Studying the diverse, experimental, and unconventional work—particularly poetry—of Canadian writer bpNichol requires a better understanding of the material characteristics he used to give his writing unique significance. Nichol’s poems call for a plurality of new analytical methods, since traditional editorial and critical approaches often overlook the importance of materiality. This thesis presents three different approaches to critically considering Nichol’s work and highlighting its material aspects: comparing Nichol’s poetry to Dada aesthetics, examining multiple versions of individual poems using genetic criticism, and looking at the changes and similarities between print and digital material characteristics from the even wider perspective of media archaeology. Additionally, the benefits of a digital edition are argued in relation to all three editorial approaches, as digital presentation augments the focus on the materiality that is so integral to reading Nichol.

When examining the art, actions, and writings of Zurich Dadaists it becomes apparent that there is an affinity with Eastern thought, namely Taoism and Zen Buddhism. It cannot be said that Eastern thought directly influenced the artistic production of these Dadaists. However, the philosophy of Dada artists in Zurich mirrors that of Taoism and Zen so strongly that this connection cannot be ignored, although the Western art historical cannon has done just that. Exploring this connection offers a new perspective of Zurich Dada and encourages a reconsideration of the commonly applied label of nihilism to this group of Dadaists.

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Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal. / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Beim ersten Teil der Studie handelt es sich um eine Exposition der Symboltheorie Nelson Goodmans, deren Rezeption in der kognitivistischen Analyse der modernen Kunst an Bedeutung gewinnt. Goodmans ÄsthetikKonzeption geht von der philosophischen Problemstellung und vom Beschreiben und Lösen der Ästhetik als Erkenntnistheorie aus, deren kognitive Potentiale auf dem nominalistisch ausgerichteten Standpunkt vor dem Hintergrund seiner Symboltheorie dargestellt werden. Hauptthemen seiner philosophischen Untersuchungen sind die Revision der induktiven Logik und die Theorie der Welterzeugung an vorherrschenden Weltordnungen und pluralistischen Weltauffassungen. Insbesondere wird Goodmans Versuch „Kunstauffassung als ein Symbolsystem“ auf der Basis unserer erkenntnistheoretischen Aktivitäten seinem ästhetischen Anspruch „Erzeugung der Welten durch Kunstwerke“ gerecht, wobei Symbolsysteme ohne Weltbezüge, keineswegs aber Weltbezüge ohne Symbolsysteme behauptet werden. Ziel im zweiten Teil soll der Versuch sein, den abweichenden Sprachgebrauch der Dadaisten zu erläutern und als einen Kunstfaktor hinsichtlich seiner dargebotenen Metapher und ihrer ironischen Züge zu legitimieren. Die Dada-Nonsensprodukte kreieren sich aus skandalösen Vorstellungen von der (literarischen) Kunst, vor allem mit ihrem propagierten Unsinn zu einem signifikanten Bestandteil der Kunst. Der ambivalente Ausdruck „Unsinn“ muss nicht buchstäblich als „unsinnig“ aufgefasst werden; bewusst pocht der Unsinn auf den dadaistischen Status und will sich damit von anderer Kunst absetzen. Für dadaistische Kunstauffassungen gibt es zwei Grundannahmen: Entweder soll Kunst nur anhand des bloß Dargebotenen begriffen werden, unabhängig von allen Begleitumständen, oder, ganz im Gegenteil, Kunst könne nur aus den jeweiligen kontextuellen Gegebenheiten heraus verstanden werden, deren kognitives Potential sie dann wäre. Bei DadaProdukten wird deutlich, dass sie außerhalb ihrer textuell, bildlich oder aktionistisch dargestellten kognitiven Faktoren Bezug nehmen. Unter Bezugnahme auf die Autorität des Dadaismus gerät diese Gestaltung zum Ausbruchsversuch aus herrschenden Denk- und Rezeptionsmustern. So ist der Dada-Nonsens auch als eine Überwindung konventioneller Normierungen zu verstehen, die einen festen Bestandteil jeder Exemplifikation bildet. / The first part of the study is an exposition of the Nelson Goodman’s symbol theory, whose reception in the cognitivistic analysis of the modern art has gained importance. Goodman’s aesthetics conception proceeds with the philosophical problem presentation and from description and release of the aesthetics as an epistemology, whose cognitive potentials on the nominalistic aligned point of view in the context of its symbol theory are represented. Main topics of its philosophical researches are the revision of the inductive logic and the theory of the worldmaking at prevailing world orders and plural views of world. In particular Goodman’s attempt "view of art as a symbol-system" on the basis of our epistemological activities its aesthetic requirement "construction of the worlds by works of art" becomes fairly, whereby symbol-systems without world relations are not maintained by any means, however world relations without symbol-systems. A goal in the second part should be the attempt of describing and of legitimizing as an art factor, regarding its act metaphor and its ironical courses, the deviating linguistic usage of the Dadaists. The products of Dada create themselves from scandalous conceptions of the art, particularly with its publicised nonsense to a significant component of the (literary) art. The ambivalent expression "nonsense" does not have to be understood literally as "nonsensical"; consciously nonsense pounds on the dadaistic status and wants to set off thereby from other art. For dadaistic views of art there are two basic assumptions: Either art is to be understood only on the basis, only the act, independently of all attendant circumstances, or, completely the opposite, art can be understood only from the respective contextual conditions, whose cognitive potential would be it then. With products of Dada, it becomes clear that they can’t be taken out of their textually, pictorially or actionisticly represented cognitive factors. Referring to the authority of the Dadaism this arrangement turns out to the attempt to break through from dominant thinking- and reception-samples. So the Dada-nonsense is to be understood also as an overcoming of conventional standardisations that makes a firm component of each exemplification.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Issu de Dada et du surréalisme, le groupe Panique, constitué de Fernando Arrabal, Roland Topor et Alejandro Jodorowsky, est créé en 1962. L’évolution de la pratique artistique de Jodorowsky de 1962 à 2016 est riche d’enseignements sur la performance théâtrale et l’interaction entre le théâtre et le cinéma. Nous suivons le constat que fait Joseph Danan dans Entre théâtre et performance: la question du texte qu’à un « état d’esprit dramaturgique » évoqué par Bernard Dort a succédé un « état d’esprit performatif » sur la scène contemporaine. L’œuvre de Jodorowsky est traversée par cet « état d’esprit performatif », de ses « éphémères paniques » qu’il réalise entre 1962 et 1967, à son « théâtre panique » puis son « théâtre essentiel », à son cinéma. L’analyse des éphémères, proches temporellement et essentiellement des premières performances historiques, permet de faire ressortir les caractéristiques de la performance qui peuvent passer dans d’autres formes artistiques. Avant la présentation d’une performance se noue implicitement un pacte entre les performeurs et les spectateurs. Ce « pacte performatif », correspondant aux attentes et aux croyances du spectateur de performance, repose sur trois points : l’implication de l’artiste lui-même dans son œuvre, l’unicité de la performance et la réalisation d’actes réels. Notre étude permet de voir comment ces trois points, tout en s’adaptant à l’art dans lequel ils sont apportés, constituent le noyau de l’ « état d’esprit performatif » qui parcourt l’ensemble de l’œuvre de Jodorowsky. / Deriving from Dada and surrealism, the Panic group, made up of Fernando Arrabal, Roland Topor and Alejandro Jodorowsky, was created in 1962. The evolution of Jodorowsky's artistic practice from 1962 to 2016 is rich in teachings on theatrical performance and the interaction between theatre and cinema. We agree with the observation made by Joseph Danan in Entre théâtre et performance: la question du texte that from a "dramaturgical state of mind" evoked by Bernard Dort has succeeded a "performative state of mind" on the contemporary scene. Jodorowsky's work is crossed by this "performative state of mind", from his "panic ephemera" that he realised between 1962 and 1967, to his "panic theatre" and his "essential theatre" and his cinema. The analysis of the ephemera, temporally and essentially close of the first historical performances, makes it possible to highlight the characteristics of the performance which can pass in other artistic forms. Before the presentation of a performance is implicitly a pact between the performers and the spectators. This "performance pact", corresponding to the expectations and beliefs of the performance spectator, is based on three points: the involvement of the artist himself in his work, the uniqueness of the performance and the realization of real acts. With our study we are able to see how these three points, while adapting to the art in which they are brought, constitute the core of the "performative state of mind" that runs through the whole of Jodorowsky's work.

This thesis examines three photomontages by Berlin Dada artist Hannah Höch, The Beautiful Girl (1919-20), an untitled work from 1920, and Dada-Tanz (1922). It discusses how Höch used photomontage to fulfill the Dada mission of incorporating chaos into art as an expressive means of commenting on the sociopolitical climate of Germany post-World War I. These three photomontages specifically reveal Höch's concerns for female individuality in an environment of gender inequality during this early modern era.

La poète et artiste anglo-américaine Mina Loy (1882-1966) resta longtemps une figure marginale dans le canon moderniste. Adoptant une double approche poéticienne et culturelle, cette thèse étudie son esthétique hybride qui crée toujours une tension irrésolue entre des éléments disparates. Bien qu’influencée par le symbolisme, le décadentisme, le futurisme, l’imagisme, le dadaïsme et le surréalisme, Loy ne s’inscrit complètement dans aucun de ces mouvements, introduisant une tension entre plusieurs modernismes par ce changement constant de paradigme esthétique. On peut comprendre le projet artistique de Loy comme un atlas des turbulents phénomènes artistiques de son temps, qui trace des itinéraires entre des esthétiques disparates, voire opposées, cartographiant une constellation moderniste en pleine formation. La notion de constellation s’avère ainsi particulièrement fructueuse pour penser à la fois les dialogues artistiques modernistes et la dynamique formelle du poème en vers libre. En outre, on peut aborder l’oscillation permanente de son idiome entre le futur et le passé, l’avant-garde et l’obsolète, par le prisme de l’« image dialectique » définie par Walter Benjamin: « Une image [...] est ce en quoi l’Autrefois rencontre le Maintenant dans un éclair pour former une constellation ». L’oeuvre de Loy cherche à développer un « idiome météorique », qui reste brièvement en orbite autour d’une constellation artistique et s’approprie son esthétique pour rebondir ensuite dans une direction différente. L’enjeu de ce travail est d’explorer la dynamique de cette errance géographique, culturelle et artistique en quête d’une voix poétique hybride et polyphonique, qui résonne dans des cadres esthétiques multiples. / For a long time, the Anglo-American poet and artist Mina Loy remained marginal to the modernist canon.Adopting a twofold poetic and cultural approach, this dissertation focuses on her hybrid aesthetics whichcreates an unresolved tension between disparate elements. Although influenced by Symbolism,Decadence, Futurism, Imagism, Dada, and Surrealism, Loy’s work fully fits in none of these movements,introducing a tension between different modernisms through a constant shift of the aesthetic paradigm.One can understand Loy’s artistic project as an atlas of the turbulent artistic phenomena of her time,which traces itineraries between disparate and even opposed aesthetics, mapping a modernist constellationin the making. The notion of constellation thus becomes particularly far-reaching in thinking both aboutthe modernist artistic dialogues and about the formal dynamics of the free verse poem. The permanentoscillation of Loy’s idiom between the future and the past, the avant-garde and the obsolete, may betackled through Walter Benjamin’s definition of the “dialectical image”: “image is that wherein what hasbeen comes together in a flash with the now to form a constellation.” Loy’s oeuvre works towarddeveloping a “meteoric idiom,” which briefly revolves around each constellation before bouncing off in adifferent direction, introducing an ironic relativity between different loci, forms, and programs ofmodernist activity. This dissertation focuses on the dynamic of this roaming through modernist forms insearch of a unique, “polyharmonic” poetic voice which would resonate within multiple aestheticframeworks.

<p>This paper examines Hannah Höchs photomontage <em>Schnitt mit dem Küchenmesser Dada durch die letzte weimaren bierbauchkulturepoche Deutschlands</em>. The paper has as its aims to understand and analyze the predominated allegorical interpretation of <em>Schnitt</em> and to develop a logic how meaning is produced when a viewer look at <em>Schnitts</em> surface. The paper finds that the predominated interpretation has been arbitrarily created out of a specific spectator that acts in a specific context and conclude instead that the predominated interpretation should be understood as a potential interpretation by a potential viewer. The paper continues to create an understanding of <em>Schnitt</em> as a flatbed picture to establish that as a postulate and to use it in the later semiotic dissection of <em>Schnitts</em> surface. The paper then semiotically explains how a viewers meaning is produced by creating a chain with <em>Schnitts</em> photographical fragments and connecting these with syntagmatic relations.</p>