Made available in DSpace on 2014-07-29T16:27:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Ivaina de Fatima Oliveira.pdf: 4301058 bytes, checksum: ebff3a331f3bfa3d6bd6b0caccb2fdfd (MD5) Previous issue date: 2008-04-17 / This survey aimed to argue about the (in) visibility of African Brazilian culture in visual arts education specifically examining the Law 10.639/2003 that has established the compulsory teaching of Afro-Brazilian history and African Culture in Basic Education. The field of art education is one of two responsible of this mission. I developed a bibliographic survey about the implementation of the law, considering the social movements, multiculturalism concepts and affirmative actions as relevant factors in the process of its implementation. My search started also with a concern arising from the requirement of the law: How we will work with History and Culture Afro-Brazilian Culture and African contends in the teaching of visual arts? In contrast the invisibility of black culture in visual arts education, I brought up some events that present different regard on black culture as source for a critical art pedagogy, aware about the diversity of our cultural roots and concerned to the enhancement of African culture aesthetics in our people heritage. I see the law as a contribution to a transformative praxis for teaching arts for the inclusion of ethnic, social and cultural groups excluded or included in stereotypical ways. But the question remains without answers because these are always incomplete. This research has shown that we have advanced, but still we have the difficult task of generating more questions about the exclusion in a country marked by social, racial and cultural inequalities. / Essa pesquisa teve como objetivo de refletir sobre a (in)visibilidade da cultura afro brasileira no ensino de artes visuais examinando especificamente a Lei 10.639/2003, que institui a obrigatoriedade do ensino de História e Cultura Afrobrasileira e Africana na Educação Básica. O campo da arte educação é um dentre outros dois incumbidos dessa missão. Realizei um levantamento bibliográfico acerca da implementação da lei, considerando os movimentos sociais, o multiculturalismo e as ações afirmativas como fatores relevantes no processo da sua implementação. Minha pesquisa partiu também de uma inquietação decorrente da obrigatoriedade da lei, ou seja: Como trabalhar com História e Cultura Afro-brasileira e Africana no ensino de artes visuais? Em contraponto a invisibilidade da cultura negra no ensino de artes visuais, enfatizo algumas ações que apresentam com um olhar diferenciado sobre a cultura negra como fonte para uma pedagogia mais crítica, consciente e transformadora a respeito das nossas raízes culturais e para a valorização da cultura africana na nossa formação estética do nosso povo. Vejo a Lei como um aporte para uma práxis transformadora para o ensino de artes ao tornar obrigatória a inclusão de segmentos étnico-sociais e culturais excluídos ou incluídos de formas estereotipadas. Mas a pergunta continua sem respostas mesmo porque essas serão sempre incompletas. A pesquisa mostrou que temos avançado, mas que ainda temos a difícil tarefa de gerar mais questionamentos sobre a exclusão num país marcado por desigualdades sociais, raciais e culturais.

Esta tese expõem a produção artística da autora por meio de uma caixa de fotografias e de relatos escritos. Casas de arquitetura vernacular do Brasil são o ponto de partida para o desenvolvimento de uma linguagem fotográfica particular sobre a luz, a cor e o tempo. O recorte aqui apresentado mapeia a experiência visual da artista e investiga as origens e o desenvolvimento de sua poética, realizada com filmes fotográficos coloridos 35mm. / This Ph.D. thesis exposes the author\'s artistic production through a box of photographs and written accounts. Brazil\'s houses of vernacular architecture are the starting point for the evelopment of a particular photographic language about light, color and time. The outline presented here maps the visual experience of the artist and investigates the origins and development of her poetry, made with a 35mm color film.

Em percurso se constitue de imagens, sobretudo fotografias, feitas entre 2008 e 2016, nos trajetos e percursos de algumas cidades por onde passei. Somam-se ao conjunto as fotos realizadas em espaços privados e nas ruas por onde faço minhas andanças. Parto de minha experiência em registrar as paisagens, lugares e espaços durante os meus deslocamentos, principalmente entre as cidades de Atibaia-SP e a capital paulista, através das janelas de veículos particulares e transportes coletivos. As recordações das viagens em família e de ter feito desenhos em pequenos cadernos na década passada, dentro dos ônibus ou de memória, estruturam a minha compreensão visual atualmente. A câmera fotográfica torna-se um instrumento de desenho. Após a captura das fotografias, os procedimentos de tratamento, edição e impressão fazem parte do processo de construção das imagens. Os relatos escritos em breves notas sobre algumas vivências trazem informações que podem colaborar na percepção do que é visto. Ao mesmo tempo, as palavras têm sua autonomia, assim como as imagens. / Em percurso (En route) is made of images, mainly photographs, shot between the years of 2008 and 2016, along the paths and routes of some cities I\'ve been to. Some other pictures, depicting private spaces and streets that I walk on, have also been added to the set. I depart at my experience in registering landscapes, places and spaces as I go from one place to another, especially from the city of Atibaia-SP to the capital of the State, through the windows of private cars or public transportation. The memories of family trips and of drawings made in small notebooks in the last decade, inside buses or out of my memory, organize my current visual understanding. The photography camera becomes a drawing device. After shooting, the treatment procedures, editing and printing are part of the process of building images. The short written notes about some experiences offer information that may contribute to the perception of what is seen. At the same time, the words are autonomous as well as the images are.

Considerando o corpo o elemento central da performance arte, o texto a seguir procura compreender que tipo de espaço se reserva nesse campo artístico para a presença corpórea e o que esta adquire ou perde, quando a imagem deixa de corresponder a um referente físico independente de si, para representar um complexo de processos digitais e analógicos. Este texto tem como premissa o reconhecimento de que a formação do sujeito depende da imagem do corpóreo e, portanto, medita sobre o papel do corpo na produção e na interpretação imagéticas. Inserida em um contexo critico dos desafios pelos quais passa a performance arte através de sua institucionalização - com seus subsequentes processos de hierarquização e estabelecimento de arquivos e documentos - essa pesquisa almeja explorar possíveis efeitos dessa contextura sobre o corpo. Por se desenvolver num formato que considera a escrita como performance, essa dissertação é proposital e excessivamente investida das particularidades e projeções de um corpo específico - o do autor/performer - e baseada nas práticas artísticas concebidas para e em relação com a prática de leitura e de escrita dessa pesquisa de mestrado. Da mesma forma, aqui, o espectador daquelas práticas artísticas - assim como o espectador desse ato performático - é tido como corpo particular no qual a obra de arte ganha seu significado, através da contingência da representação do corpóreo. Por fim, essa pesquisa serve-se de uma discussão sobre o corpo que pretende experienciá-lo ao dele se afastar minimamente, para poder alcançar o que dele não se pode dissociar: a carne / Considering the body as the central element of the discipline of performance art, the following paper seeks to comprehend the nature of the space opened by this artistic disciplino to the corporeal presence in relation to the new condition of the image - when it longer corresponds to a physical referent outside itself, but represents a concatenation of the image, Also, this research aims to critically explore the chalenges inflicted on the body by the institucionalization of performance art through the hierarchical and archiving process of institutional documentation. This dissertation is based on a format that considers writing to be a performace and is thus highly and intentionally invested with the projections and particularities of a specific body - that of this author and performer. Besides, this written research is developed from an in intimate relation to the artistic practices conceivid during the period of two years´s performance acts - as well as, you, the spectator of this performance act - is also seen as particular body - which gives meaning to the artistic object through the contingency of the interpretation of the corporeal representation, Finally this research uses a dicussion about the body - which intends to experience it while minimally distancing oneself from it - in order to reach that part of the body from which it is impossible do disassociate: flesh.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:42:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Paula Ferreira Tura.pdf: 3733621 bytes, checksum: 90ca850ef38cf31e3d0fbee359d7c06f (MD5) Previous issue date: 2014-02-12 / Fundo Mackenzie de Pesquisa / This research, through the visual arts sacralizes the contact of the human body with the natural environment. The author who is an artist-researcher has chosen the Contemporary Art as a language to her proposals. The dissertation was written in One Chapter composed as: interventions developed by the researcher with photos and descriptions followed by an artist of reference with images of it´s work and an analysis of the art work proposed by the researcher with concepts and discussion of arguments. To each posture of Contemporary Art there is a range of different art pieces to be viewed: Body Art there is a body painting and imprinting, and cast´s mold of body parts; Performance Art-there are registration of the shadows produced by the body during an yoga practice and the projection of the shadow of a tree leave on top of a body and the match of the body with a tree and a ruin of a building; Arte Povera there is a branch painted in red and the construction of a feminine body with sand and cloth; Land Art there is a construction of little cloth trees, the drawings on the beach sand, a collective work to make rocks softer, the creation of colorful and sand paths and the interventions with ink on sand sculptures found at the beach. The body, main object of this work, feels and become visible the marks of restlessness that carry about the social imposed patterns of behavior and esthetics and the relation with the natural environment. Carry itself the memories of choices made and paths coursed. The art proposals here included express what the speech misses, express the pains of the reflexive path coursed, the listening, the feeling, the contemplation, the process of waiting. / Esta pesquisa se utiliza da arte visual para sacralizar o contato do corpo com o ambiente natural. A autora que é uma artista pesquisadora escolheu a Arte Contemporânea como linguagem para suas intervenções. Desta forma, a obra foi escrita em Capítulo Único composto por: intervenção proposta pela pesquisadora com fotos e descrições, seguida de um artista de referência com imagens de seu trabalho e por fim uma análise do trabalho realizado contendo os conceitos e discussão de argumentos. Assim, estão em Body Art obras de pintura corporal, impressão corporal, molde de partes do corpo em gesso; em Performance Art o registro da projeção da sombra do corpo - durante a realização de movimentos de yoga e de projeção da sombra de folhas de árvores sobre o corpo; o encaixe do corpo em raízes de árvore e em espaços de uma construção em ruínas; em Arte Povera há a pintura em tronco de árvore, a construção de corpo feminino em areia com utilização de retalhos e em Land Art há a construção de pequenas árvores de tecido, a grafia na areia da praia, a construção coletiva de amaciamento de pedras, criação de rastros coloridos e caminhos de areia e por fim a intervenção com corante em esculturas e desenhos de areia. Todas as propostas artísticas acontecem em ambiente natural mais precisamente o litoral do Estado de São Paulo em relação ao qual a autora possui grande conhecimento e afinidade. O corpo, objeto principal deste trabalho sente e transparece a marca das inquietações que carrega como os padrões sociais impostos de comportamento e de estética, do tempo acelerado nos grandes centros e do convite à introspecção proveniente do contato com o ambiente natural. Carrega em si as memórias das escolhas feitas e caminhos traçados. As propostas aqui inclusas propõem a expressão que falta à fala, exprimem as dores do trajeto reflexivo, o ouvir, o sentir, o contemplar, o esperar.

Este trabalho apresenta uma investigação sobre a fotografia produzida por artistas nos anos 1960 e 1970, a partir de uma análise discursiva dos textos que os próprios artistas escreveram na época. Proponho que a especificidade da concepção de fotografia dos anos 1960 e 1970 é resultado de um processo complexo: habitando uma exterioridade selvagem da disciplina das artes visuais naquele momento, a fotografia é escolhida por artistas como uma estratégia importante em uma disputa discursiva pelas definições de arte que resulta na sua formação como objeto para a disciplina das artes visuais. Esta investigação se desdobra em três capítulos: As Fontes de Pesquisa; A Fotografia-Qualquer; Fotografia e Práticas Artísticas – os Discursos dos Artistas nos Anos 1960 e 1970. No primeiro capítulo desenvolvo uma discussão sobre o texto de artista e sua relevância para a compreensão da arte produzida nas décadas de 1960 e 1970, pela análise comparativa de quatro livros que reúnem textos de artistas da época, com o intuito de explicitar o modo como estes escritos são incluídos no campo teórico das artes visuais, pela sua republicação, que se coloca como uma reapresentação (com um consequente deslocamento de seus contextos originais, edição e, muitas vezes, recortes), o que interfere em sua existência e significado para o conhecimento artístico. Nos capítulos 2 e 3, apresento o resultado de uma investigação que teve como objetivo extrair dos discursos dos artistas, datados dos anos 1960 e 1970, qual o papel que a fotografia desempenhava em suas práticas artísticas no contexto maior da arte daquele período. Persigo a ideia da fotografia como um dispositivo de despersonalização do artista como gênio criador, como figura especial que produz objetos especiais e, portanto, distingue-se das outras pessoas. Esta qualidade da fotografia-qualquer é enfatizada em textos de artistas dos referidos anos em uma celebração da possibilidade da anti-arte que resultava da utilização da fotografia como medium, na apropriação do que havia de menos especial em termos de técnica e material para a produção de imagens e se contrapunha à arte que eles chamavam de tradicional ou convencional. Ainda centralizo minha atenção, nos textos dos artistas, no modo como eles abordam seus trabalhos, a fim de destilar daí três papéis que a fotografia pode desempenhar em suas práticas artísticas: a fotografia como documento; a fotografia integrada à prática artística; a fotografia como trabalho de arte. Enquanto tendências extraídas dos modos de apropriação da fotografia como medium para a produção, esses agrupamentos têm a função de organizar, por semelhança e diferença, as abordagens discursivas dos artistas sobre suas práticas, a partir de como eles elaboraram seu fazer e determinaram o lócus de seu trabalho – em outras palavras, o que, para cada um deles, constitui o trabalho de arte propriamente dito em meio aos vários elementos que compõem sua prática artística. A fotografia na arte existe em virtude do discurso – tanto visual quanto textual – que a toma como objeto, e, neste sentido, estava sendo inventada para aquele momento, nos escritos e trabalhos dos artistas. A presença da fotografia na prática artística das décadas de 1960 e 1970, abordada a partir dos discursos dos artistas, revelou-se como um processo complexo de estabelecimento da fotografia como um objeto para o saber artístico, do qual se pode falar e para o qual se forma um vocabulário específico, possibilitando que ela se coloque como mais um medium para a produção artística, entre outros e em relação a eles. / This thesis presents an investigation into the photography produced by artists in the 1960s and 1970s, based on a discursive analysis of texts that the artists themselves wrote at the time. I propose that the specificity of the conception of photography from the 1960s and 1970s is the outcome of a complex process: inhabiting a wild exteriority of the visual arts discipline at that moment, photography is chosen by artists as an important strategy in a discursive dispute for definitions of art which results in its constitution as an object to the visual arts discipline. This investigation unfolds in three chapters: Sources of Research; The Photography-Whatever; Photography and Artistic Practices – Discourses of Artists in the Years 1960 and 1970. In the first chapter I carry out a discussion on the artist’s text and its relevance for understanding the art produced in the 1960s and 1970s, by means of a comparative analysis of four books that gather texts of artists of the time, in order to clarify how these writings are included in the theoretical field of visual arts, through their republication, which arises as a re-presentation (with a consequent displacement from their original contexts, editing, and often cuts), and so interferes with their existence and meaning for the artistic knowledge. In chapters 2 and 3, I present the result of a research that seeks to extract, from speeches of artists dating from the 1960s and 1970s, the role played by photography in their artistic practices in the larger context of art of that period. I pursue the idea of photography as a device of depersonalization of the artist as creative genius, as a special character who produces special objects and therefore distinguishes himself from other people. Such quality of the photography-whatever is stressed in texts of artists from those years in a celebration of the possibility of anti-art that resulted from the usage of photography as a medium, through an appropriation of the least special techniques and materials available at that time for the production of pictures and was opposed to the art that they called traditional or conventional. I also focus my attention, in the artists’ texts, in how they approach their own work, in order to withdraw three roles that photography can play in their artistic practices: the photograph as a document; the photograph integrated into the artistic practice; the photograph as an art work. While trends drawn from the ways of appropriation of photography as a medium for production, these groups have the task of organizing, by similarity and difference, the discursive approaches of the artists about their practices, based on how they developed their doing and determined the locus of their work – in other words, that which, for each of them, constitutes the work of art itself among the various elements that comprise his artistic practice. Photography in the arts exists by virtue of the discourse – both visual and textual – that takes it as an object, and in this sense it was being invented for that time, in the writings and works of the artists. The presence of photography in the artistic practice in the 1960s and 1970s, approached by means of a research into the discourses of artists, has shown itself as a complex establishment process of photography as an object to the artistic knowledge, an object of which one can speak and for which a specific vocabulary is formed, enabling it to place itself as a new medium among others (and in relation to them) for artistic production.

Esta dissertação busca identificar os referentes a partir dos quais o jornalista Aldo Obino (1913-2007) registrou o desenvolvimento do sistema das artes visuais de Porto Alegre, na década de 1950. A pesquisa parte dos pressupostos de que o jornalismo, a partir dos valores próprios do seu campo, constrói perspectivas do circuito artístico em épocas e lugares determinados; empresta visibilidade a certos espaços, agentes eventos e ideias; e orienta os leitores em relação à movimentação do circuito de cultura de seu território. Obino atuou na imprensa por aproximadamente 60 anos, produzindo relatos sobre a cena cultural do Rio Grande do Sul a partir do Correio do Povo, jornal em que assinava a coluna diária Notas de Arte, objeto empírico deste estudo. Para nos aproximarmos da trajetória e do legado do autor, recorremos ao seu arquivo pessoal, cedido por sua família. Utilizamos o método da análise de conteúdo e adotamos um corpus de 314 textos, que corresponde às colunas publicadas entre 1950 e 1959 que abordam temas ligados às artes visuais. A análise objetivou determinar os espaços, os sujeitos, os fatos e os valores estéticos e ideológicos que emergem da coluna, de forma a vislumbrar o mapa do sistema de artes visuais nela proposto. Observamos a centralidade de Porto Alegre como lugar mais recorrentemente mencionado, o que evidencia a importância do parâmetro da proximidade, típico do jornalismo, na estruturação desse conjunto de textos. Constatamos que os artistas, como sujeitos-criadores, foram os protagonistas das ações abordadas na coluna, o que aponta para a existência de um processo de personalização através do qual Obino participa da construção da notoriedade de agentes. Os eventos, como exposições e salões de arte, foram identificados como referência central enquanto pautas catalisadoras do atributo de atualidade nas Notas de Arte, inclusive em forma de morte e efeméride. Na abordagem de certas tendências e debates, notamos, por parte do colunista, a corroboração de alguns valores então hegemônicos no sistema artístico e também o elogio da renovação e do intercâmbio nesse meio. Dessa forma, verificamos um grau de ambiguidade em termos de posicionamento. No mais, vimos que Obino se vincula a um estilo impressionista de crítica de arte, utiliza um tom de intimidade para se aproximar do leitor e tematiza o desenvolvimento do circuito das artes em conexão com o crescimento da cidade. O seu registro se associa fortemente ao território, de forma que a capital gaúcha é presença constante, apresentando-se como cenário ou como personagem dos seus relatos. / This essay intends to identify the referents from which the journalist Aldo Obino (1913-2007), registered the development of Porto Alegre visual arts system held during the decade of 1950. The research makes certain assumptions given that the journalism, starting from its own field values, builds perspectives of the artistic circuit in determined places and times; it lends visibility to certain places, agents events and ideas; and orientates the readers regarding the movement of its territory circuit of culture. For approximately 60 years, Obino acted in the press, producing reports on the cultural scene of Rio Grande do Sul for Correio do Povo, the local newspaper in which he signed the daily column Notas de Arte, empirical object of this research. In order to approach Obino’s trajectory and legacy, we draw upon his personal archive, provided by his family. It was used the method of content analysis and a sample of 314 texts was adopted. This material corresponds to the columns published between 1950 and 1959 that discuss issues pertaining to visual arts. The analysis aimed to determine the spaces, the subjects, the facts and the aesthetic and ideological values that emerge from his column, to envision the proposed map of visual arts system. We observed the centrality of Porto Alegre as more recurrently mentioned place, which highlights the importance of the proximity parameter, characteristic of journalism, in the structuring of this set of texts. We noticed that the artists, as subject-creators, were the protagonists of the actions addressed in the column, which points to the existence of a customization process through which Obino participates of agent’s notoriety construction. The events, such as exhibitions and halls of art, were identified as points reference while catalytic guidelines of actuality attribute in Notas de Arte even in the form of death and ephemerid. In certain trends and debates approach, we perceived on the part of the columnist, some hegemonic values confirmation in the artistic system, and also the compliment of renovation and exchange in this environment. Therefore, we checked some ambiguity on positioning. We also visualized that Obino is linked to an impressionist style of art criticism; he uses an intimacy tone to bring close the reader and thematises the development of the arts circuit in connection with the growth of the city. His trademark is strongly associated to the territory, in such a way that the capital from Rio Grande do Sul is an on-going presence, performing itself as scenery or as a character of his chronicles.

Submitted by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-01-27T12:01:50Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_CameraQuilombolasRepresentacoes.pdf: 30312886 bytes, checksum: 46662329b601658b7c29f8725ba1a4b8 (MD5) / Approved for entry into archive by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-01-27T13:03:40Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_CameraQuilombolasRepresentacoes.pdf: 30312886 bytes, checksum: 46662329b601658b7c29f8725ba1a4b8 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-01-27T13:03:40Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_CameraQuilombolasRepresentacoes.pdf: 30312886 bytes, checksum: 46662329b601658b7c29f8725ba1a4b8 (MD5) Previous issue date: 2014-06-26 / A temática desse trabalho aborda a fotografia quilombola e seu objeto são as representações imagéticas que crianças quilombolas da comunidade negra “Mocambo” em Ourém, no nordeste do Pará, constroem de si e de sua cultura. O aporte teórico empregado procura relacionar Artes Visuais, Antropologia Visual e Estudos Pós-Coloniais, para fundamentar compreensões de relações e sentidos que esses sujeitos, em seu processo criativo, deixam ver no movimento constitutivo da fotografia como obra de arte em suas interfaces com cultura, memória e identidade quilombola na Amazônia. Para alcançar tais objetivos, a metodologia da pesquisa parte da história oral e da análise de imagens, por meio de exercícios etnográficos e oficinas de imagens com crianças e adolescentes quilombolas. Assim, no primeiro momento, esses indivíduos assumem o papel de artistas visuais para compor registros de si e das paisagens locais mais significativas em suas escolhas. No segundo, colocamo-nos a escuta dos significados atribuídos aos registros por seus criadores, procurando captar conexões com modos de vida quilombolas. Defendemos que o estudo de objetos de arte, tomando-se em suas articulações com o lugar, seus sujeitos e suas histórias, constitui-se em forte evidência das alianças arte e vida. Por outro lado, esse trabalho procura desvendar e valorizar olhares que essas pessoas constroem de si e de sua cultura, o que pode ser um importante indício de seus silêncios nas narrativas visuais e de perspectivas interculturais pouco exploradas nas pesquisas em Artes na Amazônia e nas outras regiões do Brasil. / The thematic of this work deals with the quilombola photography and its object are the image representations that quilombola children, from the black community “Mocambo”, in Ourém, in the northeastern part of Pará, construct about themselves and their culture. The theoretical approach seeks to relate Visual Arts, Visual Anthropology and Post Colonial Studies to substantiate comprehensions towards the relations and the senses these individuals, within their creative process, let see in the constitutive movement of photography as an artwork with its interfaces with culture, memory and quilombola identity in Amazon. To obtain such objectives, the methodology parts from oral history and image analysis, through ethnographic exercises and image workshops with quilombola children and teenagers. In this sense, at the first moment, these individuals assume the role of visual artists to compose registry about them and about the most significant local landscape, according their choices. At the second moment, we put ourselves listening to the meanings attributed to the records by their creators, seeking to capture connections with quilombola modes of living. We argue that the study of objects of art, taking their joints with the place, their subjects and their stories, constitutes strong evidence of alliances between art and life. On the other hand, this work seeks to uncover and appreciate looks that these people construct about themselves and their culture, which can be an important clue about their silences in visual narratives and unexplored intercultural perspectives through the research in Arts in Amazon and in other regions of Brazil.

Submitted by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-03-08T14:22:59Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_ProjetoAdoteUrubu.pdf: 7514940 bytes, checksum: 8e903e4e62ed18dfd0aabb6afc7b7b94 (MD5) / Approved for entry into archive by Irvana Coutinho (irvana@ufpa.br) on 2017-03-08T14:23:40Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_ProjetoAdoteUrubu.pdf: 7514940 bytes, checksum: 8e903e4e62ed18dfd0aabb6afc7b7b94 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-03-08T14:23:40Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_ProjetoAdoteUrubu.pdf: 7514940 bytes, checksum: 8e903e4e62ed18dfd0aabb6afc7b7b94 (MD5) Previous issue date: 2011-09-08 / Ao tematizar a relação arte-comunidade e problematizar a criação artística com a participação social, esta dissertação tem como objeto de estudo a produção artística compartilhada. A linguagem visual da fotografia é a principal ferramenta na construção dos dispositivos artísticos/estéticos. Do ponto de vista epistemológico, adotou-se o paradigma do pensamento complexo, proposto por Edgar Morin, referência norteadora da abordagem desta pesquisa. Por se tratar de uma pesquisa prática, de caráter experimental, comprometida com a participação da comunidade de Algodoal, utilizou-se os pressupostos da pesquisa-ação, nos termos propostos pelo teórico René Barbier. A comunidade escolhida para essa experiência artística/estética situa-se na ilha de Maiandeua, nordeste do Estado do Pará. / When the art-thematize the community and discuss the artistic creation and social participation, this work has as its object of study shared artistic production. The visual language of photography is the main tool in the construction of devices artistic / aesthetic. From the epistemological point of view, we adopted the paradigm of complex thought, proposed by Edgar Morin, of reference guiding this research approach. Because it is a practical research on an experimental basis, committed to community participation Algodoal, we used the assumptions of action research, in theoretical terms proposed by Rene Barbier. The community chosen for this experiment artistic / aesthetic is located on the island of Maiandeua, northeastern Pará State.

Misturando o mundano ao universo maravilhoso, esta pesquisa não só objetivou quebrar a barreira entre realidade fantasia, mas também acabou por revelar histórias profundamente humanas. / Merging the mundane and the marvellous universe, the research not only aimed to break the reality/fantasy barrier, but also ended up revealing deep human stories.