[pt] Na dissertação cartografa-se distintos modos com que a escrita e, num sentido mais amplo, as artes, se relacionam com a noção de ruína. Parte-se do ponto de tensão entre ruir e criar a fim de explorar o paradoxo de que nos fala Maurice Blanchot em O espaço Literário: a literatura se edifica a partir de suas próprias ruínas. Detendo o gesto cartográfico em uma região particular, tomo algumas obras do escritor e artista visual Nuno Ramos como ocasião favorável para refletir sobre a relação entre destruição e criação na fronteira entre escrita e linguagem visual. O trabalho segue dois eixos que se querem recíprocos, não hierárquicos: no primeiro eixo acentua-se a parte teórico-crítica da pesquisa. No segundo, apresenta-se poemas e outros textos pessoais, escritos que, produzidos ao longo da pesquisa, fazem parte da reflexão. / [en] In this dissertation I cartograph distinct ways in which writing and, in a broader sense, the arts, relate to the notion of ruin. I begin at the point of tension between collapse and creation, to explore the paradox Maurice Blanchot speaks of in The Literary Space: Literature is built upon its own ruins. Holding the cartographic gesture in a particular region, I review works of the writer and visual artist Nuno Ramos as a favorable occasion to reflect on the relationship between destruction and creation on the border between written and visual language. The work follows two reciprocal axes, non-hierarchical: the first axis is emphasizes the theoretical and critical part of the research. In the second, it presents poems and other personal texts, writings produced during the research, and that are part of the reflection.

[pt] A tese apresenta uma série de 32 andamentos relativos ao tema do esquecimento. Sua premissa aposta em um modo de esquecimento que não apaga totalmente o objeto esquecido. Assim, não se faria em oposição à memória ao produzir uma escrita - a escrita do esquecimento. Este trabalho, portanto, desenha as possibilidades desta escrita através de trinta e dois blocos (bocados) que funcionam como andamentos musicais. A ideia dos andamentos visa aproximar os traços do esquecimento de uma escuta, o texto da oralidade e as palavras de seu som. Os textos variam em seu ritmo e tamanho e compõe um modo críticoficcional de pensar o esquecimento que foi elaborado durante os quatro anos desta pesquisa. / [en] This thesis presents a series of 32 paces related to the theme of oblivion. Its premise focuses on a type of oblivion that does not entirely erase the forgotten object. Thus, it would not oppose memory upon producing a piece of writing - the oblivion writing. This work, therefore, traces the possibilities of such writing throughout thirty twon blocks (bits) which function as musical paces. The idea of paces aims to bring the traces of oblivion closer to the act of listening, a text closer to the oral communication and the words closer to their sounds. The texts vary in their rhythms and sizes and make up a critical-fictional way of thinking of oblivion that was elaborated during the four years of this research.

[pt] A pesquisa investiga as relações entre percurso, escrita e entropologia presentes na obra do artista visual norte-americano Robert Smithson. Considerando sua proposição de entropia, que postula o desgaste inevitável da matéria e a busca de suas evidências in situ, o corpus do estudo será constituído especialmente por dois trabalhos de texto e fotografias produzidos em movimento: A tour of the monuments of Passaic (1967), em que Smithson visita o subúrbio de Nova Iorque onde cresceu rodeado por terrenos em construção em torno do conceito de non-site como ruína ao reverso; e Mirror displacements in the Yucatán (1969), quando o artista visita o território mexicano, posiciona espelhos na floresta tropical e estabelece um diálogo especulativo com as divindades maias e astecas. Em ambos, o artista sai em busca de sinais de ruína, acúmulo e desgaste na paisagem, em um exercício de entropologia – isto é, uma abordagem artística dos efeitos da entropia na paisagem e na cultura, um desdobramento da prática proposta por Claude Lévi-Strauss no final de Tristes Trópicos e levada à cabo por Smithson através de suas obras em deslocamento. Com olhar atento às camadas de produção textual do artista, a pesquisa examina, de maneira especulativa, as anotações de Smithson sobre a construção conceitual do non-site e como ele pode ser constituído através de uma escrita desdobrada em mapas, cartografias e rascunhos que acompanham seus textos, propondo uma leitura atualizada de determinadas questões estéticas e políticas levantadas pelo artista nos anos 60, tais como o enantiomorfismo, a cristalografia, a cultura como acúmulo e desgaste e o pensamento científico como ficção. / [en] The research investigates the connections between travelling, writing, and entropy present in the work of the American visual artist Robert Smithson. Considering his proposition of entropy, which posits the inevitable wasting away of matter and the search for its evidence in situ, the corpus of the study will consist especially of two works of text and photographs produced in movement: A tour of the monuments of Passaic (1967), in which Smithson visits the New York suburb where he grew up surrounded by building sites revolving around the concept of non-site as ruin in reverse; and Mirror displacements in the Yucatán (1969), when the artist visits the Mexican territory, places mirrors in the rainforest and establishes a speculative dialogue with Mayan and Aztec deities. In both, the artist travels in search of signs of ruin, accumulation, and decay in the landscape, in an active exercise of entropology - that is, an artistic approach to the effects of entropy on landscape and culture, a development of the practice proposed by Claude Lévi-Strauss at the end of A World on the Wane and carried on by Smithson through his works in displacement. With an attentive eye on the layers of the artist s textual production, the research examines, in a speculative way, Smithson s notes on the conceptual construction of the non-site and how it can be constituted through an unfolded writing in maps, cartographies, and drafts that accompany his texts, proposing an updated reading of certain aesthetic and political issues raised by the artist in the 1960s, such as enantiomorphism, crystallography, culture as accumulation and decay, and scientific thought as fiction.

[pt] A presente tese procura desvelar na filosofia de Martin Heidegger a questão da representação nas artes visuais. O pensamento acerca da arte em Heidegger se desvincula da estética, visto que ele se distancia de qualquer maneira de lidar com a arte enquanto objeto de apreciação subjetiva do ser humano. Assim, apresento uma exposição da crítica da metafísica e do pensamento da representação empreendidas pelo filósofo, principalmente nos domínios da arte. Com este propósito investigo a própria obra de arte, retomando e desenvolvendo questões fundamentais no pensamento heideggeriano, como o conceito de ser e de verdade. No ensaio A Origem da Obra de Arte, a concepção de verdade surge como abertura originária e desvelamento e a arte é pensada como formadora e transformadora de mundo. A história da arte é compreendida então como uma história de descontinuidade, na qual cada mudança é uma ruptura, um espaçamento que faz origem, que abre um novo mundo. Assim é próprio da arte desvelar a verdade de uma época histórica. O passo seguinte é dado ao abordar o escrito Sobre a Sistina, em que Heidegger traz importantes elementos para a reflexão sobre a arte e a crítica da estética. Por fim, remeto-me aos escritos em que Heidegger trata da questão da escultura e de sua relação com o espaço: Observações sobre Arte - Escultura - Espaço e A Arte e o Espaço. Aqui investigo as noções de espaço e lugar na obra do filósofo e o modo que elas dialogam com as obras dos escultores Eduardo Chillida e Benhard Heiliger. Em um último esforço, reflito sobre como a arte possibilitaria um pensamento não representativo. Na arte temos espaço para um novo tipo de pensamento, não mais ordenador e calculante, mas poético, do permanente devir do ser que faz parte da sua essência originária. Em suma, procura-se neste estudo articular o pensamento heideggeriano com uma análise orientada pelas artes visuais aprofundando a questão da representação e da crítica à metafísica. / [en] This thesis seeks to reveal, in Martin Heidegger s philosophy, the issue of representation in the visual arts. Thinking about art in Heidegger departs from the aesthetic, since he distances himself of any form of dealing with art as an object of subjective appreciation of the human being. Thus, I present a critique of the metaphysics and the thought of representation undertaken by the philosopher, mainly in the fields of art. For this purpose I investigate the work of art itself, resuming and developing fundamental issues in Heidegger s thought, as the concept of being and of truth. In the essay The Origin of the Work of Art, the conception of truth emerges as an original opening and unveiling, and art is thought as creating and transforming the world. The history of art is then understood as the history of discontinuity, in which each change is a breach, a gap that originates a new world. Therefore the art typically reveals the truth of a historical era. The next step is taken by addressing the writing About Sistine, where Heidegger brings important elements for reflection on criticism and aesthetics. Finally, I refer to the writings in which Heidegger comes to the subject of sculpture and its relationship to space: Observations on Art - Sculpture - Space and The Art and Space. Here I investigate the concepts of space and place in the work of the philosopher, and the way they relate with the works of sculptors Eduardo Chillida and Benhard Heiliger. In one last attempt, I reflect on how art would allow an unrepresentative thought. In art there is space for a new kind of thinking, not orderly and systematic anymore, but poetic, from the continuous transformation of the being that belongs to its original essence. In summary, this study seeks to articulate Heidegger s thought with an analysis guided by the visual arts, getting more in depth in the matters of representation and metaphysics critique.

[pt] Capas de disco: modos de ler busca chaves de leitura para compreender a relação entre a música e a cultura visual no século XX e início do XXI. Ao deslocar o objeto de uma discoteca, seu espaço tradicional de fruição musical, e trazê-lo para o campo dos estudos culturais, uma infinidade de leituras se apresenta. As capas são uma forma de arte muito particular, analisá-las é fundamental para entender as diversas formas em que seus mecanismos operam. A música é, por sua vez, um instrumento importantíssimo para entender a cultura visual de forma mais ampla. Este trabalho se vale de ferramentas do campo da história da arte e de outros dispositivos analíticos interdisciplinares para explorar as imagens e sua potência. O argumento central da tese defende a ideia de que as capas contribuem para a construção de um sentido musical, enriquecendo o processo estético do fruidor. Os anos 1950 foram essenciais para firmar a capa como elemento primordial para o disco. Foi também a partir dos anos 1950 que artistas plásticos e fotógrafos penetraram no mercado das gravadoras, vendendo seus talentos e experimentando concepções visuais inovadoras em capas. Ou seja: a criatividade de alguns capistas abriu novos caminhos e permitiu explorar novas concepções para as artes de LP. Procura-se, assim, mostrar que as capas foram locus privilegiado e fértil de expressão para diversos fotógrafos e artistas plásticos consagrados se expressarem em escala industrial. Esta tese busca entender a capa para além da simples ilustração e compreendê-la não só como invólucro ou objeto de design, mas principalmente como objeto artístico, tão importante quanto o conteúdo. Estão em foco neste trabalho principalmente dois aspectos que se complementam. Por um lado, analisa-se a capa de disco como campo de experimentação artística, ou seja, um suporte de trabalho para inúmeros artistas plásticos e fotógrafos. Por outro, que não deixa de complementar esse mesmo campo, reflete-se sobre a capa como suporte para o retrato do sujeito, no sentido restrito de portrait, que subentende tecer laços com o gênero pictórico secular. / [en] Album covers: ways of reading them aims to search for keys to interpret the relation between music and visual culture in the XXth century and the beginning of the XXIst. By displacing the object from a discotheque, its usual space of musical fruition, and bringing it to the cultural studies field, an infinity of possibilities come up. Covers are a very particular art form, analyzing them is central to understand the different forms in which their mechanisms operate. Music on the other hand, is a very important instrument to apprehend visual culture in a broader way. This work uses tools from the art history field and other interdisciplinary analytic devices to explore images and their strength. The central argument of this thesis asserts that album covers contribute to the construction of a musical meaning by enriching the esthetic process of the listener. The 1950s were essential to establish the album cover as primary element for the record. It was also in the 50s that visual artists and photographers penetrated the record company markets selling their talents and experimenting innovative visual layouts. In other words: the creativity of some cover artists opened new paths and enabled new conceptions for the album cover artwork. This work seeks to show that album covers were a notorious and fertile place of expression for photographers and visual artists to express themselves in a large scale. This thesis aims to understand the album cover beyond a simple illustration, and to grasp it not just as a packaging or design piece, but mainly as an artistic object, as important as the content itself. This work focuses on two aspects that complement themselves. On one hand, we analyze the record cover as a field of artistic experimentation, that is, a support for many visual artists and photographers to work on. On the other hand, that complements this same field, a reflection is made on the cover as a support for the portrait of the subject, in the restrict sense of the portrait, that aims to establish ties with the secular pictorial genre.

[pt] Esta tese se propõe a refletir a postura de Jacques Derrida diante das obras de arte ditas visuais. Partindo de uma invisibilidade na fonte de todo visível, Derrida problematiza a estrutura hierárquica do pensamento estético, abrindo uma outra abordagem artística não sobre, mas em torno das obras. O famoso tema de um abalo desconstrutivo no pensamento metafísico da presença desdobra-se, neste trabalho, na in-visibilidade do traço do desenho e na espectralidade da imagem cinematográfica. / [fr] Cette thèse vise à penser le point de vue de Jacques Derrida vis-à-vis les oeuvres d art visuels. En partant d une invisibilité à la source du visible, Derrida met en question la structure hiérarchique de la pensée esthétique en ouvrant une autre approche, non pas sur les images, mais autour d elles. Le célèbre thème du choc déconstrutif dans la pensée métaphysique de la présence est traité, ici, dans l in-visibilité du trait du dessin et dans la spectralité de l image cinematographique.

[pt] A tese aborda a relação entre os artistas Hélio Oiticica e Jack Smith em meio à efervescente atmosfera de Nova York nos 1970. Embora pouco conhecido no Brasil, Smith foi um importante personagem da cultura underground, sendo apontado como um dos precursores da arte de performance e do cinema expandido. Oiticica, durante os primeiros meses em que viveu em Nova York (1970-1978), relatou a amigos sua perplexidade ao entrar em contato com esse artista estadunidense, aproximando-se também de personagens e manifestações que faziam parte da sua esfera, como o ator Mario Montez e o Teatro do Ridículo. A partir de cartas do artista brasileiro e dos arquivos de Jack Smith, a pesquisa investiga de que maneira essa relação desenvolveu-se em termos pessoais e profissionais. No lugar de buscar pontos de semelhança e diferença, a tese procura friccionar a obra desses artistas a partir de seus buracos, faltas, gargalos e intervalos. Nesse sentido, o encontro entre eles será o ponto de partida para a discussão de questões dentro de suas próprias obras, como a relação que cada um estabeleceu com práticas arquivísticas, a ampliação do exercício de possibilidades de gênero e sexualidade, assim como de reflexões e projetos derivados de suas reivindicações contra cinemas convencionais. Além de trabalhos mais conhecidos de Oiticica, como Cosmococa - program in progress (1973-1974) e o artigo Mario Montez, tropicamp (1971), serão analisadas obras e documentos de Jack Smith, a exemplo de um roteiro inédito que o artista escreveu no Rio de Janeiro, em 1966, chamado Carnaval in Lobsterland. / [en] This dissertation concerns the relationship between artists Hélio Oiticica and Jack Smith in the bustling atmosphere of 1970 s New York. Even though Smith is little know in Brazil, he was an important artist in New York s underground culture, often pointed as one of the forerunners of performance art and expanded cinema. During his first months in New York (1970-1978), Oiticica wrote to his friends about how perplexed he was at Smith and his work, comparing him to characters and manifestations that were part of his sphere, such as actor Mario Montez and the Teatro do Ridículo. Departing from the Brazilian artist s letters and Jack Smith s files, this research investigates how their relationship has developed in personal and professional terms. Rather than looking for points of similarity or difference, this dissertation aims to put the work of these artists in friction - from their holes, absences, apertures and gaps. In this sense, their meeting will be the starting point for the discussion both of questions in their own work and of the relationship each of them has established with archival practices, the expansion of exercises on the possibilities of gender and sexuality, as well as reflections and projects derived from their claims against conventional cinema. In addition to Oiticica s best known works, such as Cosmococa - program in progress (19730-1974) and the article Mario Montez, tropicamp (1971), this thesis will analyze some of Jack Smith`s works and documents, such as an unpublished script he wrote in Rio de Janeiro in 1966, called Carnaval in Lobsterland.

[pt] A dissertação apresenta uma leitura de obras do artista visual e escritor Jimmie Durham (1940). A escrita é parte fundamental de seu trabalho, e se faz presente tanto na forma de ensaios e poemas como em pinturas, esculturas e instalações. Por ter nascido nos EUA de suposta ascendência escocesa e cherokee, o pensamento de Durham transita por cosmovisões distintas. Ele provoca a linguagem, contesta os limites identitários, reelabora geopolíticas e confunde a noção hegemônica de História. Sua obra escancara os absurdos da normalidade e aponta para a permanência de mecanismos de segregação, opressão e exploração de origem colonial, instigando uma autocrítica do pensamento ocidental. Esta dissertação trata também de trabalhos e textos desenvolvidos pelo artista para o contexto específico brasileiro, e inclui a transcrição de uma conversa inédita com ele. Durham catalisa a imaginação em direção a outro modo de existência, do qual a cosmologia e a temporalidade inscritas nos idiomas ameríndios fazem parte. Esta dissertação conta com escrita de aspiração descolonizadora, acionada pela pulsação da potência estética e intelectual da obra de Jimmie Durham. / [en] The dissertation presents a reading of works by the visual artist and writer Jimmie Durham (b. 1940, –). Writings are a fundamental part of his work, either as essays and poems or as part of paintings, sculptures, and installations. Since he was born in the USA, with an alleged Scottish and Cherokee ancestry, his thinking transits through different cosmovisions. He teases language, he challenges identity limitations, re-elaborates geopolitics, and disturbs the hegemonic notion of History. His body of work exposes the absurd of normality and points out to the permanence of segregation, oppression, and exploitation mechanisms of colonial origin. It instigates Western thinking to do an auto-criticism. This dissertation also approaches texts and works he has developed to the specific Brazilian context, and includes an exclusive conversation with the artist. Durham catalyzes imagination towards another mode of existence, in which there are cosmology and temporality intrinsic to Amerindian languages. This dissertation has a decolonizing aspiration that is triggered by the pulse of the aesthetic and intellectual potency of Jimmy Durham s work.

[pt] O estudo das obras do cineasta e artista visual brasileiro Karim Ainouz enfoca uma tendência cinematográfica atual que substitui a mise-en-scène clássica por um fluxo das ações cotidianas e efêmeras que se apresenta diante da câmera. Tal tendência estética funde ficção e documentário, explorando a imagem e o som através de suas qualidades intrínsecas, próxima da abordagem das artes visuais. Karim Ainouz traz às telas um cinema que flerta com as artes visuais e entender esses trânsito é fundamental para a compreensão de sua obra. Seus filmes abordam questões como sentir-se estrangeiro, a relação entre o indivíduo e o lugar onde ele habita e a memória. Sua obra é, acima de tudo, sobre cruzar fronteiras, sejam elas geográficas (seus personagens são, com frequência, viajantes), de circuito de exibição (imagens cinematográficas que poderiam se encaixar em uma exposição numa galeria de arte), narrativas (ficção que se une com documentário em uma mesma obra) ou estéticas (imagens contemporâneas feitas com materiais obsoletos). Entre seus longa-metragens, curta-metragens e uma video instalação, é possível analisar não somente os temas matrizes do seu trabalho, como também o lugar da imagem em movimento hoje em dia e a situação do cinema contemporâneo. / [en] The study of the filmmaker and visual artist Karim Ainouz s works focusses on a recent cinematographic tendency that replaces classic mise-en-scène by daily actions presented in a flux in front of the camera. This trend brings together fiction and documentary, exploring image and sound by their inner qualities, similar to a visual arts treatment of these features. Karim Ainouz brings to the screen a type of cinema very close to visual arts. Understanding the transit between these two types of art is essential to fully comprehend Ainouz s work. His films approach key points such as the feeling of being a foreigner, the relationship between a person and its habitat and memory. The director s work is, above all, about crossing borders, whether they are geographic borders (his characters are usually travelers), narrative borders (fiction bonded with documentary) or aesthetic borders (contemporary images made with obsolete materials). Through his feature films, short films and a videoinstalation, it is possible to analyze not only the main subjects and themes of his work, but also matters like the place of the image in movement nowadays and the contemporary cinema situation.

[pt] A tese coloca em evidência a produção literária e artística contemporânea do continente africano, tendo como fio condutor e pano de fundo a viagem que fiz durante o PDSE (Programa de Doutorado Sanduíche no Exterior). A partir da noção de que a África é um continente que foi relegado durante séculos ao espaço de falta, de hipossuficiência (SARR, 2016), e de que esse discurso precisa ser modificado em favor de uma África que vem (MBEMBE, 2018), que se apresenta com outras realidades e produções intelectuais e artísticas, minha ida à Nigéria catalisa o encontro de novos escritores e artistas plásticos africanos, residentes no continente e em diáspora. Trago ao longo da tese escritores e artistas de quatro espaços diferentes: TJ Dema, poeta do Botsuana, que trabalha com literatura oral e escrita, unindo a tradição setsuana da poesia com a inglesa; Emmanuel Iduma, ensaísta, crítico de arte e escritor de ficção nigeriano, que atualmente mora em Nova Iorque; Dami Ajayi, poeta nigeriano, parceiro de Iduma na criação e edição de uma revista literária; Ayobami Adébáyọ̀, romancista nigeriana, que escreve a partir do encontro da tradição iorubá com o romance inglês; Peju Alatise, artista visual nigeriana, que em sua obra discute a condição da mulher na sociedade nigeriana; Ladan Osman, poeta, que surge com as fotografias que fez para SarabaMag, a revista de Emmanuel Iduma e Dami Ajayi; Aminata Sow Fall, romancista senegalesa que começa a publicar em 1976, sendo importante na chamada literatura de desencanto dos países de expressão francesa; Djibril Diallo Falémé, escritor senegalês que utiliza em sua escrita formas orais tradicionais; Victor Ehikhamenor, artista visual nigeriano, que trabalha com influências do tradicional e do ocidental em sua obra; Zakes Mda, artista visual e escritor sul-africano, best-seller em seu país; Yewande Omotoso, escritora sul-africana nascida no Caribe. A diversidade destes artistas e escritores, bem como dos objetos por eles produzidos, apresentados ao longo da tese, permite que se tenha uma visão ampla do que Achille Mbembe e Felwine Sarr chamaram em uma entrevista ao jornal francês l Humanité em junho de 2017 de modernidade não ocidental, um espaço de pensamento e criação que não subjuga os deuses e tradições ao racional e ao instrumental. / [en] This thesis showcases the artistic and literary production of the African continent, using the time I spent there during my PhD PDSE (Sandwich PhD Program) as background. Beginning with the idea that Africa as a continent has been for centuries placed in the place of lack, of insufficiency (SARR, 2016), and that this common sense must be changed to a new Africa that comes (MBEMBE, 2018), that presents itself with others realities and intellectual and artistic productions, my trip to Nigeria is a catalysis of the meeting of new African writers and artists , living in the continent or abroad in diaspora. I bring along the thesis writers and artists from four different places: TJ Dema, Botswana poet, who works with oral and written literature, uniting the Setswana tradition of poetry and the English one; Emmanuel Iduma, Nigerian essayist, art critic and writer of fiction, who currently lives in New York; Dami Ajayi, Nigerian poet, Iduma s partner in the creation and editing of a literary magazine; Ayobami Adébáyọ̀, Nigerian novelist, who writes from the confluence of the Yoruba tradition with the English novel; Peju Alatise, Nigerian visual artist, who discusses in her work the women role in Nigerian society; Ladan Osman, poet, that appears with the photographs he made for the SarabaMag, magazine of Emmanuel Iduma and Dami Ajayi; Aminata Sow Fall, a Senegalese novelist who began publishing in 1976, important in the so-called literature of disenchantment of the French expression countries; Djibril Diallo Falémé, Senegalese writer that uses traditional oral forms in his writing; Victor Ehikhamenor, Nigerian visual artist, who works the influences of the traditional and the western; Zakes Mda, visual artist and South African writer, a bestseller in his country; Yewande Omotoso, a South African writer born in the Caribbean. The multiplicity of these artists and writers, as well as the objects that they produce presented throughout the thesis, gives a broad view of what Achille Mbembe and Felwine Sarr have called in an interview for the French newspaper l Humanité in June 2017 of a non-Western modernity, a space of thought and creativity that does not subjugate the gods and traditions to the rational and instrumental.