Orientador: Fábio Nauras Akhras / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-26T23:59:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Machado_PameladeBortoli_M.pdf: 3196543 bytes, checksum: 4c99bcfffa51629a4c7bf69db461f611 (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: O vídeo documentário é elemento de mobilização e crítica social uma vez que contextualiza os fatos de um problema social, evidenciado pela valorização dos indivíduos que ilustram suas expectativas, dificuldades e ideais. Buscamos enfatizar nesta dissertação com a análise dos documentários Fala Tu (2003) e L.A.P. A. (2007) a ideia de que a música, no caso o rap, pode ser utilizada na inclusão social quando expressada de forma ideológica, pelo diálogo que representa na maior parte dos conflitos integrantes da vida na periferia. E, ao estabelecer a música como prática de uma identidade cultural, a análise de Insurreição Rítmica (2008) explicita como a música promove a mudança social, ao retratar a transformação promovida por organizações sociais em bairros pobres de Salvador. Em paralelo à inclusão social, a questão da empregabilidade é mensurada a partir da inclusão no mercado da música digital, no uso das novas tecnologias disponíveis e que vêm transformando a prática do músico independente, ao substituir o consumismo do CD por arquivos de áudio intercambiáveis. Tal problemática foi explorada pelos documentários Música.BR e Internet (2009), We.Music (2010) e Profissão: Músico (2011), nos quais se pode compreender como os músicos dependentes de geração de renda por intermédio da música sobrevivem à transformação no mercado musical. A dissertação desenvolve-se a partir de teorias acerca das questões que envolvem esse conjunto de documentários, como conceitos de inclusão social e digital, identidade cultural e revolução digital no mercado musical juntamente com a análise dos mesmos. Assim, discute-se como se desenvolve a representatividade deste conjunto de documentários que explora as problemáticas relacionadas à inclusão social e digital fazendo uso da música e evidenciando o uso do audiovisual como fator de conscientização de realidades que expressam essas problemáticas / Abstract: The video documentary is an element of mobilization and social criticism it contextualizes the facts of a social problem, evidenced by the recovery of individuals who illustrate their expectations, difficulties and ideals. We emphasize in the analysis of Fala Tu (2003) and L.A.P.A (2007) the idea that music, if rap, can be used in social inclusion when expressed in ideological form, by the dialogue that represents for the most part conflicts of the periphery. And, as we set the song as practice of a cultural identity, the analysis of Rhythmic Uprising (2008) explains how music promotes social change, portraying the transformation promoted by social organizations in the slums of Salvador. In parallel to social inclusion, the issue of employability is measured to inclusion in the digital music market, by the use of new technologies available that changed the practice of independent musicians, to replace consumerism of CD for audio files. This issue was explored by the documentaries Música.BR and Internet (2009), We.Music (2010) and Occupation: Musician (2011), in which we understand how musicians that depend on the generation of income from the music survive under the transformation of the music business. Therefore in the development of this dissertation we have explored theories about the issues surrounding this set of documentaries, as concepts of social and digital inclusion, cultural identity and digital revolution in the music business, along with the analysis. Thus, we discuss how the representativeness of this set of documentaries develops exploring the issues related to social inclusion and to the use of digital music, highlighting the use of the audiovisual as a way of raising awareness about realities expressing these problems / Mestrado / Multimeios / Mestra em Multimeios

Cette thèse porte sur les documentaires qui, en Espagne, se situent à mi-chemin entre l’engagement militant et le désengagement politique. Notre recherche s’est orientée vers des films minoritaires susceptibles de prendre le contrepied des représentations timides des problématiques sociales, autrement dit d’en proposer une lecture politique. Ces productions, en s’approchant au plus près du militantisme, interrogent le discours et l’action des pouvoirs en place (politiques et économiques) et en même temps donnent à voir des alternatives, qu’elles appartiennent à un passé lointain ou très récent. Portmán, a la sombra de Roberto (Miguel Martí, 2001), El efecto Iguazú (Pere Joan Ventura, 2002), 200 km. (Discusión14, 2003), La mano invisible (Isadora Guardia, 2004), Veinte años no es nada (Joaquín Jordà, 2004), El astillero (Disculpen las molestias) (Alejandro Zapico, 2007), Flores de luna (Juan Vicente Córdoba, 2009), 15M Libre te quiero (Basilio Martín Patino, 2011), ces films, bien qu’ils partagent de nombreux points communs avec la critique sociale ne se concentrent pas sur des destins individuels, mais sur des projets collectifs. Par ailleurs, ils ne se contentent pas d’un constat, ils exercent une fonction de dénonciation. Leur but étant de transformer la conscience du spectateur, ils agissent. / This thesis is about documentaries which, in Spain, are in a half-way between militant commitment and political disengagement. Our research focused on minority movies likely to take the opposite view of the feeble representations of social problematics, and thus, to propose a political interpretation. These productions, by coming closer to militancy, question the speech and the action of in place authorities (political and economical) and, at the mean time, show alternatives that belong to a distant or very recent past. Portmán, a la sombra de Roberto (Miguel Martí, 2001), El efecto Iguazú (Pere Joan Ventura, 2002), 200 km. (Discusión14, 2003), La mano invisible (Isadora Guardia, 2004), Veinte años no es nada (Joaquín Jordà, 2004), El astillero (Disculpen las molestias) (Alejandro Zapico, 2007), Flores de luna (Juan Vicente Córdoba, 2009), 15M Libre te quiero (Basilio Martín Patino, 2011), although these movies share a lot of things in common with social criticism, they do not focus on individual fates, but rather on collective projects. Moreover, beyond describing facts, they act as whistleblowers in order to modify the viewer’s consciousness.

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[pt] Na nova cena da poética da obsolescência, dentro do campo específico do cinema do found footage de vanguarda contemporânea, um cineasta célebre e laureado nos festivais de cinema tem se colocado frontalmente na trincheira em prol do analógico: Peter Tscherkassky (1958-). Esta tese é escrita no entroncamento fulcral entrea sua biografia, a historiografia e teoria do cinema e as análises fílmicas críticas ad hoc de sua filmografia. A metodologia da tese reflete o pensamento excessivo anti-axiomático de Georges Bataille assim como a ideia da constelação intempestiva de Walter Benjamin. Desse modo criamos uma série de afinidades eletivas que compõe uma rede de autores basilares para a tese, sendo eles: Georges Didi-Huberman, Mark Fisher, Rosalind Krauss, Jacques Derrida, Thomas Elsaesser, Roland Barthes, entre outros. Tscherkassky opera uma transgressão da semelhança conforme das imagens, fazendo vir à tona a parte maldita da historiografia cinematográfica. No lugar de uma ontologia indexical clássica, ele nos faz adentrar no campo da hantologia, na condição estrutural do cinema enquanto espectros. Seu trabalho é uma tentativa genealógica de reencantamento com as imagens do cinema hoje apaziguado pelo controle da teleologia narrativa do cinema comercial e da dominância do regime representativo. / [en] At the intersection between the museum and the movie theater, a number of contemporary artists have been investigating the corporeality of analog images. In this new scene of the poetics of obsolescence, within the specific field of contemporary found footage avant-garde cinema, our object of study, the Austrian Peter Tscherkassky (1958-) occupies a prominent place. The thesis is written at the central injunction of three lines: i - The biography and critical fortune of the director; ii- the dialogue with a classical historiography and film theory; and iiithe ad hoc critical film analysis of his filmography. In an inflection with Georges Bataille s excessive anti-axiomatic and formless thought and, as well, into Walter Benjamin s idea of constellation, we seek to create a series of elective affinities that compose a network of authors that are fundamental to the thesis, namely: George Didi -Huberman, Mark Fisher, Rosalind Krauss, Jacques Derrida, Thomas Elseasser, Roland Barthes, among others. From a genealogical and extemporaneous re-elaboration of the filmic ruin, he operates a transgression of the mimesis and the conform similarity of the images, bringing to light the cursed part of cinematographic historiography. Instead of a classic indexical ontology, Tscherakassky takes us into the field of hauntology, in other words, the structural condition of cinema as specters.His work would be a genealogical attempt of re-enchantment with images of cinema that are today appeased by the control of narrative teleology and the representative regime. We conclude that the filmmaker s extemporaneous and anachronistic cinema are strong responses and symptoms of problematics of the contemporary cinema scene.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ines P Luz.pdf: 2544958 bytes, checksum: 2ca05868a11fb4a8d4906a5c488841b1 (MD5) Previous issue date: 2007-05-14 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The culture of the audiovisual has since 1980 been expanding as a circulating space for a set of old and new creative expressions. This movement promotes significant changes in the practices within the systems of signs and means, originating new formats whose compositions unveil the convergence of languages, regardless of the means which originate them and where they are inserted in. We start out from the hypothesis that the current Brazilian cinema is part of the audiovisual culture dynamics as a productive sphere where the hybridity of techniques and languages is predominant and, as a whole, the movement of feature films is not restricted to movie theater rooms, but rather flows through the space as a net, along with other audiovisual formats. The corpus of the research is formed by a few films made in Brazil between 1994/2004, resulting from the interaction cinema/TV and theater, and our objective was to survey the updating process of those expressions in their language compositions. Our method of analysis originates from the interlacing of the theories of I. Lotman (1996-1969), Jacques Aumont (2003, 2004), Noel Burch (1969), Gilles Deleuze (1990), M. McLuhan (1911-1980) and Umberto Eco (1987). Some of them point to languages as productions that are born from dialectical languages between the technical development and the cultural universe that shelters them, promoting the advances and ruptures of the systems of signs, from the aesthetics perspective and the knowledge production. Our research starts with some films shot by modern moviemakers, Orson Welles and Jean-Luc Godard, where we identify a thinking and a method on language interaction. We see how present they are in some contemporary formats created for the circulation in the TV medium. In the composition assessment of the film language of our corpus, we saw that they recreate the uniqueness of the systems of signs that originate them, mingling visual and audio references while the word is treated as a body where multiple expressions of literature, TV, comics, theater and songs are embedded. When making their sets visible, the films convey the creative process and one of the contemporary culture and thought perceptions, a writing that expands the dialogic thinking of cultural practices. The audiovisual formats configured by TV/cinema media to circulate in the network spaces bring in the pragmatic expression of the language, evidencing its extreme importance for the contemporary culture / A cultura do audiovisual desde 1980, tem se ampliado como espaço de circulação de um conjunto de expressões criativas antigas e novas. Esse movimento promove mudanças significativas nas práticas dentro dos sistemas de signos e meios, originando alguns formatos cujas composições revelam a convergência das linguagens, independente dos meios nos quais elas se originaram e estão inseridas. Partimos da hipótese de que o cinema brasileiro contemporâneo faz parte da dinâmica da cultura do audiovisual como uma esfera produtiva onde a hibridez de técnicas e linguagens é predominante, e no geral, o movimento dos filmes não se reduz às salas de cinema, mas passa pelo espaço em rede, junto com outros formatos audiovisuais. O corpus da pesquisa é constituído por alguns filmes produzidos no Brasil entre 1994/2004, resultados da interação cinema/TV e teatro e o nosso objetivo foi investigar o processo de atualização dessas expressões em suas composições de linguagens. O nosso método de análise tem origem no entrelaçamento de teorias de I. Lotman (1996-1969), Jacques Aumont (2003, 2004) Noel Burch (1969) Gilles Deleuze (1990), M. McLuhan (1980:220) e Umberto Eco (1987). Algumas delas apontam para as linguagens como produções que nascem das relações dialéticas entre o desenvolvimento técnico e o universo cultural que as abriga, promovendo os avanços e rupturas dos sistemas de signos, do ponto de vista estético e de produção de conhecimento. Nossa investigação tem início com alguns filmes dos cineastas modernos, Orson Welles e Jean-Luc Godard, onde localizamos um pensamento e um método sobre a interação de linguagens. Vimos como eles se encontram presentes em alguns formatos contemporâneos criados para circulação no médium TV. Na análise da composição das linguagens dos filmes do nosso corpus, vimos que elas recriam as singularidades dos sistemas de signos que lhes deram origem, misturam referências visuais e de áudio, e a palavra é tratada como um corpo onde se encontram embutidas várias expressões: literatura, TV, história em quadrinhos, teatro e canção. Ao fazer visível o conjunto delas, os filmes comunicam o processo criativo e uma das percepções e pensamento da cultura contemporânea, uma escritura que amplia o pensar dialógico das práticas culturais. Os formatos audiovisuais, configurados pelas mídias TV/cinema para circular nos espaços das redes, trazem a dimensão pragmática da linguagem, evidenciando a sua extrema relevância na cultura contempo

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gabriel Menotti.pdf: 419831 bytes, checksum: ce2c6927b71ac11491ede1ac12489c85 (MD5) Previous issue date: 2007-06-25 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / The subject of this research is film consumption and how it circumscribes the relation between spectator and image. What motivates our investigation is a certain delay in the cinematographic industry: even though film production has been expanded throughout history, benefiting from the new conditions of the image, the same hasn't occurred to film distribution and exhibition. In fact, these two links of the chain have become stiffer within the years, and cannot deal with all the potentials of a filmic work any longer. In the meantime, another circuit for audiovisual consumption has spinned off from the experiences of color music and light show: VJing, the screening of real-time generated, edited or composed video. Free from the constraints of an established industry, VJing is still open to the possibilities of emerging technologies. So, albeit it does not pose itself as a direct alternative to the movie theater, the VJing space (VJ arena) can give us clues about its development. The differences between both circuits become evident in the way by which their respective consumption spaces are organized as media and serve to the construction of meaning. So, in the light of the history of cinematographic screening, our work has the double objective of suggesting prototypes for a future movie theater, more coherent with the conditions of the digital movie, as well as establishing cinema as a paradigm for the study of VJing. In order to do so, we will confront classical theories of cinematographic fruition with the historical development of the screening spaces, having in mind some artistic experiences that insert themselves critically in the movie theater. That way, we aim to create an articulation between the concepts of cinema situation, mobilized virtual gaze and interface, in order to create a basis for the comparison between the conventional movie theater and the place of the VJing, as well as between the dynamics of audiovisual communication presupposed by each space / O objeto dessa pesquisa é o espaço de consumo do filme e a forma como ele circunscreve a relação entre espectador e imagem. O que motiva nossa investigação é um certo descompasso processual da indústria cinematográfica: enquanto a produção do filme se tornou mais complexa e se expandiu ao longo da história, aproveitando-se de novos estatutos da imagem, o mesmo não ocorreu com sua distribuição e exibição. A bem da verdade, essas duas etapas se enrijeceram com o passar dos anos, de modo que já não dão conta de todas as possibilidades de uma obra. Paralelamente, outro circuito de consumo audiovisual tem se desenvolvido a partir das experiências de color music e dos light shows: o VJing, a projeção de vídeo gerado, editado ou composto em tempo real. Livre dos constrangimentos da indústria estabelecida, o VJing ainda se encontra aberto a todas as possibilidades das tecnologias emergentes. Logo, embora não se ofereça como clara alternativa à sala de cinema, o espaço do VJing (VJ arena) pode dar pistas sobre seu desenvolvimento. A diferença entre ambos os circuitos se mostra evidente na forma pela qual seus repectivos espaços de consumo se organizam como mídias e se prestam à construção de sentido. Assim, à luz da história dos espaços de projeção cinematográfica, nosso trabalho tem o duplo objetivo de sugerir protótipos para uma futura sala de exibição, mais coerente com as condições do filme digital, ao mesmo tempo em que estabelece o cinema como paradigma para o estudo do VJing. Para tanto, confrontaremos a teoria clássica da espectação cinematográfica (segundo Metz e Mauerhofer) com o desenvolvimento histórico dos espaços de projeção, tendo em vista algumas experiências que se inserem de maneira crítica na sala de cinema. Com isso, buscaremos criar uma articulação entre os conceitos de situação cinema (Hugo Mauerhofer), olhar virtual mobilizado (Anne Friedberg) e interface (segundo a semiótica de Lev Manovich), de forma a criar bases para a comparação entre a sala de cinema convencional e o lugar do VJing, e as dinâmicas de comunicação audiovisual pressupostas por cada espaço

Esta dissertação propõe investigar o uso da Dublagem e do Diálogo Pós-Sincronizado no mercado brasileiro, além de traçar comparações de seu uso em outros países. O estudo se apoia em três aspectos: definição e ideologias de utilização, técnicas empregadas e panorama histórico de aplicação em produtos audiovisuais. / This thesis proposes to analyses the application of Dubbing and ADR techniques in Brazilian Cinema and Television Market, as well as stablishing comparisons in between applications of the same technique in other countries. The research has three points of view: word definition and ideologies of its application, technical aspects of the practice in Brazil and a historical panorama of Dubbing and ADR uses in Motion Pictures.

In mainstream media and entertainment, holography is often misrepresented as single perspective non-stereoscopic imagery suggesting three-dimensionality. Traditional holographic artists, however, utilize a laser setup to record and reconstruct wavefronts to describe a scene in multi-perspective natural parallax vision ("auto-stereoscopic"). Although these approaches are mutually exclusive in practice, they share a similar goal of staging three-dimensional (3D) imagery for a window-like viewing experience. This thesis presents a non-waveform digital computer approach for recording, reconstructing, and experiencing holographic visualizations in a cinematic context. By recording 3D information from a scene using the structured light method, a custom computer program performs stereoscopic reconstruction in real-time during presentation. Artists and computer users could then use a hardware device, such as the Microsoft Kinect, to explore the holographic cinematic form interactively.

La question étudiée c'est la relation entre l'Etat et les élites intellectuelles. Plus précisément, entre cinéastes et de la politique. Ils sont analysés en prenant en compte l'itinéraire des membres du "groupe" Cinema Novo et les relations sociales pour la mobilisation des ressources, aussi bien la multipositionalité dans les réseaux sociaux. L'itinéraire est interprété sur l'appui du concept de "champ" et de conditions "périphériques" qui limitent le rôle des intellectuels. Le "lien" entre cinemanovistas et de l'Etat se produit dans la mesure de "l'intersection des intérêts." La cartographie des réseaux, en plus de l'enquête bibliographique, suivi de l'analyse des entrevues et des documents recueillis dans les différentes collections. Des questions sont ensuite possession de la relation entre le capital social, les relations et les positions dans les réseaux, la mobilisation des ressources, la reconversion, et l'intersection des intérêts. Pour la saisie de cette question, l'hypothèse de travail est orienté au "succès" politique des cinemanovistas comme dépendant des positions au sein de réseaux, qui ont pris cette forme par le biais de relations conduit à la mobilisation de ressources, ce qui leur a permis d'influencer l'appareil d'Etat. La période d'analyse s'étend entre les années 1961 - dans laquelle apparaît le nom Cinema Novo - et 1974 - que Roberto Farias est conduit à la présidence de Embrafilme. En raison de l'itinéraire des cinemanovistas répétant des caractéristiques d'autres élites brésiliennes qui ont tendance à exercer insertion dans les appareils d'Etat, l'étude est justifiée par la contribution à la recherche sur la reproduction et la variation de ces caractéristiques, ainsi que la mobilisation de ressources, aux "nouvelles" élites ou les groupes qui ont tendance à exercer insertion dans ceux appareils. / O tema estudado são as relações entre Estado e elites intelectuais. Especificamente, as entre cineastas e política. São analisados o itinerário dos integrantes do "grupo" Cinema Novo e relações sociais para mobilização de recursos, possíveis na medida da multiposicionalidade em redes sociais. O itinerário é interpretado tendo como apoio a noção de "campo" e de condições "periféricas" que limitam a atuação dos intelectuais. O "vínculo" entre os cinemanovistas e o Estado dá-se na medida em que se evidencia "interseção de interesses". O mapeamento das redes, além do levantamento bibliográfico, acompanha-se de análise de entrevistas e de documentos obtidos em diferentes acervos. Questiona-se então a relação entre posse de capitais sociais, relações e posições em redes, mobilização de recursos, reconversões e interseção de interesses. Para a apreensão desta problemática, a hipótese de trabalho se orienta ao "sucesso" político dos cinemanovistas como dependente das posições ocupadas no interior de redes, que tomam esta forma por meio de relações acionadas para a mobilização de recursos e que lhes permitiram ter influência junto a aparelhos de Estado. O período prioritário de análise se estende entre os anos de 1961 - em que surge a denominação Cinema Novo - e 1974 - em que é empossado Roberto Farias na presidência da Embrafilme. Em razão de o percurso dos cinemanovistas replicar características de outras elites brasileiras que se inseriram em aparelhos de Estado, o estudo é justificado pela contribuição a investigações sobre a reprodução e a variação dessas características, bem como a dos recursos mobilizáveis, junto a "novas" elites ou agrupamentos que tendem à realização da inserção nesses aparelhos. / The issue studied is the relationship between state and intellectual elites. Specifically, between filmmakers and politics. They are analyzed taking in count the itinerary of members of the "group" Cinema Novo and social relations for mobilization of resources, the extent of multipositionality in social networks. The itinerary is interpreted as taking support the concept of "field" and "peripheral" conditions that limit the role of intellectuals. The "linkage" between cinemanovistas and the State happens in the extent of "intersection of interests." The mapping of networks, in addition to bibliographical survey, follows up for the analysis of interviews and documents obtained in different collections. Questions are then possession of the relationship between social capital, relations and positions in networks, mobilization of resources, reconversion, and intersection of interests. For the seizure of this issue, the hypothesis of work is oriented to the cinemanovistas' political "success" as dependent on positions within networks, which have taken this form through relationships driven to the mobilization of resources, which allowed them to influence the apparatus of state. The period of analysis extends between the years of 1961 - in which appears the name Cinema Novo - and 1974 - that Roberto Farias is conducted to the chair of Embrafilme. Because of the cinemanovistas' itinerary replicates characteristics of other Brazilian elites those operated insertion in apparatus of state, the study is justified by the contribution to research on the reproduction and the variation of these characteristics, as well as the mobilization of resources, found in "new" elites or groups that tend to perform insertion of such apparatus.

Submitted by Ana Albuquerque (paulatalbuquerque@gmail.com) on 2014-09-03T02:15:17Z No. of bitstreams: 1 TESE_ANA PAULA TRINDADE DE ALBUQUERQUE_PPGE-FACED-UFBA.pdf: 5873073 bytes, checksum: 5a08e20b5c94d686e958ead54f6a8ff9 (MD5) / Approved for entry into archive by Maria Auxiliadora da Silva Lopes (silopes@ufba.br) on 2014-09-23T15:34:14Z (GMT) No. of bitstreams: 1 TESE_ANA PAULA TRINDADE DE ALBUQUERQUE_PPGE-FACED-UFBA.pdf: 5873073 bytes, checksum: 5a08e20b5c94d686e958ead54f6a8ff9 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-09-23T15:34:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 TESE_ANA PAULA TRINDADE DE ALBUQUERQUE_PPGE-FACED-UFBA.pdf: 5873073 bytes, checksum: 5a08e20b5c94d686e958ead54f6a8ff9 (MD5) / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico - CNPq / A dinâmica da sociedade contemporânea determina uma produção acelerada de imagens em movimento, postadas, a cada segundo, em sites na internet, trazendo representações de cenas cotidianas das muitas culturas espalhadas pelo mundo. Nos contemporâneos espaços educacionais formais, as tecnologias contemporâneas, nem sempre das mais atualizadas, embora entrem pela porta da frente, não espelham as práticas pedagógicas, nem as culturas que compõem os espaços das salas de aula. Essa marcada contradição, nas práticas educacionais, motivou o presente estudo, o qual objetivou um traçado de perspectivas para uma educação pautada no audiovisual, visando ampliar as discussões acerca das relações entre cinema documentário e Educação, considerando a linguagem cinematográfica e seus significados no espaço educativo. Nessa esteira, algumas questões se apresentaram: Como se processou a construção histórica do cinema educativo, principalmente no Brasil? Por que o cinema ainda não entrou, de fato, na escola, se implicando nas metodologias dos processos de ensino aprendizagem? Quais são os códigos da linguagem do filme documentário? Quais os discursos impregnados nos filmes documentários? Qual o diálogo estabelecido entre o espectador e o filme documentário? Por que transformar a leitura e escrita do filme documentário, nos espaços educacionais, em movimentos de aprendizagem e de pesquisa? A metodologia, inspirada no próprio objeto de estudo, o cinema documentário, escolha determinada por ter como mote a vida e seus espetáculos cotidianos, adequado para os constantes diálogos com os espaço educacionais, referendou-se no Contra o método de Paul Feyerabend , em estudos sobre o discurso, na voz, principalmente, de Fernandes (2007) e Orlandi (2005), na análise fílmica, na voz de Jacques Aumont e Michel Marie (2011); Goliot-Lété e Francis Vanoye (2010) e na dialogia proposta por Bakhtin. Configurada a pesquisa como bibliográfica e histórica, o texto investiu em: apresentar entendimento acerca das relações do cinema nos espaços educativos; explicitar a gramática fílmica, entendendo sua importância para uma melhor leitura audiovisual; apresentar leitura e escrita de imagens em movimento, dialogando com a teoria. Disso resulta a compreensão de que o cinema documentário pode povoar os espaços educacionais, dinamizando processos educativos, a favor dos estudantes, sempre. / ABSTRACT: The dynamics of contemporary society determines an accelerated production of motion pictures, posted, all time, on websites, bringing depictions of daily scenes of many cultures around the world. In contemporary formal educational spaces, contemporary technologies are not always the most current, while entering by the front door, do not reflect the pedagogical practices or cultures that make up the spaces of classrooms. This marked contradiction in educational practices motivated the present study, which aimed to tracing prospects for a guided education in audiovisual, aiming to expand the discussion about the relationship between documentary filmmaking and education, considering the cinematic language and its meanings in the educational space. On this track, some issues are presented: How sued the historical construction of educational cinema, especially in Brazil? Why the movie is not indeed in the school yet, implying itself the methodologies of teaching learning? What are the the language’s codes of documentary film? Which discourses are impregnated in documentary films? What dialogue have between the viewer and the documentary film? How transform the reading and writing of the documentary film in educational spaces for learning and research movement? The methodology, inspired in the very object of study, the documentary film, was chosen as a motto for having life and its everyday spectacles suitable for constant dialogue with the educational space and is endorsed in Against Method by Paul Feyerabend, in discuss studies, mainly in the voice of Fernandes (2007) and Orlandi (2005), in film analysis through the voice of Jacques Michel Aumont and Marie (2011); Goliot-Lété Vanoye and Francis (2010) and in the dialogism proposed by Bakhtin. The research was been configured as a bibliographical and historical one, the text itself has invested in: present understanding of the relationship of cinema in educational spaces; explain the movie grammar, understanding its importance for better audiovisual reading; introduce reading and writing of images in motion, talking with theory. This leads to the realization that documentary filmmaking can enter school, streamlining educational processes for students forever.