Notre étude a porté sur les utilisations socioculturelles de la faune et de la flore chez les Mitsogho du Gabon. Autrement dit, elle met l'homme en relation avec son environnement. Il s'est agi de la mise en évidence de la façon dont les Mitsogho du Gabon conçoivent, conceptualisent et activent leur relation avec le monde non humain visible et invisible, notamment végétal et animal. Nous avons ainsi vu apparaître deux approches contrastées par rapport à une hypothétique relation homme/nature : la première, celle des Sociétés dites « traditionnelles », considère, conformément aux « théories indigènes » (Claude Lévi-Strauss) et à la démonstration d'un Philippe Descola, que l'ensemble des créateurs font partie d'un continuum dont les éléments différenciés se doivent d'entretenir des relations de conciliation et d'échange équitable, où l'être humain particulièrement est défini comme partie intégrante des biotopes et des écosystèmes, la seconde, celle des sociétés industrialisées, repose sur un antagonisme explicite dans les textes fondateurs (la Genèse dans la tradition chrétienne), des religions dites « révélées » qui positionnent les êtres humains comme « maîtres » et « régisseurs » de la création. Une telle attitude est le moteur de toutes politiques dites « de développement » durable ou non. La perspective est diachronique et elle vise à montrer ce qui se passe lorsque deux modes d'être, de penser et d'agir (MEPA) contraires entrent en collision, dans un contexte que nous définissons globalement comme « colonial ». / Our study focused on the sociocultural use of fauna and flora amongst the Mitsogho of Gabon. In other terms, it puts the man in relationship with his environment. It was about demonstrating the way of which the Mitsogho of Gabon conceive, conceptualize and activate their relationship with the visible and invisible world, notably plant and animal. The study showed the emerging of two approaches contrasted in relation to an hypothetical relationship between man and nature : the first approach being the so call "traditional", consider according to the "indigenous" theories (Claude Lévi-Strauss) and to the demonstration of Philippe Descola, that all creatures are part of a continuum of which the differentiated elements must maintain relations of conciliation and equitable exchange, where the human being is particularly defined as integral part of the biotopes and the ecosystems ; the second, the one of the industrialized societies, based on an explicit antagonism in the founding texts (the Genesis in the Christian tradition), of the so call "revealed" religion that positions the human beings as "masters" and "managers" of the creation. Such an attitude is the motor of all policies so call "sustainable development" or not. The perspective is diachronic and it aims to show what happens when two opposite ways of being, of thinking and of acting (MEPA) come into collision, in a context that we define globally as "colonial".

La partition de "Sept, ils sont sept" pour ténor solo, chœur et orchestre ayant été imprimée en Russie en 1922 sans l'accord du compositeur, la question de l'authenticité du texte musical de cette œuvre, méconnue et néanmoins l'une les plus chères à Prokofiev, est fondamentale. L'origine de l'incantation mésopotamienne transcrite par le poète Constantin Balmont, à partir de laquelle Prokofiev rédigea le texte mis en musique, a pu être retracée en confrontant les ouvrages du poète aux écrits du compositeur. Des liens ignorés jusqu'à présent ont ainsi pu être tissés, et les rôles successifs joués par chacun dans la constitution du texte final clairement établis. Les recherches menées à la lumière documents inédits ont permis d'établir l'histoire de la genèse de cette œuvre et de comprendre dans quelles conditions la 1ère édition fut réalisée, à partir d'un manuscrit autographe récemment découvert. Ce sont également quatre traductions françaises réalisées en vue de la création qui ont été retrouvées, et dont l'étude comparée a permis d'établir le rôle primordial joué par Prokofiev dans ce processus. Lors de la réalisation de l'édition critique de cette partition, nous avons systématiquement confronté cinq manuscrits inédits, aux trois versions imprimées en 1922 et 1933, en tenant compte de leur histoire, de leur spécificité, et de leur mode de rédaction.En même temps qu'elle représente le premier travail d'édition critique mené sur une œuvre de Prokofiev, cette recherche s'inscrit dans la continuité des publications les plus récentes, afin d'offrir aux interprètes autant qu'aux musicologues une partition claire qui corresponde au mieux à la pensée musicale de Serge Prokofiev. / As the score of "Seven, They Are Seven" for tenor solo, choir and orchestra has been printed in Russia in 1922 without the composer's consent, a basic question is to know whether the musical text of this work, neglected and yet one of Prokofiev's dearest, is authentic.The origin of the Mesopotamian incantation transcribed by the poet Constantin Balmont, from which Prokofiev drafted the text finally put in music, was recalled by comparing at once the works of Balmont to the composer's writings.Previously unknown connections could thus be weaved, and the successive roles played by each in the constitution of the final text were clearly established. Research conducted in light of unpublished documents made possible to trace the origins of this work and to understand the conditions in which the 1st edition had been made, from a recently discovered autograph manuscript.Also, four rediscovered French translations made for this work's creation confirmed in a comparative study the key role played by the composer in this process. By taking into account their history, their specificity, and how they were drawn up, we systematically compared, for the realization of the critical edition of this score, three complete manuscripts as well as a vocal score and an annotated edition completed by a manuscript, all unpublished, to the three versions printed in 1922 and 1933. Representing the first critical edition of a work by Prokofiev, this research fits in line with the most recent publications, in order to provide interpreters as well as musicologists a clear score which agrees, at best, to the musical thought of Sergey Prokofiev.

La lecture de cinq romans grecs conservés, les histoires d'amour et d'aventures qui forment un corpus romanesque homogène (Leucippé et Clitophon d'Achille Tatius, Chéréas et Callirhoé de Chariton, Les Éthiopiques d'Héliodore, Daphnis et Chloé de Longus et Les Éphésiaques de Xénophon d'Éphèse), ne laisse pas présager de l'abondance des objets matériels que l'on peut y trouver. Nous répertorions exactement 710 termes qui désignent 426 objets différents, apparaissant à 4752 reprises dans l'ensemble des œuvres. Nous pouvons organiser ces objets et occurrences dans onze catégories fonctionnelles, qui sont plus ou moins représentées dans les romans : les biens et avoirs, les ustensiles, les armes, le mobilier, les vêtements, les accessoires, les soins corporels, les objets de la scène, les supports de l'écrit, les objets décoratifs et la vaisselle. Cette organisation permet de mieux appréhender l'ensemble des objets du corpus pour révéler l'utilisation littéraire que peuvent en faire les auteurs. En effet, l'objet accompagne avant tout le personnage au cours des péripéties : il est son attribut, l'élément qui permet de l'identifier sans doute possible dans le récit. L'objet donne des informations au lecteur sur l'histoire de ce personnage : témoin des événements qui ont marqué sa vie, il devient alors emblématique de l'individu. Cette relation est resserrée dans le cas des objets de reconnaissance dont font mention les romans de notre corpus. L'objet est signifiant lorsqu'il accompagne les protagonistes et ces derniers peuvent les utiliser pour indiquer leurs intentions ou essayer de les dissimuler. Les personnages tirent profit de l'objet pour le mettre en scène. L'objet leur est un adjuvant essentiel au cours des intrigues. L'objet fait pleinement partie du décor romanesque car il est un élément matériel qui peut être un repère spatial pour les personnages des romans comme pour le lecteur. L'objet, attaché à un lieu, donne également des indications symboliques aux personnages, les aiguillant dans leur voyage dans l'espace méditerranéen. Par conséquent, ces objets peuvent aussi être des obstacles à cette progression. L'objet est un opposant aux personnages, ce qui nourrit les intrigues romanesques. Parmi tous ces objets marqués par l'ambiguïté, le pharmakon se distingue par sa double fonction, déjà présente dans le mot grec, d'adjuvant et d'opposant. Les objets ne sont pas de simples éléments de décor, ils participent pleinement à l'action, au même titre que les personnages. L'objet, lorsqu'il est mentionné, n'est donc jamais anodin. Il peut également être emblématique de la relation entretenue par deux individus : l'objet est le support des relations, et devient symbolique de celles-ci. Effectivement, dans l'objet se cristallisent les sentiments des protagonistes, et l'objet permet leur union, métaphorique, à distance. De nombreux types d'objets participent de cette mise en relation des personnages : les coupes lors des banquets, les lettres échangées, les cadeaux offerts. L'objet est le signe de la relation elle-même. L'objet peut aussi être décoratif et orne dès lors le récit, lorsque les auteurs le mettent en avant dans de longues descriptions, notamment dans de longues ekphraseis qui enrichissent les textes. L'objet n'apparaît parfois pas pour les personnages des romans, néanmoins, il est bien utilisé par les auteurs, notamment pour concrétiser des expressions abstraites : de nombreuses comparaisons et métaphores mentionnent des objets, ce qui « matérialise » le texte. D'ailleurs, c'est dans les discours des personnages que l'objet occupe une place symbolique. Le symbole confère au texte une dimension interprétative qui enrichit encore la lecture des intrigues romanesques. Le discours symbolique éclaire le système des représentations.Ainsi l'objet, support du discours, est capital pour les œuvres romanesques car il permet au texte littéraire de se déployer dans toutes ses dimensions. / The five ideal Greek novels, nearly complete (Achilles Tatius' Leucippe and Clitophon, Chariton's Callirhoe, Heliodorus' Aethiopics, Longus' Daphnis and Chloe and Xenophon of Ephesus' An Ephesian Tale) constitute a genre that can fruitfully be studied as a unit. In these novels, the abundance of concrete objects is staggering. 426 distinct objects are described with 710 various lexemes and this group of words occurs 4752 times throughout the corpus under consideration. To organize and better understand the function of these objects and the language used to describe them, they can be meaningfully placed into eleven functional categories: property and assets, utensils, weapons, furniture, clothing, accessories, objects related to personal care, stage props, writing tools, decorative objects, and finally dishes. This organization allows the reader to have a better view of all the objects and enlightens each author's literary uses of them. Indeed, objects accompany characters throughout these narratives, can function as an attribute, that is the object that identifies them without any doubt. An object provides the reader with pertinent information about a character's personal history, since the object witnesses the events that have marked his or her life. The object becomes emblematic of the individuals. In the case of objects of recognition throughout corpus, the relationship between the identity of a character and his or her objects is even tighter. The object is significant when accompanying the protagonists, who can also use them to indicate their intentions or in turn try to hide them. The characters benefit from the object when used to manipulate a narrative situation. They often play the role of an essential tool without which the narrative could not progress. The object is an integral part of the scenery in that it is a material thing that embodies a spatial reference for characters as well as readers. This aspect of an object can work on both an intra- and extra-textual level providing characters within a novel or the work's readers with fundamental information. Imbued with spatial significance, an object can provide an impediment to a character's journey or, even more strongly, pose as an opponent that complicates a given plot's forward movement. Among the objects marked by this ambiguity of helping or hindering narrative, the pharmakon plays a distinguished role serving either as a poison or medicine. Accordingly, objects cannot be thought of as merely decorative elements in the novel, rather they must be thought of as things intimately involved in the action itself. The object, when mentioned, is never insignificant. Alongside its function as an agent, an object can also serve as a symbol for a relationship between individual characters. Indeed, the feelings of the protagonists crystallize themselves in the object, and the object allows for their metaphorical union, even when separated by distance. Many types of objects put the characters into a relationship: banqueters' cups, letters, and gifts all have these sorts of functions. In these instances, an object becomes a sign of a relationship itself. The object can also be a decorative ornament in the scenery but also of the text itself, when authors feature them in long descriptions, for instance in long ekphraseis that enrich the text. Objects, however, are not always a visible aspect of the scenery, but can serve as metaphors or illustrations for abstract concepts. Not only do the novelists use objects in this way to explicate an idea for the reader, but characters do so as well in their speeches. The symbol gives the text a dimension of significance that enriches more and more the reading of the romantic plots. The symbolic system highlights the cultural representations. In a word, the object is far from secondary or subsidiary, but is fundamental to these fictions, since it allows the novel to develop and flourish in all of its dimensions.

La présente étude se propose d'établir une connaissance plus approfondie de la musique de chambre d'Ernest Chausson. Celle-ci tient compte à la fois de l'environnement musical, culturel et esthétique de l'auteur. Cette production permet de réactualiser la sensibilité d'un musicien,. qui apparaît comme une personnalité incontournable du renouveau mwical français en cette fin de XDr' siècle. La première partie est consacrée à des analyses purement formelles ducorpus, explicitant une réalité objective du phénomène sonore. La seconde partie, s'attache à la mise en valeur d'une plus grande exigence unitaire, à travers l'utilisation de la fonne cyclique. Une troisième partie, étudie les modalités de fonctionnement dialogique des différentes oeuvres, dans le but de sonder plus profondément, la pensée musicale de Chausson. Enfin. une denùère partie, inscrit cette recherche dans un courant esthétique de l'époque :le symbolisme, quia pu influencer certains gestes musicaux du compositeur. Ces différents points, ont été jalonnés par des écrits de l'époque, tout en s'appuyant également sur des travaux musicologiques contemporains. / The objective of this dissertation is to present an in-depth study of the chamber music works of Ernest Chausson., against the background of the composer's musical, cultural and esthetic environment. Chausson's chamber music output throws a new light sensitivity of a musician whose influence on the revitalization of late century French music cannot be denied. The first part of the dissertation is devoted to purely formal corpus analysis in order to explicit an objective sense of the composer's sound world. Part II emphasizes how the urge toward the greatest possible unity leads to the use of the cyclic form. Part III studies the dialogic modalities of various compositions, with a view to gaining more insight into Chausson 's musical thought. The last part focuses on the major esthetic trend of this time that may have influenced sorne of Chausson's musical gestures: Symbolism. Relevant historical writings and a range of current musicological approaches support and document each development.

Doctorat en philosophie et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

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Nul n’est sans savoir l’influence de l’ésotérisme sur la formation de la« littérature nouvelle » et pourtant, des questions essentielles demeurent toujours sansréponse : quelle place prend véritablement le fait ésotérique dans l’esthétiquesymboliste ? Jusqu’où peut-on parler d’ésotérisme, où celui-ci s’arrête-t-il, et quel estréellement son rôle dans l’avènement du sacerdoce poétique de la fin du XIXe siècle ?Notre réflexion se réfère à une méthode académique nouvelle qui a su proposerune définition de l’objet ésotérisme. Les différentes publications des historiens ontfavorisé une démarche historico-critique permettant l’isolement de critères identifiantaujourd’hui cette forme de pensée. À partir d’un des critères, l’analogie et lescorrespondances, nous aborderons l’ensemble des autres composantes, en explorant lesliens cosmologiques, anthropologiques et esthétiques qui se sont progressivement tissésavec les « sciences maudites ». Cette grille de lecture nous permettra de retracerl’avènement d’une véritable religion esthétique, d’approfondir la représentation de laNature considérée par les poètes comme le Liber Mundi, et de délimiter l’influence del’ésotérisme qui a concouru à l’originalité de l’esthétique symboliste dans l’histoire dela littérature française / No one ignores the influence of esoterism on the making of the "littératurenouvelle". Yet essential questions remain still unanswered: what is the real place heldby esoterism in the aesthetics of the Symbolist movement? How far reaches themeaning of the word, where are the borders of esoterism, and what was its contributionto the concept of the poet's priesthood at the end of the XIXth century?Our reflection refers to a new academic method which provided us with a definitionof the esoterism object. By their textual criticism, historians have isolated a number ofcriteria which allow us to identify this kind of thought. Starting from one of thosecriteria, i. e. analogy and correspondences, we will deal with all the others components,and explore the cosmologic, anthropologic and aesthetic links which were progressivelywoven with the "cursed knowledge". This process will enable us to observe the arisingof a true religion of aesthetic, to examine thoroughly the representation of Nature asLiber Mundi for the poets'eye, and to delimit the influence of esoterism,which contributed to the originality of the Symbolist aesthetics in the history of Frenchliterature

Analyser l’ensemble de l’œuvre dramatique disponible de Maurice Maeterlinck, soit trente et une pièces de théâtre, en se laissant guider par le fil rouge majeur, son rapport avec les textes sacrés du christianisme, tel est l’objet de cette thèse. Les deux premiers théâtres maeterlinckiens apparaissent nettement comme deux tablettes antithétiques d’un même dyptique représentant respectivement l’enfer et le paradis. Aussi la notion biblique du libre arbitre s’impose-t-elle comme un facteur différentiel pertinent entre le théâtre du silence et d’aliénation et le théâtre de la parole et de libération. Des principes bibliques tels que la loi de la croyance, la puissance de la confession, le contraste entre les ténèbres et la lumière, la guerre et la paix, la perdition et la rédemption, la justice humaine et la justice divine, la mort et la résurrection des morts semblent s’ériger en métaphores obsédantes et en thématiques transversales unissant les quatre principaux moments du théâtre maeterlinckien. / Analyzing all the available dramatic work of Maurice Maeterlinck, about thirty-one plays, guided by the main thread, his relationship with the sacred texts of Christianity, this is the aim of this thesis. The first two Maeterlinck’s theaters appear clearly as two antithetical tablets of the same bifacial painting representing the hell and the paradise. Also the biblical concept of the free will is required as a relevant factor of difference between the theater of silence and alienation and the theater of the speech and release. Biblical principles such as the law of believing, the power of confession, the contrast between darkness and light, war and peace, perdition and redemption, human justice and divine justice, death and resurrection of the dead seem to stand in haunting metaphors and transverse themes linking the four key moments of Maeterlinck’s theater.

En s'employant par la plume au redressement de la France, Pierre Drieu la Rochelle s'inscrit dans la lignée des écrivains et des penseurs qui ont dénoncé la décadence – Paul Bourget et, surtout, Barrès et Nietzsche, les deux maîtres qu'il se reconnaît. "Je me suis trouvé comme tous les autres écrivains contemporains devant un fait écrasant : la décadence", écrit-il dans la préface de Gilles, citant volontiers Aragon, Céline, Malraux ou encore Montherlant, ces écrivains et intellectuels de l'entre-deux-guerres avec lesquels il partage une certaine fraternité prophétique. Si Drieu a vécu et envisagé les rapports de sa création littéraire avec l'idéologie et la politique à travers le prisme de la convulsion du temps provoquée par la crise de l'antimodernisme et de l'antiparlementarisme, il affronte ce qu'il considère être un «fait écrasant» en pratiquant une "observation systématique". Dans "son œuvre de satire", cette référence obsédante à la décadence, qu'il décèle plus particulièrement dans le corps individuel et social, fait l'objet de transfigurations littéraires qui visent toutes à la dénoncer. Pour essayer de cerner les enjeux d'une telle représentation, qui se situe à la jonction de l'idéologie et de la littérature, il est nécessaire d'analyser les fondements de l'imaginaire de la décadence inhérents à la période de l'entre-deux-guerres. À ce prix, il devient possible de distinguer l'unité et la cohérence de l'œuvre de Drieu, articulée autour de cette décadence que l'on doit considérer comme un "fait d’imagination" (Pierre Citti) et cristallisée autour d'un motif central : le corps / In reflecting on and reasoning about the decline of his country, Pierre Drieu la Rochelle appears as an heir to those writers and theoreticians who denounced its decadence, including Paul Bourget but principally Barrès and Nietzsche, the two masters with whom he identifies. "Je me suis trouvé comme tous les autres écrivains contemporains devant un fait écrasant : la décadence", writes the novelist, in the preface to Gilles. Thus he gladly cites Aragon, Céline, Malraux and Montherlant, who were all writers and intellectuals of the interwar years, and with whom Drieu shares some kind of prophetic fraternity. Drieu foresees the interaction of his literary creativity with ideology and politics through the lens of the convulsion of time, occasioned by the crises of antimodernism and antiparliamentarism. Consequently he faces what he considers to be a "crashing fact" in practising a "systematical observation". In his "satirical work", his insistent reference to decadence, which he detects in both the individual and collective body, is subjected to literary metamorphosis ; this imagery betrays his intimate obsession. In order to grasp what is at stake in such a mental representation, situated at the intersection of ideology and literature, it is necessary to understand first of all the foundations of the imagination of decadence, inherent in the troubled world of the interwar years. This is necessary in order to set apart the unity and the coherence of Drieu's work, focused on this decadence to be considered as an "fait d’imagination" (Pierre Citti) and made real through a central topic : the body

Cette réflexion porte sur l’influence de la poésie lyrique dans les œuvres théâtrales du romantisme au symbolisme. En essayant de confronter les corpus du drame romantique et du théâtre symboliste et en exhumant celui du théâtre des poètes parnassiens et de leurs contemporains, elle entend dégager des constantes et mettre en lumière une crise du théâtre aristotélicien, dont les effets se prolongent jusque dans les dramaturgies de l’extrême contemporain. Mais penser un théâtre de poètes, autrement dit un théâtre qui intègrerait les propriétés de la poésie lyrique au sein du genre dramatique, revient à soulever un certain nombre de paradoxes.Ce théâtre des poètes est d’abord un théâtre qui minore de plus en plus le poids de l’action, au profit de l’expression lyrique. Le drame et le système actantiel qu’il véhicule tendent à se réduire à une seule situation, unique et statique, de laquelle les conflits intersubjectifs ont été évacués. La poésie lyrique, de par sa subjectivité, intériorise le drame et c’est désormais au sein d’un même sujet qu’il faut chercher les composantes dramatiques. Son intérêt pour l’intériorité conduit le théâtre des poètes à délaisser le système de la représentation mimétique, parce qu’il préfère, à la réalité objective et concrète, le domaine plus abstrait des idées. Cette subjectivité qu’importe la poésie dans le genre théâtral pousse finalement les dramaturges à braver le tabou absolu du théâtre aristotélicien, à savoir la présence du poète dans son œuvre : la lyricisation du théâtre entraîne ainsi la manifestation du poète dans sa pièce. / This reflection deals with the influence of lyrical poetry over theatrical works from romanticism to symbolism. By confronting the corpuses of the romantic drama and the symbolist theater, but also by exhuming the Parnassiens’ theater, it envisions encountering constants and highlighting a crisis of Aristotelian theater whose effects extend up until the most contemporary dramaturgies. But considering the existence of a theater by poets, one that integrates the characteristics of lyrical poetry into the dramatic forms, raises several paradoxes. This theater by poets is before all one that reduces more and more the importance of the action, in favour of the lyrical expression. The drama and the actantial model it implies get converted in one unique and static situation, where all the intersubjective conflicts have been erased. Because of its subjectivity, lyrical poetry internalizes the drama: and thus all the dramatic components have to be searched for inside the subject. Its interest for interiority leads the theater by poets to abandon the mimetic representation system, because of its favouring of the abstraction of ideas over the objective and material reality. This subjectivity imported by poetry into the dramatic form explains why the dramatists break the absolute taboo of Aristotelian theater: the poet’s presence inside his play. The lyricisation of theater entails the poet’s manifestation in a form where it is prohibited.