[pt] O artista norte-americano Robert Morris é conhecido sobretudo como escultor, mas sua obra abrange uma diversidade de meios, procedimentos e materiais, dentre os quais a dança. Morris esteve diretamente envolvido com grupos de dança entre o final da década de 1950 e meados da década de 1960, período em que participou do que foram talvez os dois mais importantes focos de pesquisa em dança, nos Estados Unidos, para a sua geração: as atividades que se desenvolveram em São Francisco, ao redor da professora e dançarina Ann Halprin, e as atividades que, em Nova York, resultaram da formação do grupo Judson Dance Theater. Nesse período, além de atuar como dançarino em trabalhos de outros artistas, Morris criou um pequeno mas significativo conjunto de trabalhos de dança. A tese toma esse conjunto como base para um estudo da obra do artista e procura vê- la, em grande parte, como desdobramento de experiências e questões surgidas no âmbito da dança, em diálogo com o seu concomitante envolvimento na pintura, no desenho e na escultura. Discutindo alguns dos pontos principais desse diálogo - como o reducionismo minimalista, os procedimentos de tarefa e instruções, a ênfase na temporalidade e na literalidade da ação corporal - e alguns de seus conceitos centrais - como estado de dança, forma vazia e anti-forma - , a tese se propõe a ampliar as possibilidades de análise e compreensão de um momento crucial não só para a formação e o curso subseqüente da obra de Morris, mas também para a constituição do campo ampliado da arte contemporânea. / [en] The North American artist Robert Morris is known mostly as a sculptor, but his work encloses a diversity of means, procedures and materials among which dance. Morris was directly involved with dance groups between the end of the decade of 1950 until mid 1960, period in which he participated in what were maybe the two most important focuses of research in dance, in the United States, for his generation: the activities that were developed in San Francisco related to the professor and dancer Ann Halprin, and activities in New York City resulting from the formation of the group Judson Dance Theater. In this period, aside of acting as dancer in works from other artists, Morris created a small but significant set of dance works. The thesis considers this set as the basis for the study of the artist work and strives to see it, mainly, as a deployment of the experiences and questions arisen in the scope of dance, in dialogue with his concomitant involvement in painting, drawing and sculpture. Discussing some of the main points in this dialogue - as the minimalist reductionism, the procedures of tasks and instructions, the emphasis in the temporality and in the literality of the corporal action - and some of its central concepts - such as dance state, blank form and anti form - the thesis intends to extend the possibilities of analysis and comprehension of a crucial moment not only for the formation and the subsequent course of Morris work but also for the constitution of the expanded field of contemporary art.

[pt] Este trabalho compõe-se de diferentes modos de estruturação textual, acompanhando uma tendência pós-moderna. Através da fabricação de suas memórias pessoais, o autor apresenta e avalia a atuação do CEP 20.000, de que participa como coordenador, desde a fundação, em 1990. A perspectiva crítica é a do observador da cidade, uma espécie de flâneur do panorama cultural, de onde colhe a matéria para sua escrita, produzida em intercâmbio com uma rede de amigos. A primeira pessoa do discurso quer-se propositalmente frágil, empenhada na experiência de deixar-se atravessar por uma pluralidade de vozes e pontos de vista. Ao longo dos capítulos, misturam-se crônicas, desenhos, e-mails, cartas, entrevistas, notícias de jornal, fotografias, poemas, contos e fragmentos de outros textos, inéditos ou já publicados, cuja seleção e articulação foi planejada de modo a dialogar com o discurso acadêmico. Trata-se de uma proposta alternativa de trabalho escritural adequado a uma compreensão ampla da história do presente. / [en] This work is composed by different modes of text framing, according to a postmodern tendency. While weaving his fictionalized memories, the author presents and evaluates the performance of CEP 20.000 which he has helped founding, in 1990, and coordinates till this day. His perspective is that of the spectator of the town life, a kind of flâneur in the cultural scenery, where he gathers up the subjects for his writing produced in interchange with a net of friends. The first person of speech intends to be fragile since it is meant as an experience of textuality intertwined by a plurality of voices and viewpoints. The chapters are built in blocs alternating with a miscellany of chronicles, drawings, e-mails, letters, intervews, news, photographs, poems, short stories and fragments of other types of texts, published or not. The choice and articulation of this material was planned to establish a dialogue with the accademic discourse. The goal of the essay is to propose a writing strategy adequate to a broad understanding of the history of the present.

[pt] O trabalho examina a especificidade das relações culturais e das intermediações sociais instauradas pelas obras de Tony Smith, Frank Stella e Donald Judd, pelos eventos performáticos do Grupo Fluxus, pelas Aktionen de Joseph Beuys, e pela Pop Art de Andy Warhol. O texto é conduzido pela hipótese de que tais poéticas foram fundamentais para uma renovação estatutária da arte, obtida, principalmente, via sucessivas inaugurações de modos inéditos de trocas públicas. Os anos seguintes ao fim da Segunda Guerra Mundial exigiram sérias reavaliações e respondem até hoje pelos mais díspares comportamentos. A seleção pressupõe, em segundo plano, a incidência de um significativo ápice poético estimulado pelas urgências morais. As obras de arte resultantes desse aperto existencial distinguem-se, dentre outras tantas inovações estéticas, por uma extravagante apresentação e uma controvertida índole: fermentaram a contracultura do final da década de 1960, encaminharam os movimentos da seguinte e alimentaram os debates pós-modernistas dos últimos vinte anos. / [en] The present work examines the specificity of the cultural relations and social intermediations established by Tony Smith's, Frank Stella and Donald Judd works, by Fluxus's Grup performatic events, by Joseph Beuys's Aktionen, and by Andy Warhol's Pop Art. The text is driven by the hypothesis that such poetics were fundamental for a statutory renewal of the art, obtained, mainly through successive inaugurations of completely new ways of public exchanges. The following years after the end of the World War II demanded serious revaluations which answers until today to the most disparate behaviors. This present selection of works and authors presupposes, in a second plan, the incidence of a significant poetic apex stimulated by moral urgencies. The resulting works of art of this existential configuration stand out, among other so many aesthetic innovations, by an extravagant presentation and a controverted disposition: they fermented the counterculture of the end of the decade of 1960, guided the movements of the following years and fed the post-modernists debates of the last twenty years.

[pt] A tese é uma análise da obra do escultor americano Richard Serra baseada no contexto cultural de onde surgiu e nos elementos formadores desse mesmo contexto, como a herança puritana da América protestante e os primórdios de sua filosofia. O empirismo de David Hume é compreendido como fundamento para o pragmatismo, que se desenvolve a partir dos ensaios de Ralph Waldo Emerson. Partindo de tal contextualização histórico-filosófica traça as principais características presentes no modo de atuar na América, relacionando-as à obra de Richard Serra. Estuda, o modo objetivo de atuar num sistema de capitalismo avançado, e suas possíveis analogias com o projeto moderno de desierarquização do universo artístico, empreendido pela arte moderna através da chamada externalização da arte. / [en] A critical analysis of the work of American sculptor Richard Serra, based on the cultural context in which it appeared and developed, such as the puritan heritage of protestant America and the beginnings of its philosophy. Empiricism, as the foundation of the American pragmatism, developed after the essays of Ralph Waldo Emerson, is seen through a brief study of David Hume´s Treatise of Human Nature. From this historicphilosophical background it traces the main characteristics of American way of behaving, in order to disclose the possible relations with the work of Richard Serra. The dissertation is centered on the manner by which an objective mode of behavior is crucial to advanced capitalism, and its possible analogies with the modern art project that envisages an art world less submitted to hierarchies. Enterprise made successful through the process of bringing the painting to the picture plane.

[pt] A presente dissertação faz parte da linha de pesquisa Novos Cenários da Escrita e investiga as relações entre corpo e arte contemporânea, propondo aproximações entre uma ideia de espectro e os conceitos devir-imperceptível (cf. Deleuze e Guattari) e infraleve (cf. Marcel Duchamp). Provocada por algumas obras de artistas contemporâneos (Silueta Series, de Ana Mendieta, The Ruins of Detroit, de Marchand e Meffre, a exposição Contemporáneo 30, de Elba Bairon, e Underlie 04, de Marc Atkins), realiza uma leitura das mesmas, atravessada por esses conceitos. / [en] This dissertation is part of the research line New Scenes for Writing and relates body and contemporary art, proposing similarities between a certain idea of spectrum and two concepts: becoming-imperceptible (as in Deleuze and Guattari) and infrathin (as in Marcel Duchamp). Provoked by a few works from contemporary artists (Siluetas Series, by Ana Mendieta, The Ruins of Detroit, by Marchand and Meffre, Contemporáneo 30, by Elba Barion, and Underlie 04, by Mark Atkins), it makes a reading effort of them, crossed by these concepts.

[pt] Esta dissertação propõe algumas leituras transversais sobre as obras Cicatriz de Rosângela Rennó, Diários Públicos, de Leila Danziger e Memórias inventadas em costuras simples de Caroline Valansi. Nessas obras, podemos observar a contundente forma como as artistas se apropriam de fotografias, relatos, fragmentos devida, objetos e memórias de anônimos, construindo narrativas imaginárias que problematizam a separação entre realidade e ficção nas obras de arte. A idéia aqui é analisar a forma como á vida doméstica, os discursos afetivos, as narrativas individuais passam a ser objeto, foco narrativo da arte contemporânea. Pensar em como se dá esse processo de apropriação das histórias dos esquecidos, dos rostos sem nome, dos amores mal amados de amantes desimportantes,da história dos invisíveis e renegados da grande História. Entender de que maneira essas vozes – dos sem voz – são assimiladas, interpretadas, transformadas em registros, documentos, e ocupam na contemporaneidade o lugar da fala e do visível através do fazer artístico. Os trabalhos das artistas aqui tratadas fazem vir à tona (aparecer) imagens apagadas,esquecidas,condenadas à amnésia social,nos espaços artísticos institucionalizados e, por isso, forçam os limites entre arte, vida,política e estética, na medida em que transfiguram, dotando de visibilidade espaços e imagens antes desimportantes e condenados ao apagamento. / [es] Esta tesis propone lecturas tranversales acerca delas obras Cicatriz, de Rosângela Rennó,Diários Públicos,de Leila Danziger, y Memórias inventadas em costuras simples de Caroline Valansi. En dichas obras se puede observar la forma contundente con la quelas artistas apropíanse de fotografías, relatos, fragmentos de vida, objetos y memoria de personas anónimas, construyendo narrativas imaginárias que problematizan la separación entre realidad y ficción en las obras de arte. La ideia es analizar la forma como la vida doméstica, los discursos afectivos, las narrativas individual pasan a ser objeto, foco narrativo del arte contemporáneo. Pensaren cómo se da el proceso de apropiación de las historias de los olvidados, de los rostros sin nombre, de los amores mal amados de amantes no importantes, de la historia de los invisibles y renegados dela grande Historia. Entender de qué manera esas vozes – de los sin voz – son asimiladas, interpretadas, transformadas en registros, documentos, y ocupan en la contemporaneidade el lugar del habla y del visible através de lhacer artístico. Los trabajos de las artistas aquí tratadas sacan a la superficie (hacen aparecer) imágenes apagadas, olvidadas, condenadas a una amnesia social, en los espacios artísticos institucionalizados y, por consiguiente, fuerzan los límites entre arte, vida, política y estética, en la medida en que transfiguran, proveyendo de visibilidade espacios e imágenes antes no importantes e condenados al apagamiento.

[pt] Figura-chave da chamada arte conceitual, o artista norte-americano Dan Graham iniciou sua trajetória artística em meados da década de 1960 muito por acaso. Convidado por amigos, tornou-se sócio da John Daniels, galeria em Nova York bastante ativa, mas de vida breve. Falido, viu-se obrigado a retornar à casa de seus pais em Nova Jersey. Durante a viagem de trem, pôde observar a nova cidade. Dessa experiência surgiu Homes for America, notório ensaio fotográfico sobre as habitações em massa dos subúrbios norte-americanos, que integra um primeiro conjunto de trabalhos do artista destinados a revistas. Algum tempo depois, Graham ingressou na Nova Scotia College of Art and Design, Halifax, dando início a um período em que seu interesse se volta para o vídeo, a performance e a instalação, interrompido por Public Space/Two Audiences, trabalho realizado para a Bienal de Veneza de 1976 que impõe ao artista uma autocrítica. A despeito de seu êxito, Graham reconhece que a instalação se aproximara em demasia do conceito de cubo branco. Como saída para o impasse, adotou a ideia de plano da cidade, passando a propor projetos de intervenção urbana até iniciar, no começo dos anos 80, seus pavilhões. Levando em conta a obra de Graham, ampla e diversa em seus meios, a tese é monografia que tem por objetivo realizar um estudo analítico sobre a prática do artista, definida, a meu ver, nos termos de um modelo crítico-conceitualista. / [en] Key figure of the so-called conceptual art, the North American artist Dan Graham began his artistic career in the mid-1960s quite by chance. Invited by friends, he became a partner of the John Daniels, a gallery in New York very active, but short-lived. Bankrupt, he was forced to return to his parents home in New Jersey. During the train ride, Graham can saw the new city. From this experience came Homes for America, notorious photographic essay on mass tract housing of North American suburbs, which is part of a first set of works for magazines. A while later, Graham joined the Nova Scotia College of Art and Design, Halifax, starting a period in which your interest turns to video, performance and installation, interrupted by Public Space/Two Audiences, work done for the Venice Biennale in 1976 that impose the artist self-criticism. Despite its success, Graham recognizes that the installation was near of the concept of the white cube. As out of the impasse, he adopts the idea of city plan, going to propose urban interventions projects, starting in the early 80s their pavilions. Considering Graham s work, broad and diverse in its mediums, the thesis is a monograph that aims to carry out an analytical study of the practice of the artist, defined, in our view, in terms of a critical-conceptualist model.

[pt] A tese tem como tema uma reflexão ampla sobre o incêndio ocorrido em 1978 no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Ela parte da premissa de que o incêndio que destruiu quase a totalidade do acervo poderia se configurar como um marco simbólico da ruptura do projeto moderno que teria o MAM como um de seus eixos. Ao longo do texto, discorre-se sobre o modelo de modernidade almejado pelo MAM, para então elaborar e analisar as possibilidades de fratura referentes a esse modelo. Na sua estrutura, a tese constrói uma rede de articulações em torno da situação de ruína que o incêndio materializa, passando por questões culturais e sociais caras ao Brasil e ao mundo na segunda metade da década de 1970. Para tal, optou-se por dividir a tese em três blocos: O que queima, a parte do fogo e as cinzas. O primeiro bloco elenca as questões referentes ao projeto moderno, a ideia de museu moderno enquanto construção de memória de futuro, e as condições de ruptura a esse projeto, situada a partir de autores como Octavio Paz, Artur Danto e Jean-François Lyotard. O segundo bloco discute projetos que refletem a mudança de perspectiva que estava em curso. Dentre eles, as propostas trazidas por Mario Pedrosa para a reconstrução do MAM, o museu pós-moderno de Frederico Morais, e o museu impresso das revistas Malasartes e A Parte do Fogo. Por fim, o terceiro bloco elabora as questões de um arquivo que, por ter se tornado ruína, precisaria ser reinventado. Nessa parte a ficção surge como estratégia conceitual para conduzir a narrativa e preencher algumas lacunas. Documentos reais são trazidos à tona por personagens como um curador-cego, um arquivista-distraído e um artista arquivista, discutindo a mudança no regime de visualidade que configuraria a passagem do moderno ao contemporâneo. Seguindo essa deriva entre ficção e realidade, os artistas Cildo Meireles, Tunga e Artur Barrio têm suas obras analisadas a partir de aspectos que se descolam de um apelo retiniano. O texto, ao mesmo tempo que discute novos regimes de produção de imagem, estabelece um paralelo entre esses artistas e a história do Museu de Arte Moderna do Rio. Ao final, conclui-se que a mudança de perspectiva do moderno ao contemporâneo não poderia ser isolada por um único evento, no entanto, ao reforçar uma ruptura que estava em curso, o incêndio do MAM poderia ser considerado um marco simbólico dessa passagem. / [en] The thesis has as its theme a broad reflection on the fire that occurred in 1978, at the Museum of Modern Art of Rio de Janeiro. It is based on the assumption that the fire, which destroyed almost its entire collection, could be a symbolic milestone of the rupture of the modern project that would have MAM as one of its bases. The modernity model sought by MAM is discussed throughout the text, in order to formulate and analyze the possibilities of fracture regarding this model. In its structure, the thesis builds a network of articulations around the condition of ruin that the fire materializes, addressing cultural and social issues that were dear to Brazil and the world in the second half of the 1970s. For this purpose, the thesis was divided into three blocks: What burns, the work of fire and the ashes. The first block lists the issues related to the modern project, the idea of a modern museum as a construction of memory of the future, and the conditions of this project s rupture, based on authors such as Octavio Paz, Artur Danto and Jean-François Lyotard. The second block discusses projects that reflect the change in perspective that was underway. Among them, the proposals brought by Mario Pedrosa for MAM s reconstruction, the postmodern museum of Frederico Morais, and the printed museum of the Malasartes and A Parte do Fogo magazines. Lastly, the third block raises the issues of an archive that, as it was ruined, would need to be reinvented. In this part, fiction emerges as a conceptual strategy to guide the narrative and fill in certain gaps. Real documents are brought to the fore by characters such as a blind curator, a distracted archivist and an archivist artist, discussing the change in the visuality regime that would shape the transition from modern to contemporary. Following this drift between fiction and reality, artists Cildo Meireles, Tunga and Artur Barrio have their works analyzed based on aspects that are detached from a retinal appeal. The text, while discussing new image production regimes, establishes a parallel between these artists and the history of the Museum of Modern Art of Rio. In the end, it is established that the change in perspective from modern to contemporary could not be isolated by a single event, however, by reinforcing an ongoing rupture, the MAM fire could be considered a symbolic milestone of this event.

[pt] A artista suíça-brasileira Mira Schendel (Zurique 1919 – São Paulo 1988) chegou ao Brasil no pós-guerra, em 1949, e aqui começou a pintar. A um raciocínio visual rigoroso acrescentou potência imaginativa e desenvolveu uma poética da formalização abstrata. Embora mantivesse vínculos inegáveis com os demais movimentos artísticos da segunda metade do século XX, criou uma linguagem plástica própria. O objetivo desta dissertação é investigar as escolhas formais e as preocupações expressivas de Mira Schendel a partir de um número limitado, porém representativo, de trabalhos, buscando apreender a singularidade das questões artísticas e plásticas implícitas nessas obras particulares. / [en] The swiss-brazilian artist Mira Schendel (Zurich 1919 – São Paulo 1988) arrived in Brazil in the postwar period, in 1949, and here she started to paint. To a rigorous visual reasoning she added a fertile imagination and developed an abstract formalization language. Although the undeniable bonds of her work with the diferent artistic movements of the twentieth century, the artist created a plastic language of her own. My intention is to investigate Mira Schendel s formal choices and expressive concerns present in a limited, however representative, number of works, searching to apprehend the singularity of these artistic and plastic questions implicit in these particular works.

[pt] Jan Fabre no Louvre: Um percurso intempestivo pela História da Arte é um estudo sobre a exposição solo do artista belga Jan Fabre realizada no Museu do Louvre no primeiro semestre de 2008. A dissertação pretende analisar não apenas as obras de Jan Fabre que foram expostas na ocasião, mas também a relação destas obras com aquelas do acervo permanente do Louvre com a qual a exposição de Fabre divide o espaço: a pintura setentrional europeia dos séculos XV ao XVII. Além disso, a presente pesquisa faz uma tentativa de analisar a política do Louvre em favor da arte contemporânea, a noção de curadoria implicada neste programa e algumas questões sobre a história da arte que a exposição propõe. / [en] Jan Fabre at the Louvre: An Intempestive Course Through Art History is a study on the Belgian artist s Jan Fabre solo exhibition that took place at the Louvre Museum in the first semester of 2008. This dissertation intends to analyze not only Jan Fabre s works exposed in the occasion, but also the relationship of these works with those of the permanent collection of the Louvre with which the exhibition of Fabre shares the space: Northern European Painting of the 15th to the 17th centuries. Besides, this research attempts to analyze the politics of the Louvre in favor of contemporary art, the notion of curatorship implicated in this agenda and some questions on Art History proposed by the exhibition.