The cult of sensibility in the eighteenth century celebrates delicate emotional responses. Such susceptibility to emotion, however, has to rely on somatic representations such as sighs, tears, convulsion, and faints. So, paradoxically, interiority is known to others only by outer bodily signs, signs that could just as easily reflect an affectation of sensibility as sensibility proper. The attempt to control the slippage in the reference between interiority and appearance becomes an anxious cultural feature of eighteenth-century men and, especially, women, of the higher classes. If sensibility requires such careful control and practice, its assumed spontaneity becomes a fiction. The performing body of sensibility turns into a screen that veils one¡¦s true interiority rather than a transparent reflection of it. The performing body is theatricalized¡X placed on the stage as a spectacle, examined by spectators. Sensibility falls prey to insincere, artificial, and affected performances. Emotional representations are constantly facing inroads of theatricality. When emotional expressions are rendered formulaic and reproducible, they lose their naturalness. Moreover, sensibility requires witnesses, spectators who can vouch for its authenticity (but never validate it beyond all doubt). Sensibility cannot proclaim itself because such proclamation would violate sensibility¡¦s principle of sheer sincerity and spontaneity. Theatricality, as an abstracted concept of theater, points both to the formulaic performances and to the model of spectator and spectacle in the theater. Sensibility is closely related to theatricality in these terms. This thesis aims to reveal the dynamics of the interplay between theatricality and sensibility in two eighteenth-century British novels. Both novels present a young heroine making her debut in the world after spending her formative years in seclusion with a male guardian. The Introduction reviews the eighteenth-century cult of sensibility. Chapter One discusses the theoretical and contextual relations between theatricality and sensibility. Chapter Two deals with Charlotte Lennox¡¦s novel The Female Quixote (1752), and how the heroine¡¦s sensibility is ridiculed as a form of self-theatricalization. Lennox gives the clash between sensibility and ridicule a generic dimension by blaming romance for the heroine¡¦s delusions. Chapter Three examines Frances Burney¡¦s epistolary novel Evelina (1778) and argues that the heroine¡¦s sensibility is both sealed and revealed in Burney¡¦s epistolary form since it enables Evelina to switch between being both spectator and spectacle. The conclusion briefly sums up the previous chapters and points out how, more generally, interpretations of literature can benefit from a recognition of the dynamics of theatricality and sensibility.

[pt] Nosso trabalho buscou apresentar a concepção de juízo na obra de Hannah Arendt, cuja compreensão se apoia em uma livre interpretação do juízo reflexionante estético de Kant. As razões pelas quais Arendt teria se voltado para o tema refletem sua preocupação com o obscurecimento do mundo, cuja pluralidade esteve visivelmente ameaçada com o advento do totalitarismo. Para a pensadora, os acontecimentos sem precedentes decorrentes do totalitarismo fazem parte de um contexto em que a ausência de reflexão e uma consequente inabilidade para julgar o que se passava fizeram do século XX um dos mais sombrios períodos da história da humanidade. A faculdade do juízo reflexionante estético, capaz de refletir sobre o particular sem que exista um universal dado, foi pensada por Arendt em um contexto político, e suas características apontam para a necessidade de compreender sem corrimãos os assuntos mundanos que se apresentam na contemporaneidade. Poderíamos considerar uma teoria do juízo arendtiana apenas de um modo fragmentado, uma vez que esse foi um projeto de uma pesquisa teórica que não foi realizado integralmente por ela, e do qual temos um quebra-cabeça a ser montado. Suas peças podem ser resgatadas desde os seus primeiros ensaios, quando a ação política era o seu leit motif intelectual. Posteriormente, a partir do julgamento de Eichmann, quando ao cunhar a expressão banalidade do mal ela própria se tornou exemplar em seu juízo reflexionante. Julgar prospectivamente com uma mentalidade alargada ou retrospectivamente com desinteresse são, pois, lados possíveis da mesma moeda: o juízo de gosto, cujo resgate Arendt se esforçou em trazer à luz. Tal juízo possui as características da comunicabilidade e intersubjetividade que possibilitam a existência do mundo, entendido como o espaço entre homens e espaço de visibilidade do pensamento reflexivo. Por essa razão, a atividade de julgar assim compreendida é a única faculdade espiritual do homem capaz de estabelecer o horizonte da pluralidade. / [en] Our work intended to present the notion of judgment in the writings of Hannah Arendt, whose comprehension supports itself on a free interpretation of Kantian aesthetic reflective judgment. The reasons why Arendt would have turned herself to the theme reflect her concern about the darkening of the world, whose plurality had been visibly threatened by the advent of totalitarianism. For philosopher, the unprecedented events that came from totalitarianism are part of a context in which the lack of deliberation and a subsequent inability to judge what was happening made the 20th century one of the darkest periods of human history. Arendt studied the faculty of aesthetic reflective judgment, capable of deliberating about the particular without a given universal, in a political context, and its characteristics point to the necessity of comprehending without handrails the mundane topics that present themselves on contemporaneity. We are able to consider only a fragmented Arendtian theory of judgment, since this was a research project not done solely by herself, and of which we have a whole puzzle to assemble. The pieces of this puzzle can be found beginning on her first essays, when the political action was her intellectual leit motif. Later, from Eichmann s judgment on, when she became an example on her own reflective judgment after coining the expression banality of evil. Judging prospectively with an enlarged mentality or retrospectively with disinterest are, then, two possible sides of the same coin: the judgment of taste, something Arendt tried to rescue and bring to light. This judgment holds the same characteristics of communicability and intersubjectivity that make possible the existence of the world, understood as the space between men and space of visibility of reflective judgment. For this reason, the activity of judging, comprehended this way, is the only spiritual faculty of men capable of establishing the horizon of plurality.

Esta dissertação teve por objetivo conhecer as perspectivas infantis sobre as crianças que atuam na televisão brasileira. O estudo parte do entendimento de que na contemporaneidade o contato de crianças com diferentes mídias é intenso e que isto, aliado a outras experiências, proporciona a estruturação de modos de ser e estar no mundo. Interessada em aproximar-se desses modos de ser e estar, a pesquisa organizou-se no sentido de travar um contato direto com as crianças espectadoras através da dinâmica dos Grupos de Discussão, numa abordagem de Pesquisa-Intervenção. Além de traçar uma abordagem histórica da televisão no Brasil e da relação desta mídia com as crianças neste país, o trabalho aponta possibilidades de reflexão sobre processos de subjetivação e significação do mundo por parte dos meninos e meninas interlocutores da pesquisa. Noções de recepção, de fama e beleza, de trabalho etc. são discutidas com e a partir do que as crianças formulam e enunciam. Os principais autores que fundamentaram a pesquisa são Mikhail Bakhtin, Lucia Rabello de Castro e Solange Jobim e Souza. / The main goal of this work is to propose an approach and knowledge on childhoods perceptions about childrens performance on television programs. Understanding that to be in the world nowadays it means an inevitable and intense contact with media vehicles, this paper also intends to promote reflections about one of them: the television. In this way, and believing that children are active human beings and that each individual can make his/her own history, this work opts for the Intervention-Research as the methodological way. During the research, children were heard, in Groups of Discussion, and many dialogues were built. Notions about TV reception, fame and beauty, work etc. are discussed from and with the pronunciations of the children which opens a view of the contemporary childhood.

Submitted by EDISON EUGENIO DE MORAES JUNIOR null (edi_eug@hotmail.com) on 2016-08-26T02:45:56Z No. of bitstreams: 1 Dissertação - Edison Eugênio.pdf: 4592905 bytes, checksum: 2415f5226c5275b8c5b27ed038c9512d (MD5) / Approved for entry into archive by Ana Paula Grisoto (grisotoana@reitoria.unesp.br) on 2016-08-29T19:16:51Z (GMT) No. of bitstreams: 1 eugenio_e_me_ia.pdf: 4592905 bytes, checksum: 2415f5226c5275b8c5b27ed038c9512d (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-29T19:16:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 eugenio_e_me_ia.pdf: 4592905 bytes, checksum: 2415f5226c5275b8c5b27ed038c9512d (MD5) Previous issue date: 2016-06-28 / A pesquisa aqui proposta apresenta uma reflexão teórico-crítica acerca da relação entre o espectador e a obra de arte. Situando-se na continuidade dos estudos anteriores, investe-se na experiência pessoal do autor em diálogo com os pensamentos de Marcel Duchamp e Luigi Pareyson. Partindo do pressuposto de que qualquer pessoa que se disponha a ler um trabalho artístico possa vir a ser uma coautora da obra, o estudo se desenvolve por meio de problematizações dos processos de criação no fazer artístico e dos processos de leitura e interpretação da obra de arte em sua recepção,buscando possíveis confluências que possam vir a iluminar a questão do espectador como um coautor do trabalho artístico e, nessa medida, como um espectador-artista. / The research proposed here presents a theorical and critical thinking about the relationship between the viewer and the artwork. Standing in the continuity of the previous studies, is invested in the personal experience of the author in dialogue with the thoughts of Marcel Duchamp and Luigi Pareyson. Through the assumption that anyone who is willing to read a work of art can become a work co-author, the study develops through problematizations of creative processes in art making and reading processes and interpretation of the work of art in its reception, seeking possible confluences that may illuminate the issue of the viewer as a co-author of the artwork, and this case, as a spectator-artist.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 debora.pdf: 8908633 bytes, checksum: ea8c2cb76e89ba606b85759c3a3655df (MD5) Previous issue date: 2007-10-31 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / I suggest the expression Fluid Space as a tool to thinking works that, as installed, incorporate the surrounding space as well as the spectator. Since the late 50's, the realisation of artistic proposals from their specific relations with site is fundamental for the spectator's insertion and experience. The expression was coined from my own and other artists production, who render the art work concrete through the integration of movement, action and use. Using as reference texts from the artists Robert Morris, Richard Serra and Hélio Oiticica, written between 1960 and 1970, a discussion draws close matters concerning a mobile condition, the way the work changes as integrate itself in the exhibitional space. Adding to this condition is the idea of non-intentionallity suggested by the composer John Cage, indeterminacy presented as poetic process, opened to criation and a work component. The living structure, presented by the critic Guy Brett, in which movement is thought as action propellant in the spectator's body also reinforces the idea of the fluidness which arises in participation. In this sense, the space-work arises from the site choice, followed by the activation promoted by the spectator / O termo Espaço Fluido está sendo por mim proposto para pensar obras que, ao serem instaladas, incorporam o espaço de apresentação, bem como o espectador. A realização de propostas artísticas a partir de sua relação específica com o lugar vem se apresentando, desde o final dos anos 50, constituindo-se fundamental para a inserção e a experiência do espectador. A formulação do termo partiu da minha própria produção artística e de outros artistas, que presenciamos a concreção da obra através da integração de movimentos, ações e usos . Tomando como referência textos dos artistas Robert Morris, Richard Serra e Hélio Oiticica, escritos entre os anos 1960 e 1970, abordam-se questões que se aproximam de uma condição de mobilidade, ou seja, a maneira como a obra se modifica ao integrar-se ao espaço expositivo. Acrescida a esta condição há a idéia do não-intencional abordada pelo compositor John Cage, como indeterminação que se apresenta como processo poético, aberto à criação e incorporado à obra. A estrutura viva, apresentada pelo crítico Guy Brett, em que o movimento é pensado como propulsor de ações no corpo do espectador também adere-se e reforça a idéia de fluidez que surge pela participação. Neste sentido, o espaço-obra surgirá a partir da escolha do lugar, seguido da ativação promovida pelo espectado

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 AtilaRibeiroregiani.pdf: 2518398 bytes, checksum: 9c0777c6641e381ddcb213a22e55c281 (MD5) Previous issue date: 2008-12-14 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Esta dissertação se propõe a investigar as relações entre o trompe l'oeil e a algumas experimentações em arte contemporânea. A análise recai sobre as relações travadas entre o espectador e a obra, retomando o duelo entre Zêuxis e Parrásius, o relato de Giotto enganando seu mestre, dentre outros, bem como a relação que algumas obras recentes impõem ao espectador, obras como After Sherrie Levine de Mandiberg, Sleep de Warhol, 300 toneladas de Sierra, etc. Não se trata de um retorno ao ilusionismo pictórico, ou a formulação de novas formas ilusórias. Contrário a esta leitura, mais freqüente do tema, não se entende o trompe l'oeil como o uso de artifícios pictóricos para exacerbar o ilusionismo, mas como um intrincado jogo de relações. Sendo assim, se analisam algumas características do trompe l'oeil para compreender como estas estão presentes em obras contemporâneas. Estas podem ser definidas como a sobreposição de sentidos e superfícies que geram uma dialética colocada atrás na obra e não nos seus elementos internos. Outra característica é a semelhança, sendo esta uma construção que o trompe l'oeil evidencia como tal, ao propor paradoxos imagéticos, que direcionam o olhar para o processo de fruição, pensando-o. Parte-se do espectador para a análise aqui realizada, pois sua crença inabalável de que aquilo que se vê é 'real' ou 'verdadeiro' é um elemento fundamental dessa fruição. Tal crença inabalável que o leva a tentar adentrar a obra relaciona-se, de certo, com a alucinação psíquica. Todavia, diferentemente desta, o trompe l'oeil ocorre a partir da consciência, e não apesar da mesma. Em sua ironia ou em seu agudo pensamento, abala as crenças na realidade como fato contínuo e no real como instância inabalável

Esta dissertação teve por objetivo conhecer as perspectivas infantis sobre as crianças que atuam na televisão brasileira. O estudo parte do entendimento de que na contemporaneidade o contato de crianças com diferentes mídias é intenso e que isto, aliado a outras experiências, proporciona a estruturação de modos de ser e estar no mundo. Interessada em aproximar-se desses modos de ser e estar, a pesquisa organizou-se no sentido de travar um contato direto com as crianças espectadoras através da dinâmica dos Grupos de Discussão, numa abordagem de Pesquisa-Intervenção. Além de traçar uma abordagem histórica da televisão no Brasil e da relação desta mídia com as crianças neste país, o trabalho aponta possibilidades de reflexão sobre processos de subjetivação e significação do mundo por parte dos meninos e meninas interlocutores da pesquisa. Noções de recepção, de fama e beleza, de trabalho etc. são discutidas com e a partir do que as crianças formulam e enunciam. Os principais autores que fundamentaram a pesquisa são Mikhail Bakhtin, Lucia Rabello de Castro e Solange Jobim e Souza. / The main goal of this work is to propose an approach and knowledge on childhoods perceptions about childrens performance on television programs. Understanding that to be in the world nowadays it means an inevitable and intense contact with media vehicles, this paper also intends to promote reflections about one of them: the television. In this way, and believing that children are active human beings and that each individual can make his/her own history, this work opts for the Intervention-Research as the methodological way. During the research, children were heard, in Groups of Discussion, and many dialogues were built. Notions about TV reception, fame and beauty, work etc. are discussed from and with the pronunciations of the children which opens a view of the contemporary childhood.

Partindo da constatação de que a dança contemporânea para crianças vem se tornando uma área expressiva no campo da pesquisa e criação em dança, a presente dissertação busca refletir sobre as singularidades dessa área de atuação da dança cênica. No encontro da dança contemporânea com as crianças, emerge o entrecruzamento de diversas áreas de conhecimento. A partir desses estudos, surge o encontro da leitura feita das referências bibliográficas com a análise de três obras de arte brasileiras que se enquadram no campo da produção em dança para crianças. Foram escolhidas três produções de três companhias de dança que partiram de processos de criação distintos, acreditando que, desta forma, possam ser relevantes para se estabelecer um panorama das produções em dança para crianças atuais no país. As três obras escolhidas foram Dança em Jogo da Balangandança Cia, Poemas Cinéticos da Lagartixa na Janela e Pequena Coleção de Todas as Coisas da Cia Dani Lima. As análises de tais obras assim como a contextualização do fenômeno dança para crianças foram realizadas através de diferentes autores que advém de campos distintos como estudos da infância, produção cultural, arte contemporânea, dança contemporânea, recepção estética, entre outros campos epistemológicos. Manoel de Barros, poeta que exercita ser criança em sua poesia, assim como as crianças que exercitam ser poetas no seu ser criança, também exerceram grande influência nesta pesquisa. Tanto a dança para crianças como a poesia de Manoel de Barros, são línguas de brincar. No caso da dança, o papel do performer é central nessa língua. Sendo um público bastante exigente e sincero, a criança entendida aqui como um ser produtor de culturas e de saberes, precisa se sentir conectada com os adultos em cena, e, para ocorrer conectividade com seu público-alvo, é fundamental a presença de um corpo cênico receptivo. Um estado corporal cênico brincalhão que se apresenta no entrelaçamento, compartilhando com a criança através da expressividade do gesto do adulto memórias e imaginários permitindo que, na atualidade da cena, dança e criança se encontrem numa experiência compartilhada. Através da interface de estudos interdisciplinares, portanto, esta pesquisa pretende trazer contribuições para a dança contemporânea, produção cultural para crianças e estudos da infância. / Given that contemporary dance to children is becoming an expressive area in the research and creation field in dance, this thesis endeavors to reflect the singularities in this area of scenic dance performance. At the meeting between contemporary dance and children emerges the intersecting of several areas of knowledge. From these studies, the reading of bibliographic references meets the analysis of three Brazilian works of art that fits into the field of dance production for children. Three productions from three dance companies that started from different creation processes were chosen by the belief that they can be relevant to establish a panorama of dance productions for the current children in the country. Dança em Jogo from Balangandança Cia, Poemas Cinéticos from Lagartixa na Janela and Pequena Coleção de Todas as Coisas from Cia Dani Lima were the chosen works of art. The analysis of these productions as well as the contextualization of the phenomenon dance for children were carried out from a theoretical frame composed with different authors from distincts fields as studies on childhood, cultural production, contemporary art, contemporary dance, aesthetic reception and other epistemological fields. Manoel de Barros - a poet who exercises being a child in his poetry - and children- who exercises being poet in your being child- also exerted great influence on this research. Both dance for children and Manoel de Barros poetry are languages to play. In the case of dance, the performer role is central in that language. Being a highly demanding and sincere public children, who is consider here a cultural and knowledge producer, needs to feel connected to the adults on the scene and, in order to have this connectivity with their target audience, the presence of a scenic body that is attentive and present, fluid and sensitive is fundamental. A goofy scenic body condition which expresses itself as entanglement and shares memory and imagination with the children through the expressiveness of the adult\'s gesture allows that dance and children meet themselves at the actuality of the scene and in one shared experience. Therefore, this research intends to contribute to contemporary dance, cultural production for children and studies of childhood through the interface of multidisciplinary studies.

Submitted by Cássia Santos (cassia.bcufg@gmail.com) on 2017-09-01T13:15:14Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Luiz Maria Dumont - 2017.pdf: 2441642 bytes, checksum: 5a51b110f6db31d66e66763e13f8b362 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-09-15T13:47:59Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Luiz Maria Dumont - 2017.pdf: 2441642 bytes, checksum: 5a51b110f6db31d66e66763e13f8b362 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-15T13:47:59Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Luiz Maria Dumont - 2017.pdf: 2441642 bytes, checksum: 5a51b110f6db31d66e66763e13f8b362 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2017-08-21 / This research focuses on the recognition of the importance and the need for emphasis on form readers of movies that they can find a common thread to understand the universe. The use of cinema as educational practice significantly facilitates the dialogue between curriculum content and the more general knowledge. The analysis of images and tools used by seventh art contribute to the development of critical understanding of the world and new forms of entertainment and thus the formation of the citizen. From the problematization of the cinema as able to transform the spectator into player and bolstered by theoretical supports Rosalia Duarte, Jacques Aumont and Robert Stam, among others, this research seeks to introduce paths for a pedagogical practice involving the film and school. In addition, presents a significant set of discussions and ideas that allow the formation of the reader, from a phenomenological analysis of tree films by Walter Salles, "Foreign Land" (1995), "Central of Brazil" (1998) and "Behind the Sun" (2001), as well as comment from other directors who influenced the field of film studies, art, culture and aesthetics. This dissertation seeks a response of dimensions that this theme, the cinema, has influenced the formation of the reader, search also the expansion of the concept of reading from a cinematic experience where the Viewer is participatory and recognize the language tags and the knowledge gained throughout their schooling. Search still incorporate the art of cinema to the cultural repertoire of the spectator, increasing, so your potential in a critical and reflective stance in life. / Esta dissertação centra-se no reconhecimento da importância, bem como da necessidade de ênfase em formar leitores de filmes que possam encontrar um fio condutor para compreender o universo cinematográfico. O uso do cinema como prática educativa facilita significativamente o diálogo entre os conteúdos curriculares e os conhecimentos mais gerais. A leitura e análise de imagens e de ferramentas utilizadas pela sétima arte contribuem para o desenvolvimento da compreensão crítica do mundo e das novas formas de entretenimento, proporcionando assim a formação do cidadão. A partir da problematização do cinema como capaz de transformar o espectador em leitor e amparado pelos suportes teóricos de Rosália Duarte, Jacques Aumont e Robert Stam, dentre outros, a presente pesquisa procura apresentar caminhos para uma prática pedagógica que envolva o cinema e a escola. Além disso, apresenta um conjunto significativo de discussões e ideias que possibilitem a formação do leitor, a partir de uma análise fenomenológica de três filmes de Walter Salles, “Terra Estrangeira” (1995), “Central do Brasil” (1998) e “Abril Despedaçado” (2001), além de tecer comentários de outros diretores que o influenciaram no campo da filmografia, da arte, da cultura e da estética. Essa dissertação busca uma resposta das dimensões que esse tema, o cinema, tem influenciado a formação do leitor, busca também a ampliação da concepção de leitura a partir de uma experiência cinematográfica em que o espectador seja participativo e reconheça as marcas de linguagem e os conhecimentos adquiridos ao longo da escolaridade. Busca ainda incorporar a arte do cinema ao repertório cultural do espectador, ampliando, assim, sua potencialidade no exercício de uma postura crítica e reflexiva na vida.

Cette recherche est consacrée à l’évolution de la représentation théâtrale immédiatement contemporaine, à l’aune de mutations induites par un ensemble de croisements interartistiques, intermédiaux et, plus largement, interdisciplinaires. Elle est fondée sur l’analyse d’un corpus de créations mixtes et récentes, qui opèrent un recentrement sur leurs dispositifs, c'est-à-dire un agencement matériel, spatialement installé et multimédiatique. Généralement immersifs, ces derniers provoquent, chez le spectateur, une expérience esthétique individualisée de l’ordre de l’activation physique, de la participation ou de la mise en jeu. Par tropisme langagier, ces créations sont fréquemment désignées comme des "dispositifs", terme qui émerge dès lors que les spécificités théâtrales se voient déplacées, sous l’effet d’hybridations multiples. La thèse s’élabore dans un double mouvement : elle distingue différents usages du "dispositif", dans les discours théâtraux, qui traduisent, à plusieurs niveaux, une mise en tension du dispositif théâtral, alors considéré comme un cadre de référence ; conjointement, la recherche examine ce qui "fait dispositif" au sein de ces pratiques, observant l’articulation entre organisation matérielle et expérience esthétique, au cours de l’évènement. Mêlant étude des discours et approche esthétique, la thèse considère le dispositif sous l’angle d’une dynamique de la variation, et comme le signe d’un repositionnement théorique, focalisé sur enjeux relationnels à l’oeuvre dans ces propositions artistiques. / This Ph.D. dissertation examines the evolution of the theatrical performance – in its most immediately contemporary state – in light of the mutations engendered by a variety of inter-artistic, intermediary and interdisciplinary exchanges. The study is founded on the analysis of a corpus of recent productions that effectuate a conscious re-centering of their own dispositif: namely through establishing a multi-media and spatially-installed material layout. Often immersive, these productions provoke an individualized aesthetic experience in the spectator, materializing in different kinds of physical activation, participation, or direct involvement. By tropism, these creations are frequently designated as "dispositifs", a term that is often applied when the theatrical specificities of a production are displaced, especially after having undergone multiple hybridations. The dissertation proceeds in a double trajectory. First, it distinguishes different uses of "dispositif" in theatrical discourses, which translates on multiple levels into placing the theatrical apparatus under question – much in contrast to theater as a frame of reference. In parallel, the study examines what at the heart of these creative practices actually constructs "dispositif", thus observing the articulation between material organization and aesthetic experience that occurs during the course of the theater event. Mixing the study of discourses and aesthetic approaches, this dissertation considers the dispositif as a dynamic of variation and as the sign of a theoretical repositioning, focusing on the relational positions highlighted in the art work by these different artistic propositions.