Submitted by Morgana Andrade (morgana.andrade@ufes.br) on 2016-03-21T18:27:09Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) DUILIO HENRIQUE K. CID.pdf: 19447953 bytes, checksum: 22f05b249278dc303ba916211f1dfe38 (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Barros (patricia.barros@ufes.br) on 2016-05-13T13:53:34Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) DUILIO HENRIQUE K. CID.pdf: 19447953 bytes, checksum: 22f05b249278dc303ba916211f1dfe38 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-05-13T13:53:34Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) DUILIO HENRIQUE K. CID.pdf: 19447953 bytes, checksum: 22f05b249278dc303ba916211f1dfe38 (MD5) / O objetivo da dissertação foi o de investigar as políticas para o teatro desenvolvidas no Espírito Santo durante a Ditadura Militar. Para tanto, trabalhei, metodologicamente, com diferentes escalas de investigação, analisando o depoimento de artistas teatrais capixabas que vivenciaram o período e relatórios de gestão da instituição cultural responsável por programar e executar a política cultural do estado na época, a Fundação Cultural do Espírito Santo (FCES), bem como buscando compreender o processo de desenvolvimento das políticas culturais que ocorria em nível federal. Nesse sentido, em particular, optei por destacar o aspecto aparentemente contraditório do regime instalado com o golpe de 1964, que era também o responsável por perseguir e prender vários artistas e proibir incontáveis obras. Fiz um recorte temporal que vai da data do golpe até 1980 e pude identificar três momentos distintos da relação entre o Estado e a atividade teatral no Espírito Santo: 1º) de 1964 a 1969, um período de ausência de investimentos no setor; 2º) de 1970 a 1977, com o desenvolvimento de um grande número de ações e 3º) de 1977 a 1980, com a redução dos investimentos que vinham sendo realizados até então, culminando com a extinção da FCES. Tendo por base o conceito de teatrocracia de George Balandier, interpretei que as oscilações observadas nestes três momentos relacionaram-se com a imagem que os governadores biônicos do estado procuravam transmitir de si próprios para a população. / The objective of this dissertation was to investigate policies for theater developed in  Espírito  Santo during  the  Military  Dictatorship.  In  this  sense,  I  worked,  methodologically,  with  different  scales  of  research,  analyzing  evidence  from  capixabas theater artists who experienced the period and management reports from  cultural institution responsible for scheduling and executing the cultural policy of the  state,  the  Fundação  Cultural  do  Espírito  Santo  (FCES), as  well  as  seeking  to  understand  the  process  of  development  of  cultural  policies  that  occurred  at  the  federal  level.  Thus,  in  particular,  chose  to  highlight  the  seemingly  contradictory  aspect of the regime installed after the coup of 1964, which was also responsible for  chasing and arresting many artists and prohibit countless works. I made a time frame  that runs from the date of the coup until 1980 and was able to identify three distinct  moments of the relationship between state and theater activity in Espírito Santo: 1)  from 1964 to 1969, a period of lack of investment in the sector; 2) 1970 to 1977, with  the development of a large number of cultural actions and 3) from 1977 to 1980, with  the reduction of investments that had been held so far, culminating in the extinction  of FCES. Based on the concept of teatrocracia of George Balandier, interpreted that  the oscillations observed in these three moments were related to the image that the  bionic state governors sought to convey to the people themselves.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2009-11-19Bitstream added on 2014-06-13T19:48:46Z : No. of bitstreams: 1 pavam_wb_me_ia.pdf: 561593 bytes, checksum: a0c45caddc9e2e5e44587e97f463a9e4 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / A pesquisa tem como foco a análise do tratamento da temática trabalhista na dramaturgia paulistana contemporânea, especificamente nos textos A Comédia do Trabalho, da Companhia do Latão, com dramaturgia final de Sérgio de Carvalho e Márcio Marciano; Bartolomeu, que será que nele deu?, de Claudia Schapira; e Borandá, de Luis Alberto de Abreu (em sua primeira saga, Tião) – todos criados em processo colaborativo. As três obras se estruturam em procedimentos épicos que evidenciam diversos aspectos das relações de trabalho na era da acumulação flexível, atual sistema de produção capitalista. As políticas neoliberais implantadas no mundo desde a década de 1970 têm como efeitos, entre outros, a precarização do trabalho e a substituição de uma postura sindical combatente por uma ideologia de veneração à empresa. Nesse contexto de retrocesso da organização coletiva do trabalhador frente à exploração do capital, outras possibilidades de abordagem do assunto desenvolvidas nas peças, além do embate entre patrão e empregado, mostram-se como reveladoras das tensões advindas das relações trabalhistas na atualidade. A hibridização de gêneros teatrais, as diferentes referências da cultura popular, a presença de coros pouco homogêneos, a abordagem múltipla do espaço e do tempo, as interações entre personagens-narradores e personagens da ação dramática são algumas das formas utilizadas para dialogar com a temática / The search is focused on the analysis of the work theme treatment in the contemporary paulistan dramaturgy, specifically in the texts A comédia do trabalho, from Companhia do Latão, with final dramaturgy from Sérgio de Carvalho and Márcio Mariano; Bartolomeu, que será que nele deu?, from Claudia Schapira; and Borandá, from Luis Alberto de Abreu (in first saga, Tião) – all created in collaborative process. The three works structure themselves in epic procedures which prove various aspects of working relations in the flexible accumulation era, the current system of capitalist production. Neo-liberal policies implemented in the world since the 1970‟s have as effects, among others, job diminishment and the replacement of a fighter union stance by an ideology of reverence for the company. In this context of retreating collective organization of workers against the capitalist exploitation, other approaching possibilities of the subject developed in the plays, besides the struggle between employee and employer, are shown as revealing tensions stemming from current working relations. The hybridization of theatrical genres, the different references in popular culture, the presence of not homogeneous choirs, the multiple approach of space and time, the interactions between narrators-characters and drama action characters are some of the ways used to dialogue with the theme

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-06-14Bitstream added on 2014-06-13T18:49:08Z : No. of bitstreams: 1 ferreira_mfn_me_ia.pdf: 1519052 bytes, checksum: 1f3e287d5f56da812d7ec2580fd05f64 (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / O objetivo desta pesquisa é abordar as potencialidades cênicas do corpo acrobata durante o início do século XX na Rússia. Para tanto, foram adotadas como referência as experimentações cênicas do encenador epedagogo Vsévolod Emilievitch Meierhold, consolidadas nas duas encenações de Mistério-Bufo (1918 e1921), dramaturgia de Vladímir Maiakóvski. No primeiro capítulo, Opensamento russo eodesejo do corpo acrobata: final do século XIX einício do XX, o intuito é contextualizar efundamentar aaproximação das artes circenses eteatrais na Rússia em tal período. O capítulo aborda opensamento russo eoideal de “novo homem”, que encontrou sua expressão nas artes e na literatura. As atividades de Meierhold eMaiakóvski estão atreladas a essa conjuntura. No segundo capítulo, Ocorpo acrobata na pedagogia de V. E. Meierhold, oobjetivo é abordar o trabalho pedagógico meierholdiano nos anos que antecederam a Revolução de 1917, sob a ótica do processo de “cirquização” do teatro. Aobra de Meierhold apresenta um vasto material de investigação sobre oassunto eengendra não só transformações no espetáculo teatral como influencia diversos grupos eartistas do período. Por fim, no terceiro capítulo, A “cirquização” do teatro: Mistério-Bufo (1918 e1921), de Meierhold-Maiakóvski, procurou-se analisar acondição do corpo acrobata na obra enas encenações. Detecta-se nos espetáculos princípios eprocedimentos experimentados por Meierhold nos anos pré-revolucionários, bem como a apropriação eutilização de elementos circenses. Este trabalho revela que, na Rússia, grande parte dos artistas eintelectuais se voltou para as atividades circenses no início do século XX, já que nesse momento havia o desejo do “novo homem”, o herói eslavo harmônico e belo. A destreza, o vigor e a audácia do acrobata casa perfeitamente com tal ideia e, não por acaso, os... / The scope of this work is to discuss the acrobatic body‟s scenic potentialities during the beginning of the 20th century in Russia. To this end, it was adopted as a reference the scenic experimentations from the theater director and educator Vsevolod Emilievitch Meyerhold, which are consolidated in both staging of Mistery-Bouffe (1918 and 1921), dramaturgy of Vladimir Mayakovsky. In the first chapter, The Russian thought and the desire of the acrobatic body: end of 19th century and beginning of 20th century, the purpose is to contextualize and base the approach of the circus and theater arts in Russia in the mentioned period. The chapter addresses the Russian thought and the “new man” ideal, which has found its expression in the arts and literature. The activities of Meyerhold and Mayakovsky are coupled to this conjuncture. The second chapter, The acrobatic body in the pedagogy of V. E. Meyerhold, the purpose is to address the meyerholdian pedagogical work during the years that precede the Russian Revolution of 1917, from the perspective of the “circus-becoming” theater. Meyerhold‟s play shows a vast material of research about the subject and engenders, not only transformations in the theatrical play, but it also influences various groups and artists from that age. Finally, in the third chapter, The “cirquization” of the theater: Mystery-Bouffe (1918 and 1921), of Meyerhold-Mayakovsky, it was attempted to analyze the acrobatic body condition in the play and staging. There are in the plays principles and procedures already experimented by Meyerhold during the pre-Revolutionary years, as well as the ownership and usage of circus elements. This work reveals that in Russia, the majority of artists and the intelligentsia were focused on the circus activities in the beginning of the 20th century, since in that moment there was the desire of a “new man”, the harmonic and ... (Complete abstract click electronic access below)

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-08-11Bitstream added on 2014-06-13T20:49:01Z : No. of bitstreams: 1 carvalho_mb_me_ia.pdf: 3042861 bytes, checksum: 672f91b0f04453a3d15bca43d3826f67 (MD5) / Universidade Estadual Paulista (UNESP) / A matéria de que trata essa dissertação é a pedagogia teatral desenvolvida por Myrian Muniz, que consiste em uma prática que lança um olhar muito particular sobre o trabalho do ator e é resultado de um amálgama composto por experiências de formação, vivências importantes e influências decisivas. Tendo formado várias gerações de artistas, ela ocupa, sem dúvida alguma, posição de destaque no cenário de ensino do teatro no Brasil. Myrian acreditava que a atividade teatral possibilitava um intercâmbio de conhecimentos, criando assim um espaço para olhar e ser olhado, tocar e ser tocado, influenciar e ser influenciado: base fundamental sobre a qual desenvolveu sua atuação como pedagoga do teatro. Este trabalho resgata os processos pedagógicos utilizados por Myrian Muniz e identifica uma linha de trabalho dentro do ensino do teatro que está apoiada no autoconhecimento, na reflexão crítica do trabalho do ator e no estabelecimento de uma relação harmoniosa entre indivíduos interessados em desenvolver uma prática teatral / The subject of this thesis is the theatrical pedagogy developed by Myrian Muniz based on a practice that sets a very unique look over the acting work, resulting in an amalgam made of important lifelong and upbringing experiences and decisive influences. Being responsible for the formation of many generations of artists, she has, without questioning, a distinctive place in the Brazilian theatrical education. Myrian believed that theatrical work allowed an exchange of knowledge, opening a space to see and be seen, to touch and be touched, to inspire and be inspired: the stone bedding over which she evolved her work as a theatrical educationalist. This work proposes a recovery of the educational procedures applied by Myrian and identifies a work method for the theatrical teaching, based on self knowledge, critical thought of acting and in establishing a suitable relation between people that search developing theatrical experiences

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2008-12-18Bitstream added on 2014-06-13T20:28:52Z : No. of bitstreams: 1 moura_cfs_me_ia.pdf: 2324681 bytes, checksum: 663dee1c58746e9427ccedc33035e930 (MD5) / Universidade Estadual Paulista (UNESP) / Até a década de 1940, o negro no teatro brasileiro, mesmo quando em personagens de destaque, quase sempre foi retratado por meio de certas caricaturas ou estereótipos herdados do período da escravidão. Entre o final do século XIX e começo XX, as personagens negras aparecem muitas vezes representadas em figuras dramáticas femininas como a mulata bela e sensual (reboladeira e carnal, pernóstica ou faceira), a bá (ama-de-leite geralmente negra beiçuda e gorda, confidente, chorosa e prestativa), a baiana macumbeira (em especial a vendedora de quitandas, vestida com saia rodada, bata de renda, turbante, pano-da-costa, colares e balangandãs), a preta velha (africana idosa conhecedora de segredos); em personagens masculinos, como o negrinho espertalhão (agregado da casa-grande), o bobalhão (pouco inteligente; estúpido, ignorante, imbecil); o malandro (astuto, bon vivant); o pai João (na maioria das vezes negro velho, dócil, conformado e submisso). Nos idos de 1944, surge no Rio de Janeiro um grupo de teatro formado por atores negros propostos a problematizar e revisar a tradição cênica de representação da “raça” levando aos palcos textos ligados aos temas das culturas afro-brasileiras, aos conflitos raciais e ao estigma da cor negra. Trata-se do Teatro Experimental do Negro (TEN). A presente investigação visa compreender as propostas dramatúrgicas deste grupo para a construção da personagem negra, tendo como base os estudos de Anatol Rosenfeld, Antonio Candido, Décio de Almeida Prado (2000), Renata Pallottini (1989) e Sábato Magaldi (1962), e partindo da analise de duas específicas peças do repertório do TEN, que estão reunidas na coletânea Drama para negros e prólogo para brancos, publicada em 1961. São elas: O filho pródigo (1947), de Lúcio Cardoso e Sortilégio (1951), de Abdias do Nascimento. Palavras-chave: Teatro... / Until the nineteen forties decade, the Negroes in the Brazilian drama were represented, even when taking up major parts, throughout some stereotyped characters and caricatures inherited from the slavery period. Between the end of the nineteenth century and the beginning of the twentieth, the feminine negro character so many times appears in dramatic parts like the “mulata” beautiful and sexy (with good dancing skills and body performance), the “babá” (wet-nurses regularly black, thick lips and fat, confidant, tearful and helpful), the “bahiana macumbeira” (normally in voodoo style, seller of grocer's shops, dressing wide skirts, sewed smock, turban, necklaces and local baubles), the “black old lady” (old African having knowledge of ancient secrets), and the masculine characters like the “smart young black” (a lodger of the Brazilian ‘greathouse’), the “fool” (lacking intelligence, lout, ignorant and idiot), the “father John” (mostly old black, docile submissive and conformist). Around nineteen forty-four, there is within Rio de Janeiro the foundation of a new drama group, created by black actors intended to revise the stage tradition for representation of race, bringing to stage different works related to African-Brazilian culture subjects, to the racism conflicts and the Negroes stigma. It was the Negroes Workshop Theater (“Teatro Experimental do Negro”, TEN). This investigation intends to understand this group’s theatrical proposal to build the Negro character, having as a direction the works of Anatol Rosenfeld, Antonio Candido, Décio de Almeida Prado (2000), Renata Pallottini (1989) and Sábato Magaldi (1962), as well as coming from the analysis of two specific plays from the ‘TEN’s repertoire united in the collection: “Drama para negros e prólogo para brancos”, released in... (Complete abstract click electronic access below)

Orientador: Reynuncio Napoleão de Lima / Banca: José Leonardo do Nascimento / Banca: Dagoberto José Fonseca / Resumo: Até a década de 1940, o negro no teatro brasileiro, mesmo quando em personagens de destaque, quase sempre foi retratado por meio de certas caricaturas ou estereótipos herdados do período da escravidão. Entre o final do século XIX e começo XX, as personagens negras aparecem muitas vezes representadas em figuras dramáticas femininas como a mulata bela e sensual (reboladeira e carnal, pernóstica ou faceira), a bá (ama-de-leite geralmente negra beiçuda e gorda, confidente, chorosa e prestativa), a baiana macumbeira (em especial a vendedora de quitandas, vestida com saia rodada, bata de renda, turbante, pano-da-costa, colares e balangandãs), a preta velha (africana idosa conhecedora de segredos); em personagens masculinos, como o negrinho espertalhão (agregado da casa-grande), o bobalhão (pouco inteligente; estúpido, ignorante, imbecil); o malandro (astuto, bon vivant); o pai João (na maioria das vezes negro velho, dócil, conformado e submisso). Nos idos de 1944, surge no Rio de Janeiro um grupo de teatro formado por atores negros propostos a problematizar e revisar a tradição cênica de representação da "raça" levando aos palcos textos ligados aos temas das culturas afro-brasileiras, aos conflitos raciais e ao estigma da cor negra. Trata-se do Teatro Experimental do Negro (TEN). A presente investigação visa compreender as propostas dramatúrgicas deste grupo para a construção da personagem negra, tendo como base os estudos de Anatol Rosenfeld, Antonio Candido, Décio de Almeida Prado (2000), Renata Pallottini (1989) e Sábato Magaldi (1962), e partindo da analise de duas específicas peças do repertório do TEN, que estão reunidas na coletânea Drama para negros e prólogo para brancos, publicada em 1961. São elas: O filho pródigo (1947), de Lúcio Cardoso e Sortilégio (1951), de Abdias do Nascimento. Palavras-chave: Teatro... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: Until the nineteen forties decade, the Negroes in the Brazilian drama were represented, even when taking up major parts, throughout some stereotyped characters and caricatures inherited from the slavery period. Between the end of the nineteenth century and the beginning of the twentieth, the feminine negro character so many times appears in dramatic parts like the "mulata" beautiful and sexy (with good dancing skills and body performance), the "babá" (wet-nurses regularly black, thick lips and fat, confidant, tearful and helpful), the "bahiana macumbeira" (normally in voodoo style, seller of grocer's shops, dressing wide skirts, sewed smock, turban, necklaces and local baubles), the "black old lady" (old African having knowledge of ancient secrets), and the masculine characters like the "smart young black" (a lodger of the Brazilian 'greathouse'), the "fool" (lacking intelligence, lout, ignorant and idiot), the "father John" (mostly old black, docile submissive and conformist). Around nineteen forty-four, there is within Rio de Janeiro the foundation of a new drama group, created by black actors intended to revise the stage tradition for representation of race, bringing to stage different works related to African-Brazilian culture subjects, to the racism conflicts and the Negroes stigma. It was the Negroes Workshop Theater ("Teatro Experimental do Negro", TEN). This investigation intends to understand this group's theatrical proposal to build the Negro character, having as a direction the works of Anatol Rosenfeld, Antonio Candido, Décio de Almeida Prado (2000), Renata Pallottini (1989) and Sábato Magaldi (1962), as well as coming from the analysis of two specific plays from the 'TEN's repertoire united in the collection: "Drama para negros e prólogo para brancos", released in... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Orientador: Berenice Albuquerque Raulino de Oliveira / Banca: Armando Sérgio da Silva / Banca: Reynúncio Napoleão de Lima / Resumo: A matéria de que trata essa dissertação é a pedagogia teatral desenvolvida por Myrian Muniz, que consiste em uma prática que lança um olhar muito particular sobre o trabalho do ator e é resultado de um amálgama composto por experiências de formação, vivências importantes e influências decisivas. Tendo formado várias gerações de artistas, ela ocupa, sem dúvida alguma, posição de destaque no cenário de ensino do teatro no Brasil. Myrian acreditava que a atividade teatral possibilitava um intercâmbio de conhecimentos, criando assim um espaço para olhar e ser olhado, tocar e ser tocado, influenciar e ser influenciado: base fundamental sobre a qual desenvolveu sua atuação como pedagoga do teatro. Este trabalho resgata os processos pedagógicos utilizados por Myrian Muniz e identifica uma linha de trabalho dentro do ensino do teatro que está apoiada no autoconhecimento, na reflexão crítica do trabalho do ator e no estabelecimento de uma relação harmoniosa entre indivíduos interessados em desenvolver uma prática teatral / Abstract: The subject of this thesis is the theatrical pedagogy developed by Myrian Muniz based on a practice that sets a very unique look over the acting work, resulting in an amalgam made of important lifelong and upbringing experiences and decisive influences. Being responsible for the formation of many generations of artists, she has, without questioning, a distinctive place in the Brazilian theatrical education. Myrian believed that theatrical work allowed an exchange of knowledge, opening a space to see and be seen, to touch and be touched, to inspire and be inspired: the stone bedding over which she evolved her work as a theatrical educationalist. This work proposes a recovery of the educational procedures applied by Myrian and identifies a work method for the theatrical teaching, based on self knowledge, critical thought of acting and in establishing a suitable relation between people that search developing theatrical experiences / Mestre

THIS PAPER AIMS to research historical artistic events such as Theatre and Cinema, theater text Oleanna by David Mamet (1992), as well as the film adaptation (1994) and the stage adaptation Brazilian (1995) by Ulysses Cruz. Through the work and its adaptations is made a detailed analysis of each language and the context in which they were reworked. For this it was necessary to think of the role of the author and theater director and film as well as the aesthetic and thematic choices in making an adaptation, among the questions: who wins materiality in this process? Moreover, among the discussions, such work also focuses the thematic study of the work, involving topics such as: the power, the politically correct, the student-teacher ratio in university and the issue of harassment, which allow us to think in contemporary society while a society increasingly fragmented and individualized, in which conflicts are increasingly evident, particularly the lack of otherness. In this context, where the ideals of social transformation? Where are the utopias? These are some more of the issues present in this work. / O PRESENTE TRABALHO tem como proposta a investigação histórica de manifestações artísticas como o Teatro e o Cinema, através do texto teatral Oleanna de David Mamet (1992), bem como a adaptação cinematográfica (1994) e a adaptação para o palco brasileiro (1995) por Ulysses Cruz. Através da obra e suas adaptações é feita a análise minuciosa de cada linguagem e o contexto em que foram reelaboradas. Para isso foi necessário pensar no papel do autor e diretor teatral e cinematográfico, bem como nas escolhas estéticas e temáticas na feitura de uma adaptação, considerando, entre outras questões: o que ganha materialidade nesse processo? Além disso, o trabalho se debruça também no estudo temático da obra, que envolve temas como: o poder, o politicamente correto, a relação professor-aluno nas universidades e a questão do assédio, que nos permitem pensar na sociedade contemporânea como cada vez mais fragmentada e individualizada, apresentando conflitos cada vez mais evidentes, sobretudo pela falta de alteridade. Nesse contexto, onde estão os ideais de transformação social? Onde estão as utopias? Essas são mais algumas das questões presentes neste trabalho. / Mestre em História

Miguel Franco nasceu em Leiria em 1918, atuou no teatro amador de sua cidade, sendo varias vezes premiado como encenador e como ator. Na década de 60, em plena ditadura salazarista, Franco leva ao Teatro Avenida de Lisboa, por meio da consagrada Companhia Companhia Rey Colaço Robles Monteiro sua mais importante peca de teatro histórico, O motim, que retoma os eventos ocorridos após o levante do povo da cidade do Porto contra a Companhia dos Vinhos do Alto Douro, criada pelo ministro de d. José, o Marques de Pombal. A peca, após poucos dias em cartaz, é brutalmente retirada de cena pelo aparelho de repressão do regime salazarista. Este trabalho tem por objetivo analisar a peça de Franco, como exemplo do subgênero dramático do teatro histórico, procurando compreender como e por que se dão as relações que se estabelecem entre o tempo da ação da peça (século XVIII) e o tempo de sua escrita (segunda metade do século XX). / Miguel Franco was born in Leiria in 1918, acted in amateur theater of his city, and several times was awarded as director and as an actor. In the 60s, during the Salazar dictatorship, Franco leads to Teatro Avenida de Lisboa, with the consecrated Company Company Rey Colaco - Robles Monteiro his most important play of historical theater, O Motim, which incorporates the events that occurred after the uprising of the people of Porto against the Companhia dos Vinhos do Alto Douro, created by d. José minister, Marques de Pombal. The play, after only a few days on stage, was brutally removed from the scene by the Salazar regime repression apparatus. This paper aims at examining the Franco play as an example of the dramatic subgenre of historical theater, trying to studying how and why occur the relations established between the time of action of the play (XVIII century) and the time of its writing (second half of the twentieth century).

Orientador: Maria Lucia Levy Candeias / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-08T08:49:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Scandolara_Camilo_M.pdf: 4509987 bytes, checksum: c903d905692b040e95b375d9e3a3a31d (MD5) Previous issue date: 2006 / Resumo: Este trabalho aborda a experiência dos estúdios do Teatro de Arte de Moscou (T.A.M.) como um dos pilares da formação da tradição teatral ocidental do século XX. Os estúdios do T.A.M. inserem-se em um movimento característico do processo de renovação teatral do início do século passado: o afastamento em relação aos centros da produção com o objetivo de reconstruir o ofício do ator e do diretor desde as suas bases. Partindo da constatação de que renovar o teatro implicava, antes de tudo, em criar uma pedagogia teatral sólida, Leopold Sulerjítski, Evguiêni Vakhtângov e Konstantin Stanislávski geraram espaços de experimentação nos quais a pedagogia era concebida como ato criativo, como atividade de invenção de possibilidades de teatro. Utiliza-se nesta pesquisa a análise das trajetórias de Sulerjítski e de Vakhtângov junto aos estúdios como referência para a compreensão do estabelecimento de um entendimento do fazer teatral que antecede e transcende a dimensão do espetáculo / Abstract: This dissertation approaches the experience of the Moscow Art Theatre studios, as one of the pillars of the formation of theatrical tradition in the West, in the Twentieth Century. The studios of the Moscow Art Theatre are part of a movement which characterizes the theatre renovation process of the beginning of the Twentieth Century, that is, the detachment from the main stream production, in order to re-build both acting and directing from their basis. Based on the notion that any theatre renewing would imply in the creation of a solid theatrical pedagogy, Leopold Sulerjítski, Evguiêni Vakhtângov and Konstantin Stanislávski created spaces for experimentation, in which such a pedagogy was conceived as acts of creation, as the invention of possibilities in theatre. Thus, this research presents the analysis of Sulerjítski's and Vakhtângov's trajectory in the MAT studios and offers new elements for the understanding of theatre practices which precede and transcend theatrical performances / Mestrado / Mestre em Artes