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Shirley Jackson’s House Trilogy: Domestic Gothic and Postwar Architectural Culture traite de la série de romans gothiques écrits par Shirley Jackson entre 1957 et 1962, de The Sundial à The Haunting of Hill House en passant par We Have Always Lived in the Castle. L’ouvrage situe son rapport au style gothique domestique dans le contexte du discours contemporain sur l’architecture et les formes de l’après-guerre. En particulier, cette étude fait valoir que sa trilogie « House » est une véritable intervention dans l’histoire de l’architecture et le discours domestique, Shirley Jackson utilisant une poétique gothique de l’espace pour évoquer la répétition spectrale des structures de pouvoir et de l’imaginaire idéologique liés à l’architecture. Grâce à son symbolisme architectural approfondi, elle explore la maison américaine et ses racines à travers les mythes et croyances les plus tenaces et les plus discordants du pays, suggérant que la maison elle-même, à la fois structure physique et symbole structurel, est un « fantôme » sociologique qui hante le projet domestique américain. L’auteure nous rappelle que l’architecture et la culture domestiques ne sont jamais neutres et que, bien plus qu’on ne l’a reconnu, sa fiction met en lumière les caractéristiques particulières des formes, des mouvements, des guerres de style et des discours architecturaux ayant activement contribué aux structures culturelles des genres, des classes et des races en Amérique. La carrière de Shirley Jackson, qui s’inscrit dans les deux décennies suivant la Seconde Guerre mondiale, coïncide avec le plus grand boom immobilier de l’histoire américaine, ainsi qu’avec l’une des périodes les plus expérimentales et les plus fébriles de l’architecture américaine. Pourtant, malgré les belles promesses et visions utopiques de cette époque, son architecture et sa culture domestique ont plutôt eu tendance à reproduire les structures de pouvoir oppressives du passé, qu’il s’agisse des normes de genre étouffantes de la maison familiale des années 1950 ou de la ségrégation dans les banlieues. Les maisons de madame Jackson se veulent des allégories gothiques de ce milieu et de sa structure temporelle « fantomatique », marquées par la routine et les revirements angoissants. Chacune des maisons de sa trilogie témoigne de ce que l’on pourrait appeler une « historicité hybride », évoluant à la fois vers le passé et vers l’avenir à travers l’architecture et le discours domestique américains. Dans les manoirs des années glorieuses et les constructions gothiques victoriennes de ses romans, l’auteure satirise l’architecture d’après-guerre et son futur nostalgique, suggérant que les maisons du présent restent hantées par les fantômes du passé. Contrairement à l’architecture de son époque, qui prétendait avoir banni ces fantômes, Shirley Jackson ne cherche pas à échapper aussi facilement aux spectres de l’histoire américaine et de l’assujettissement qui s’y rattache. Plutôt, elle entreprend de les affronter. Pour ce faire, elle pénètre dans la « maison hantée » de l’architecture et de la domesticité américaine : elle l’explore, l’examine, l’interroge et, finalement, la brûle, la met en pièces et la reconstruit. / Shirley Jackson’s House Trilogy: Domestic Gothic and Postwar Architectural Culture considers Shirley Jackson’s suite of gothic novels written between 1957 and 1962, from The Sundial to The Haunting of Hill House to We Have Always Lived in the Castle. It places her treatment of the Domestic Gothic alongside the actual architecture and design discourse of her postwar moment. In particular, it argues that her House Trilogy constitutes an intervention within architectural history and domestic discourse, with Jackson using a gothic poetics of space to suggest the spectral repetition of architecture’s structures of power and ideological imaginary. Through her extensive architectural symbolism, she probes the American house and its roots within the country’s most abiding myths and divisive beliefs, suggesting that the house itself, as both a physical structure and structuring symbol, is a sociological “ghost” that haunts the American domestic project. Jackson reminds us that domestic architecture and culture are never neutral and that, much more so than has been acknowledged, her fiction excavates the specific design features, movements, style wars, and architectural discourses which actively participated in the cultural constructions of gender, class, and race in America. Her writing career — from her first major publication in 1943 to her untimely death in 1965 — coincides with the largest housing boom in American history, as well as one of the most experimental and anxious periods in American architecture. And yet despite the era’s broad promises and utopian visions, its architecture and domestic culture tended to reproduce the oppressive power structures of the past, from the stifling gender norms of the 1950s family home to the segregated suburb. Jackson’s houses are gothic allegories of this milieu and its “ghostly” time structure of uncanny repetition and return. Each of the houses in her trilogy exhibits what might be called a “hybrid historicity,” gesturing at once backwards and forwards through American architecture and domestic discourse. Inside the Gilded Age mansions and Victorian Gothic piles of her novels, Jackson satirizes postwar architecture and its nostalgic futures, suggesting how the houses of the present remain haunted by the ghosts of the past. Unlike the architecture of her time, which claimed to have banished these ghosts, Jackson does not seek to escape the spectres of American history and subjecthood so easily. Instead, she endeavours to face them. In order to do so, she enters the “haunted house” of American architecture and domesticity itself — exploring it, examining it, interrogating it, and, eventually, burning it down, tearing it apart, and remaking it.

Titre de l'écran-titre (visionné le 26 avril 2023) / Ce mémoire de maitrise étudie les ancrages permettant aux discours politiques d'être diffusés à travers le globe, et ce, sans perdre de référents. Cette capacité apparente qu'a le message de voyager introduit plusieurs questions sur la nature de ces référents culturels qui semblent partagées. Inspirés par les écrits de Jacques Ellul et Michel Freitag, nous posons que cette intercompréhension serait due à une nouvelle homogénéité culturelle. En effet, la diffusion du néolibéralisme aurait eu pour effet d'intégrer en son sein les différentes cultures en les rendant congruentes avec son mode de fonctionnement et ses valeurs. De cette dynamique d'homogénéisation émergerait une série de valeurs partagées à travers le globe que Jacques Ellul qualifie de techniciennes. C'est donc en jumelant la théorie ellulienne de la société technicienne à la théorie du cadrage informationnelle de Robert Entman que ce mémoire étudie l'utilisation du cadrage technicien dans les des discours argumentatifs prononcés par George W. Bush pendant sa présidence. Pour répondre à la question de recherche « Dans quelle mesure l'administration de George W. Bush utilise-t-elle les mythes propres à la société technicienne ellulienne dans les discours prononcés par le président durant son mandat ? », un modèle thématique et une analyse par dictionnaire sont effectués. Les résultats obtenus mettent en évidence l'omniprésence du cadrage technicien dans ces discours. En effet, bien que les périodes de crise soient marquées par une augmentation de l'utilisation du cadrage technicien, celui-ci est également utilisé dans les communications gouvernementales afin de décrire et justifier de nouvelles législations et de nouveaux investissements. Ce recours récurrent au cadrage technicien constitue le point de départ de notre réflexion sur le caractère idéologique des communications gouvernementales, et ce, malgré une prétention d'objectivité.

Le présent mémoire s'intéresse à la politique d'aide pratiquée par le gouvernement des États-Unis à l'égard de la Yougoslavie de Tito entre 1948 et 1951. Plus précisément, il cherche à déterminer les raisons qui ont amené l'administration démocrate d'Harry Truman à apporter un soutien économique et militaire de plusieurs dizaines de millions de dollars au régime yougoslave durant cette période. Cette étude s'est principalement basée sur des sources institutionnelles produites par les branches executive et législative du gouvernement américain. Les volumes de la série Foreign Relations of the United States, les rapports produits par les services de renseignement américains, de même que le Congressionnal Record, ont ainsi constitué la majeure partie du corpus. Leur analyse tend à démontrer que l'assistance économique et militaire fournie par les États-Unis à la Yougoslavie entre 1948 et 1951 visait d'abord à améliorer la défense de l'Europe occidentale et, dans une moindre mesure, à encourager les dissensions au sein de la sphère d'influence soviétique.

L'œuvre de Rick Moody échappe à toute tentative de catégorisation générique, elle est à la croisée de styles qui s'entrechoquent et se heurtent pour donner naissance à une prose hétéroclite. Cette fiction protéiforme n'en demeure pas moins traversée par la répétition d'un motif invariant : l'accident. C'est le paradoxe de cette observation qui constitue le point de départ de cette thèse. Comment l'accident, dont le surgissement paraît toujours fulgurant, instantané et unique, peut-il se voir répété, décliné et transformé en un principe structurant qui préside à la composition de l'oeuvre de Rick Moody ? Pour répondre à cette question, il faut nécessairement changer le présupposé sur lequel repose la définition de l'accident pour qu'il ne soit plus seulement envisagé comme ce qui arrive de manière accidentelle mais pour que soit révélée également sa dimension essentielle. Cela revient à proposer l'hypothèse que l'accident est toujours déjà là, qu'il est ontologique. Ce changement de perspective, rendu possible par une manipulation temporelle, encourage, sur le plan de l'analyse littéraire, une étude de la temporalité de l'accident. Son surgissement induit plus largement la question de la représentation de la réalité tandis que sa répétition autorise son inscription dans une durée. Provoquant toujours une rupture, la temporalité de l'accident est double car elle a la possibilité à la fois de mettre un terme et de faire éclore un nouveau début. L'accident crée des formes et des cycles, il surgit, dure, détruit, mais aussi régénère.

La problématique à l’étude dans ce mémoire est la représentation et conceptualisation de la notion de posthumanité dans trois romans de Philip K.Dick : The Three Stigmata Of Palmer Eldritch, Do Androids Dream Of Electric Sheep? et Ubik. L’analyse de ces romans nous permettra de montrer que l’auteur américain focalise sa réflexion sur le posthumain sur la subjectivité transcendante de personnages qui absorbent, et se substituent à la réalité d’autres personnages dans leur environnement. Nous montrerons également que l’écriture de Dick a évolué vers une vision plus spirituelle ou mystique en se détachant graduellement du récit de science-fiction traditionnel. Ce développement aura des répercussions significatives sur sa postérité cyberpunk. / This thesis examines the problematic of posthumanity in three novels by Philip K. Dick: The Three Stigmata Of Palmer Eldritch, Do Androids Dream Of Electric Sheep and Ubik. I shall argue that the notion of “transcendent subjectivity” is central to Dick’s conceptualization of the posthuman and that the novelist’s engagement with this notion enables a shift in his writing towards a more spiritual or mystical vision. Dick’s vision of the posthuman had a profound impact on cyberpunk authors such as William Gibson, Bruce Sterling and Neil Stephenson. The questioning of the posthuman is a recurring strategy in the work of these writers.

The Body and the Parent-Daughter Bond: Negotiating Filial Relationships in Edwidge Danticat’s Breath, Eyes, Memory and The Dew Breaker est une étude sur les différentes façons dont le corps déséquilibré, torturé et traumatisé influence la relation parent-fille. Cette thèse examine l’impact du pouvoir et de la violence sur le corps aussi bien des parents que celui des filles et les différentes manières dont ces corps deviennent déséquilibrés. Cette thèse porte sur la construction et la négociation de chacune des conditions de parents et de filles sous l’angle du corps sexué traumatisé. Le premier chapitre traite la littérature précédemment écrite sur le corps en premier lieu, et sur les liens de filiation dans les deux œuvres en second lieu. J'ai introduit ma contribution au domaine et les différents aspects de la relation parent-fille qui ne sont pas pris en considération et que ma thèse essaye de démontrer. Ce chapitre contextualise ces deux œuvres pendant l’ère de la dictature des deux Duvaliers, père et fils, en exposant et discutant l’impacte néfaste de cette dictature sur les familles. Ce chapitre conceptualise et définit le corps, qui est une construction culturelle et un site d'interaction entre le pouvoir et la violence, par rapport aux relations filiales. Dans le deuxième chapitre, l'accent est mis sur la relation de Martine et Sophie par rapport à la pratique rituelle du test de la virginité. Dans ce chapitre, j’ai soulevé des questions sur le pouvoir de Martine de discipliner et contrôler l’attitude et le corps de Sophie et la manière avec laquelle la fille peut réagir au contrôle et à la subjugation de sa mère. J’ai examiné le conflit intergénérationnel qui est intensifié par le désordre corporel. J’ai essayé de démontrer comment Sophie souhaite rejeter et se séparer du corps de sa mère et son incapacité à le faire. Dans le troisième chapitre, j’ai étudié la relation de M. Bienaimé avec sa fille Ka qui est perturbée à la fois par le corps de son père et l’identité antérieure de ce dernier en tant qu’ancien Tonton Macoute. La question soulevée dans ce chapitre concerne le corps du père comme un agent de violence politique et comme une source d’inspiration artistique pour sa fille. L'identification de Ka avec et plus tard sa séparation du corps de son père est au cœur de mon étude, car c’est ce corps là qui modifie cette relation filiale particulière, qui résulte en un traumatisme transgénérationnel. Mots-clés: corps, relation parent-fille, pouvoir, violence, Edwidge Danticat / The Body and the Parent-Daughter Bond: Negotiating Filial Relationships in Edwidge Danticat’s Breath, Eyes, Memory and The Dew Breaker is an investigation of the different ways the disordered, tortured and traumatised body alters the parent-daughter relationship. It explores the mechanisms of power and violence on the bodies of both parents and daughters and the ways these bodies become as disordered as the psyche. This thesis will deal with the construction and negotiation of both parenthood and daughterhood from the angle of the gendered traumatised body. The first chapter deals with the scholarship that has been written on either the body or the filial relationships in both works. I have introduced my own contributions to the field in addition to the different overlooked aspects of the parent-daughter bond that my thesis tries to demonstrate. This chapter contextualizes both fictions with the era of Duvalier’s dictatorship and conceptualizes and defines the body in relation to filial relationships as a cultural construction and a site of the interplay of power and violence. The second chapter focuses on Martine-Sophie’s bond in relation to the ritual practice of virginity testing. In this chapter, I raise questions about the extent of Martine’s power to discipline and control Sophie’s body and behaviour and how the daughter reacts to her mother’s empowerment. I examine the intergenerational conflict that is intensified by body dysmorphia. I also demonstrate how Sophie wishes to separate herself from her mother’s body and why she fails to do so. In the third chapter, I study Mr. Bienaimé-Ka’s relationship that is disturbed by both the father’s body and his past identity as a former Tonton Macoute. The question raised in this chapter concerns the father’s body as an agent of political violence and his daughter’s source of her artistic inspiration. Ka’s identification and later separation from her father’s body is at the heart of my study because it is this body that alters this particular filial relationship, resulting in transgenerational trauma. Key words: body, parent-daughter bond, power, violence, Edwidge Danticat

Du recueil A Boy’s Will (1913) au recueil In the Clearing (1962), l’œuvre du poète américain Robert Frost (1874-1963) déploie sa réflexion sur le concept d’écart, et le présente comme principe majeur de son esthétique et de sa stratégie d’écriture. Utilisant une approche fondée sur la micro-lecture des poèmes, cette thèse entend mettre en lumière la richesse d'une thématique frostienne qui permet de repenser la dialectique entre centre et marge à différents niveaux d'analyse : cette dialectique semble à l’œuvre non seulement dans la représentation poétique des espaces nord-américains mais aussi dans le rapport des textes à l'espace métaphorique du canon, ainsi que dans l'ambiguë mise en scène du sujet dans son rapport aux espaces intime, social et politique. Nous souhaitons montrer que le poète et les personae multiples qu’il adopte au fil des recueils privilégient un positionnement détaché, qui n’est ni complètement au centre ni complètement à l’écart, mais pour ainsi dire dans l’écart. Cette position de léger retrait, à la fois sereine et équilibriste, dessine ainsi un triple autoportrait du poète. Il fait le portrait d’un artiste chez qui la tension entre tradition et modernité, entre formes fixes et libre expérimentation, relève d'une position compliquée et féconde, qui permet à Frost de se situer à la fois à l'intérieur et légèrement à l'écart du genre de la poésie pastorale ; d'autre part, il esquisse le portrait « bougé » d'un sujet en mouvement au sein du paysage de Nouvelle-Angleterre, sujet que des tentatives d’ancrage dans certains territoires installent dans une position de voisinage méfiant avec son prochain, à la fois contre les autres et tout contre eux. Enfin, l’œuvre laisse apparaître en filigrane l’autoportrait d’un Américain utilisant la stratégie de l’écart dans l’habile mise en scène de sa propre iconisation. / From the collection A Boy’s Will (1913) to the collection In the Clearing (1962), the works of American poet Robert Frost (1874-1963) can be viewed as a reflection on the concept of deviation, presenting it as a major principle in his aesthetics and writing strategy. This doctoral dissertation provides a close reading of many poems, with a view to highlighting the highly seminal quality of the Frostian theme of the slight deviation, which allows one to rethink the dialectic between the center and the margins at different levels of analysis. This dialectic appears not only in the poetic representation of North American space, but also in the established connection between the texts and the metaphorical space of the canon, as well as in the ambiguous presentation of the poetic figure in relation to the intimate, social or political spheres. We wish to show that the poet together with the multiple personae that he uses in the collected poems, favor a specific vantage point, a detached position which is neither in the center nor completely in the margin, but rather within the limits delineated by some deviation. This slightly withdrawn position, which is both dispassionate and perilous, sketches out a triple self-portrait of the poet. It is the self-portrait of an artist for whom the tension between tradition and modernity, between fixed forms and free poetic experiments, creates a complicated but fertile position which allows Frost to position himself both within, and slightly on the margin of, the genre of pastoral poetry. Frost's poems also depict the portrait of a moving poetic figure in the New England landscape, a figure who is put, because of his attempts at settling in certain territories, in a situation where neighbors are both aware and wary of each other. Lastly, the poems could be regarded as the self-portrait of an American posturing as a marginal figure in the skillful staging of his own iconization.

Cette thèse étudie la valorisation des prêts en fonction du risque de crédit, du coût de liquidité et de l’option de prépaiement. Un prêt émis par une banque pour un de ses clients corporate est un accord financier qui est souvent plus flexible qu’un prêt au particulier. Ces options permettent ainsi de répondre aux attentes de leur client, par exemple avec l’option de prépaiement qui permet au client, s’il le souhaite, rembourser par anticipation une partie ou l’intégralité de son emprunt.Le prépaiement est la principale option et il fait l’objet d’une étude dans cette thèse. Afin de décider si l’exercice de l’option est profitable l’emprunteur compare les paiements restants avec le montant restant dû de son prêt. Si la somme des paiements restants est supérieure au montant nominal alors il est optimal pour l’emprunteur de refinancer sa dette à un taux d’intérêt inférieur. Pour une banque, l’option de prépaiement est essentiellement un risque de réinvestissement, ie. le risque qu’un emprunteur décide de prépayer et que la banque ne puisse pas réinvestir son excès de liquidité dans un nouveau prêt avec les mêmes caractéristiques.La résolution du problème de l’option de prépaiement peut être modélisée comme une option américaine sur la dette de l’emprunteur. Nous avons choisi dans cette thèse de valoriser le prix d’un prêt et de son option de prépaiement par une résolution d’un modèle EDP plutôt qu’un modèle d’arbres binomiaux (chronophage) ou que des techniques de Monte-Carlo (problème de convergence). / This PhD thesis investigates the pricing of a corporate loan according to the credit risk, the liquidity cost and the embedded prepayment option. A loan contract issued by a bank for its corporate clients is a financial agreement that often comes with more flexibility than a retail loan contract. These options are designed to meet clients’ expectations and can include e.g., a prepayment option (which entitles the client, if he desires so, to pay all or a fraction of its loan earlier than the maturity). The prepayment is the main option and it will be study in this thesis. In order to decide whether the exercise of the option is worthwhile the borrower compares the remaining payments with the outstanding amount of the loan. If the remaining payments exceed the nominal value then it is optimal for the borrower to refinance his debt at a lower rate. For a bank, the prepayment option is essentially a reinvestment risk, i.e. the risk that the borrower decides to repay earlier his/her loan and that the bank cannot reinvest his/her excess of cash in a new loan with same characteristics.The valuation problem of the prepayment option can be modelled as an embedded compound American option on a risky debt owned by the borrower. We choose in this thesis to price a loan and its prepayment option by resolving the associated PDE instead of binomial trees (time-consuming) or Monte Carlo techniques (slow to converge).

L’animal comme personnage et narrateur a été une figure présente depuis toujours dans la mythologie, les fables et l’épique. Au XXème siècle, l’incertitude en face des idéologies légitimatrices et l’émergence de nouvelles théories qui donnaient la parole aux opprimés, a servi pour revigorer la voix de l’animal. Divers genres littéraires et plusieurs écrivains ont utilisé cette voix. Notre recherche a comme but l’analyse de cette voix originelle dans les œuvres des écrivains hispano-américains de la deuxième moitié du XXème siècle. Pour y arriver, nous proposons l’identification d’un dessin général capable de répondre aux questions suivantes: pourquoi et comment l’animal participe dans la littérature. Notre étude est divisée en trois parties qui correspondent au dessin déjà mentionné. La première et la deuxième partie font l’analyse de la voix satirique. La différence entre les deux voix se trouve dans la cible de la satire. Pendant que la première critique et ridiculise les institutions et idéologies humaines, la deuxième dénonce la relation de pouvoir entre l’humain et l’animal. Finalement, nous faisons la recherche d’une voix narrative qui se concentre dans la psychologie, le monde et l’anecdote du même animal. Cette recherche propose de répondre à quelques questions qui motivent la participation de l’animal dans la littérature hispano-américaine du XXème siècle, et la façon dont cette participation se réalise. Nous espérons ainsi ouvrir le chemin par où la critique hispano-américaine pourra s’intégrer à l’étude d’un des personnages et un des narrateurs les plus intéressants : l’animal. / The animal character and the animal narrator have always played an important role, either in mythology, fables and the epic. In the late twentieth century, the incertitude regarding the metanarratives and the subsequent creation of theories that value the voices that were before silenced, gave the animal voice a new strength. The animal has increasingly been used in different genres and by several authors. Our research intends to analyze this voice in the work of Hispano-American authors from the second half of the XX century. In order to dos this effectively, we have searched for patterns that will help us understand the why and the how of animal literature. Our study is divided in three parts, based on the patterns we have discovered in the texts. The first and second part of this study analyzes the satirical voice. The difference between each voice has to do with the aim of their satire. While the first one criticizes and ridicules human’s ideologies and institutions, the second one questions the relationship of power established between humans and animals. In the third part, we inquire on a voice that focuses itself on the psychology, the world and the adventures of the animal.This study intends to clarify some of the reasons why the animal is used in the XX century Hispano-American literature, and described the manner in which this happens. We hope to create awareness in the Spanish academy about one of the most interesting characters and narrators: the animal. / El animal como personaje y narrador ha estado siempre presente,ya sea en los mitos, las fábulas y la épica. En el siglo XX, laincertidumbre ante los discursos legitimadores y el surgimiento denuevas teorías que privilegian la voz de los anteriormentesilenciados, sirvió para dar nueva fuerza al animal. Éste ha sidousado en diversos géneros y por una gran variedad de autores.Nuestro trabajo tiene como objetivo el análisis de esta voz, en laobra de los autores hispanoamericanos de la segunda mitad delsiglo XX. Para ello, proponemos la identificación de patrones, quenos ayuden a entender el porqué y el cómo del animal en laliteratura. El estudio se divide en tres partes, que corresponden alos patrones encontrados en los textos. La primera y la segundaparte analizan la voz satírica. La diferencia entre ambas vocesradica en el blanco de la sátira. Mientras la primera censura yridiculiza las instituciones e ideologías humanas, la segunda hacelo propio con la relación de poder entre el humano y el animal. Enla tercera parte, nos abocamos al estudio de una voz se enfoca en lapsicología, el mundo y las aventuras del propio animal.Este trabajo propone aclarar algunos motivos por los cuales elanimal es usado en la literatura del siglo XX hispanoamericana, ydescribir las maneras en que esto sucede. Con ello, esperamostambién abrir el camino para que la academia hispanoamericana seintegre también al estudio de uno de los personajes y narradoresmás interesantes: el animal.