Made available in DSpace on 2016-04-26T14:52:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rita de Cassia Alves de Oliveira.pdf: 26690123 bytes, checksum: 169f69168076c2662401c07be53d2acd (MD5) Previous issue date: 2001-06-28 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The São Paulo Bienal is the most important visual arts event in Brazil. Visited by a huge amount of people and carried out with heavy sponsored investments, most of which are private, the Biennial in São Paulo reaches the end of the 20th Century as one of the most important events in the world's art agenda. Created in 1951 by the business man and industry owner Francisco Matarazzo Sobrinho, the exhibition in São Paulo was inspired by the Biennial in Venice and nowadays it is part of a series of regular international exhibitions around the world, such as Kassel, Lyon, Sydney and Havana, among others. To begin with, if we want to understand the context of the creation of the Biennial in São Paulo, we have to take a look at the changes in the model of economic development adopted in Latin America after the 2nd World War, when events like that start being held everywhere in the continent. The years after war revealed a new cultural scenario and the Biennial in São Paulo is just one of many cultural events in a moment when patronage was changing and art reviewers were becoming professionals. The Museum of Modern Art in São Paulo (MAM) was in charge of the creation of the Biennials in the city and reflected the increasingly close economic and political rapport between Brazil and the United States. A crucial point related to the foundation~ of MAM and the Bienal was the polemic discussion concerning abstract art. After a decade as part of the museum activities, the Bienal became a foundation. Besides the institutional aspects, the São Bienal can be analyzed in the way and form it its presented at the end of the nineties. In that sense, the Universal Exhibitions that came out in the 19th Century are a starting point to understand the structure of the 24th São Paulo Bienal, in 1998, beginning with the segments that divided the exhibition. The present format of the event is due to the performance of important agents such as the professionals who put it together, art directors and curators who influenced the form of the Bienal until it got to the structure we know today. Since it is a mass event, the space utilization with several activities and services aimed at the public reveals somehow the way the final form of this event is the result of a negotiation in which the public, to some extent, also demands according to their will and necessity / O principal evento de artes plásticas no Brasil é a Bienal de São Paulo. Com público de massa e pesados investimentos patrocinados, na maior parte, pela iniciativa privada, a Bienal paulistana chega ao final do século XX como um dos mais importantes eventos do circuito artístico mundial. Criado em 1951 pelo industrial Francisco Matarazzo Sobrinho, o certame de São Paulo teve como modelo a Bienal de Veneza e hoje faz parte de uma série de exposições periódicas de caráter internacional espalhadas pelo mundo: Kassel, Lyon, Sydney, Havana, entre outras. O ponto de partida para começarmos a entender o contexto de criação da Bienal de São Paulo, está na alteração do modelo de desenvolvimento econômico adotado na América Latina após a Segunda Guerra Mundial, quando vários destes certames surgem no continente. Os anos do pós-guerra descortinavam um novo cenário cultural e a Bienal de São Paulo á apenas um dos empreendimentos culturais surgidos num momento em que o mecenato brasileiro se transformava e a critica de arte se profissionalizava. O Museu de Arte Moderna de São Paulo foi a instituição responsável pela criação das bienais paulistanas e refletia o estreitamento das relações econômicas e políticas entre o Brasil e os Estados Unidos. No bojo do surgimento do MAM e da Bienal estava a polêmica ao redor da arte abstraía. Depois de uma década de existência atrelada ao Museu, a Bienal é transformada numa fundação. Além do aspecto institucional, a Bienal de São Paulo pode ser analisada a partir do formato que apresenta no final dos anos 90. Neste sentido, as Exposições Universais, surgidas no século XIX, são o ponto inicial para se entender a estrutura da XXIV Bienal de São Paulo, realizada em 1998, a partir dos segmentos que dividiam a exposição. O formato atual do evento advém, especialmente, da anão de agentes importantes como montadores, diretores artísticos e curadores que vão, a partir de sua atuação, interferindo na forma da Bienal até ela atingir a estrutura que hoje se conhece. Como um evento de massa, a ocupação do espaço da Bienal com inúmeras atividades e serviços voltados ao público revela, em parte, o modo como a forma deste evento é constituída numa negociação com um público que também impõe, de uma certa forma, suas vontades e necessidades

Tendo como objetivo principal destrinchar o conceito do vazio e a forma como este permeou a produção artística e o pensamento humano ao longo dos tempos, esta pesquisa faz uma incursão por teorias filosóficas desde a Antiguidade Clássica ocidental até conceitos filosóficos e religiosos do Oriente, a fim de compreender como o interesse pela ideia de vazio migrou para a produção artística e, mais do que isso, consolidou-se como um importante fundamento para a Arte Moderna e para a produção contemporânea. Partindo de exemplos e momentos da História da Arte que permitam a compreensão das várias formas como o pensamento artístico incorporou o conceito nas obras de arte, a partir desta primeira busca histórica e conceitual, será feita uma investigação pela produção de artistas visuais cujas trajetórias foram marcadas por ideias de esvaziamento. Num segundo momento, uma análise da 28 Bienal de São Paulo cujo eixo curatorial manteve todo um pavimento vazio durante o período expositivo buscará compreender a forma como a presença do vazio pode se ampliar para além do objeto artístico e se incorporar ao próprio espaço institucional / As its main objective to disentangle the concept of emptiness and how it permeate the artistic production and the human thought over time, this research makes an incursion through philosophical theories from Western Classical Antiquity to Eastern philosophical and religious concepts, aiming to comprehend how the interest around the idea of emptiness migrated into the artistic production and, more than that, became an important foundation for the Modern Art and for the contemporary production. Taking examples and moments in Art History that allow us to understand how the artistic thought incorporated such concept in works of art, from this first historical and conceptual search we'll investigate the production of artists in whose trajectories the idea of emptiness was notorious. On a second moment, from an analysis of the 28th São Paulo Art Biennial - that had a whole floor empty throughout the exhibition period as a curatorial strategy - we'll try to understand the way the presence of the emptiness could expand beyond the artistic object and incorporate the institutional space

Orientador: Felipe Ziotti Narita / Coorientadora: Celia Maria David / Banca: Genaro Alvarenga Fonseca / Banca: Danilo Seithi Kato / Resumo: O objetivo deste trabalho é apresentar práticas críticas e condizentes com o perfil dos alunos no ensino de Arte na Educação de Jovens e Adultos. Para tanto, analisa materiais didáticos utilizados na Educação de Jovens e Adultos (EJA) da rede municipal de Franca-SP e as diversas legislações que fundamentam a disciplina de Arte como integrante do currículo escolar e toma por base os preceitos da pedagogia histórico-crítica para a proposição das práticas. Discutem-se também quais são os conteúdos previstos e as práticas desenvolvidas junto aos alunos dessa modalidade, que envolvem a arte contemporânea que, como manifestação produzida para além da contemplação, considera a participação do público, visto que as obras podem ser tocadas, deslocadas, cheiradas, degustadas, manipuladas, vestidas e até desmaterializadas. Esse aspecto implica uma mudança de postura do público, pois convida o espectador a refletir sobre seu papel ativo diante do entendimento e da compreensão das ideias, mensagens e códigos estéticos do material artístico. Assim, articulando a dimensão do ensino ao tema da apreciação estética, a pesquisa indica contextos de aprendizagem e faz reflexões sobre a arte contemporânea e suas diversas formas de expressão no currículo escolar da EJA. / Abstract: The objective of this work is to present pratices in the teaching of Art in the Education of Youths and Adults critical and in keeping with the profile of the students. Therefore, it analyzes didactic materials used in the Education of Young and Adults (Educação de Jovens e Adultos - EJA) of the municipal network of Franca-SP and on the laws that base the Art classroom as part of the school curriculum and is based on the precepts of historical-critical pedagogy, for the proposition of practices. It is also discussed what contents are foreseen and the developed practices carried out with EJA students, involving Contemporary art that, as a manifestation produced not only for contemplation, considers the participation of the public, as they can be touched, displaced, smelled, tasted, manipulated, dressed and even dematerialized. This aspect implies a change of behavior of the public, as it is invited to think about its active role in the understanding and comprehension of ideas, messages and aesthetic codes of artistic material. In order to articulate the dimension of teaching to the theme of aesthetic appreciation of contemporary art, the research indicates contexts of learning and thinking of contemporary art and its various forms of expression in the school curriculum. / Mestre

Orientador: Carlos Eduardo Jordão Machado / Banca: Francisco Cabral Alambert Júnior / Banca: Gustavo Henrique Dionisio / Resumo: Este trabalho aborda o diálogo entre o crítico de arte Mário Pedrosa e o escultor estadunidense Alexander Calder enquanto fonte de informações estéticas para artistas do chamado projeto construtivo brasileiro. A postura de Pedrosa como organizador da cultura ganhou outro patamar quando ele inicia um programa em defesa da inserção da arte abstrata na lógica artística nacional. Isso só foi possível ao crítico a partir de seu contato com a obra de Alexander Calder que, por sua vez, inaugurou uma estética inovadora na escultura. Unindo postulados da engenharia mecânica e sua grande inspiração circense, Calder deu origem a obras de natureza móvel: os móbiles e com eles reformulou o próprio conceito de escultura. Essas novas possibilidades plásticas apontadas por Calder foram responsáveis por muitas das inovações artísticas no Brasil, pois elas trouxeram a Pedrosa um expressivo alargamento de horizontes para com o fenômeno artístico, sendo desencadeador direto de sua ação como crítico e mentor de uma geração de jovens e brilhantes artistas do Neoconcretismo / Abstract: Our work treats the dialogue between the art critic Mário Pedrosa and the north-American sculptor Alexander Calder while source of esthetic information to artist of the Brazilian constructive project. Mário Pedrosa‟s as culture organizer gain another level when he starts a program in defense of abstract art and its insertion in the Brazilian‟s artistic logic. This was possible to the critic only after his contact with Alexander Calder‟s workmanship that, by his turn, started a pioneer esthetic in sculpture. Joining postulates of mechanics engineering and his great inspiration on circus, Calder gave origin of mobiles sculptures and it reformulates the concepts of sculpture. These new possibilities pointed by Calder was responsible for many of the artistic innovations in Brazil, because they brought to Pedrosa a expressive widening of horizons with the artistic phenomenon, being directly responsible by his action wile critic and mentor of the brilliant and young artists generation of Neoconcretism / Mestre

Esta dissertação faz uma reflexão sobre as formas construídas na arquitetura da favela, através da poética e da retórica da collage, e tem como objeto de estudo a Vila do Chocolatão, uma favela situada no centro da cidade de Porto Alegre. A collage se insere como critério de análise, e como linguagem que a representa e simultaneamente lhe possibilita ser representada. Na Vila do Chocolatão encontram-se características semelhantes àquelas aplicadas a collage nas artes, como: inimage, rollage, décollage, reliefs, cadavre–exquis, acumulação, objet trouvé, ready-made. Além disso, collage e favela partilham das mesmas caracterisitcas de transitoriedade, fragmentação, heterogeneidade e sobreposição; nelas materiais e corpos se unem como representação social. / This dissertation intends to make a reflection about the constructed forms in the slum quarter architecture, seen for the poetical and the rhetoric of collage; and has as study object the Vila do Chocolatão, a slum quarter situated in downtown Porto Alegre. Collage is inserted as analysis criterion, language that represents it and be represented simultaneously. Similar characteristic to those collage applied in arts are found at Vila do Chocolatão, such as: inimage, rollage, décollage, reliefs, cadavre-exquis, accumulation, objet trouvé, ready-made. Besides, collage and slum quarter share the same characteristics of transitoriness, fragmantation, heterogeneity and overlapping; in them materials and bodies are joined as social representation.

HORN, Evelyse Lins. Fotografia expandida: o documentário imaginário de uma paisagem submersa entre a arte contemporânea e o documental. 2012. 176f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Comunicação Social, Fortaleza (CE), 2012. / Submitted by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-04-02T14:22:27Z No. of bitstreams: 1 2012-DIS-ELHORN.pdf: 3540748 bytes, checksum: 727996196e601ecaca3da6b0ccaffebe (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo(marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2014-04-02T14:40:18Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2012-DIS-ELHORN.pdf: 3540748 bytes, checksum: 727996196e601ecaca3da6b0ccaffebe (MD5) / Made available in DSpace on 2014-04-02T14:40:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2012-DIS-ELHORN.pdf: 3540748 bytes, checksum: 727996196e601ecaca3da6b0ccaffebe (MD5) Previous issue date: 2012 / This research is about the photography between contemporary art and documentary. We will use, as the object, the photographs of the book "Underwater Landscape", of the photographers John Castillo, Pedro David and Pedro Motta, who appear as a hybrid, with characteristics of both, the art and the document. The text has its theoretical basis through reflection on the approach to documentary photography and contemporary art, using the authors André Rouillé, Jacques Rancière, Nicholas Bourriaud and Rosalind Krauss. The methodology used was the Photographic Analysis of François Soulages proposing that we should look at the photograph as a particular kind of visual sign produced in specific contexts and social relations in which the senses are operated and produced for him to understand the object to be photographed, we think of it as an object-problem, and we should examine it according to the photographic material and its critical questioning, and at the same time, the cultural imaginary. We improved this, with the ideas of Jon Prosser, who says the interpretative process of the Case Study requires the management of visual data in a logical sequence, which includes organizing, indexing and categorization. The interpretive process begins before the pictures are seen, decisions on which photos and how they were chosen, it is necessary to create a sense among the photographs, by observing the valuation contained in the images and their relation to the process. / Esta pesquisa é sobre a fotografia entre a arte contemporânea e o documental. Usaremos como objeto as fotografias do livro “Paisagem Submersa”, dos fotógrafos João Castilho, Pedro David e Pedro Motta, que se mostram como um híbrido, apresentando caracteristicas tanto da arte, como do documento. O texto tem suas bases teóricas por meio da aproximação de reflexões sobre a fotografia documental e a arte contemporânea, utilizando os autores André Rouillé, Jacques Rancière, Nicholas Bourriaud e Rosalind Krauss. A metodologia utilizada foi a Análise Fotográfica, de François Soulages, que propõe que devemos olhar a fotografia como um tipo particular de signo visual produzido em contextos específicos e as relações sociais nas quais os sentidos são operados e produzidos. Para ele, ao entender o objeto a ser fotografado, devemos pensá-lo como um objeto-problema, e devemos examiná-lo em função do material fotográfico e seu questionamento crítico e, ao mesmo tempo, dos imaginários culturais. Acrescentamos a isso as ideias de Jon Prosser, que diz que o processo interpretativo do Estudo de Caso requer o gerenciamento dos dados visuais em uma sequência lógica, que inclui organização, indexação e categorização. O processo interpretativo começa antes das fotografias serem vistas, nas decisões de quais fotografias e como elas foram escolhidas. Para isso, é necessário criar um sentido entre as fotografias, mediante a observação da valoração contida nas imagens e sua relação com o processo.

Orientador: Geralda Mendes F.F. Dalglish / Banca : Agnaldo Germano Valente da Silva / Banca : Marta Dantas da Silva / Resumo: Esta pesquisa na área de processos e procedimentos artísticos tem como eixo norteador a arte cerâmica e a memória como elementos criativos. O estudo inicia-se com a história azulejar no Brasil e o acervo dos painéis produzidos desde o período colonial até a atualidade. O uso dos painéis e murais em cerâmica reforça o potencial desse material como suporte e forte veículo mnemônico. A primeira abordagem mnmônica se apresenta por meio das obras de Frida Kahlo e Sophie Calle, que utilizam a escrita e as memórias pessoais como elementos geradores de propostas em arte. Diante destes apontamentos, e de algumas produções contemporâneas apresentadas no corpo do trabalho, três artistas receberam enforque: Zandra Coelho de Miranda, Caroline Hararu e Maria Bonomi. Verificam-se em suas produções artísticas dois elementos comuns: o uso do barro como matéria de trabalho e o tema mnemônico. Ambos também estão presentes nas produções da autora nessa pesquisa. A exposição realizada em 2010 no Instituto de Artes da UNESP, intitulada Doadores de memórias, é fruto das elaborações mencionadas, produzidas durante este percurso sob a influências das artistas estudadas. O presente estudo - soma de uma prática pessoal e das referências abordadas - almeja despertar outros olhares para a compreensão da arte cerâmica como caminho possível, repleto de potenciais para a criação artística contemporânea / Abstract: This research in artistic processes and procedures has as its guiding lines ceramic art and memory as creative elements. The study begins with the story of tile in Brazil and the body of panels produced from the colonial period up to today. The use of ceramic panels and murals enhances the potential of this as a spport and strong mnemonic vehicle. The first mnemonic approach is presented through the wortks of Frida Kahlo and Sophie Calle, who use writing and personal memories as generating elements for proposals in art. In face of these facts, as well as some contemporary productions in the body of our work, three artists were given focus: Zandra Coelho de Miranda, Caroline Harari and Maria Bonomi. There are two elements in common in their artistic production: the use of clay as raw material and the theme of memory. Both are also present in the productions of the author of this research. The exhibtion held in 2010 at the Art Institute of UNESP, entitlede Doadores de memorias (Donors of memories), is the result of the elaborations menthioned, produced during the development of this research and under the influence of the artists studied. This study - a sum of personal practice and the studied references - aims to encourace other perspectives for the comphehension of ceramic art as a possible path, fraught with potential for comtemporary artistic creation / Mestre

Tendo como objetivo principal destrinchar o conceito do vazio e a forma como este permeou a produção artística e o pensamento humano ao longo dos tempos, esta pesquisa faz uma incursão por teorias filosóficas desde a Antiguidade Clássica ocidental até conceitos filosóficos e religiosos do Oriente, a fim de compreender como o interesse pela ideia de vazio migrou para a produção artística e, mais do que isso, consolidou-se como um importante fundamento para a Arte Moderna e para a produção contemporânea. Partindo de exemplos e momentos da História da Arte que permitam a compreensão das várias formas como o pensamento artístico incorporou o conceito nas obras de arte, a partir desta primeira busca histórica e conceitual, será feita uma investigação pela produção de artistas visuais cujas trajetórias foram marcadas por ideias de esvaziamento. Num segundo momento, uma análise da 28 Bienal de São Paulo cujo eixo curatorial manteve todo um pavimento vazio durante o período expositivo buscará compreender a forma como a presença do vazio pode se ampliar para além do objeto artístico e se incorporar ao próprio espaço institucional / As its main objective to disentangle the concept of emptiness and how it permeate the artistic production and the human thought over time, this research makes an incursion through philosophical theories from Western Classical Antiquity to Eastern philosophical and religious concepts, aiming to comprehend how the interest around the idea of emptiness migrated into the artistic production and, more than that, became an important foundation for the Modern Art and for the contemporary production. Taking examples and moments in Art History that allow us to understand how the artistic thought incorporated such concept in works of art, from this first historical and conceptual search we'll investigate the production of artists in whose trajectories the idea of emptiness was notorious. On a second moment, from an analysis of the 28th São Paulo Art Biennial - that had a whole floor empty throughout the exhibition period as a curatorial strategy - we'll try to understand the way the presence of the emptiness could expand beyond the artistic object and incorporate the institutional space

Submitted by Maykon Nascimento (maykon.albani@hotmail.com) on 2014-10-21T17:31:09Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Dissertacao. Texto completo.Christine.pdf: 17672261 bytes, checksum: 0d6fec223e9b71e8d2279c6cad260899 (MD5) / Approved for entry into archive by Elizabete Silva (elizabete.silva@ufes.br) on 2014-11-17T20:11:18Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Dissertacao. Texto completo.Christine.pdf: 17672261 bytes, checksum: 0d6fec223e9b71e8d2279c6cad260899 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-11-17T20:11:18Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Dissertacao. Texto completo.Christine.pdf: 17672261 bytes, checksum: 0d6fec223e9b71e8d2279c6cad260899 (MD5) Previous issue date: 2014 / Esta dissertação investiga o unheimlich – em português, 'estranhamente familiar' -, conceito psicanalítico desenvolvido por Sigmund Freud, em obras que fazem parte de 4 (quatro) séries do trabalho do artista plástico Attilio Colnago: "Do Retorno às Meias Verdades", “10 + 1 Perigosas Maneiras de Amar", "Minas das Liberdades Gerais" e "Diálogos com a Paixão". Aproxima as obras do artista – já tão conhecidas por seus aspectos principais tais como a presença da figura humana, os espaços interiores, o sagrado em um contraponto com o profano, e as memórias – do estranhamente familiar. Para tanto, pesquisou-se a bibliografia ligada ao tema, que teve como ponto de partida o ensaio de Freud de 1919, "Das Unheimliche", – traduzido para o português como "O Estranho" – e prosseguiu-se através de escritos de outros autores que se interessam pelo conceito de estranhamente familiar, trazendo-o para a contemporaneidade e associando-o a outras áreas do conhecimento, entre eles Nicholas Royle, Anneleen Masschelein e Anthony Vidler. Com base na teoria estudada foram selecionadas, dentre as séries escolhidas, as obras mais significativas em relação ao tema para serem analisadas. Busca-se desvendar e analisar um lado ainda não investigado da obra do artista e ao mesmo tempo mostrar a importância de se estudar o conceito de estranhamente familiar no campo das artes plásticas. / This thesis investigates the unheimlich (uncanny), a concept on psychoanalysis developed by Freud, in works belonging to 4 (four) of the painter Attilio Colnago's series: "Dialogues with Passion" ("Diálogos com a Paixão"), “10+1 Dangerous Ways to Love” (“10 + 1 Perigosas Maneiras de Amar"), "Minas of General Liberties" ("Minas das Liberdades Gerais”), "On Return to Half Truths" ("Do Retorno às Meias Verdades"). It relates the author's works – which are widely know for their main characteristics such as the presence of the human figure, the interiors, the cross between the religious and the profane, and the memories – to the uncanny. Such goal was made possible by research on Freud's 1919 essay "Das Unheimliche" (The Uncanny) and associated literature by other authors who have studied the uncanny, such as Nicholas Royle, Anneleen Masschelein and Anthony Vidler, who brought the concept up to date and related it to other fields of study. After said research and documental analysis, pictures of Attilio Colnago's work that showed traces of uncanny were assembled for further studying. By analysing the painter's work and unveiling a new angle from which to do so, one hopes to prove the uncanny a subject worthy of being studied in the field of fine arts.

Submitted by Patricia Barros (patricia.barros@ufes.br) on 2015-11-13T10:21:39Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Amarelinho uma experiencia com arquivos dos festivais de verao em Nova Almeida.pdf: 132741161 bytes, checksum: 429b0326dd44bc2265aef1e2ee558f6a (MD5) / Approved for entry into archive by Morgana Andrade (morgana.andrade@ufes.br) on 2015-11-23T19:38:49Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Amarelinho uma experiencia com arquivos dos festivais de verao em Nova Almeida.pdf: 132741161 bytes, checksum: 429b0326dd44bc2265aef1e2ee558f6a (MD5) / Made available in DSpace on 2015-11-23T19:38:49Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Amarelinho uma experiencia com arquivos dos festivais de verao em Nova Almeida.pdf: 132741161 bytes, checksum: 429b0326dd44bc2265aef1e2ee558f6a (MD5) Previous issue date: 2013 / Capes / O trabalho Amarelinho: uma experiência com arquivos dos Festivais de Verão tem como fonte de pesquisa os registros localizados na sala de arquivos do Centro de Artes da Universidade Federal do Espírito Santo. Esses registros documentam uma série de eventos realizados pelo Centro de Artes por uma década (1989/1999), em toda segunda quinzena do mês de janeiro de cada ano, na Igreja de Reis Magos, na cidade de Nova Almeida em Serra, Espírito Santo. A palavra Amarelinho aparece como elemento aglutinador desta experiência narrativa, como um dispositivo de conversas com alguns participantes do evento para um registro histórico polifônico. Isso porque a palavra Amarelinho se refere ao nome e à cor de um bar de veraneio que acolhia os frequentadores dos Festivais de Verão em Nova Almeida, que ali se reuniam todos os dias para conversar. Um lugar onde os protocolos eram quebrados em função das conversas em fluxo, lugar de sensações, afetos e construção de linguagens. Neste trabalho a palavra é utilizada como estratégia para a construção de um ambiente discursivo em sintonia com o objeto de estudo, falar de uma história em curso com os arquivos dos Festivais de Verão em Nova Almeida. Os conceitos de ontologia do presente e de arquivo de Michel Foucault são colocados em exercício com a pesquisa que inclui também um estudo de caso, o projeto Você gostaria de participar de uma experiência artística?, de Ricardo Basbaum, visto por suas relações históricas com o evento. Trata-se, portanto, de um estudo crítico-teórico e também de uma experiência poética com os arquivos, imagens e textos elaborados com os programas de cursos e seus registros, daí a presença da palavra experiência, que não quer remeter a um passado, mas transitar por tempos heterogêneos. / The work Amarelinho (Little Yellow): a experience with files of the Summer Festivals has a research source the records located in the file room of the Arts Center of the Univesidade Federal do Espírito Santo. These records are documents of a series of events organized by the Arts Center for a decade (1989 / 1999) every two weeks of the month of January at the church of the Magi in the city of Nova Almeida, in Serra, Espírito Santo State. The word Amarelinho appears as a agglutinating element as a device for conversations that took place with some participants of the event for a polyphonic historical record. That's because the word Amarelinho is related to the name and the color of the bar that welcomed all those that attended the Nova Almeida Summer Festivals and there they gathered to talk,, a place where the protocols were broken due to the flow of interactions, place of sensations, feelings and language construction. In this work, the word is used as a strategy to build a discourse environment in tune with the subject matter of the research. We aim to talk about an ongoing story with the files of the Summer Festivals of Nova Almeida. The concepts of ontology of the present and file of Michel Foucault are in tune with the research that also includes a case study, the project "Would you like to participate in an artistic experience?” of Ricardo Basbaum, seen by his historical relations with the event. It is, therefore, a critical theoretical study and a poetic experience with the files, images and texts, prepared with the course programs and their records, hence the presence of the word experience, that does not want to refer to a past, but move about heterogeneous times.