[pt] Da proposição ao gesto: diálogos sobre Primeira Pedra de Matheus Rocha Pitta pretende, a partir de uma análise profunda acerca de Primeira Pedra (2015) de Matheus Rocha Pitta, articular as múltiplas camadas de entendimento solicitadas pela obra, bem como investigar as dinâmicas que envolvem a sua montagem e exibição. Ao se debruçar na pesquisa desta instalação escultórica, um estudo não-cronológico, porém demasiadamente atento à trajetória do artista em evidência, ocorre como um efeito de causa e consequência. No entanto, para além de um estudo sobre o artista, o aprofundamento acerca da obra permite-nos traçar diálogos acerca de assuntos relevantes para a produção artística contemporânea, uma vez que não só Primeira Pedra, como também outros trabalhos do artista, esbarram em conceitos chave para a História da Arte: somos conduzidos de modo espontâneo para uma reflexão crítica sobre autoria, reprodutibilidade, valoração e participação. Esta parece ser, senão, uma das qualidades de Rocha Pitta: a de fornecer conteúdos tão urgentes para o tempo atual de maneira sútil, estimulando o espectador a elaborar formulações críticas para assuntos do cotidiano, disponibilizados pelo artista através de um gesto. Nesse ponto, entende-se que além de uma noção atualizada sobre o estatuto do espectador, a proposta elaborada por Rocha Pitta em Primeira Pedra - que implica uma transação de uma escultura assinada e datada por uma pedra ordinária - desperta também uma suspensão da ideia tradicional de escultura. À vista disso, esta pesquisa aponta e elabora sobre as categorias elucidadas pela obra em questão, considerando suas remontagens em instituições de diversas naturezas, articulando–a não somente com outras obras do artista, mas também com outros artistas que de alguma forma se entrelaçam ao caminhar de Matheus Rocha Pitta. / [en] From proposition to gesture: dialogues about Primeira Pedra by Matheus Rocha Pitta aims, through a deep analysis about Primeira Pedra (2015) by Matheus Rocha Pitta, to articulate the multiple layers of understanding requested by the work, as well as to investigate the dynamics that involve its assembly and exhibition. The current investigation, although non-chronological, takes into consideration the artist s repertoire, which enables a deep analysis on the main object of this study. However, beyond being a study of the artist, this research allows us to outline dialogues on relevant subjects for contemporary artistic production, since not only Primeira Pedra, but also other works by the artist, gather key concepts for the History of Art: we are spontaneously led to a critical reflection on authorship, reproducibility, valuation and participation. This seems to be one of Rocha Pitta s qualities: providing urgent content for nowadays in a subtle manner, stimulating the spectator to elaborate critical interpretations of everyday matters, made available by the artist through a gesture. At this point, it is understood that in addition to an updated notion of the status of the spectator, the proposal for Primeira Pedra - which implies a transaction of a sculpture signed and dated by an ordinary stone - also suspends the traditional idea of sculpture. In light of this, this research points out and elaborates on the categories elucidated by the work in question, considering its reassemblies in institutions of different natures, articulating it not only with Rocha Pitta s productions, but also with other artists works, which somehow intertwined with Matheus Rocha Pitta s trajectory.

[pt] O título parte de um termo de Rodrigo Naves sobre a obra do artista Nelson Felix em sua maneira de articular elementos naturais e procura o relacionar, como parte e continuidade de artistas contemporâneos — e especificamente de elaboração mental em substituição da composição tradicional — com a corrente de pensamento das ciências sociais e naturais que teoriza o chamado Antropoceno. Sua obra é tida aqui como foco por trabalhar de modo mais direto (e indireto ao mesmo tempo) com materiais do mundo dito natural e social/cultural em diversas escalas de tempo e por manter ainda assim dimensões subjetivas, inacessíveis e indeterminadas de significado. Algumas noções recentes relacionadas ao Antropoceno por Dipesh Chakrabarty, Bruno Latour e Donna Haraway, e outras sobre a modernidade e a história da arte por Hannah Arendt e Erwin Panofsky, entre outros, são colocadas antes de olharmos para um conjunto de obras do artista. Nesta ordem, procura-se perceber as relações possíveis na arte contemporânea brasileira com tais conceitos debatidos hoje na urgente discussão sobre essa nova época geológica. / [en] The title comes form a term used by Rodrigo Naves about the art work Nelson Felix and seeks to relate it as a part and continuity of contemporary artists — and specifically of mental elaboration that tries to replace the traditional composition — with the current Line of thought from the social and natural sciences that theorizes the socalled Anthropocene. His work is taken as a subject here because it works more directly (and at the same time indirect) with the materials from the natural and social / cultural world, in addition to maintaining inaccessible and indeterminate dimensions of meaning. In this way, some recents notions about the Anthropoce articulated by Dipesh Chakrabarty, Bruno Latour and Donna Haraway with others about the modernity from Hannah Arendt, Erwin Panofsky, among others are placed together before looking to a group of works by the artist. This way we seek to understand the possible relations in Brazilian contemporary art with such urgent concepts debated today in the discussion about this new geological epoch.

[pt] Deslocar-se no horizonte impossível propõe múltiplas articulações em torno da questão da estrangeiridade. A narrativa Durante a construção da Muralha da China, de Franz Kafka, oferece o modelo estrutural, em que, a partir de blocos erguidos e dispostos num fluxo de viagem, são compostas zonas de vizinhança heterogêneas. Em 2007, Biño Sauitzvy, artista nascido no sul do Brasil, que havia migrado para a França quatro anos antes, retornava para apresentações de seus dois trabalhos mais recentes, H to H e La Divina. São produções intersecionais, entre a dança-teatro e a performance, em que um jovem diretor de teatro regressa como performer, coreógrafo e bailarino. No contato da narradora da tese com esse corpo novo se dá o encontro com o estrangeiro que se revela ali. É ele o meio disparador deste trabalho. O estrangeiro se apresenta nas relações corpo-gênero-sexo, em discussões em torno do eixo linguagem-língua-escrita-silêncio, em desdobramentos sociais, e em diferentes aparições de fronteiras e suas fissuras. Essa situação se impõe na escrita e é discutida no cruzamento entre trabalhos de arte (performance, dança-teatro, artes plásticas e literatura), pensamento teórico e experiência fabuladora. Busca-se assim a elaboração de uma escrita no caminho aberto pela pesquisadora e escritora americana Maggie Nelson, isto é, o de uma autoteoria — gênero que desenvolve a partir de modos de escrita presentes em obras de Roland Barthes, Susan Sontag e de Paul B. Preciado. É a partir desses textos e espaços que se desenvolve uma escrita em movimento, atravessada, por fim, pela estratégia fragmentária do escritor Jean Genet em Diário de um ladrão e Um cativo apaixonado, produzindo uma tese em que vida, memória, viagem e escrita se percorrem mutuamente. / [en] Moving into the impossible horizon proposes multiple articulations around the issue of foreignness. The narrative During the construction of the Wall of China, by Franz Kafka, offers the structural model, in which, heterogeneous zones of similarities are composed from blocks erected and arranged in a flux of journey. In 2007, Biño Sauitzvy, an artist born in southern Brazil, who had migrated to France four years earlier, returned to give presentations of his two most recent works, H to H and La Divina. They are inter-sectional productions, between dance-theater and performance, in which a young theater director returns as a performer, choreographer and dancer. In the contact of the narrator of the thesis with this new body occurs the encounter with the foreigner that reveals itself there. He is the trigger for this work. The foreigner presents himself in the body-gender-sex relations, in discussions around the language-language-writing-silence axis, in social unfoldings, and in different appearances of frontiers and their fissures. This situation imposes itself in the writing and is discussed in the intersection between works of art (performance, dance-theater, plastic arts and literature), theoretical thinking and the fabling experience. It seeks to elaborate a writing on the path opened by the American researcher and writer Maggie Nelson, that is, of self-theory - a genre that develops from the writing modes present in works by Roland Barthes, Susan Sontag and Paul B Precious. It is from these texts and spaces that a writing in movement is developed, crossed, finally, by the fragmentary strategy of the writer Jean Genet in Diary of a thief and A passionate captive, producing a thesis in which life, memory, travel and writing cross (trespass) each other.

[pt] A presente pesquisa objetiva iluminar a participação do livro dentro de um recorte específico da arte contemporânea, na expectativa de talvez ali encontrá-lo como organismo vivo, inacabado, não restrito às habituais representações – neste campo que busca não raro descontruir o lugar das representações e provocá-las com impermanências. Observamos o livro sob a proposição de apresentar-se ali como coisa, elemento material descansado do signo social e literário, produzindo obstáculos conceituais. Partindo da distinção objeto e coisa, a tese sugere haver ainda na contemporaneidade uma relação possível entre materiais, experiência e não-automatismo, ainda que estejamos constantemente envolvidos por um univer-so bastante amplo e onipresente dos signos. Investe, por isso, em atuações não naturalizadas do livro, nas quais os significados se apresentam transitórios e flutuantes - nunca permanentes, nunca antes -, estando em movimento constante a cada interação -, uma relação singular e dialética entre pessoas e coisas, que, segundo autores aqui trabalhados, construiria simultaneamente a ambos. Buscando experimentar as estranhezas no contato com objetos que não se deixam definir - diante da perspectiva de coisa -, a pesquisa reúne proposições de artistas que fizeram uso do livro como material e instrumento da arte. Movimentos artísticos, buscando a libertação dos padrões clássicos funcionam de base para a construção da categoria Livro-Coisa, quando se sugere experimentar o livro antes das palavras e das representações. A categoria torna-se depois materializada em uma instalação artística. A tese encontra fundamentação teórica nos estudos da Cultura Material, a partir de expoentes como Daniel Miller e Tim Ingold, em diálogo com os pressupostos de Heidegger, Didi-Huberman, e outros autores, para, a partir desse todo teórico, refletir acerca da relação contemporânea entre pessoas e coisas, e abordar o objeto com alguma novidade. / [en] This research focuses on the position occupied by the book in a specific segment of contemporary art, with the expectation of perhaps encountering it as a living, unfinished organism, not restricted to its usual representations - in a field that often seeks to deconstruct social representations by challenging them with impermanence. In our proposition, we see the book presenting itself as a thing, a material element resting somewhere beyond social and literary signs, building conceptual barriers. Starting from the distinction between object and thing, this dissertation suggests that even in contemporaneity there is a possible relationship among materials, experience and non-automatism, despite the fact that we are permanently surrounded by a very broad, omnipresent universe of signs. Therefore, this dissertation focuses on non-naturalized performances of the book, where meanings are transient and fluctuating - never permanent, never before - being in constant motion at every interaction - a singular, dialectic relationship between people and things, which, according to the authors analyzed, would construct both simultaneously. Seeking to experience the strangeness of the contact with objects that do not accept definitions - from the perspective of things -, this dissertation brings together propositions of artists who made use of the book as a material and instrument of art. Art movements seeking liberation from classical patterns serve as the basis for the construction of the Book-Thing category, when it is suggested that the book be experienced before words and representations. This category then becomes materialized in an artistic installation. The theoretical foundation of the dissertation lies in Material Culture Studies, based on exponents such as Daniel Miller and Tim Ingold dialoguing with the assumptions of Heidegger, Didi-Huberman and other authors; starting from this theoretical framework, it seeks to reflect on the contemporary relationship between people and things, in an innovative approach to the object.

[pt] Compreendendo a imagem e o sujeito como tecnologias dentro do atual programa cultural, e seu correspondente regime representativo, a partir da noção de dispositif, presente na obra de Michel Foucault e, posteriormente, delineado conceitualmente por seus leitores, a pesquisa se debruça sobre as operações presentes na constituição e manutenção do campo da Arte, sua organização em instituições próprias que promovem o agenciamento de objetos e sujeitos na configuração de processos de subjetivação singulares, no seio do qual emerge como principal figura de individuação social o artista/autor. O artista, neste estudo, é compreendido não só a partir da condição autoral que visa descrever a natureza dos gestos que instaura no nosso regime produtivo, como também a partir de sua midiatização, que torna reconhecível tanto a forma do produto, quanto de seu produtor. A partir de um corte temporal que tem como início os anos 1960, estendendo-se até a atualidade, tentamos compreender as mudanças no processo de subjetivação de diferentes artistas/autores. Este período, convencionalmente chamado de arte contemporânea por críticos, teóricos e historiadores da arte, visa nomear formas e fenômenos que escapam às convenções da modernidade artística, sugerindo, então, um novo regime de produção, designado historiograficamente de pós-modernidade. Compreende-se, aqui, artistas/autores como imagens e brands, onde é possível perceber a amplitude das operações e recursos midiáticos que os circunscrevem. / [en] Departing from the notion of dispositif, presented throughout the work of Michel Foucault and, later, conceptually delineated by his readers, the thesis addresses the Art field within the scope of a mediatic system in the current cultural program, and its corresponding representative regime. The research focuses on the operations present in the constitution and maintenance of the Art field, its organization in its own institutions that promote the agency of objects and subjects for the configuration of singular processes of subjectivation, in which the artist/author emerges as the main figure of individuation in the social field. The artist, in this study, is understood not only from an authorial condition that aims to describe the nature of his gestures, but also from his mediatization, which makes the product and its producer recognizable. From a time-frame that begins in the 1960s, extending to the present day, we try to understand the changes in the subjectivation process of different artists/authors. This period conventionally called contemporary art according to the disposal of critics, theorists, and art historians, aims to name forms and phenomena that escape the conventions of artistic modernity, thus suggesting a new regime of production, designated in the historiography as post-modernity. The practice of these agents is thought beyond the specificities of the Art Field, understanding these artists/authors as images and brands, we can perceive the vastness of operations and media resources that circumscribe them. The objective of this articulation is to think about what the hypothesis of this research names mediatic subject.

[pt] A presente pesquisa propõe analisar a construção dos meios de reapropriação e gestão coletiva do espaço público da cidade do Rio de Janeiro através do coletivo de arte Opavivará!. O grupo Opavivará!, criado em 2003 por artistas cariocas, é um coletivo de arte que desenvolve ações em locais públicos da cidade, galerias e instituições culturais, propondo inversões dos modos de ocupação do espaço urbano, através da criação de dispositivos relacionais que sugerem experiências coletivas, participando também ativamente no panorama das artes contemporâneas. Opavivará! é um grito pela arte livre e crítica.. O grupo, especificamente, produz uma arte que queira explorar contextos não institucionalizados de interesse estético e propor uma estratégia de ocupação do espaço. Diante da racionalidade estratégica e mercadológica do ordenamento territorial hegemônico, o processo de segregação social pautado na propriedade privada do solo se consolidou como uma tendência geral nas cidades. E o espaço público, inserido nesta lógica de privatização, é espaço para transformações contemporâneas da cidade se realizam em sintonia com a ordem dominante. São mudanças protagonizadas por agentes que questionam os imperativos do Estado neoliberal ao reivindicar o direito de usar e ocupar a cidade de modo autônomo. Sob esta perspectiva, nos últimos anos multiplicaram-se os ensaios de gestão coletiva do espaço público carioca através da arte pública. Novos grupos artísticos, tais como o Opavivará!, são iniciativas que mostram múltiplas alternativas e possibilidades para a vida urbana. / [en] This research aims to analyze the construction of means for the reappropriation and collective management of public space in the city of Rio de Janeiro through the Opavivará! art collective. The Opavivará! group, created in 2003 by artists from Rio de Janeiro, is an art collective that carries out actions in public locations of the city, galleries, and cultural institutions, proposing inversions of the modes of urban space occupation through the creation of relational devices that suggest collective experiences, actively participating in the panorama of contemporary arts. Opavivará! is a cry for free and critical art. The group specifically produces art that aims to explore non-institutionalized contexts of aesthetic interest and propose a strategy of space occupation. Faced with the strategic and market-driven rationality of hegemonic territorial ordering, the process of social segregation based on private property ownership has become a general trend in cities. And public space, inserted into this logic of privatization, becomes a space where contemporary transformations of the city take place in tune with the dominant order. These changes are led by agents who question the imperatives of the neoliberal State by claiming the right to use and occupy the city autonomously. From this perspective, in recent years, there has been a multiplication of attempts at collective management of public space in Rio de Janeiro through public art. New artistic groups, such as Opavivará!, are initiatives that show multiple alternatives and possibilities for urban life.

[pt] A escrita desta dissertação teve como intuito discorrer sobre as ações do projeto Lastro – Intercâmbios Livres em Arte, entendendo-o como rede de contatos e plataforma de ação para projetos colaborativos. Uma proposta que visa conexões no campo da arte e cultura no contexto América Latina, porém com reverberações além-territórios. Como rede opera em diferentes frentes de trabalho e pensamento, tendo a mobilidade contemporânea como foco de estudo. Esta pesquisa propôs uma ramificação do pensamento sobre mobilidade em formato de cadernos de viagens, aprofundando pontos de vista e abordagens diferenciadas acerca do deslocamento e como este é entendido por artistas, transformando-se em poética. Quatro cadernos que se transmutarão em pequenas publicações via coleção de livros Lastro. Tal trânsito tem como objetivo fomentar projetos editoriais experimentais que atuem como dispositivo questionador e aglutinador. Além disso, tal projeto inaugura o selo editorial Lastro, o que faz nascer mais uma atividade da rede. A realização dessa pesquisa vem auxiliar uma maior compreensão conceitual do Lastro e sua potência política enquanto proposta curatorial rizomática. / [en] The core aim in the writing of this abstract was to discourse on the project named Lastro - Intercâmbios Livres em Arte (ballast –free exchange art) seeing it as an action platform and a network for cooperative projects. A project that seeks the connections of artistic and cultural fields within the Latin-America context, though resounding beyond its limits. As a network it acts in various types of work fronts and thoughts, having a contemporary movability as its study focus. That research has proposed a branching of the thoughts on movability in the shape of travel diaries, deepening points of views and the differentiated approaches regarding movement and how it is understood by artists by shaping it into poetic. Four diaries that will take the format of small publications through the Lastro book collection. The goal of such movement is to promote the experimental publishing projects that may act as a questioning as well as unifying device. Besides, such project also inaugurates the Lastro imprint, and by doing so, we’ll be starting one more activity in its network. The execution of such research intends to enhance the conceptual comprehension of Lastro and its political potentiality as a non-hierarchical curatorship project.

[pt] Os artistas Paul Klee (Berna, Suíça, 1879-1940) e Mira Schendel (Zurique, Suíça, 1919-1988) investigam os processos da forma, conjugando materiais e técnicas que tecem as suas próprias relações. A aproximação entre os dois artistas é possível, a partir da compreensão da Modernidade e das correspondências com outras culturas e demais gêneros de expressão artística. Em diferentes contextos, é o aspecto crítico que prevalece nessas obras, privilegiando a experimentação. Em comum, o traço, não mediado pela referência à natureza, atua como instrumento de busca de uma forma mais livre, que se desdobra no espaço e no tempo, exigindo a participação do espectador. / [en] The artists Paul Klee (Berna, Switzerland, 1879-1940) and Mira Schendel (Zurich, Switzerland, 1919-1988) investigate the processes of form, conjugating materials and techniques that weave their own relations. The approximation of these two artists becomes possible through the understanding of Modernity and its correspondences with the other cultures and means of artistic expression. In different contexts, it is the critical aspect that prevails in these works, which privilege experimentation. In common, they have the line, non mediated by references to nature, which acts as an instrument in the search for a freer form, unfolding through space and time, and demanding the participation of the viewer.

[pt] O presente escrito parte da desconfiança com relação à crítica maniqueísta apresentada por Hal Foster no livro O Complexo arte-arquitetura. Sua argumentação baseia-se na oposição entre a tríade experiência fenomenológica, virtualidade imagética e atuação conceitual. Com isso, há uma moralista redução dessas questões que resulta na condenação de diversas práticas arquitetônicas contemporâneas e na legitimação do fazer artístico de Richard Serra. Para Foster, a arquitetura estaria fadada à potencialização da vigente lógica neoliberal, posicionando assim o artista americano como única possibilidade de resistência a ela. Nesta dissertação, a atuação do artista brasileiro Cildo Meireles é tomada como transgressora à lógica fosteriana. Ao complexificar as relações entre mente-corpo-imagem em suas abordagens artísticas, Meireles não permite ser facilmente categorizado. Sendo assim, suas obras de arte servem de auxílio para desvelar que, apesar de aderir às lógicas capitalistas, parte da arquitetura contemporânea também pode apresentar aspectos transgressores. O escritório Herzog e de Meuron é eleito para ser aqui analisado a partir da suposição de que sua trajetória não se resume ao recorte estabelecido no livro citado acima. Justamente porque cada projeto dos suíços tem particularidades muito fortes é que parece difícil falar de sua totalidade sem que haja um enorme reducionismo. Isso leva esta pesquisa ao estudo de um de seus intrigantes edifícios: o Schaulager. Há, então, a suspeita de que este opere no que se denomina aqui como a condição de entre, estabelecida pelo emaranhar da atuação desviante de Cildo Meireles com a arquitetura digital contemporânea. / [en] The present work starts from the distrust regarding the manichean criticism presented by Hal Foster in the book The art-architecture Complex. His argument is based on the opposition between the triad of phenomenological experience, imagery virtuality and conceptual acting. As a result, there is a moralistic reduction of these issues causing the condemnation of several contemporary architectural practices and the legitimation of Richard Serra s artistic process. Following Foster s perspective, architecture would be fated to the potentialization of the current neoliberal logic, thus positioning the American artist as the only possibility of resisting to it. In this dissertation, the performance of the Brazilian artist Cildo Meireles is taken as transgressor to this fosterian logic. By complexifying the relations between mind-body-image in his artistic approach, Meireles restricts being easily categorized. Therefore, his artworks serve as an aid to reveal that, despite adhering to a capitalist logic, part of contemporary architecture may also present transgressive aspects. The Herzog and de Meuron s studio is chosen to be analyzed here, based on the assumption that its trajectory is not limited to the framework established in the above mentioned book. Due to the fact that each project belonging to the Swiss architects has its own particularities, it seems difficult to speak of its totality without significant reductionism. This leads the research to the study of one of their intriguing buildings: the Schaulager. There is the impression that they operate following what is denominated here as the condition of between, established by the entanglement of the deviant performance of Cildo Meireles with contemporary digital architecture.

[pt] Poéticas da Complexidade: o lugar contemporâneo e os limites da Arquitetura entre Arte e Paisagem analisa trabalhos de arte/arquitetura que, participando do chamado campo ampliado, após os anos 1960, partem de uma relação com o sítio para re-instaurar a paisagem. As obras estudadas se diferenciam das posturas arquitetônicas contextualistas que, em defesa do lugar como permanência, propuseram uma recuperação historicista do passado. As poéticas da complexidade expõem o lugar contemporâneo através de um tipo de abordagem que considera a multiplicidade, a incerteza, a incompletude, a ambiguidade, a contradição e os fluxos em devir. Também redefinem o lugar da arte/arquitetura no campo da cultura, em um deslocamento passado-futuro, e propõem uma revisão dos modos de operação artística. A tese busca entender os processos contemporâneos e a redefinição dos limites da arquitetura como um movimento de autocrítica em direção ao experimentalismo das artes como forma de questionar o formalismo, o funcionalismo e a representação da noção de estabilidade. Assim, pontos em comum são explorados: a apropriação de imagens do cotidiano, a abordagem conceitual, discursiva e ficcional da arte, a noção de processo e a problematização da autoria, a experiência fenomênica e espaçotemporal, a abertura ao acontecimento e a performance. Este estudo afirma que dois movimentos estão em processo: a aventura da reinvenção da paisagem como campo ativo – imagético, fenomênico, discursivo e performático, e da reinvenção dos mediums artísticos a partir de poéticas diferenciais que assumem a complexidade contemporânea. / [en] Complexity Poetics: the contemporary topos and the limits of Architecture in between Art and Landscape analyzes works of art and architecture that, taking part in the expanded field, after the 1960´s, are intertwined with the sites, to refound the landscape. This thesis investigates the contemporary places as a contextual practice which considers the multiplicity, the incertitude, the ambiguity, the contradiction and the transformations to come. These works establish a critical revision of modernism as well as of the contextualism which defended place as permanence, proposing a historicist recuperation of the past. On the contrary, complexity poetics discuss the place of art/architecture in the contemporary cultural expanded field, in a shift past-future, and propose a revision of art’s operational modes. This study is an attempt to understand the contemporary processes and the re-definition of architecture’s limits as a movement of self-criticism towards experimentalism in arts, that goes against formalism, functionalism and the representation of stability. Points of common that stand out: the appropriation of everyday images and signs, the conceptual, discursive and fictional character of art, the notion of process, the phenomenal and spatial-time experience, the événement and the performance. This study asserts a two-way movement: the ongoing adventure of the reinvention of landscape as an active field - imagistic, phenomenal, discursive and performatic, and the reinvention of artistic mediums through differential poetics which assume contemporary complexity.