement, l'économie, la société et la culture. Il ressort de l’analyse que la compréhension des enjeux du développement durable rassemble dans une même dynamique intégrative les différentes piliers, faisant ainsi de la complexité la condition pour leur interdépendance. La prise en compte de la complexité à travers le milieu qui est attestée par les cas étudiés dans cette thèse soulève des questions sur le déroulement du processus du projet à travers une imagination pluraliste qui dépasse une réponse universelle normalisée. Si la complexité se traduit par la prise en compte simultanée des dimensions urbaines et rurales, paysagères et architecturales, quantitatives et qualitatives, elle envisage également le croisement et l’interdépendance des métiers. Ce qui signifie que l’architecte doit -en tant que médiateur- (se) construire une nouvelle identité, développant des compétences en conduite de conception et de négociation. / Global awareness of environmental matters and local regulations intending reductions of energy consumption forces disciplines related to space to expand their working methods in a substantial way. This thesis analyses influences of sustainable development on the architectural design process, particularly the case of the Global Award for Sustainable Architecture™ and the case of the French context in accordance to the regulation of building and territorial matters in France. It examines the mutations of the modus operandi of the process and offers elements of method and analysis towards the consideration of Pillars of sustainable development , environment, economy, society and culture. The analysis shows that the understanding of the sustainable development issues gathers the different Pillars in common integrative dynamics, making "Complexity" the condition of their interdependency. The account of the "Complexity" through milieu as attested by the case studies in this thesis, raise questions on the project's process through a pluralist imagination that goes beyond a normalised universal answer. When "Complexity" is being applied with a simultaneous consideration of urban, rural, landscaped, architectural, quantitative and qualitative dimensions, it heads towards the crossing and the interdependency of professions. This means that architects as mediators have to build themselves a new identity, cultivating proficiency and competency in leading conception and negotiation of the architectural project.

Si la danse a partie liée avec la littérature c’est parce que cet art du mouvement a longtemps eu besoin d’une narration pour exister. En ce sens, lorsqu’au XXe siècle la danse s’affranchit du texte, elle s’affirme comme un art à part entière pouvant exister pour lui-même et par lui-même. Dans ce cas, pourquoi des chorégraphes contemporains français se tournent-ils de nouveau vers la littérature pour créer certaines de leurs œuvres chorégraphiques ? Face à une démarche qui pourrait s’apparenter à un simple retour en arrière, l’étude menée s’efforce non seulement de comprendre les enjeux de différents processus de création chorégraphique à partir d’une matière littéraire, elle-même interrogée, mais aussi de mettre en évidence les modalités de traitement du texte de son ébauche à sa finalisation. De la sorte, il est possible de percevoir à la fois ce qui persiste et ce qui change dans la mise en œuvre de ce dialogue renoué où littérature et danse s’enrichissent mutuellement. / If dance is linked to literature, it is because this art of movement has long been in need of a narration to exist. In this sense, when dance freed itself from texts during the 20th century, it became an art in its own right, ready to exist for itself and by itself. Why, then, do some French contemporary choreographers revert to literature in order to create their choreographic works? Faced with a phenomenon that could be interpreted as a simple regression, this study will not only endeavour to understand the stakes at play in processes of choreographic creation based on literary materials (which will also be examined), but it will also emphasise the processes of textual treatment from creation to completion. Thus, we will be able to discern both what persists and what changes in this renewed and mutually enriching dialogue between literature and dance.

Cette recherche a pour but de comprendre comment certains danseurs-créateurs peuvent se distinguer par rapport aux pratiques dominantes de la danse contemporaine. Pour en rendre compte, j'analyse la pratique artistique de trois danseurs-créateurs: Andrew de Lotbinière Harwood, Lin Snelling et Pamela Newell. J'ai observé leurs processus de création et leurs spectacles au cours de l'automne-hiver 2006-2007 à Montréal. Les cinq créations analysées dans cette étude se nourrissent de la performance, de l'interdisciplinarité, de la collaboration, et surtout de l'improvisation en danse. Cette thèse présente un examen de pratiques soutenu par un certain nombre de livres et d'articles dans le domaine des arts, du théâtre et de la danse. Toutefois, les sociologies du corps et plus spécifiquement l'appareillage conceptuel de Pierre Bourdieu m'offrent des voies afin de scruter sous cet angle les pratiques des trois danseurs-créateurs, angle qui vient enrichir mon expérience et ma formation en art en tant qu'artiste et enseignante. Afin d'atteindre mon objectif de recherche. je m'inspire d'une approche ethnographique comme méthodologie, et de l'étude de cas comme démarche. Les données ont été essentiellement collectées à travers des observations, des entretiens, des enregistrements vidéo et divers documents tels des programmes de spectacle, des coupures de presse, ainsi que des articles et des ouvrages spécialisés en danse contemporaine. Pour l'analyse et J'interprétation des données, je m'inspire des principes de Paillé (1994), qui propose une théorisation ancrée construite, entre au tres, par le biais de la comparaison entre 1a théorisation en construction et la réalité empirique. Une analyse thématique et son interprétation ont été accomplies en gardant un contact permanent entre les données brutes et le cadre théorique. Dans les pratiques des trois danseurs-créateurs analysées, l'improvisation sur scène proche des techniques somatiques a une importance fondamentale et résulte de certains aspects récurrents telles que la réduction de la valorisation des mouvements virtuoses et la recherche d'un rôle plus actif pour le spectateur. En outre, les aspects de collaboration rencontrés dans des créations offrent une alternative face au binôme chorégraphe-interprète, valorisant de cette façon le danseur en tant que créateur, capital symbolique primordial dans le champ de la danse. L'interdisciplinarité offre également des voies de création pour un renouvellement de la notion de chorégraphie, non seulement comme art de composition du mouvement, mais aussi comme art qui intègre d'autres éléments et langages. Ces caractéristiques suggèrent J'évolution, le dynamisme et les modifications en ce qui concerne l'habitus du danseur au sein de la danse contemporaine. Face aux pratiques dominantes qui privilégient un rapport instrumental du corps, les pratiques analysées des trois études de cas proposent des échanges, perceptions et gestions des créations renouvelées ainsi que de nouvelles sociabilités en danse contemporaine qui résultent en un rapport au corps plus réceptif, interactif et participatif.

Cette recherche a pour but de comprendre comment certains danseurs-créateurs peuvent se distinguer par rapport aux pratiques dominantes de la danse contemporaine. Pour en rendre compte, j'analyse la pratique artistique de trois danseurs-créateurs: Andrew de Lotbinière Harwood, Lin Snelling et Pamela Newell. J'ai observé leurs processus de création et leurs spectacles au cours de l'automne-hiver 2006-2007 à Montréal. Les cinq créations analysées dans cette étude se nourrissent de la performance, de l'interdisciplinarité, de la collaboration, et surtout de l'improvisation en danse. Cette thèse présente un examen de pratiques soutenu par un certain nombre de livres et d'articles dans le domaine des arts, du théâtre et de la danse. Toutefois, les sociologies du corps et plus spécifiquement l'appareillage conceptuel de Pierre Bourdieu m'offrent des voies afin de scruter sous cet angle les pratiques des trois danseurs-créateurs, angle qui vient enrichir mon expérience et ma formation en art en tant qu'artiste et enseignante. Afin d'atteindre mon objectif de recherche. je m'inspire d'une approche ethnographique comme méthodologie, et de l'étude de cas comme démarche. Les données ont été essentiellement collectées à travers des observations, des entretiens, des enregistrements vidéo et divers documents tels des programmes de spectacle, des coupures de presse, ainsi que des articles et des ouvrages spécialisés en danse contemporaine. Pour l'analyse et J'interprétation des données, je m'inspire des principes de Paillé (1994), qui propose une théorisation ancrée construite, entre au tres, par le biais de la comparaison entre 1a théorisation en construction et la réalité empirique. Une analyse thématique et son interprétation ont été accomplies en gardant un contact permanent entre les données brutes et le cadre théorique. Dans les pratiques des trois danseurs-créateurs analysées, l'improvisation sur scène proche des techniques somatiques a une importance fondamentale et résulte de certains aspects récurrents telles que la réduction de la valorisation des mouvements virtuoses et la recherche d'un rôle plus actif pour le spectateur. En outre, les aspects de collaboration rencontrés dans des créations offrent une alternative face au binôme chorégraphe-interprète, valorisant de cette façon le danseur en tant que créateur, capital symbolique primordial dans le champ de la danse. L'interdisciplinarité offre également des voies de création pour un renouvellement de la notion de chorégraphie, non seulement comme art de composition du mouvement, mais aussi comme art qui intègre d'autres éléments et langages. Ces caractéristiques suggèrent J'évolution, le dynamisme et les modifications en ce qui concerne l'habitus du danseur au sein de la danse contemporaine. Face aux pratiques dominantes qui privilégient un rapport instrumental du corps, les pratiques analysées des trois études de cas proposent des échanges, perceptions et gestions des créations renouvelées ainsi que de nouvelles sociabilités en danse contemporaine qui résultent en un rapport au corps plus réceptif, interactif et participatif.