Cette thèse a pour objet de retracer l’histoire de la réception de l’œuvre d’Albert Camus en Chine et de mettre au jour l’influence qu’elle a pu exercer sur les écrivains chinois. Le processus de la réception de l’œuvre de Camus en Chine étant inséparable du processus de l’évolution politique et culturelle chinoise, il est examiné sous l’angle de la sociologie, de l’histoire politique, de la littérature comparée, et de la traductologie. L’étude met ainsi en lumière les circonstances historiques, sociales, culturelles, politiques des différentes périodes au cours desquelles l’œuvre de Camus a été reçue, traduite, publiée, et critiquée en Chine. / This thesis aims at retracing the history of the reception of the work of Albert Camus in China and exposing the influence it has on Chinese writers. The process of the reception of Camus' work in China is inseparable from the process of Chinese political and cultural evolution and is examined from the angle of sociology, political history, comparative literature, and Translatology. The study highlights the historical, social, cultural and political circumstances of the different periods during which Camus's work has been received, translated, published and criticized in China.

Cette recherche porte sur le bouleversement épistémologique qui affecte la littérature patrimoniale, à l’ère du numérique et du multimédia. La première partie s’intéresse à la fondation de la notion de littérature patrimoniale en France. Elle propose une revue synthétique des contextes et des discours qui ont fondé cette notion à travers le temps. Les zones de fracture et de continuité entre conceptions passées et conceptions contemporaines y sont questionnées. L’analyse aboutit au constat que conceptions émergentes et traditionnelles forment une mémoire dialogique, vive et complexe, qui innerve de ses paradoxes les archétypes fondateurs : les notions d’auteur, d’œuvre et de « bibliothèque ». La deuxième partie examine la réception contemporaine de la littérature patrimoniale, pour laquelle « la bibliothèque » est une mémoire du passé mais aussi une réserve d’œuvres à venir dans le cadre du dialogue entre les arts et les modes que les techniques contemporaines favorisent. Pour le récepteur contemporain, la bibliothèque patrimoniale est intériorisée comme une triple mémoire formée de la bibliothèque collective, de sa propre bibliothèque intérieure, d’une bibliothèque virtuelle où se régénèrent le corpus patrimonial et les discours qui l’environnent. Ce récepteur connaît et pratique la bibliothèque collective, vouée à la conservation de la mémoire collective ; il est conscient aussi de posséder une bibliothèque intérieure où s’opère pour lui une double conversion : il devient sujet lecteur et l’œuvre patrimoniale texte du lecteur. Cette double conversion créative se concrétise et se réalise effectivement dans la bibliothèque virtuelle multimodale, lieu de partage et de discours sur les œuvres qui lui permet d’entrer en conversation avec d’autres sujets-lecteurs et en contact avec d’autres communautés discursives et, dans ce cadre, de produire à la fois de nouveaux discours sur les œuvres mais aussi des œuvres secondes. On pose que l’œuvre source et ses objets seconds forment alors une sémiosphère multimodale. Comme les objets seconds multimodaux émanent de communautés diverses, la notion de sémiosphère réinterroge les hiérarchies culturelles héritées. Etre cultivé aujourd’hui, ce n’est plus seulement connaître les œuvres de la bibliothèque collective mais investir la sémiosphère. Le sujet lecteur est amené à devenir sujet récepteur multi-compétent, capable de naviguer d’une communauté de discours et de pratiques à une autre. Il se nourrit de la diversité, assure la communication productive entre les objets et les communautés dans la sémiosphère et favorise, par sa seule navigation experte, le développement de la sémiosphère, c’est-à-dire de la culture partagée. / This research is concerned with the epistemological upheavals which affect literary heritage in the digital and multimedia age. The first part of this work explores the origin of the notion of literary heritage in France. It provides a synthetic review of the contexts and discourses which have underpinned this notion through time. Present and past concepts are examined in terms of continuity and discontinuity. The analysis leads to the conclusion that both emerging and traditional understandings blend together creating a dynamic, complex and dialogical trace which through its paradoxes informs the founding archetypical notions of author, literary work and ‘library’. The second part examines the contemporary reception of literary heritage for which the ‘library’ represents not only a record of past literary works but constitutes a stock for future ones given the increasing trend by which the Arts are distributed to the public using the medium of multimedia digital technology. The contemporary receiver conceives and internalizes the literary heritage library in three ways: as a public library, as an internal library, and as a virtual library where heritage corpus and discourses about corpus are regenerated. This receiver knows and uses the public library as a place which is dedicated to the conservation of the collective memory; s/he is also conscious of possessing an internal library where a double conversion takes place: s/he becomes a « reader-subject » and the heritage literature is the reader’s text. This double creative conversion takes a concrete form in the virtual multimodal library where literature can be shared and discussed. This enables the receiver to start up a conversation with other readers and be connected with other discourse communities. Within this framework, new discourses are generated concerning mainstream literary works and their offshoots. We consider then that the original literary work and its offshoots constitute a multimodal semiosphere. As the derived multimodal objects come from different communities, the notion of semiosphere re-interrogates the cultural inherited hierarchies. Nowadays, being cultured does not consist in knowing the contents of the public library but instead involves being invested in the semiosphere. The reader is encouraged to become a multi-skilled receiver navigating from one discourse community and/or community of practice to another. S/he feeds on diversity, ensures prolific communication within the semiosphere between objects and communities and, thanks to expertise in multimedia browsing skills, s/he enhances the development of the semiosphere, i.e. the shared culture.

Quand Gaëtan Picon écrit en 1970 « toute œuvre est à la fois image, représentation, et présence d’une existence » dans Admirable tremblement du temps, il a probablement trouvé une définition convaincante de l’œuvre. Critique, philosophe, enseignant, Directeur général des Arts et des Lettres, penseur en dehors des écoles, il a toute sa vie été proche de la littérature et de la peinture. Par ses articles, ses essais, ses romans, par sa pratique de l’écriture et des œuvres, de l’écriture de l’œuvre, avec son esprit et ses sens, il a fait l’expérience de cette œuvre qu’il a aimée, cherchant son être et les propriétés de son événement. Car l’œuvre demande à celui qui la rencontre d’interroger sa forme, sa signification et son effet. Dans sa réception et son interprétation, dans ce que nous faisons d’elle, l’œuvre appelle l’écriture et interpelle la vie, l’être et la culture que le sujet, en retour, convoque. En quoi se trouve-t-elle alors liée à la conscience, au langage que nous maîtrisons et au monde que nous percevons ? En quoi est-elle issue de l’art, de l’existence et de l’histoire que l’artiste perçoit et existe et qu’elle représente ? Comment, plus simplement, existe-t-elle à la fois pour nous et en dehors de nous ? Ces questions étudiées par Gaëtan Picon supposent nécessairement d’envisager plusieurs perspectives. À partir de la lecture du sujet et de l’écrit, il faut interroger ensemble le langage, la représentation, le monde et la création. Dans l’ensemble de ses écrits, Gaëtan Picon a consciencieusement apporté une forme de réponse à l’expérience de l’œuvre à laquelle cette thèse s’engage à donner une lecture et une visibilité. / When Gaetan Picon wrote in 1970 « Every piece of art is simultaneously a picture, a depiction, and the presence of an existence » in Admirable tremblement du temps, he offered a convincing definition of the nature of a work of art. Critic of art and literature, philosopher, teacher, Director-General of Arts and Letters, and above all an independent thinker, he devoted his life to Art and Literature. Through his articles, essays and novels, his personal experience of writing and artwork, and his writings on art that were infused with his own particular sensibility, he created a new experience out of the beloved artwork, seeking to understand and explain it through personal identification. He considered that each artwork asks the observer to question its form and meaning, and the effect achieved. A work of art requires to be written about, and is a challenge to life, existence and culture in the way it is received and interpreted, in what we make of it. And in return the observer also seeks life, existence and culture. In what way is art related to conscience, to the language that we use, and to the world as we perceive it ? In what way are conscience, history and existence products of art ? In short, how can it exist for us and yet outside of us at the same time ? The questions that Gaetan Picon studied impose necessarily an exploration using multiples perspectives. We must examine at the same time language, performance, the world and creation from attentive reading of his writings. In all of them Gaetan Picon carefully brought new ideas to the experience of art. This present doctoral thesis will offer an interpretation and an acknowledgment of this experience.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2019-2020 / Perse débute son oeuvre en rejetant systématiquement toutes les sources inspiratrices traditionnelles, dont la fontaine d’Hyppocrène, ce qui lui donne l’occasion de traiter Pégase de « canasson ». Alors que les interprétations d’ensemble réalisées par le passé sont faussées par une appréciation minimisant la construction systématique des Satires, l’objectif de cette étude est de démontrer que leur thème unificateur est la critique de la production / transmission et de la consommation de la littérature à l’époque néronienne. Dans le premier chapitre, en démontrant l’omniprésence des processus d’imitation et d’émulation dans le texte, puis en mettant au jour leur complexité et leur richesse sémantique, nous exposons la métatextualité des Satires, confirmant notre hypothèse de départ. L’analyse des Satires dans le cadre théorique du grotesque bakhtinien conduit dans un deuxième temps à révéler que le vice et la vertu y sont appariés respectivement à la mauvaise et à la bonne littérature et que Perse vise à détruire la première grâce à la philosophie. Par l’analyse de ce message subversif sous-jacent, nous expliquons quels sont les effets négatifs de la mauvaise littérature et les façons dont il faut s’y prendre pour la contrer. Dans le troisième chapitre enfin, grâce aux énoncés programmatiques et à diverses analyses stylistiques, nous donnons à connaître la cible de Perse : les poètes urbains philhellènes, cancres littéraires avides et présomptueux. Le style de Perse, en revanche, se distingue par son audace, son aspect mordax, sa modestie et sa romanité issue du mos maiorum. Grâce à notre étude, la cohérence des Satires, trop souvent tenues pour composites, apparaît nettement.

Les premières charpentes à chevrons formant fermes dont on a gardé en France des traces datent du XIème siècle. Ce principe va se maintenir jusqu'au XVIIème siècle, pour disparaître ensuite totalement. Leur dispositif morphologique change progressivement avec le temps. L'objectif de ce travail est de contribuer à comprendre les déterminants de cette évolution. Nous proposons deux explications à ces transformations : l'une repose sur l'évolution des connaissances en mécanique des structures. En sélectionnant des spécimens représentatifs des jalons identifiés par nos prédécesseurs, nous utilisons une modélisation numérique de ces structures hyperstatiques pour mieux comprendre le rôle précis jouée par les différentes pièces de la charpente. Les études comparées mettent ainsi en évidence un lent processus d'innovation où alternent des phases d'adaptation morphologiques conjoncturelles et la prise en compte d'une nouvelle connaissance mécanique induite par ces évolutions. L'autre prend en compte la problématique du levage de ces charpentes. En reconstituant certains spécimens remarquables et en étudiant leur mise en place, à l'aide de dispositifs de levage représentatifs de ceux utilisés à cette époque, nous cherchons à préciser la plausibilité de certains scénarios et les séquences opérationnelles associées. Les résultats invalident certaines hypothèses et en particulier, celle d'un assemblage des fermes au niveau du sol avant de les hisser sur les murs. Les premiers dispositifs longitudinaux reliant deux fermes principales apparaissent aussi comme une aide au levage : ils facilitent le travail en hauteur et permettent une mise en place simplifiée des chevrons / The earliest wooden rafter trusses in France can be traced back from the 11th century. Their morphology progressively changes in time until the 17th century, after which it disappears completely. This research is meant to be a contribution towards the understanding of the possible origins of such an evolution. Two explanations are proposed :the first one is based on the accumulation of knowledge in structural mechanics of the carpenters. Considering a selection of specimens that are representative of major milestones identified by previous authors, a numerical modelling of these hyperstatic structures is implemented so as to understand better the precise role played by the different elements of the framework. Comparative studies highlight a slow evolutionary process in which phases of situational shape adaptation alternate with periods of implementation of new knowledge extracted from these experimentations. The second explanation takes into account the problems related to the erection of the frames. Through reconstructions of remarkable specimens and the simulation of the assembly process using representative lifting devices, the credibility of a number of scenarios and operational sequences are evaluated. The results invalidate several assumptions and in particular, that of an assembly at ground level preceding the lifting into place. Furthermore, the first longitudinal systems connecting two principal trusses appear as an aid to the construction process: these facilitate safer in-situ operations and allow an easier assembly of the rafters

Le grand projet à l’origine de la réalisation de cette thèse est de proposer une nouvelle manière de comprendre la nature instable et décloisonnée du pop art, ce courant pictural presque sorti de l’histoire de l’art pour s’ériger en signe diffus de la culture populaire.Les enjeux plus conceptuels, qu’il dissimule derrière une imagerie devenue familière, sont pourtant d’une importance capitale pour la reconfiguration de la définition contemporaine de l’œuvre d’art. Toujours entre surface et profondeur, l’image pop se développe insidieusement.Le concept de « coïncidence des opposés », hérité d’une tradition théologico-philosophique dont Nicolas De Cues est le dépositaire le plus illustre, nous servira d’outil opératoire pour tenter de comprendre les implications sémantiques liées à la nature glissante de cet espace artistique aux contours flous. L’instabilité de ses frontières s’exprime d’abord par la proximité entre « art » et « non-art ». Elle s’illustre ensuite et surtout par le développement d’une multitude de microstructures internes reproduisant le même schéma conceptuel de « coïncidence des opposés ». Nous utiliserons alors, pour faciliter notre approche philosophique le concept d’ « ambivalences instables ».Trois grands moments jalonneront notre enquête. Ils seront synthétisés par les trois notions suivantes : « le paradoxe de la destruction créatrice », « la littéralité anti-littérale », et « la désacralisation hyper-sacralisée ». / The aim of this PhD project is to propose a new way of understanding the profoundly unstable and essentially decompartmentalized nature of pop art, this pictorial stream which is almost going beyond the scope of art history to elevate itself to be a vague symbol of popular culture.However, its familiar image hides more conceptual matters of dispute which are of crucial importance when it comes to reconfiguring the contemporary definition of a work of art. Always between surface and depth, pop imagery is developing insidiously.The “coincidence of opposites” concept, inherited from a theological-philosophical tradition, with Nicolas De Cues as its most famous depositary, will be used as an operating tool in our attempt to understand the semantic implications bound to the changing nature of this artistic space, the limits of which are still clearly blurry. This fuzziness of its frontiers appears first and foremost through the proximity between “art” and “non-art”, and then, most of all, through the development of a multitude of internal microstructures mimicking the pattern of the “coincidence of opposites” concept. In order to facilitate the philosophical flexibility of our approach, we will therefore use the concept of “unstable ambivalences”. Three milestones mark our investigation. They are summarized by the three following notions: “the creative destruction paradox”,”anti-literal literalism” and ”hyper-sacralized desecration”.

La polyaniline est un polymère conducteur intrinsèque aux potentialités indéniables dans le domaine de la micro-électronique. Elle allie la légèreté, le faible coût et la modularité des polymères avec les propriétés de conduction électrique des métaux. La mise à profit de ce mélange de propriétés à l’échelle industrielle nécessite une maitrise des procédés de mise en œuvre de la polyaniline, notamment sous forme de film polymère, domaine où il y a encore un manque de maitrise. Pour y remédier, il faudrait tout d’abord comprendre l’influence de chaque paramètre de mise en œuvre sur les propriétés de conduction du film de polyaniline. Pour cela, nous avons choisi une polyaniline plast-dopée commerciale à l’état de dispersion et avons fait une étude paramétrique sur l’effet du type de solvant utilisé pour la dispersion ainsi que celui de la température d’évaporation de celui-ci lors du dépôt du film. Deux types d’études ont été menés : la première porte sur les propriétés rhéologiques et diélectriques des dispersions de polyaniline et la seconde sur les propriétés structurales et de conduction des films. A travers la première étude, nous avons pu montré que lors du chauffage des dispersions de polyaniline, celles-ci subissaient une transition structurale liquide-liquide du second ordre dont les paramètres varient avec le type du solvant utilisé. A travers la seconde étude, nous avons aussi mis en évidence que les films déposés dans les domaines avoisinant la température transition de phase dans les mélanges liquides sont les moins conducteurs et les moins cristallisés. Selon le type de solvant choisi, deux mécanismes de conduction ont été trouvés : les sauts à portées variables tridimensionnel (VRH 3D), pour le cas de la série de films issus de la dispersion dans l’acide dichloroacétique et déplacement par effet tunnel induit par les fluctuations thermiques (FIT) pour la série de films issus de la dispersion dans le mélange acide dichloroacétique / acide formique. Il en ressort finalement que pour obtenir un film de polyaniline plast-dopée ayant la conductivité la plus élevée, il faut appliquer les conditions expérimentales qui permettent d’obtenir un degré de cristallinité élevé (298 K pour PANI/DCAA). / The purpose of this study is to perform polyaniline films with the highest conductivity. The effect of the solvent type and the casting temperature on the electrical properties of plastdoped polyaniline dispersions and films were investigated. For this purpose, rheological and dielectric investigations have been undertaken for dispersions of plast-doped polyaniline in two different solvents (dichloroacetic acid and formic acid / dichloroacetic acid mixture). Changes appearing above a certain temperature, 318K for PANI/DCAA and 313K for PANI/DCAA-FA, for both rheological dielectric and rheological parameters revealed the existence of a second order liquid-liquid structural transition occurring in the polyaniline organic dispersions. We also investigated the effect of the selected processing parameters on the film properties. We found that the DC conductivity mechanism is governed by Mott’s three-dimensional variable range hopping (3D VRH) model for PANI/DCAA films and by a fluctuation induced tunnelling model (FIT) for PANI/DCAA-FA films. Besides, the films cast at temperatures around the second order liquid-liquid structural transition temperature of polyaniline dispersions lead to the lowest conductivity and crystallinity, regardless of the solvent type used. A qualitative correlation was also found between the conductivity and the crystallinity of the polyaniline films. So, in order to obtain films with the highest electric conductivities, we have to apply experimental conditions leading to the highest crystallinity (298 K for PANI/DCAA).

Le sud-est du Domaine royal capétien est longtemps resté ignoré des études sur les débuts de l’architecture romane. Ceci est en grande partie lié à la position marginale qu’il occupe par rapport aux grands ensembles de l’historiographie, un état de fait qui découle comme nous avons eu l’occasion de le montrer d’une longue évolution historique depuis l’époque celtique où la zone fut subdivisée entre Sénons et Carnutes. Les premiers souverains capétiens ont toutefois porté un intérêt particulier à cette région, tentant au XIe siècle d’unifier l’espace compris entre leurs trois grands centres : Orléans, Étampes et Melun, face aux poussées de leurs rivaux bléso-champenois. L’activité architecturale semble alors battre son plein, avec de très nombreuses constructions, certes secondaires, mais témoignant d’un certain dynamisme architectural à cette époque. L’examen des monuments les plus importants, confrontés aux autres réalisations phares menées par les Capétiens dans le reste de leur Domaine royal, permet d’envisager le développement d’une politique édilitaire, favorisant certaines formes architecturales monumentales comme la tour-porche ou le chevet dit harmonique, dans une volonté claire de la part des nouveaux souverains de s’imposer visuellement dans le paysage, de se positionner en héritiers de leurs prédécesseurs carolingiens et de s’imposer face à leurs contemporains ottoniens, en reprenant certaines de leurs formes architecturales les plus emblématiques. Ces résultats ne doivent pas cacher en revanche des questions laissées en suspens, notamment en ce qui concerne les datations des édifices considérés ici. L’architecture apparaît en effet assez uniforme, entre petit appareil de tradition antique, opus spicatum, remplois de sarcophages haut-médiévaux et débuts du moyen appareil ; et les critères de datation généralement admis s’opposent à ceux des rares décors conservés. / The southeast of the Capetian royal Domain remained for a long time unknown by studies on the beginnings of Romasnesque architecture. This is largely connected to the marginal position which it occupies compared with the large sets of the historiography, an established fact which ensues as we had the opportunity to show it of a long historic evolution since the Celtic period when the zone was subdivided between Sénons and Carnutes. The first Capetian sovereigns however carried a particular interest in this region, trying in the 11th century to unify the space between their three big centers : Orléans, Étampes and Melun, in front of pushes of their bléso-champenois rivals. The architectural activity then seems to be in full swing, with very numerous constructions, certainly secondary, but testifying of a certain architectural dynamism at that time. The examination of the most important buildings, confronted with the other key realizations led by the Capetians in the rest of their royal Domain, allows us to envisage the development of a artistic policy, favoring certain architectural monumental forms as tower-hall and harmonious bedhead, in a clear will on behalf of the new sovereigns to stand out visually in the landscape, to position in heirs of their Carolingian predecessors and to stand out in front of their ottonian contemporaries, by taking back their most symbolic architectural forms. These results can’t hide on the other hand questions left unsettled, in particular as regards the datings of buildings considered here. The architecture indeed seems rather uniform, between walls with small rubbles, opus spicatum, re-uses of high-medieval sarcophagus, and beginnings of carved stone ; and the generally admitted criteria of dating oppose those of the rare preserved decorations.

Cette étude de l’image dans l’œuvre de Tournier vise à déchiffrer la conception qu’a l’écrivain de l’image, la spécificité de son monde imaginaire ainsi que sa passion à créer la nouveauté, à l’instar des artistes. Ainsi, les images, photographiques et peintes, tantôt maléfiques tantôt bénéfiques, révèlent l’imaginaire spécifique de Michel Tournier : l’ambiguïté d’une imaginaire « bifrons ». Une image n’est jamais limpide ni durablement stable. Le caractère dual et le plus souvent antithétique des images illustre bien le projet esthétique de Tournier : l’ambiguïté, la contradiction, la polysémie. Ce projet esthétique lance un défi à la pensée et aux habitudes du lecteur. Une image n’est pas telle qu’elle semble l’être ; un mot ne renvoie pas non plus à ce qu’il représente dans l’œuvre littéraire ; le monde n’est pas tel qu’il est perçu. Toutes les valeurs, les règles imposées par la société, par l’homme demandent à être inversées et interprétées. Analysant les images chez Tournier, cette recherche permet spécifiquement de réfléchir aux possibilités de la représentation, à leur valeur et donc à la création littéraire, considérée comme une « re-présentation ». / This study of image in Tournier's work aims to decipher the writer’s conception of image, the specificity of his imaginary world, his passion to create « new » like artists do. Thus, images, photographic and painted, either evil or beneficial, reveal the specific imagination of Michel Tournier – the ambiguity of an imaginary « bifrons ». An image is neither clear nor stable. The dual and often antithetical nature of image illustrates the aesthetic project of the writer: ambiguity, contradiction and polysemy. This aesthetic project is a challenge to the reader’s usual thoughts and habits. An image is not like it seems to be, a word is not changes his meanings in literary works, the world is not like it is perceived. All values, rules imposed by society, by human beings have to be inverted and interpreted. By analyzing images in the works of Tournier, this research specifically invites us to reflect on the possibilities of representation, and on their value and literary creation, considered as « re-presentation ».

Situées entre le biographique et le littéraire, les lettres de Camus jettent un éclairage nouveau sur sa personnalité, sur ses relations avec ses correspondants et sur la genèse de son style et de son œuvre. Sa correspondance éclaire son rapport avec la maladie ainsi que son attachement à la famille et à la beauté méditerranéenne de son pays natal. Son admiration pour Jean Grenier le pousse à suivre ses leçons et à les revendiquer dans ses missives, leur attribuant ainsi un aspect didactique. L’exploration de l’interface correspondance / œuvre trace un mouvement d’élargissement, un passage de l’intime au littéraire. Les lettres ouvertes de Camus empruntent à la littérature plusieurs caractéristiques. Certains correspondants de l’écrivain sont de véritables interlocuteurs qui évaluent ses œuvres et qui lui font des remarques, de manière à le conduire à les rectifier et même à les réécrire. Ses lettres constituent une précieuse mine d’informations susceptible de jeter une nouvelle lumière sur la réécriture de son premier recueil d’essais Les Voix du quartier pauvre et de Caligula. En accompagnant la plupart de ses textes depuis qu’il en conçoit le projet jusqu’à leur publication, ses missives élucident ses choix littéraires et infléchissent l’évolution de son œuvre. Elles révèlent les détours d’une production littéraire hétérogène. Sur les conseils de certains correspondants dont Grenier et Malraux, Camus abandonne la grandiloquence d’un style lyrique qui rend compte de sa passion de vivre dans ses premiers écrits. Le style dépouillé de L’Étranger ainsi que l’objectivité de la chronique de La Peste témoignent de l’influence des lettres sur l’évolution de l’œuvre. La persistance de quelques passages grandiloquents dans ces œuvres neutres, où le style dépouillé rejoint des soubassements poétiques, est le signe d’un combat entre le penchant originel de Camus à l’exaltation des sentiments et à l’emphase d’un côté, et les recommandations de son maître qui l’incite à la raideur et à l’écriture neutre. Camus dépasse cette dichotomie qui divise son œuvre en se mettant à la recherche d’un équilibre entre neutralité et emphase dans Les Justes. Il s’agit d’un équilibre entre l’objectivité d’une lucidité cartésienne et les excès d’un débordement sentimental. L’étude de l’ethos de l’épistolier qu’Aristote définit comme « la représentation de son caractère par l’orateur » révèle trois images de soi dans la correspondance de Camus : celle de l’écrivain émerveillé, celle de l’écrivain engagé et celle du journaliste honnête. Mais la question épineuse de la guerre d’Algérie condamne l’auteur de La Peste au silence et crée un décalage entre l’ethos préalable du journaliste et l’ethos discursif qu’il tient à mettre en place dans ses lettres. L’examen de l’ethos d’auteur, en particulier l’image de soi littéraire qui se construit dans L’Hôte, semble important dans la mesure où il est susceptible d’éclairer l’image de soi épistolaire d’un intellectuel indécis tiraillé entre son affection pour son pays natal, où il craint de perdre sa place et celle des siens, et sa foi en les valeurs de la liberté, de l’égalité et de la justice. Dans cette nouvelle, la conduite du héros et les choix de l’écrivain génèrent une image d’auteur placée sous le signe de l’inquiétude et de la perplexité d’un être tiraillé entre l’admiration des combattants et la condamnation de leur violence. / Partly biographical and partly literary, Albert Camus’ letters shed new light on his personality, his relationship with his correspondents, his style’s genesis and that of his writings. His correspondence gives more insight into his illness as well as his commitment to the family and the Mediterranean beauty of his native country. Being fond of Jean Grenier, Camus not only follows his instructions but also asks him for some advice in the letters, giving them a didactic dimension. Examining the interface between Camus’ letters and his writings is a shift from the intimate to the literary, widening the scope of my research. Camus’ open letters borrow many literary features. Some of his correspondents are real interlocutors evaluating his books and providing him with insightful feedback and comments generating modification or even rewriting of some of them. Such letters are a valuable source of information shedding new light on the rewriting of his first collection of essays, Les Voix du quartier pauvre as well as Caligula. His letters, accompanying most of his writings from their conception to publication, elucidate his literary choices and affect the progress of writing, revealing turns of a heterogeneous literary production. On the advice of some of his correspondents including Grenier and Malraux, Camus abandons the bombast of a lyrical style reflecting his passion for life in his early writings. The stripped style of L’étranger along with the objectivity of the chronicle of La Peste are evidence of the letters’ impact on the evolution of Camus’ writing process. The persistence of some emphatic passages in these neutral writings, where the simple style joins the poetic underpinnings, reveals a struggle between Camus’ innate tendency for exalting feelings and emphatic style on the one hand, and the master’s recommendations inciting neutral writing on the other hand. Camus goes beyond this dichotomy dividing his writings by questioning equilibrium between neutrality and emphasis in Les Justes, an equilibrium between an objectivity of a Cartesian lucidity and excesses of a sentimental overflow. The study of the writer’s ethos defined by Aristotle as “the representation of his character by the orator” shows three self images in Camus’ letters : that of the marveled writer, that of the committed writer and that of the honest journalist. But the thorny issue of the war in Algeria silenced the author of La Peste, creating a gap between the journalist’s preexisting ethos and the discursive ethos set up in his letters. Studying the author’s ethos, especially the literary self image built in L’Hôte seems important as it is likely to illuminate the epistolary self image, that of an indecisive intellectual torn between his love for his homeland, where he is afraid of losing his place and that of his family, and his faith in the values ​​of freedom, equality and justice. In this novel, the hero's conduct and the writer’s choices create an image of an anxious and perplexed author torn between admiring the fighters and condemning their violence.