A pesquisa analisa as etapas iniciais do ensino das artes visuais na Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP), considerando também os cursos de artes e as programações do Museu de Arte Brasileira (MAB) nos anos 1960 e 1970. Investigamos as grades curriculares, seus espaços de ensino-aprendizagem e o quadro de professores. Essas etapas também foram observadas diante da instalação das instituições em São Paulo, no final dos anos 1940, promovendo novos modelos de ensino em contraste com outros sistemas escolares, universitários ou experimentais, por exemplo. Ao longo das duas décadas analisadas, observamos as parcerias institucionais estabelecendo modelos curriculares, atividades expositivas e conceitos relacionados à formação do artista, sua profissionalização e atuação no meio artístico. Na primeira metade da década de 1960, esses aspectos foram direcionados às demandas do mercado local nos cursos técnicos e livres. Esses modelos de cursos foram importantes para a transformação do ensino superior a partir de 1967 e no decorrer dos anos 1970. Com esta pesquisa podemos compreender questões acerca da rede de formação dos artistas, entre as estruturas curriculares e os espaços de produção, como ateliês e oficinas de trabalho. As distinções ou aproximações do ensino nas duas décadas analisadas foram importantes para compreendermos as demandas profissionais em que o ensino das artes foi adequado, ora em práticas tecnicistas e industriais dos anos 1960, refletindo as perspectivas sociais de desenvolvimento e modernização da cidade, ora por práticas educativas mais experimentais nos anos 1970, reconfigurando as concepções de classes, disciplinas e espaços de produção, próprias aos debates de expansão dos modelos tradicionais que ocorriam com o museu e a obra de arte / The research analyzes the early stages of visual arts teaching at the Armando Álvares Penteado Foundation (FAAP), also considering the art courses and the Brazilian Museum of Art (MAB) programming in the 1960s and 1970s. We investigated the curriculum grids, their spaces teaching and learning and the teacher These stages were also observed before the establishment of institutions in São Paulo, in the late 1940s, promoting new teaching models in contrast to other school, university or experimental systems, for example. Over the two decades analyzed, we observed institutional partnerships establishing curricular models, exhibition activities and concepts related to the artist\'s education, professionalization and performance in the artistic environment. In the first half of the 1960s, these aspects were directed to the demands of the local market in technical and free courses. These course models were important for the transformation of higher education from 1967 and throughout the 1970s. With this research we can understand questions about the artists\' training network, between the curricular structures and the production spaces, such as workshops and workshops. The distinctions or approaches of teaching in the two decades analyzed were important to understand the professional demands in which the teaching of the arts was adequate, sometimes in the technicist and industrial practices of the 1960s, reflecting the social perspectives of development and modernization of the city, sometimes by practices experimental studies in the 1970s, reconfiguring the conceptions of classes, disciplines and spaces of production, typical of the debates of expansion of the traditional models that occurred with the museum and the work of art

[pt] Na dissertação cartografa-se distintos modos com que a escrita e, num sentido mais amplo, as artes, se relacionam com a noção de ruína. Parte-se do ponto de tensão entre ruir e criar a fim de explorar o paradoxo de que nos fala Maurice Blanchot em O espaço Literário: a literatura se edifica a partir de suas próprias ruínas. Detendo o gesto cartográfico em uma região particular, tomo algumas obras do escritor e artista visual Nuno Ramos como ocasião favorável para refletir sobre a relação entre destruição e criação na fronteira entre escrita e linguagem visual. O trabalho segue dois eixos que se querem recíprocos, não hierárquicos: no primeiro eixo acentua-se a parte teórico-crítica da pesquisa. No segundo, apresenta-se poemas e outros textos pessoais, escritos que, produzidos ao longo da pesquisa, fazem parte da reflexão. / [en] In this dissertation I cartograph distinct ways in which writing and, in a broader sense, the arts, relate to the notion of ruin. I begin at the point of tension between collapse and creation, to explore the paradox Maurice Blanchot speaks of in The Literary Space: Literature is built upon its own ruins. Holding the cartographic gesture in a particular region, I review works of the writer and visual artist Nuno Ramos as a favorable occasion to reflect on the relationship between destruction and creation on the border between written and visual language. The work follows two reciprocal axes, non-hierarchical: the first axis is emphasizes the theoretical and critical part of the research. In the second, it presents poems and other personal texts, writings produced during the research, and that are part of the reflection.

A presente pesquisa aproxima a trajetória poética de Augusto de Campos do universo referencial das artes visuais a partir de uma análise formal, livre e contextual de sua produção, abordando as principais influências e procedimentos que caracterizaram seu fazer artístico entre 1953, ano em que publicou sua primeira série de poemas transdisciplinares, até 2016, quando realizou a mostra \"REVER - Augusto de Campos\", no SESC Pompeia, em São Paulo. A trajetória do autor é marcada pela experimentação tecnológica e pelo trânsito intersemiótico entre distintos suportes artísticos. Tal estudo busca descrever a dimensão plástica de uma produção originalmente vinculada à literatura e à poesia. O objetivo central é descrever e analisar os principais poemas visuais de Augusto de Campos, apresentados em diferentes mídias, além do livro, a partir da aproximação destes com obras de arte, seja por questões materiais, formais, estéticas ou processuais de execução, seja pelo contexto no qual produziu alguns destes trabalhos. A ideia é, portanto, vincular o fazer do poeta, tradutor, ensaísta e crítico, com a ideia de um artista visual ou a de um \"artista-poeta\", que talvez seja o neologismo mais pertinente para descrever Augusto de Campos. / The present research approaches the Augusto de Campos\'s poetic trajectory to the referential universe of the visual arts, from a formal, free and contextual analysis of his production, addressing the main influences and procedures that characterized his artistic work between 1953, year in which he publishes his first series of transdisciplinary poems, poetamenos, until 2016, when he released \"REVER - Augusto de Campos\" exhibition at SESC Pompeia, in São Paulo. The author\'s trajectory is marked by technological experimentation and intersemiotic transit between different artistic supports. This study that aims to describe the plastic dimension of a production originally linked to literature and poetry. The aim is to describe and analyze Augusto de Campos\' main visual poems, which were presented in different media, besides the book, from their approach close to the works of art, whether for material, formal, aesthetic or procedural matters of execution, or the context in which he produced some of these works. The idea is therefore to link the poet\'s, translator\'s, essayist\'s and critic\'s doing with that of a visual artist or an \"artist-poet\", which is perhaps the most pertinent neologism to describe Augusto de Campos.

A partir da análise do conceito de \'montagem\' cinematográfica na obra de Jean-Luc Godard e sua identificação com as noções de \'história\' e \'arquivo\', propõem-se \'exercícios\' que procuram explicar, de modo teórico-prático, a hipótese fundamental do projeto: a \'montagem\' é uma ferramenta que, apropriada pelas artes visuais, gera conhecimento e permite reordenar a história. A indagação teórica pensa a \'montagem\' como elemento que desliza do campo audiovisual. O conceito desloca-se no desenvolvimento de um trabalho que gera conexões com a produção artística, tanto quanto com a escrita da história por meio da arte. A primeira parte apresenta um processo de criação em artes visuais onde se desenvolvem \'exercícios de montagem\'. Como artista, coloco-me numa situação de deslocamento, vivendo como estrangeiro na cidade de São Paulo. A série de trabalhos é feita por meio da identificação da história econômica do café, como peça fundamental na construção do estado moderno brasileiro e colombiano. Os trabalhos buscam a emergência de narrações, novos olhares que podem aparecer no choque de imagens, na \'montagem\' como ferramenta para recontar uma história. A segunda parte apresenta um ensaio, que em sua estrutura, é proposto como um \'filme\'. Este exercício literário tem foco na história da arte colombiana e procura ser um contraponto teórico ao processo de criação em artes visuais. / The analysis of the cinematographic notion of \'montage\' in the work of Jean-Luc Godard, as well as its relation with \'history\' and \'archive\', are the points of departure to explain the main concept of this project: \'Montage\' is a tool which, when appropriated by the Visual Arts, produces knowledge and enables the rearrangement of history. The theoretical framework places \'montage\' as an element that escapes the audiovisual field. Here, the concept is widened to enable connections with artistic production, as well as with the writing of history through art. The first part deals with a creation process, where \'montage exercises\' took place. As an artist, I find myself in a situation of displacement, by living as a foreigner in the city of Sao Paulo; works were thereby created by identifying the economic history of coffee as a fundamental element of the formation of the modern states of Brazil and Colombia. The work inquires about narrations and produces a new gaze in the clash of images, and work as a tool in the \'montage\' to retell a history. The second part is an essay, a literary exercise that in its structure is proposed as a \'film\'. It focuses on the history of Colombian Art, and looks for a theoretical counterpoint to the creative process of visual arts.

O objeto desta tese são os trabalhos de arte da autora. Eles são agrupados segundo critérios provisórios de identidade, que se constituem e explicitam nas próprias formas dos textos e imagens que os acompanham. Buscam-se elementos comuns, simétricos ou proporcionais nos trabalhos, procedimentos comuns, confluentes ou paralelos, correspondências formais. A abordagem é descritiva. A passagem entre os trabalhos se dá diretamente, sem conexões explicativas, por acareação. Pretende-se construir, na dimensão da linguagem, lugares de coexistência, chãos comuns onde os trabalhos se possam dispor, espaços transitórios que permitam arranjá-los. / The object of this thesis is the author\'s works of art. They are grouped according to contingent criteria of identity, which constitute and explicit themselves in the very forms of texts and adjoining images. The author searches among the works for common, symmetrical or proportional elements, common, confluent or parallel procedures, formal correspondences. The approach is descriptive. The transition between the works is deprived of explanatory connections; they face each other directly, in line-up confrontation. The intention is to build, in the dimension of language, sites of coexistence, common grounds where the works can lay, transitory spaces that allow to arrange them

Este trabalho faz uma análise do objeto cerâmico inspirado na arquitetura. A partir de referências plásticas, teóricas e iconográficas, foi construído um percurso poético ao longo de quatro anos, resultando em diversos segmentos, ou séries. O memorial descritivo do trabalho plástico apresenta reflexões sobre a conexão entre as cidadelas medievais e a vivência afetiva dos espaços, assim como uma descrição dos processos e técnicas utilizados na realização das peças cerâmicas. / This work analyses the ceramic object inspired by architecture. From artistic, theoretical and iconographic references, a poetic thread was traced throughout four years, resulting in several segments, or series. The written work presents reflections on the link between the medieval citadels and the emotional relationship with the living spaces, as well as a description of the processes and techniques used for modeling and firing the ceramic pieces.

A partir da premissa de que a subjetivação seja o lugar do autor e baseados nos três domínios abordados na obra de Michel Foucault: Arqueologia, Genealogia e Ética, empreendemos uma investigação acerca dos modos de subjetivação de artistas, artistas gráficos e designers por meio dos elementos próprios da autoria, como as relações de saber, poder e o chamado cuidado de si (este último como parte do pensamento foucaultiano em torno da hermenêutica do sujeito). Instigava-nos entender o fator desencadeante para o estabelecimento de subjetividades que pareciam se dar a partir de uma teia de condutas próprias àqueles campos e constituídas, portanto, em torno de relações de saber e poder, específicas. Assim sendo, ampliamos tal compreensão da autoria, expandindo-a junto à noção de gênio de Immanuel Kant e que se baseia na ideia da criação de regras e preceitos. Introduzimos, junto a isso, os fundamentos do pensamento de Foucault em torno das práticas discursivas - utilizados ao longo do trabalho, a fim de promover uma investigação do sujeito em posição autor e daquilo que determina sua elaboração de regras de funcionamento do discurso. Posto isto, objetivamos investigar os sujeitos - artistas, artistas gráficos e designers -, como autores, por meio de seus mecanismos de saber e de suas relações de poder, o que foi feito a partir de suas subjetividades, compreendidas por meio de sua autoridade na criação de regras de conduta. Para tal, buscando entender os modos de constituição da subjetivação do autor, baseados nestas condutas, perguntamos: quais são os modos pelos quais o sujeito autor estabelece regras para si e para os outros? A fim de delimitar tal campo problemático, dividimos este trabalho em quatro capítulos, os dois primeiros discutem os modos de subjetivação do autor a partir dos domínios focaultianos vinculados às relações de poder e saber e o terceiro e o quarto capítulos utilizam-se do domínio da obra de Foucault relativo à Ética, em que tratamos do chamado cuidado de si. No último capítulo, traçamos tal reflexão a partir da produção de um Livro de artista intitulado O livro por vir, que tem como propósito representar alegoricamente o espaço da discursividade por meio de um conjunto de enunciados determinados por justaposição, relações de poder e saber e pela produção de subjetividades. / Based on the premise that subjectivity is the author\'s place and based on the three domains addressed in Michel Foucault\'s work: Archeology, Genealogy and Ethics, we undertake an investigation about the subjectivities modes of artists, graphic artists and designers through the elements, as well as the relations of knowledge, power and the so-called self-care (the last as part of Foucault\'s thinking about the hermeneutics of the subject). It instigated us to understand the triggering factor for the establishment of subjectivities that seemed to occur from a web of conduct proper to those fields and created, therefore, around specific relations of knowledge and power. Thus, we extend this understanding of authorship, expanding it along with Immanuel Kant\'s notion of genius, which is based on the idea of the creation of rules and precepts. We introduced, in addition to this expansion, the foundations of Foucault\'s thinking around the discursive practices - which were used throughout the work, in order to promote an investigation of the subject, in the author´s position, and of what determines its elaboration of rules of discourse functioning. Thus, we aimed to investigate the subjects - artists, graphic artists and designers -, as authors, by their mechanisms of knowledge and their power relations, which was done from their subjectivities and their authority in creating rules of conduct. In order to understand the modes of constitution of the subjectivities of the author, based on these behaviors, we asked: what are the ways in which the author establishes rules for himself and for others? In order to delimit such problematic field, we divided this work in four chapters: the first two discuss the author\'s subjectivities modes from the Foucaultian domains linked to the relations of power and knowledge, and the third and fourth chapters use the domain of Foucault\'s work on Ethics, dealing with the socalled self-care. In the last chapter, we draw this reflection by the production of an artist\'s book entitled The book to come, whose purpose is to represent allegorically the space of discursiveness by means of a set of statements determined by juxtaposition, relations of power and knowledge and by the production of subjectivities.

Imaginar é articular poeticamente, de maneira pessoal, única, os elementos internos, externos, materiais, imateriais, subjetivos e objetivos que perpassam e habitam a existência. Imaginação é potência, e como tal, o ser humano \"faz\" imaginação, e esse fazer é produto da ação/movimento do corpo todo, no sentido fenomenológico, que supera a separação corpo e alma. Seria, desde a infância, alicerçado na percepção, nas memórias, nos sonhos, na poiesis e no imaginário, que o ser constitui seu corpo-imaginante. Por entender a constituição da imaginação como um corpo físico/espiritual, concreto/abstrato, as suas qualidades e quantidades imaginantes se fazem à medida que ele se exercita ao longo de sua existência. Esta proposição teórica estabelece um estreito diálogo com os estudos fenomenológicos de Gaston Bachelard acerca da imaginação material. Para esta investigação foi realizado um curso-pesquisa no qual seriam criadas as condições necessárias para mergulhar nas possibilidades de uma formação de educadores autores das artes visuais por meio da imaginação e obter dados significativos que contribuíssem para a reflexão proposta. Os tapetes (metáforas poéticas) urdidos e encontrados pela investigação acerca da imaginação e os processos de criação docente são os tapetes revelados pelo corpo imaginante, que articulam movimentos fundantes do \"fazer imaginação\", a saber: os patchworks - montagens que articulam os movimentos de juntar e costurar; as tapeçarias - tessituras que articulam os movimentos de urdir, tramar e dar nós; os tapetes mágicos - suspensões que articulam os movimentos de transportar e transcender; os círculos de colheitas - vestígios que articulam os movimentos de retirar e marcar; e, por fim, as mandalas - sentidos que articulam os movimentos do ordenar e completar. / The process of imagination is to articulate poetically in a unique and personal way, the internal, external, material, immaterial, subjective and objective elements that pass and habit the existence. Imagination is power, and thus, the human being \"makes\" imagination and this making is a product of the action/movement of the whole body in a phenomenological sense that overcomes the separation of body and soul. It would be, since childhood, laid in perceptions, memories, dreams, in poiesis and in the imaginary, that the human being constitutes his \"imaginative body\". By understanding that the constitution of imagination as a physic/spiritual, concrete/abstract body, its imaginative qualities and amounts appears to develop when it is practiced through its existence. This theoretical proposition establishes a tight dialogue towards the phenomenological studies of Gaston Bachelard about material imagination. For this investigation it was carried out a course in which it would be created the necessary conditions to dive in the possibilities of a formation through the imagination and acquire significative data that could contribute to the proposed reflection. The carpets (poetic metaphors) weaved and reached by the investigation about imagination and the processes of teaching creation are the revealed carpets through the imaginative body, that articulate \"founding movements\" of making imagination: the patchworks - montages that articulate the movements of joining and sew; tapestries - tissues that articulate the movements of weaving, plotting and giving knots; the magical carpet - suspensions that articulate the movements of transporting and transcending; the circle crops - vestiges that articulate the movements of withdrawing and marking; and finally the mandalas - senses that articulate the movements of ordaining and completing.

Série de intervenções práticas e conceituais, acompanhadas de um relato de processo, Erratas consiste em três etapas: elaboração de pinturas sobre imagens dos fascículos da Coleção Gênios da Pintura, editada pela Abril Cultural em 1967 e 1968; reorganização dessas pinturas nos fascículos Dentro, Dentro Detalhes, Dentro Detalhes (segunda parte), Dentro Aparas, Dentro Fora, Fora, Fora Perto arq, Fora Longe arq e Fora Distante; e na inserção desses novos fascículos no acervo de bibliotecas da cidade de São Paulo. / A series of conceptual and practice interventions, accompanied by a process report, Erratas consists of three stages: elaboration of painting over the fascicles\' images of Gênios da Pintura Collection, edited by Abril Cultural in 1967 e 1968; reorganization of these paintings in the fascicles Dentro, Dentro Detalhes, Dentro Detalhes (segunda parte), Dentro Aparas, Dentro Fora, Fora, Fora Perto arq, Fora Longe arq and Fora Distante; and in the insertion of these new issues in the collections of libraries in the city of São Paulo.

O presente trabalho lança luz sobre a trajetória de Lygia Pape (1927-2004), artista experimental que atuou em diversas linguagens e suportes. Pautando a análise de sua produção pela relação com o contexto urbano no qual se inseria, enfocamos três momentos e conjuntos de obras: o primeiro, parte do amplo \"projeto cultural moderno\", inclui as obras concretas e neoconcretas, como as xilogravuras \"Tecelares\" (1955-1959), o roteiro para um filme sobre Brasília (1959), o \"Livro da criação\" (1959) e \"Balés neoconcretos\" (1958-1959); o segundo, de crise do anterior conceito de projeto, contempla as obras participativas como \"Ovo\" (1968), \"Divisor\" (1968) e \"Roda dos prazeres\" (1968) e o terceiro, cronologicamente mais recente, no qual Lygia, menos propositora e mais crítica, evidencia características de uma cidade já permeada por outros discursos e práticas culturais, analisa obras como o projeto \"Eat me: a gula ou a luxúria?\" (1976) e os filmes \"Wampirou\" (1974) e \"Carnival in Rio\" (1974). / This work analyses the trajectory of Lygia Pape (1927-2004), experimental artist who worked in several languages and media. By the analysis of her production in relation with the urban context she was inserted, we focus three moments and piece sets: the first, part of the wide \"modern cultural project\" includes concrete and neoconcrete pieces, like the wood cut \"Tecelares\" (1955-1959), the script for a movie about Brasília (1959), the \"Livro da criação\" (1959) e \"Balés neoconcretos\" (1958-1959); the second, on the crisis of the previous project concept, embraces the participative pieces like \"Ovo\" (1968), \"Divisor\" (1968) and \"Roda dos prazeres\" (1968) and the third, chronologically most recent, in which Lygia, in a more critical way, brings to evidence characteristics of a city relating it to other discourses and cultural practices, analyses pieces like her project \"Eat me: a gula ou a luxúria?\" (1976) and the movies \"Wampirou\" (1974) and \"Carnival in Rio\" (1974).