Submitted by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-06-26T21:24:14Z No. of bitstreams: 1 Delson de Matos Gomes.pdf: 7369181 bytes, checksum: a0be819a7249d5744de820fa848ec67d (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-06-30T23:33:56Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Delson de Matos Gomes.pdf: 7369181 bytes, checksum: a0be819a7249d5744de820fa848ec67d (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-07-01T00:26:35Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Delson de Matos Gomes.pdf: 7369181 bytes, checksum: a0be819a7249d5744de820fa848ec67d (MD5) / Made available in DSpace on 2017-07-01T00:26:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Delson de Matos Gomes.pdf: 7369181 bytes, checksum: a0be819a7249d5744de820fa848ec67d (MD5) Previous issue date: 2016-09-15 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / When put side by side, the western movies directed by Sergio Leone and Clint Eastwood both have similarities and differences in their construction (montage), in which Leone influences the American director about using the cinematographic silence to create different climates and sensations. The silence on the cinematographic field has great semantic value and dramatic potential to be explored and when it is combined with the western genre, it shows through characteristic sounds and images from this genre. The present research aims to identify and discuss the occasions in which the different types of silence occur in the western movies from the directors previously mentioned and observe the similarities and the differences of those constructions and uses by the filmmakers. In the present analysis, the following works by Sergio Leone were used: A Fistful of Dollars (1964), For a Few Dollars More (1965), The Good, the Bad and the Ugly (1966) and, Once Upon a Time in the West (1968), in which three of them Clint Eastwood acted under direct influence from the Italian director, in his way of acting as a form of performing the genre as a director. The following analyzed works by Clint Eastwood were: High Plains Drifter (1973), The Outlaw Josey Wales (1976), Pale Rider (1985), and Unforgiven (1992). / Quando comparados, os Westerns dos diretores Sergio Leone e Clint Eastwood possuem similaridades e diferenças em suas construções (montagens) nas quais Leone influencia o diretor americano na utilização do silêncio cinematográfico para a produção de diferentes atmosferas e sensações. O silêncio no cinema possui grande riqueza semântica e potencial dramático a ser explorado e quando inserido no Western, é manifestado através de sons e imagens que são característicos da narrativa do gênero. O objetivo desta pesquisa é identificar e discutir as manifestações e construções dos diferentes silêncios nos Westerns dos diretores e observar as similaridades e diferenças dessas construções e utilizações entre os cineastas. Para esta análise, os filmes do diretor Sergio Leone utilizados foram: Por um Punhado de Dólares (1964), Por uns Dólares a Mais (1965), Três Homens em Conflito (1966) e Era uma Vez no Oeste (1968) nos quais Clint Eastwood atuou nos três primeiros e sofre influência direta do diretor italiano em seu modo de interpretar e realizar o gênero enquanto diretor. E os filmes analisados do diretor Clint Eastwood foram: O Estranho sem Nome (1973), Josey Wales - O Fora da Lei (1976), O Cavaleiro Solitário (1985) e Os Imperdoáveis (1992).

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:59:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 119028.pdf: 2062674 bytes, checksum: 8704998ad9f90fd9431686429d7b7d2e (MD5) Previous issue date: 2014-03-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / From a question present in Brazilian cinema history, about who is the "Brazilian people", the survey identified that the "who" was "where". That is, it needs to think of the space where is the Brazilian who it wants to talk. So, the film expand the territory of his characters. Through the elements of the cinematic image, it creates a space where characters are inserted that answer the question "who" is the Brazilian people. Thus, we approach the documentaries that take place in landfills, namely: Boca de Lixo (1992), Estamira (2005) and Lixo Extraoridinário (2010). They are the "trilogy" in Brazilian cinema about a territory that has its end expected in Brazil. / A partir de uma questão presente na história do cinema brasileiro, sobre quem é o povo brasileiro , a pesquisa identificou que o quem estava onde . Ou seja, é preciso abordar o espaço onde se encontra o brasileiro de quem se quer falar. O cinema, então, territorializa seus personagens. Através dos elementos da imagem cinematográfica, cria-se um espaço onde são inseridos personagens que respondem à questão quem é o povo brasileiro. Assim, abordamos os documentários que se passam nos lixões, a saber: Boca de Lixo (1992), Estamira (2005) e Lixo Extraordinário (2010). São eles que edificam uma trilogia no cinema brasileiro sobre um território que tem sua extinção prevista no Brasil.

Made available in DSpace on 2014-12-17T14:20:32Z (GMT). No. of bitstreams: 1 CristinaSF_TESE.pdf: 2605520 bytes, checksum: d9ce69b5b8d10f4d603e310b65d8a8c8 (MD5) Previous issue date: 2014-05-05 / Coordena??o de Aperfei?oamento de Pessoal de N?vel Superior / No contexto de p?s-independ?ncia dos pa?ses da regi?o norte ocidental do continente africano e do posicionamento cr?tico e discursivo dos sujeitos frente ?s imagens euroc?ntricas que culminou com a constitui??o das cinematografias africanas, destaca-se a obra do realizador Moustapha Alassane. Com uma pr?tica voltada para uma concep??o particular das imagens em movimento, o autor nigerino reconstr?i o trajeto do encanto pela imagem ? magia do movimento, criando sua lanterna m?gica, animando figuras e impress?es de seu cotidiano, a partir do simples tra?o do desenho ? modelagem e cria??o de marionetes tridimensionais. Um discurso que se faz gesto pela bricolagem de elementos que est?o a seu alcance. E o gesto ir?nico do realizador transforma o cen?rio de um vilarejo no interior do N?ger em um filme de faroeste, uma oportunidade para se apropriar do mito que ? associado ao da cria??o do cinema no Ocidente. Este trabalho toma como refer?ncia os estudos de autores da di?spora, da cr?tica p?s-colonial e de te?ricos africanos. Dessa forma analiso a obra cinematogr?fica e a trajet?ria f?lmica do realizador nigerino pela via de acesso da chegada das cinematografias africanas ao Brasil, levando em conta o car?ter transnacional dos processos sociais contempor?neos, (re)aproximando-nos do continente africano e da reflex?o de combate ao racismo como um sistema-mundo

Made available in DSpace on 2015-05-30T02:03:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000469812-Texto+Completo-0.pdf: 1435631 bytes, checksum: 835fd715774e0f06fe8658771d319fd3 (MD5) Previous issue date: 2015 / This dissertation aims to investigate the relationship between image, narrative and the political throughout the subjectivity. In this way, a film analysis are developed based on the political-affective aspects of the characters of the films Rio, Zona Norte (1957) and Boca de Ouro (1962) by the director Nelson Pereira dos Santos . The political is treated in cinema from the perspective of Alain Badiou (2004), due to the fact that the characters manifest themselves politically in forms of resistance of dominations of their affections. With this assumption, it is aimed to reflect on how the characters Espírito and Boca de Ouro produce political-affective involvements in their daily lives. For that, a theoretical framework is composed especially by Jacques Rancière (2012), Sigfried Kracauer (2001) e Gilles Deleuze (1985). The analysis show that the political-affective of the characters is formed through fields of force produced by image-narrative interaction. In other words, in one way the image reveals forms of resistance, and the narrative reveals subjections, in another hand the narrative produces senses of resistance and the image reveals stabilization in forms of affective transformation of the characters. / Esta dissertação propõe-se a investigar as relações entre imagem, narrativa e o político por meio da subjetividade. Desse modo, são realizadas análises fílmicas dos aspectos político-afetivos em personagens dos filmes Rio, Zona Norte (1957) e Boca de Ouro (1962), do diretor Nelson Pereira dos Santos. O político é tratado no cinema na perspectiva de Alain Badiou (2004), para quem os personagens manifestam-se politicamente nas formas de resistência às dominações de seus afetos. Com esse pressuposto, procura-se refletir como os personagens Espírito e Boca de Ouro produzem envolvimentos político-afetivos em seus cotidianos. Para isso, mobiliza-se um quadro teórico composto especialmente por Jacques Rancière (2012), Sigfried Kracauer (2001) e Gilles Deleuze (1985). As análises mostram que o político-afetivo dos personagens é formado através de campos de forças produzidos pela relação imagem-afeto-narrativa. Ou seja, ora a imagem revela formas de resistência, e a narrativa, sujeições, ora a narração produz sentidos de resistência e a imagem revela estabilizações nas formas de transformação afetiva dos personagens.

Orientador: Marcelo Magalhães Bulhões / Banca: Arlindo Rebechi Junior / Banca: Sheila Schvarzman / Resumo: Esta dissertação tem como foco a discussão do problema da adaptação do texto literário para o meio audiovisual, tendo como ponto de partida o estudo de duas obras cinematográficas: Lúcio Flávio, o Passageiro da Agonia e Pixote, a Lei do Mais fraco, ambos dirigidos por Hector Babenco. Os dois filmes são frutos de adaptações dos romances-reportagem Lúcio Flávio e Infância dos Mortos de José Louzeiro. Assim, interessa-nos também investigar e identificar as marcas dos elementos jornalísticos que caracterizam a obra literária de Louzeiro, e localizá-los no cinema de Babenco; interessa fundamentalmente esse trânsito entre reportagem e literatura, que daria origem aos romances-reportagem de Louzeiro, e entre a literatura e o cinema de Babenco. Cabe aqui compreender os diversos aspectos que caracterizam o processo de adaptação literária para o audiovisual, através das obras citadas / Abstract: This dissertation focuses on the discussion of the problem of the adaptation of the literacy text to the audiovisual medium, taking as its starting point the study of two films: Lúcio Flávio, Passenger of Agony and Pixote, the Law of the Weakest, both directed by Hector Barbenco. Two films are the result of adaptation of novels-report Lúcio Flávio and Childhood of the Dead by José Louzeiro. Thus, we are interested in also investigate and identify the brands of journalistic elements that characterized the literacy work Louzeiro, and locate them in Babenco movies; interest fundamentally transit between this report and literature that would give rise to novels, reportage Louzeiro, and between literature and cinema Babenco. Is should understand the various aspects that characterize the process of literacy adaptation for audiovisual, through the works cited / Mestre

Orientador: Maria Clara Bonetti Paro / Banca: Adalberto Luis Vicente / Banca: José Garcez Ghirardi / Resumo: James Joyce configura-se como um dos autores mais importantes do século vinte, e suas técnicas inovadoras influenciaram diversos escritores e artistas por gerações. Contudo, apesar de seu evidente prestígio no campo literário e cultural, pouco são os trabalhos versando sobre suas adaptações para o cinema. A intenção do presente estudo é de analisar os implícitos sexuais marcados no conto Os Mortos de James Joyce e sua representação na adaptação cinematográfica de John Huston, de 1987. Será levado em conta, como abordagem teórica, as questões levantadas por Seymour Chatman e David Bordwell a respeito das relações existentes entre literatura e cinema, tais quais o narrador literário e cinematográfico. Segundo Chatman essas questões são de essencial importância para o estudo das relações entre os dois meios, porque possibilitam uma abordagem não baseada no biografismo. Também serão levados em consideração os trabalhos de Linda Hutcheon (Theory of adapatation, 2006) e de Robert Stam (Literature and film: a guide to the theory and practice of film adaptation, 2005) acerca da teoria da adaptação, teoria desenvolvida ao longo dos últimos trabalhos desses autores. O estudo, considerando tais argumentos, examinará um possível significado dessas relações sexuais implícitas no conto e em sua adaptação. Os Mortos compõe o último conto da coletânia intitulada Dubliners, de James Joyce, publicada em 1914 / Abstract: James Joyce is one of the most important twentieth century authors, and his cutting edge techniques influenced many authors and artists from his and subsequent generations. However, in spite of his prominent prestige on literary and cultural grounds, few works study the adaptation of his texts to cinema. The objective of this study is to analyze implicit sexual relations in Joyce's The Dead and in its representation in John Huston's cinematographic adaptation, 1987. This work will consider, as theoretical approach, the issues raised by Seymour Chatman and David Bordwell about the relation between literature and films, such as the literary and the cinematographic narrator. According to Chatman (1990) this questions are fundamental for this type of study due to the fact that they allow an approach not based on pure author's biography. This study will also take into account Linda Hutcheon's Theory of adaptation (2006) and Robert Stam's Literature and film: a guide to the theory and practice of film adaptation (2005) about the theory of adaptation, theory developed throughout these two author's last works In addition to that, this study will consider one way of regarding these implicit sexual relations in the short story and in its adaptation to the cinema. The Dead is the last short story from the collection entitled Dubliners, by James Joyce, 1914 / Mestre

Orientador: Hélio Rebello Cardoso Junior / Banca: Carlos Alberto Sampaio Barbosa / Banca: Carla Miucci Ferraresi de Barros / Resumo: Na presente dissertação buscamos abordar as práticas desenvolvidas pelo Clube de Cinema de Assis de 1960 a 1983. Mais precisamente, seus projetos político-culturais e sua relação com o movimento cineclubista, bem como com o campo cinematográfico. Para tanto, buscamos analisar as configurações históricas e estéticas que possibilitaram a emergência do olhar cinematográfico e a formação dos espaços de sociabilidade dedicados ao cinema que, inseridos no campo da cultura e da arte, não estiveram isentos de disputas de interesses. Os cineclubes surgem no início do século XX, emergindo no processo de legitimação cultural do cinema, tendo como especificidade a organização do público em torno da imagem cinematográfica. O que em seu início foi um movimento restrito, a partir de 1950 irá se multiplicar e se organizar em instituições representativas de seus interesses, tendo como principais atividades a divulgação, pesquisa e debate do cinema e seus desdobramentos sociais e políticos. É dentro dessa rede de saberes e fazeres cinematográficos que localizamos a trajetória do Clube de Cinema de Assis. Surgido no meio universitário e pensando o cinema enquanto manifestação cultural, o Clube de Cinema inaugurou uma nova forma de recepção na cidade de Assis. Trata-se de um projeto de formação e democratização da cultura cinematográfica que a partir da década de 1970 agregou o engajamento político. Propomo-nos, assim, compreender a trajetória do Clube de Cinema de Assis dentro da instituição da... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / In this dissertation we seek to approach the practices carried out by Assis Film Society from 1960 to 1983. More precisely, its political-cultural projects and their relationship with the film society movement, as much as with the cinematographic field. To do so, we tried to analyze the historical and aesthetic configurations which enabled the development of a cinematographic point of view and the formation of sociability spaces oriented towards the cinema that, being part of the field of culture and art, were not free from disputes of interest. The film societies appear in the beginning of the 20th century, arising from the process of cultural legitimation of the cinema, having as its specificity the public organization around the cinematographic image. What was in the beginning a limited movement, it will, from 1950, multiply and organized itself in institutions representative of its interests, having as their chief activities the propagation of, the research about and the debate over the cinema and its political and social consequences. It is in this network of knowledges and practices that we locate the Assis Film Society. Originated in the University and considering the cinema a cultural manifestation, the Film Sociey inaugurated a new way of reception in Assis town: a project of formation and democratization of cinematographic culture which, from the 1970s, had the accretion of political engagement. Thus we set out to understand the trajectory of Assis Film Society... (Complete abstract electronic access below) / Mestre

Orientador: Gilberto Figueiredo Martins / Banca: Solange Ramos de Andrade / Banca: Luciana Brito / Banca: Luiz Roberto Velloso Cairo / Banca: Paulo César Andrade da Silva / Resumo: A pesquisa tem por objetivo geral investigar como se dá a constituição e representação da identidade do sujeito feminino, no texto literário Minha vida de menina (1942), de Helena Morley e, ainda, sua respectiva adaptação para o cinema, Vida de menina (2004), dirigida por Helena Solberg. O estudo divide-se em partes distintas: a) fortuna crítica do diário; b) leitura e análise interpretativa de Minha vida de menina (Diário de Helena Morley); c) leitura e análise da obra fílmica, fortuna crítica da produção da diretora de cinema; d) leitura comparativa do corpus delimitado e reflexão crítica sobre as diferentes modalidades artísticas, considerando a especificidade de cada obra; e) realização de entrevista com a cineasta e John Spangler. A partir de conceitos da teoria da literatura e de estudos voltados para a adaptação, propomos uma análise do diário e do filme com o intuito de observarmos a construção da personagem feminina, já que o diário teve sua gênese no final do século XIX e foi publicado em 1942. Já no início do século XXI, Solberg realiza a adaptação para o cinema dos relatos da menina mineira. Ambas apresentam um contexto social, histórico e ideológico da nação brasileira, num período de grandes mudanças políticas, como a libertação dos escravos (1888) e Proclamação da República (1889); por conseguinte, o país iniciava o processo de modernização. Nessa reunião de informações, o diálogo intertextual presente entre o filme e o diário mostra uma personagem emancipada para o tempo em que viveu, pois rompe com costumes, ideias e ações, distanciando-se... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This study has as its general objective to investigate how the identity of the female character is constituted and represented, in the literary text "Minha vida de menina" (1942), by Helena Morley and also its respective adaptation to the movies "Vida de menina" (2004), directed by Helena Solberg. This study is divided in distinct parts: a) the critical fortune of the diary; b) the reading and interpretative analysis of "Minha vida de menina" (The Diary of Helena Morley); c) the reading and the analysis of the filmic work, the critical fortune of the production of the movie director; d) the comparative reading of the delimited corpus and the critical reflection on the different artistic modalities, taking into consideration the specificity of each work; e) the interview with the filmmaker Vera Brant. Starting from the concepts of the theory of the literature and of the studies turned to the adaptation, we propose an analysis of the diary and of the movie with the intention of observing the female character construction, since the diary had its genesis in the end of the 19th century and was published in 1942. In the beginning of the 21st century, Solberg concluded the adaptation for the movies of the "mineira" girl's reports. Both present a social context, historical and ideological of the Brazilian nation, in a period of great political changes, such as the Abolition of the Slavery (1888) and the... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

Made available in DSpace on 2014-04-12T02:01:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000456857-Texto+Completo-0.pdf: 6282176 bytes, checksum: 8e1fe2667a1b6e8da5e0f7d2e4f3c4d6 (MD5) Previous issue date: 2014 / This dissertation discusses the work of art direction focusing on its contribution to the construction of the cinematographic character. It has as the corpus the presentation sequences of the characters Lígia, Kika and Wellington at the movie Mango yellow (Amarelo manga, Cláudio Assis, 2003, Brazil). It treats the participation of the art direction in the process of transposing the character - written and described – and its universe to the cinematographic image. It presents the art direction as the responsible for the conception of materiality needed to establish the visuality of the character and its environments. It also points to the importance of select and strategically relate the visual information contained in its work elements to provide indicative evidence that will help to reveal various aspects of the character. / A presente dissertação aborda o trabalho da direção de arte enfocando sua contribuição na construção do personagem cinematográfico. Tem como corpus as cenas de apresentação dos personagens Lígia, Kika e Wellington do filme Amarelo manga (Cláudio Assis, 2003, Brasil). Trata da participação da direção de arte no processo de transposição do personagem, escrito e descrito, e de seu universo para a imagem cinematográfica. Apresenta a direção de arte como responsável pela concepção da materialidade necessária para estabelecer a visualidade do personagem e de seu entorno. Assinala a importância de selecionar e relacionar estrategicamente as informações visuais contidas em seus elementos de trabalho a fim de proporcionar indícios que contribuirão para revelar vários aspectos do personagem.

Made available in DSpace on 2014-12-05T01:01:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000463309-Texto+Completo-0.pdf: 12023338 bytes, checksum: b1ee008c4bb65e64a698bf0fc2fd1a7f (MD5) Previous issue date: 2014 / Esta tesis tiene como objetivo estudiar el rostro y su relación con el cine en la búsqueda de construcción de significados. Con el uso de la técnica del primer plano, está impregnada de cuestiones relacionadas com procedimientos y códigos particulares dentro de la linguagem cinematográfica, así como el problema del sufrimiento en el mundo contemporáneo. En el desarrollo del tema, consideramos importante diseñar una estructura que permitiera el elucidamento de lo que consideramos el" rostro cinematográfico", que establece como un fenómeno fundamental que motiva este estudio: el rostro, en un desarrollo que se acumula en el interior de lo que entendemos por cine. Para ello, organizamos la tesis inicialmente con la aproximación al concepto del rostro, su presencia en el contemporáneo y su relación con el sufrimiento. También tratamos de desarrollar las relaciones entre las imágenes del rostro, y sus marcos, además de tratar el concepto de fisonomía. Posteriormente, nos dispusimos a aclarar el concepto y su estrecha relación com el rostro, su historia y las técnicas. También desarrollamos las relaciones con el cine hoy en día, tenendo como Norte para discutir el sufrimiento. Al final, se convirtió en importante punto presentar un análisis de dos obras seleccionadas:"La escafandra y la mariposa" (EE. UU. / Francia-2007) y "Cisne Negro" (EE. UU., 2010) que permitió una más estrecha y práctica relación con nuestra discusión inicial. Por último, nuestro estudio se ha configurado como una contribución a la discusión sobre las imágenes cinematográficas contemporáneas, que a partir de sus formas revelan la inestabilidad, la mutabilidad y la totalidad de los fenómenos que constituyen el período em que vivimos. spa / A presente tese tem como objetivo principal estudar o rosto e sua relação com o cinema na busca da construção de sentidos. Com o uso da técnica do close- ou primeiro plano, essa relação é perpassada por questões que envolvem procedimentos e códigos particulares no âmbito da linguagem cinematográfica, bem com a problemática do sofrimento na contemporaneidade. No desenvolvimento do tema proposto, consideramos importante a elaboração de uma estrutura que permitisse o elucidamento do que consideramos o “rosto cinematográfico”, que se configura enquanto fenômeno fundamental que motiva este estudo: o rosto, em uma conjunção que se constrói dentro daquilo que entendemos como cinema. Para isso, organizamos a tese trazendo inicialmente a abordagem do conceito de rosto, sua presença na contemporaneidade e sua relação com o sofrimento. Buscamos desenvolver também relações entre imagens do rosto e seus enquadramentos, além de tratar do conceito de fisiognomonia. Posteriormente, partimos para o esclarecimento do conceito de close e sua relação com o rosto, sua história e suas técnicas. Desenvolvemos também relações do rosto com o cinema na contemporaneidade, tendo como norte a discussão do sofrimento. Ao final, tornou-se relevante apresentar uma análise fímica de duas obras selecionadas: “ O Escafandro e a Borboleta” ( EUA/ França- 2007) e “ Cisne Negro” ( EUA, 2010) que permitiram uma aproximação maior e mais prática com nossa discussão inicial. Ao final, nosso estudo configura-se como uma contribuição na discussão sobre as imagens cinematográficas contemporâneas, que a partir de suas formas e usos revelam a instabilidade, a mutabilidade e a globalidade dos fenômenos que integram o período em que vivemos.