Primera conferencia del ciclo "Autoconstrucción &(algunos procesos) aledaños. Conversaciones sobre arquitectura y arte"

Ponentes: Abrahan Cruz Villegas – Ecole des Beaux Arts de Paris / Robin Greeley – Profesor de arte Latinoamericano, Universidad de Connecticut / Charla sobre Arquitectura y Arte de la escuela de Bellas Artes de París.

Magíster en artes mediales / En este trabajo de tesis, para obtener el título de Magíster en Artes Mediales, se ha desarrollado un ejercicio de convergencia o hibridación medial a través de una video Instalación que exhibe y manipula contenido visual basado en la expresión gestual humana. Se trata de un artefacto compuesto que remite al cuadro, al retrato fotográfico y al video. Tiene un marco, pero una pantalla en vez de tela. La pantalla reproduce la imagen digital de un retrato, que se modifica con la presencia del espectador.

Magíster en artes, mención artes visuales / La tesis que se presenta a continuación se levanta desde la observación y creación de ejercicios visuales que dan cuenta de las inquietudes de la autora.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2018. / A presente dissertação de Mestrado em Arte: ARTE CONTEMPORÂNEA, FULERAGEM E ITERAÇÃO: TANTO FAZ SE É PERFORMANCE OU NÃO aborda processos criativos do trabalho poético feito por Natasha de Albuquerque, atravessado pelo grupo Corpos Informáticos e contaminado por iteratores que modificam as propostas. São deglutidos os conceitos: iteração, fuleragem, (e)vento, composição urbana, mar(ia-sem-ver)gonha, sinal nomadizante, sinal normatizante, cá-já, cá-qui, já-cá, mét-todo e lance - criados pelo Corpos Informáticos. Também é proposto o termo "tanto faz se é performance ou não" - para desestabilizar as certezas e navegar em um trajeto de paradoxos, perplexos, absurdos de uma arte ou fuleragem que se afirma e se rasga, que é pró e contra, ambígua por natureza. A arte contemporânea está em terreno frágil em tempos de crise política, incompreensão e reboliço estético; sua permanência torna-se resistência, subversão e gera reações diversas. Esta pesquisa realiza-se na brecha da rua, de museus, de galerias e da internet na vontade de ocupar qualquer lugar possível, compor, deslizar e derivar num lance livre sem método. / This Master's Degree in Art dissertation: CONTEMPORARY ART, FULERAGEM AND ITERACTION: IT DOESN'T MATTER WHETHER IT IS PERFORMANCE OR NOT reflects upon the creative processes of the poetic work made by Natasha de Albuquerque, crossed over by the Group called Corpos Informáticos and contaminated by iteractors that modify the proposals. The concepts are then swallowed: iteraction, fuleragem, (e)vent, urban composition, mar(ia-sem-ver)tinha , sinal nomadizante, sinal normatizante, cá-já, cá-qui, já-cá, mét-todo e lance - created by Corpos Informáticos Group. It is also proposed the term "it doesn't matter whether is performance or not" - to destabilize the certainties and sail on a route full of paradoxes, startled by the absurd of an art or fuleragem that affirms itself and tears itself apart, that is pro and against it, ambiguous by nature. The contemporary art is on a fragile land in times of political crises, incomprehension and aesthetics rustle; its permanence becomes resistance, subversion and generates diverse reactions. This research is made on street alleys, museum's and gallery's corners and also internet's with the goal of occupying any possible place, composing, slipping and deriving in a free fling without method. / Ce texte pour la Maîtrise en Art: Art contemporain, Fuleragem et Itération: ça met égal que ce soit performance ou non traite des processus poétiques créatifs réalisés par Natasha de Albuquerque, traversé par le groupe Corpos informáticos, dont je fais partie. Il est contaminé par des itérateurs qui modifient les propositions. Les concepts sont avalés: itération, fuleragem, (e)vent, composition urbaine, mar(ia-sem-ver)gonha, signe nomadisant, signe normatizant, ici-et-maintenant (cá-já, cá-qui, já-cá), méthode (mét-todo) et coup (lance). Ces concepts ont été créés par le groupe Corpos informáticos. On propose, également, le terme: "ça met égal que ce soit performance ou non" - pour déstabiliser les certitudes et naviguer par des chemins de paradoxes, perplexes, absurdes d'un art ou fuleragem qui s'affirme et se déchire, ce qui est pour et contre, ambigu par nature. L'art contemporaine est dans un terrain fragile en période de crise politique, incompréhension et commotion esthétique; sa permanence devient résistance, subversion et engendre des réactions diverses. Cette recherche a lieu à l'intersection de la rue, des musées, des galeries et de l'internet, dans la volonté d'occuper n'importe quel lieu, composer, glisser et dériver dans un lancer franc sans méthode.

Orientador: Antonio Francisco Marques / Banca: Eliana Marques Zanata / Banca: Ana Maria Lombardi Daibem / Resumo: Este trabalho foi desenvolvido a partir de observações cotidianas em sala de aula, na disciplina de Arte, nos anos iniciais do Ensino Fundamental de uma escola pública, no interior do estado de São Paulo, com enfoque nas concepções estéticas de teor heteronormativo, uma vez que se têm constatado falas preconceituosas e sexistas entre os educandos, com atitudes que se reproduzem no ambiente escolar, resultando em posturas de segregação. Daí a necessidade de se discutir tais posturas heteronormativas no âmbito escolar e de se promover, por meio de grupos operativos, mudanças em relação às referidas situações observadas pela arte-educadora e pesquisadora no cotidiano da escola. Assim, por objetivo geral buscou-se desenvolver consciência crítica e reflexiva para superar a estética heteronormativa entre os educandos. Nessa direção, apresentam-se como objetivos específicos: a) A construção e aplicação de uma Sequência Didática utilizando conceitos da Psicologia Social para formação de Grupo Operativo, propiciando a superação de modelos heteronormativos; b) disponibilizar os procedimentos efetuados, ações e orientações, ou seja, o produto integrante à dissertação deste trabalho, em um site. Sob a abordagem qualitativa, o trabalho constitui-se no entrelaçamento de três linhas de estudo, que convergem em sua ideologia e didática: a construção de grupos transformadores de sua realidade (grupo operativo); uso da metodologia em pesquisa-ação (educador fazendo parte/atuando na construção ... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This work was developed based on daily observations in the classroom, in the Art subject classes on the initial years of a public Elementary School, in São Paulo state, focusing on aesthetic conceptions of heteronormative content, since it has been observed a biased and sexist speech among students, with atitudes that are reproduced in the school environment, resulting on postures of segregation. Hence the need of discussing such heteronormative postures in the school context and to promote, through operative groups, changes in relation to the referred situations observed by the art educator and researcher in the daily life of the school. Thus, the general goal of this work has been to develop critical and reflexive awareness to overcome the heteronormative aesthetics among learners. In this directiono, specific purposes are preserved: a) the development and application of a pedagogical sequence model using Social Psychology concepts to form an Operative Group, providing the overcoming of heteronormative models; B) provide the procedures, actions and guidelines, that is, the integral product of this dissertation work, in a website. Under a qualitative approach, this work consists in an interweaving of three lines of study, which converge in its ideology and didactics: the construction of transforming groups on their own reality (operating group); The use of a methodology in action research (educator as part/acting in the construction of the project); and the search for change in relation to a present and subjectively heteronormative situation (gender relations) in the school environment. It is noticeable referrals in the conception of Popular Education by the texts of Paulo Freire that served as base for this work. The results obtained by the systematic observation of the students' perception pointed to advances on tolerance postures, even it has been a small one... (Complete abstract electronic access below) / Mestre

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas. Programa de Pós-Graduação em História. / Made available in DSpace on 2012-10-22T03:39:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 204243.pdf: 3422764 bytes, checksum: 265b6cdc50d5aa0dde6a5c952e2ccad1 (MD5) / O objetivo desta dissertação é refletir acerca de obras situadas entre as décadas de sessenta e setenta, de modo a relacioná-las com algumas obras da década de noventa. Com a intenção de conectar os artistas através de suas obras, o espaço pode ser concebido de duas maneiras: como uma poética permeada pelo vazio e pelo silêncio; e também como um espaço que agrega, amontoa, e enche tornando-se um espaço povoado, cheio. Percebendo o espaço como um tema relevante para abordar questões atuais relativas à sensibilidades e à percepções contemporâneas, esta dissertação desenvolve uma reflexão através de elementos presentes nas obras de artistas plásticos, literatos e cineastas. Sendo o espaço entendido por duas concepções complementares _ o vazio e o cheio_ o recorte cronológico será efetuado através da compreensão referente à arte a partir da década de sessenta. Considerando exposições, galerias e Bienais de Arte, avista-se menos os locais específicos e pontuais, recolocando o tema através de um viés histórico tecido em suas nuances, pontos de semelhanças, repetições e diferenças, em que o mesmo assunto pode ser visto como fragmentos justapostos e dispersos, em distintas e complexas combinações.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2016. / Submitted by Camila Duarte (camiladias@bce.unb.br) on 2017-02-06T12:20:18Z No. of bitstreams: 1 2016_DiegoAzambujadeAlmeida.pdf: 8030649 bytes, checksum: 8b7f0c6b64de959527330f3dca092e6b (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2017-03-13T18:02:11Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_DiegoAzambujadeAlmeida.pdf: 8030649 bytes, checksum: 8b7f0c6b64de959527330f3dca092e6b (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-13T18:02:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_DiegoAzambujadeAlmeida.pdf: 8030649 bytes, checksum: 8b7f0c6b64de959527330f3dca092e6b (MD5) / O texto apresenta a relação entre a noção de plasticidade corporal apresentado pelo autor Gonzalo Aguilar em sua análise da pintura Abaporu de Tarsila do Amaral (1928) e da hipótese plasticidade cerebral apresentada pelo neurocientista Miguel Nicolélis em sua pesquisa sobre a neurociência distribucionista, questionando a noção clássica de Antropofagia como absorção e destruição de corpos. A partir da relação entre a Antropofagia de Oswald de Andrade e as Tecnofagias de Giselle Beiguelman (2012), que multiplica a noção de antropofagia no singular em antropofagias na proposição de suas antropofagias tecnológicas, proponho a compreensão das antropofagias como tecnofagias a partir da relação entre o humano e o técnico na noção proposta Bernard Stiègler da antropogênese como tecnogênese. Crio os neologismos absorversões e atraversamentos, a partir da relação entre as palavras absorção e atravessar com a palavra versar, significando simultaneamente versos e versões, para argumentar a compreensão das antropofagias como tecnofagias, onde nesse processo haveria a criação de corpos em rede se dariam a partir dos compartilhamentos nas redes e criariam assim, a partir da fragmentação e multiplicação de corpos e presenças em relação direta e mediada por tecnologias apresentando a noção de REDEmensionamentos nas criações artísticas nas ruas e nas redes. / The text present the relationship between the notion of body plasticity presented by the author Gonzalo Aguillar throw the analise of Tarsila do Amaral´s painting called Abaporu (1928), crossing with the hipothesis of brain plasticity presented by Miguel Nicolelis in his networking neuroscience research, questioning the classical notion of Anthropophagy as absorption and destruction of bodies. By the relationship between Oswald de Andrade´s proposal of Anthopophagy (1928) and Giselle Beigelman´s proposal of Technophagies (2012), that multiply the notion of Antrhopophagy presenting in her technological anthropophagies, i propose the compreention of antropophagies as technophagies by the relation between human and technics proposed by the anthropogenesis as technogênesis presented of Bernard Stiegler. I create the neologisms absorversões and atraversamentos, uning the words in portugueses “absortion” and “crossing” to the word verse, meaning simultaneously poetic verses and version to argue the compreention of the anthropophagies as technophagies and this process as creation of bodies by the network sharing and by simultaneous fragmentation and multiplication of bodies and presences in direct and mediated contact by Technologies in artistc criation on streets and on internet. This process we call REDEmensionamentos in portuguese, that means the redimenionig of bodies as network scale.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes Visuais, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2014. / Submitted by Andrielle Gomes (andriellemacedo@bce.unb.br) on 2015-07-03T16:53:54Z No. of bitstreams: 1 2014_YanaTamayoSotomayor.pdf: 39764134 bytes, checksum: 4539c976cd5098fb31cb2ab2490b18d4 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2015-07-16T12:53:19Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_YanaTamayoSotomayor.pdf: 39764134 bytes, checksum: 4539c976cd5098fb31cb2ab2490b18d4 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-07-16T12:53:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2014_YanaTamayoSotomayor.pdf: 39764134 bytes, checksum: 4539c976cd5098fb31cb2ab2490b18d4 (MD5) / Há mais de cinco séculos a cidade surgiu na arte como personagem da representação, abrindo espaço para que também a natureza fosse um elemento digno de ser contemplado, em separado da divindade. Esta investigação observa a vida urbana como objeto do olhar e acompanha o desenvolvimento da sociedade do progresso racional no Ocidente como uma trajetória marcada pela verticalização e ruína do instrumental que a caracterizou. A partir de uma reflexão sobre a condição material da arte e da imagem de um sujeito moderno em constante queda, buscamos criar mecanismos poéticos de fuga de um sublime entrópico que engendra há algum tempo a produção de imagens. Com o questionamento sobre a disseminação de imagens de ruína na arte contemporânea, observamos o processo de fragmentação das estruturas mitológicas do progresso por meio do estatuto da arquitetura e do modelo de crescimento capitalista das cidades. A arte, entendida como possibilidade de romper com as estruturas normativas da realidade através da linguagem, opera no presente trabalho como gesto utópico capaz de catalisar processos críticos de ruptura com os discursos dominantes do conformismo que caracterizam a imaginação sobre o presente e possíveis futuros. ______________________________________________________________________________________________ ABSTRACT / For over five centuries, the city has emerged in art as a character of representation, making room for nature as an element worth of being contemplated separately from divinity. This research looks at the urban life as an ob¬ject of the gaze, and follows the development of a rational progress society in the West as a trajectory marked by verticalization and by the ruin of the instruments that are characteristics of this society. Based on a reflection about the material condition of art and about the image of a modern subject in constant fall, we seek to create poetic me¬chanisms of escape from an entropic sublime that engenders the production of images since a while ago. By ques¬tioning the spread of ruin images in contemporary art, we observed the process of fragmentation of mythological structures of progress through the architecture status and the capitalist growth model of cities. Art, understood as a possibility to break the normative structures of reality through language, operates in this work as a utopian gesture capable of catalyzing critical processes of rupture with the dominant discourses of conformity featuring the imagination about the present and possible futures.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2018. / Submitted by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2018-08-07T18:44:52Z No. of bitstreams: 1 2018_AneliseVieradosSantosWitt.pdf: 3880485 bytes, checksum: 7769a5bae68658bf2f06b1c362a24cda (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2018-08-08T19:19:01Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2018_AneliseVieradosSantosWitt.pdf: 3880485 bytes, checksum: 7769a5bae68658bf2f06b1c362a24cda (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-08T19:19:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2018_AneliseVieradosSantosWitt.pdf: 3880485 bytes, checksum: 7769a5bae68658bf2f06b1c362a24cda (MD5) Previous issue date: 2018-08-07 / Esta pesquisa em Arte e Tecnologia busca investigar as relações entre o entretenimento e a arte através da análise e produção de gameartes. Percebe-se que a gamearte, que é o game pensado como arte, e os também games independentes, possuem afinidades que terminam despercebidas, devido ao nosso constante anseio de categorizar. Por meio de um estudo teórico-prático, partimos de uma contextualização dos games e da sua inserção nos circuitos, não apenas naqueles destinados à arte computacional, mas também nos do entretenimento. Através da análise dos jogos selecionados, busco compreendê-los por meio de teorias como a do Homo Ludens de Huizinga, do Homo Aestheticus de Ellen Dissanayake, além de pensar a cultura com Zygmunt Bauman, passando pelo pensamento complexo de Edgar Morin até a simplicidade de John Maeda. Proponho a união amistosa da arte com o entretenimento como um entretenimento crítico. Para auxiliar na discussão, exponho o contexto brasileiro na questão das instituições culturais e leis de incentivos fiscais. Em um contexto mais global, pontuo alguns dos nossos hábitos de consumo na internet como uma análise diagnóstica de um tempo de muitas possibilidades, mas de poucas escolhas. Considero que o entretenimento, como um provocador de linguagem na arte, é real e necessário, visto que estamos cada vez mais imersos em algoritmos de recomendação. / This research in Art and Technology aims to inquire into the relation between entertainment and art, through the analysis of the gameart production. Gameart, that is, the game designed to be a work of art, and also the independent games, both have some similarities that can pass unnoticed by our constant necessity of labelling them. Through this theoretical and practical research, I start by the gaming contextualization and, then, investigating the role of gameart, not just in the computer art scene, but also in entertainment. Through the analysis of the selected games, I try to understand them passing through theories such as Huizinga's Homo Ludens, Ellen Dissanayake's Homo Aestheticus, as well as thinking of culture with Zygmunt Bauman, from the complex thinking of Edgar Morin to the simplicity of John Maeda. I propose a friendly union between art and entertainment as a modality of critical entertainment. In order to assist in the discussion, I present the Brazilian context in regard to the question of cultural institutions and tax incentive laws. Then, more globally, I point out some of our habits of consumption on the internet as a diagnostic analysis of a time full of possibilities, but actually few choices. I consider entertainment, as a language-provocateur in art, to be real and necessary, since we are increasingly immersed in recommendation algorithms.