Esta tese visa a identificar os aspectos projetivos, tecnológicos e imagéticos, atuantes nas tendências construtivas e concretas das artes visuais, em sua relação com as teorias do design. Esta relação é mediada pelas tecnologias da imagem em contínua evolução, principalmente, a partir do início do século XX. No Brasil, na segunda metade do século XX, os artistas e teóricos do Movimento Concreto propuseram uma arte industrial e ligada aos processos de comunicação, o que proporcionou uma maior aproximação entre as artes visuais e o design, aproximação esta também possibilitada pelas imagens tecnológicas e computacionais, abrindo a contemporaneidade artística no Brasil. O objetivo deste trabalho é entender essa transformação na qual as tecnologias das imagens causam modificações nos processos de criação artísticos e de design, adotando como tese que os meios digitais, na atualidade, ampliam as potencialidades criativas na realização de projetos e as aproximações entre estes campos do conhecimento. / The main objective of this thesis is to identify projective, technological and pictorial aspects that influence the constructive and concrete trends of visual arts within its connection with design theories. Such connection is mediated by image-related technologies that are in continuous evolution, mainly since the beginning of the 20th century. In Brazil, during the second half of the 20th century, artists and theorists of the Concrete Movement proposed an approach to view art that was both industrial and connected with communication processes. Such approach was further enhanced by technological and computational images, effectively determining the beginning of the contemporary era for the arts in Brazil. The goal of this work is to understand this transformation in which image-related technologies lead to modifications in the creative processes of art and design. We argue that current digital media enhance the creative potential in the development of projects along with a closer interaction/connection between art and design.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:52:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 2308680 bytes, checksum: f398b7f5f06a382505f4d72e3b2abc3e (MD5) Previous issue date: 2012-04-04 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / In this studyaddressedquestionsabout issuesthat involvecultural mediation, the teaching of visual artsandnon-formal education. This is thedescription andanalysis of the developmentof educational practicesofcultural mediationheldat the Centro CulturalBanco do Nordestein Brazil-CCBNB/Caririin the city ofJuazeiro do Norte, which since 2006 has been promotingcultural activitiesin the differentartistic languages,for the general public. The objectivesthat guidedthis researchincludeidentifyingthe concept that theCCBNB/Caririhas onthe educational practicesofcultural mediationin their facilities, identify the profile ofcultural mediatorwhoworkedtherein 2009; understandrelationshipsbetween the institutionand the mediator, emphasize the training requirements of professional anddescribe andanalyze educational practicesundertaken by himin that institution.The work, set up asacase studywas conductedwith the intencion of heartheprotagonists of thesepractices. To this end,we opted forqualitative research tocollect data, using a strategy ofsemi-structured interview, the life historyandpersonal testimony. The discussions arecontextualized fromthe account of theauthor's experiencewith the teaching ofvisual arts, motivationalresearch, the conception ofnon-formal educationandbrief historyof mediation incultural institutions. It is still add up the comment about the cultural constitutionof the regionwherethe institutionhas implementedfocused.As a result, the researchpresentclarification onhow the activitiesof cultural mediationinCCBNB/Carirideveloped, both from the standpointof the institution asthe professionals whoworkedtherein the lightof their conceptionsof cultural mediation. / Neste estudo são abordadas questões sobre temáticas que envolvem a mediação cultural, o ensino de artes visuais ea educação não-formal. Trata-se da descrição e análise do desenvolvimento das práticas educativas da mediação cultural realizadas no Centro Cultural do Banco do Nordeste do Brasil CCBNB/Cariri, na cidade de Juazeiro do Norte, que desde 2006 vem promovendo atividades culturais nas diversas linguagens artísticas, destinadas ao público em geral. Os objetivos que orientaram esta pesquisa compreendem identificar a concepção que os dirigentes do CCBNB/Cariri tem sobre as práticas educativas da mediação cultural nas suas dependências; identificar o perfil do mediador cultural que ali atuou no ano de 2009; compreender relações entre os dirigentes da instituição e o mediador cultural; salientar a formação exigida deste profissional e descrever e analisar as práticas educativas realizadas por ele naquela instituição. O trabalho, configurado como um estudo de caso, foi realizado com o intuito de ouvir os protagonistas destas práticas. Para tanto, optou-se pela pesquisa qualitativa para a coleta de dados, usando-se como estratégia a entrevista semi-estruturada, a história de vida e o depoimento pessoal. As discussões são contextualizadas a partir do relato da experiência da autora com o ensino de artes visuais, motivadora da pesquisa, da concepção de ensino não-formal e de breve histórico da mediação em instituições culturais. Acrescenta-se, ainda, comentário sobre a constituição cultural da região onde se implantou a instituição focalizada. Como resultado, a pesquisa apresenta esclarecimentos sobre como as atividades de mediação cultural no CCBNB/Cariri se desenvolveram, tanto do ponto de vista dos dirigentes da instituição como dos profissionais que ali atuaram, à luz de suas concepções de mediação cultural.

A presente dissertação se propõe a construir e fundamentar um modo operatório para compreender o tipo de obra poética que parte de uma fusão de linguagens na criação de uma narrativa artística, sob a forma de um site-obra (www.io.art.br). Para tanto, parte-se de um conjunto de conceitos cuja soma possibilita uma aproximação desse objeto de estudo, a realização de uma obra em poéticas visuais na forma de um site na web, estruturado em narrativas não-lineares que se interligam e ganham novas dimensões de significado, em uma construção múltipla e fragmentada. Busca-se problematizar o trabalho proposto à luz de diferentes conceitos, como narrativa, suas origens na narração oral e literária, passando para a cinematográfica, trazendo uma visão sobre os princípios da montagem na construção de narrativas mentais. São feitas aproximações com a imagem do labirinto, como forma de compreender a estruturação da navegação por múltiplos caminhos, e abordadas algumas possíveis visões sobre obras em redes telemáticas, notadamente os princípios que regem a hipertextualidade e a não-linearidade. São também abordados os conceitos de rizoma, por agenciar conexões e desdobramentos; informes moldáveis, pelo seu caráter de aglutinação de elementos em um conjunto que age e se desloca como um único ser, além de permitir sua propagação em novos agrupamentos; e torus, pelo seu potencial de dar tridimensionalidade aos deslocamentos que a rede propicia. Finalmente, analisa-se o conceito de Convergência, em especial no que tange à interatividade e inserção de propostas de web arte no contexto fora da rede. Este último mostrou-se como uma ferramenta apropriada para englobar os anteriores, e permitir uma abordagem da proposta artística desenvolvida. / This dissertation aims to form the foundation and structure of an operational mode for understanding creative work that is based on a fusion of languages in creating an artistic narrative in the form of a site-work (www.io.art.br). It is therefore based on a set of concepts that together enable an approach to this object of study, the production of creative work in the form of a website, structured into non-linear narratives that are interconnected and acquire new scales of meaning in a multiple and fragmented structure. It seeks to address the proposed work in the light of different concepts, such as narrative, its origins in oral and literary narration, passing through cinematography and introducing a view of the principles of montage in the construction of mental narratives. It refers to the image of the labyrinth as a way of understanding a structure of navigation along multiple routes and considers some possible views about works in telematics networks, in particular the principles governing hypertextuality and non-linearity. It also investigates rhizome theory as an enabler of connections and developments; slime mold, through its agglutination of elements into a group that acts and moves as a single unit and also allows propagation into new groupings; and the torus, through its ability to give three-dimensionality to the movements provided by the web. Finally, it analyses the concept of Convergence, particularly in terms of interactivity and insertion of web-art proposals into a context beyond the web. This final concept is seen to be a suitable instrument for encompassing the others, and allows an approach to the developed art proposal.

Submitted by João Victor Silva Oliveira (joaovellho@gmail.com) on 2017-11-28T22:21:58Z No. of bitstreams: 1 JOAO OLIVEIRA-DISSERTAÇÃO FINAL.pdf: 3866532 bytes, checksum: 703dd742725c7b250896c69d06ea51c7 (MD5) / Approved for entry into archive by Lêda Costa (lmrcosta@ufba.br) on 2018-04-24T18:41:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 JOAO OLIVEIRA-DISSERTAÇÃO FINAL.pdf: 3866532 bytes, checksum: 703dd742725c7b250896c69d06ea51c7 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-24T18:41:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 JOAO OLIVEIRA-DISSERTAÇÃO FINAL.pdf: 3866532 bytes, checksum: 703dd742725c7b250896c69d06ea51c7 (MD5) / FAPESB / Fruto de questões que concernem os processos de criação em gravura, esta pesquisa compreende, a um só tempo, uma investigação prático-teórica na linha de Processos Criativos em Artes Visuais, fundada na autoficção e seus ritos. Desde a apropriação de experiências pessoais do artista-pesquisador, buscou-se reconstruir, reconfigurar e resignificar os fatos vividos numa poética, instaurando obras de caráter autobiográfico forjado. Tendo como método a autoficção, potência narrativa de criar existências outras que se desdobram na obra e na vida mesma, perturbando ferramentas e técnicas para encontrar novas possibilidades de criação em gravura que se desdobraram num corpo-matriz, suas impressões em gesso e a exposição individual ‘Último ato de orgulho’, combinando princípios poéticos, tais como: farsa, ficção, vazio, tempo, superfície, imersão, contato, impressão. Ademais instituiu-se diálogo com o pensamento de outros autores e artistas como Jorge Larrosa (1959-),John Dewey(1859-1952), Diana Klinger (1973-), Rosalind Krauss (1941-), Clarice Lispector (1920-1977), Félix González-Torres (1957-1996), kiki Smith (1954-), Leonilson (1957-1993) e Rachel Whiteread (1963-).

A pesquisa parte da investigação sobre as relações entre música, sonoridade e artes visuais presentes numa produção plástica que lança mão de linguagens e meios distintos, envolvendo aparelhos sonoros e composições em vídeo e em performance. A tese propõe a existência de um lugar do fazer artístico situado entre esses diversos meios, onde o trânsito e as trocas entre eles se tornam possíveis, permitindo um olhar que parte tanto da especificidade de cada um como das questões que estão situadas entre eles ou, ainda, além deles. É nestas condições que ocorrem os desdobramentos entre o fazer material e imaterialidade das ideias ou considerações intelectuais ligadas a eles, possibilitando passagens das operações técnicas para as operações conceituais. O texto segue a ordem cronológica de criação dos trabalhos para ordenar e analisar a complexidade e a multiplicidade presentes no entrecruzamento de noções e práticas da música, das artes visuais, da imagem em movimento, do objeto, da escultura, do vídeo e da performance. Para tanto, fez-se igualmente necessário trazer abordagens próprias de cada uma destas áreas, aproximado-as e comparando-as, na medida em que a produção plástica pertencente ao corpo da pesquisa demandava. / The research initiates from investigation on the relationship between music, sound and visual arts present in plastic production that makes use of different languages and media involving sound devices, video compositions and performance. The thesis proposes the existence of a place of artistic making situated between these various medias, where traffic and trade between them become possible, enabling a look that both starts of the specificity of each one of the issues as are situated between them or, moreover, beyond them. It is under these conditions that occur developments between material acting and immaterial ideas or intellectual considerations linked to them, allowing passages of technical operations for conceptual operations. The text follows the chronological order of creation of the work to sort and analyze the complexity and multiplicity present in the intersection of notions and practices of music, the visual arts, the moving image, object, sculpture, video and performance. To this end, it was also necessary to bring approaches of each of these areas approximate them and comparing them to the extent that production plastic belonging to the body of research demanded.

Esta tese buscou investigar as relações entre os discursos e as práticas de mediação em projetos educativos, tanto de instituições mais tradicionais, quanto de instituições dedicadas à Arte Contemporânea, no Brasil e na Espanha. As instituições selecionadas foram o Museo del Prado e o Espacio Fundación Telefónica, na Espanha, e a Bienal de Artes Visuais do Mercosul, no Brasil. A escolha de tais espaços foi feita pela possibilidade de um acompanhamento continuado: na Bienal de Artes Visuais do Mercosul, devido à minha participação no setor educativo em várias edições do evento; no Museo del Prado e no Espacio Fundación Telefónica, por ter, durante o estágio de Doutorado Sanduíche, realizado visitas regulares com especial atenção às ações educativas desenvolvidas nessas instituições. A concepção de discurso adotada não se resume à missão da instituição disponível em seus estatutos, mas está presente em todos os seus fazeres, seja no design de suas exposições ou nas suas escolhas curatoriais, ou, ainda, sob a forma de impressos, palestras e eventos públicos, cursos de formação internos para seus profissionais, propagandas veiculadas em meios de massa e materiais digitais disponibilizados na internet. Ressalta-se que este último veículo tem se constituído como uma potente forma de divulgação dos fazeres das instituições. Isto se deve ao fato de que, muitas vezes, o contato através da internet é a primeira aproximação de um visitante com uma instituição, seja através do design e dos conteúdos de seu site, seja através de postagens nas redes sociais da própria instituição ou, ainda, dos comentários de outros visitantes acerca de suas próprias experiências. Dessa forma, a concepção de práticas de mediação engloba desde a estrutura do percurso, o tempo destinado, o tipo de roteiro, a postura do mediador, a leitura das imagens e o modo como são segmentados os grupos. Os fundamentos teóricos envolvem questões da educação na pós-modernidade, em especial os trabalhos de Lyotard e Bauman; os estudos situados na interface da arte, da educação e da leitura de imagem (BARBOSA; PILLAR; ACASO); as pesquisas da semiótica discursiva (FONTANILLE); e os regimes de interação e sentido (LANDOWSKI). A metodologia utilizada foi baseada na descrição e análise proposta pela teoria semiótica discursiva quanto aos regimes de interação e sentido. Os resultados apontam que, em relação aos discursos das instituições há predominância dos regimes de programação e de manipulação, em especial de estratégias de sedução; no que tange às práticas, o Museo del Prado está baseado no regime de programação; já no Espacio Fundación Telefónica e na Bienal de Artes Visuais do Mercosul observam-se ações nos regimes do ajustamento e do acidente. As conclusões evidenciam que as relações entre os discursos e as práticas de mediação no Museo del Prado alinham-se no regime da programação; no Espacio Fundación Telefónica e na Bienal de Artes Visuais do Mercosul os discursos transitam entre os regimes da programação e da manipulação, mas nas práticas de mediação também são observados os regimes do ajustamento e do acidente. A pesquisa revela, portanto, que há uma consonância entre discursos e práticas no Museo del Prado e uma dissonância entre discursos e práticas no Espacio Fundación Telefónica e na Bienal de Artes Visuais do Mercosul. / This thesis aimed to investigate the relationship between the discourses and practices of mediation in educational projects developed by traditional institutions and those ones dedicated to Contemporary Arts in Spain and in Brazil. The selected institutions were Museo del Prado and Espacio Fundación Telefónica in Spain and Bienal de Artes Visuais do Mercosul in Brazil. The choice of these spaces was based on the possibility of continuous monitoring: I had participated in the educational sector at Bienal de Artes Visuais do Mercosul for several editions, and I had made regular visits at Museo del Prado and Espacio Fundación Telefónica during my Doctoral Sandwich program, focusing on educational activities developed by such institutions. The concept of discourse adopted by the said institutions is not limited to the mission stated in their by-laws, actually it is present in all their actions: from the exhibition designs, including the printed materials, to the curatorial choices; from the lectures and other public events to the internal training courses for their staff; from the advertisements aired in mass media to the digital materials available on the Internet, which has become a powerful means for divulgating the institutions’ actions. Most of the times, the visitor’s first contact with an institution occurs either through its website design and content or through other visitors’ postings and comments on their own experiences. Therefore the concept of mediation practices ranges from the route structure, including its schedule and the kind of script, to the mediator’s posture, including image reading and how the groups are segmented. The literature review involves education issues in postmodernity, in particular the studies of Lyotard and Bauman; the studies of the interface of art, education, and image reading (BARBOSA; PILLAR; ACASO); the researches about discursive semiotics (FONTANILLE); and the interaction and sense regimes (LANDOWSKI). The methodology applied was based on the description and analysis proposed by the discursive semiotic theory in relation with interaction and sense regimes. The results show that regarding the institutions’ discourses the predominance lies on programming and manipulation regimes, especially when it comes to seduction strategies; in relation with practices, Museo del Prado is based on programming regime; on the other hand, Espacio Fundación Telefónica and Bienal de Artes Visuais do Mercosul are based on adjustment and accident regimes. The conclusions show that the relationship between discourses and practices of mediation at Museo del Prado align with programming regime; at Espacio Fundación Telefónica and Bienal de Artes Visuais do Mercosul the discourses range from programming to manipulation regimes, but adjustment and accident regimes are also observed during the practices of mediation. However, the research reveals a consistency between discourse and practice at Museo del Prado and an inconsistency between discourse and practice at Espacio Fundación Telefónica and Bienal de Artes Visuais do Mercosul. / Esta tesis objetivó investigar las relaciones entre los discursos y las prácticas de mediación en los proyectos educativos, tanto en instituciones más tradicionales como en las que se dedican al arte contemporáneo en Brasil y en España. Las instituciones seleccionadas fueron el Museo del Prado y el Espacio Fundación Telefónica, en España, y la Bienal de Artes Visuales del Mercosur, en Brasil. La elección de estos espacios se hizo frente a la posibilidad de un seguimiento continuo: en la Bienal de Artes Visuales del Mercosur, debido a mi participación en el sector de la enseñanza en varias ediciones del evento; en el Museo del Prado y en el Espacio Fundación Telefónica, por haber realizado, durante la etapa de pasantía de Doctorado en el Exterior, visitas periódicas con especial atención a las actividades educativas desarrolladas en estas instituciones. El concepto de discurso adoptado no se limita a la misión de la institución disponible en sus estatutos, sino que está presente en todos sus hechos, ya sea en el diseño de sus exposiciones o en sus decisiones curatoriales o, incluso, en forma de productos impresos, conferencias y actos públicos, cursos de formación interna para sus profesionales, comerciales emitidos en medios de comunicación y materiales digitales disponibles en Internet. Interesa destacar que este último vehículo se ha establecido como una poderosa forma de divulgación de los hechos de las instituciones. Esto se debe al hecho de que, a menudo, el contacto por internet es la primera aproximación de un visitante con una institución, ya sea a través del diseño de los contenidos de su sitio, ya sea a través de publicaciones en las redes sociales de la institución o, por otra parte, sea por los comentarios de otros visitantes acerca de sus propias experiencias. Por lo tanto, la concepción de las prácticas de mediación incluye desde la estructura de ruta, el tiempo asignado, la modalidad de la visita, la postura del mediador, la lectura de las imágenes hasta la forma de segmentación de los grupos. Los fundamentos teóricos implican los temas de educación en la posmodernidad, especialmente las obras de Lyotard y Bauman; los estudios ubicados en la interfaz de arte, de la educación y de la lectura de imágenes (BARBOSA; PILLAR; ACASO); las investigaciones de la semiótica discursiva (FONTANILLE); y los regímenes de interacción y sentidos (LANDOWSKI). La metodología utilizada se basa en la descripción y en el análisis propuesto por la teoría semiótica discursiva sobre los regímenes de interacción y sentido. Los resultados muestran que, en relación a los discursos de las instituciones, hay predominancia de los regímenes de programación y de manipulación, en especial las estrategias de seducción; con respecto a las prácticas, el Museo del Prado se basa en los regímenes de programación; ya en el Espacio Fundación Telefónica y en la Bienal de las Artes Visuales del Mercosur se observan acciones en los regímenes de ajustamiento y del accidente. Las conclusiones muestran que la relación entre los discursos y las prácticas discursivas de mediación en el Museo del Prado están alineadas en el régimen de la programación; en el Espacio Fundación Telefónica y en la Bienal de Artes Visuales del Mercosur los discursos se mueven entre los regímenes de la programación y de la manipulación, pero en las prácticas de mediación también se han observado los regímenes de ajustamiento y de accidente. La investigación revela, así, que existe una concordancia entre el discurso y la práctica en el Museo del Prado y una disonancia entre los discursos y las prácticas en el Espacio Fundación Telefónica y en la Bienal de las Artes Visuales del Mercosur.

Este trabalho apresenta uma investigação sobre a fotografia produzida por artistas nos anos 1960 e 1970, a partir de uma análise discursiva dos textos que os próprios artistas escreveram na época. Proponho que a especificidade da concepção de fotografia dos anos 1960 e 1970 é resultado de um processo complexo: habitando uma exterioridade selvagem da disciplina das artes visuais naquele momento, a fotografia é escolhida por artistas como uma estratégia importante em uma disputa discursiva pelas definições de arte que resulta na sua formação como objeto para a disciplina das artes visuais. Esta investigação se desdobra em três capítulos: As Fontes de Pesquisa; A Fotografia-Qualquer; Fotografia e Práticas Artísticas – os Discursos dos Artistas nos Anos 1960 e 1970. No primeiro capítulo desenvolvo uma discussão sobre o texto de artista e sua relevância para a compreensão da arte produzida nas décadas de 1960 e 1970, pela análise comparativa de quatro livros que reúnem textos de artistas da época, com o intuito de explicitar o modo como estes escritos são incluídos no campo teórico das artes visuais, pela sua republicação, que se coloca como uma reapresentação (com um consequente deslocamento de seus contextos originais, edição e, muitas vezes, recortes), o que interfere em sua existência e significado para o conhecimento artístico. Nos capítulos 2 e 3, apresento o resultado de uma investigação que teve como objetivo extrair dos discursos dos artistas, datados dos anos 1960 e 1970, qual o papel que a fotografia desempenhava em suas práticas artísticas no contexto maior da arte daquele período. Persigo a ideia da fotografia como um dispositivo de despersonalização do artista como gênio criador, como figura especial que produz objetos especiais e, portanto, distingue-se das outras pessoas. Esta qualidade da fotografia-qualquer é enfatizada em textos de artistas dos referidos anos em uma celebração da possibilidade da anti-arte que resultava da utilização da fotografia como medium, na apropriação do que havia de menos especial em termos de técnica e material para a produção de imagens e se contrapunha à arte que eles chamavam de tradicional ou convencional. Ainda centralizo minha atenção, nos textos dos artistas, no modo como eles abordam seus trabalhos, a fim de destilar daí três papéis que a fotografia pode desempenhar em suas práticas artísticas: a fotografia como documento; a fotografia integrada à prática artística; a fotografia como trabalho de arte. Enquanto tendências extraídas dos modos de apropriação da fotografia como medium para a produção, esses agrupamentos têm a função de organizar, por semelhança e diferença, as abordagens discursivas dos artistas sobre suas práticas, a partir de como eles elaboraram seu fazer e determinaram o lócus de seu trabalho – em outras palavras, o que, para cada um deles, constitui o trabalho de arte propriamente dito em meio aos vários elementos que compõem sua prática artística. A fotografia na arte existe em virtude do discurso – tanto visual quanto textual – que a toma como objeto, e, neste sentido, estava sendo inventada para aquele momento, nos escritos e trabalhos dos artistas. A presença da fotografia na prática artística das décadas de 1960 e 1970, abordada a partir dos discursos dos artistas, revelou-se como um processo complexo de estabelecimento da fotografia como um objeto para o saber artístico, do qual se pode falar e para o qual se forma um vocabulário específico, possibilitando que ela se coloque como mais um medium para a produção artística, entre outros e em relação a eles. / This thesis presents an investigation into the photography produced by artists in the 1960s and 1970s, based on a discursive analysis of texts that the artists themselves wrote at the time. I propose that the specificity of the conception of photography from the 1960s and 1970s is the outcome of a complex process: inhabiting a wild exteriority of the visual arts discipline at that moment, photography is chosen by artists as an important strategy in a discursive dispute for definitions of art which results in its constitution as an object to the visual arts discipline. This investigation unfolds in three chapters: Sources of Research; The Photography-Whatever; Photography and Artistic Practices – Discourses of Artists in the Years 1960 and 1970. In the first chapter I carry out a discussion on the artist’s text and its relevance for understanding the art produced in the 1960s and 1970s, by means of a comparative analysis of four books that gather texts of artists of the time, in order to clarify how these writings are included in the theoretical field of visual arts, through their republication, which arises as a re-presentation (with a consequent displacement from their original contexts, editing, and often cuts), and so interferes with their existence and meaning for the artistic knowledge. In chapters 2 and 3, I present the result of a research that seeks to extract, from speeches of artists dating from the 1960s and 1970s, the role played by photography in their artistic practices in the larger context of art of that period. I pursue the idea of photography as a device of depersonalization of the artist as creative genius, as a special character who produces special objects and therefore distinguishes himself from other people. Such quality of the photography-whatever is stressed in texts of artists from those years in a celebration of the possibility of anti-art that resulted from the usage of photography as a medium, through an appropriation of the least special techniques and materials available at that time for the production of pictures and was opposed to the art that they called traditional or conventional. I also focus my attention, in the artists’ texts, in how they approach their own work, in order to withdraw three roles that photography can play in their artistic practices: the photograph as a document; the photograph integrated into the artistic practice; the photograph as an art work. While trends drawn from the ways of appropriation of photography as a medium for production, these groups have the task of organizing, by similarity and difference, the discursive approaches of the artists about their practices, based on how they developed their doing and determined the locus of their work – in other words, that which, for each of them, constitutes the work of art itself among the various elements that comprise his artistic practice. Photography in the arts exists by virtue of the discourse – both visual and textual – that takes it as an object, and in this sense it was being invented for that time, in the writings and works of the artists. The presence of photography in the artistic practice in the 1960s and 1970s, approached by means of a research into the discourses of artists, has shown itself as a complex establishment process of photography as an object to the artistic knowledge, an object of which one can speak and for which a specific vocabulary is formed, enabling it to place itself as a new medium among others (and in relation to them) for artistic production.

Este trabalho investiga a cobertura realizada por jornais de referência brasileiros sobre as megaexposições de artes visuais no país de 2010 a 2016. Parte da perspectiva construcionista, pressupondo que os acontecimentos são a matéria-prima básica da atividade jornalística e que o jornalismo cultural é um lugar especializado de construção de sentidos sobre arte, além de mediador entre esta e os públicos. Lançando mão dos estudos do acontecimento, verificamos quais indícios o jornalismo acionou para cobrir as megaexposições de artes visuais no período de estudo. Foi escolhida a metodologia de Análise de Conteúdo, que, em uma etapa quantitativa, examinou 152 textos sobre seis exposições, e, na fase qualitativa, aprofundou o olhar sobre 20 dessas reportagens. Encontramos uma cobertura que se revela proeminente e mobilizadora de públicos para visitar as exposições. Verificamos que o jornalismo media o ciclo de existência do acontecimento, elaborando sobre ele um mapa de consensos e construindo-o de forma paulatina, em um reiterado roteiro desde a apresentação até o balanço posterior. Concluímos também que as coberturas promovem uma espetacularização das exposições, a partir de uma pré-mediação, oriunda das marcas envolvidas com sua produção, e praticamente apenas reproduzida pelos veículos jornalísticos. As matérias valorizam aspectos como biografias, mobilização de multidões e números e lançam mão de um discurso marcadamente superlativo, buscando recuperar a aura da arte das megaexposições, com forte acionamento de fontes ligadas à produção do evento e pouco espaço de fala aos visitantes. / This master thesis digs into the news coverage promoted by important Brazilian newspapers about blockbuster visual arts exhibitions that happened in Brazil between 2010 and 2016. It takes off from a constructionist approach, assuming that the events are the basic raw material of journalistic activity and that cultural journalism is a specialized environment for building senses about art, as well as a mediator between the craft and its publics. With that in mind, putting the event studies into use, we analyzed which evidences journalism triggers to cover the blockbuster art exhibitions in the referred period. For this research, it was chosen the Content Analysis methodology, that, in a quantitative phase, examined 152 texts about six exhibitions and, in the qualitative stage, took a deeper look on 20 of these stories. We found a prominent coverage and able to call on the public to visit the exhibitions. We verified that journalism mediates the cycle of existence of these happenings, gradually drawing over them a map of perceptions, in a repeated script since their initial presentation up to the final reviews. We also concluded that the news coverage promote a spectacularization of the exhibitions, from a pre-mediation role, originated in the brands involved with their production, and basically just reproduced by the journalistic media. The stories highlight aspects such as biographies, ability of driving crowds and event numbers through a clearly superlative speech, reaching to recover the art aura of the blockbuster exhibitions, with strong use of sources connected to the events’ execution and very little space dedicated to reflect the visitors views.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Na virada para o século XXI artistas e curadores em bienais e outras exposições internacionais estão adotando formas colaborativas e educacionais de fazer arte e curadoria envolvendo artistas e não artistas, comunidades, escolas e outras instâncias sociais. Essas iniciativas criam encontros interdisciplinares onde imbricações entre arte e não-arte são colocadas em questão, considerando contextos sociopolíticos mundiais, a globalização e outros temas pós-colonialistas. A dissertação examina as aproximações e atravessamentos de culturas e identidades, questões de centro e periferia, local e global gerando entre-lugares e o interesse por propostas de site-oriented, geradoras de situações de convivência, compartilhamento de experiências coletivas e prática educativa. A pesquisa reflete sobre as intenções dos artistas, curadores, a participação do público e o diálogo entre diferentes discursos críticos e campos do conhecimento em projetos com essas características. O estudo de caso é o projeto Cadernos de Viagem, projeto de residência artística e exposição, realizado na 8 Bienal do Mercosul, em Porto Alegre, Brasil, 2011. Diversos teóricos como Homi Bhabha, Jacques Rancière, Nicolas Bourriaud, Claire Bishop, Grant Kester, Miwon Kwon, Moacir dos Anjos e Félix Guattari, são abordados, entre outros / At the turn of the 21st century artists and curators in biennials and other international exhibitions are embracing collaborative and educational forms of artmaking and curatorship that both involve artists and non-artists, communities, schools and other social contexts. These initiatives create interdisciplinary encounters where the interconnections between art and non-art are questioned and sociopolitical contexts explored, as well as themes of globalization and post-colonialism. The dissertation examines the proximities and challenges of interactions between different cultures and identities, issues of center and periphery and the local and global that create between-places and micropolitical interventions via these site specific situations of conviviality and sharing of collective experience and education practice. The research reflects on the intentions and contradictions of artists, curators, educators, public participation, and the dialogue between different critical discourses and fields of knowledge in projects with these characteristics. The case study is Travel Notebooks, an artist residency and exhibition project of the 8th Mercosul Biennial in Porto Alegre, Brazil, 2011. Various theorists such as Homi Bhabha, Jacques Rancière, Nicolas Bourriaud, Claire Bishop, Grant Kester, Miwon Kwon, Moacir dos Anjos and Félix Guattari are drawn upon, among others

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This work is part of the research developed in Visual Poetics, in the Master‟s Course in Visual Arts, in the area of Contemporary Art and it is connected to the research Line Art and Culture. The main objective of this work is the body in transit between the Theater and the Performance by shifting a theatrical character built from a dramatic text into the subject of the performative action. That character is the Nurse of the Greek tragedy Medea, written by Euripides. Presents such a starting point for research by understanding the Art of Performance , to focus the artist's body as a work of art , invests in its presence in art through his presentation detached representation of a fictional story , as in the theater conventional and thus causes changes in the treatment of the body in the Visual Arts and Theatre. Thus, the problem exposed was developed with the realization of performances that relied on the inclusion of the Nurse in different contexts. These contexts provoked changes in the actions of this character, which reconfigured her as a character from a dramaturgical text to make her the subject of the performative action with the character called My Old Lady. To carry out the Performances, the actress/performer has made a Pre-Performance, which consisted of two phases: first, with the physical preparation of the actress/performer and second, with the study of the context in which the Performance was held. The reflection of the Performances and the work as a whole led to think that the actress/performer has had the body in transit in the figure of My Old Lady. / Esta dissertação faz parte da pesquisa desenvolvida em Poéticas Visuais, no Curso de Mestrado em Artes Visuais, inserida na área de Arte Contemporânea e ligada à Linha de Pesquisa Arte e Cultura. O objetivo maior deste trabalho é o corpo em trânsito entre o Teatro e a Performance, através do deslocamento de uma personagem teatral construída a partir de um texto dramático para sujeito da ação performática. A referida personagem é a Ama da tragédia grega Medéia, escrita por Eurípides. Apresenta-se esse ponto de partida para a pesquisa por entender que a Arte da Performance, ao centrar o corpo do artista como obra de arte, investe na sua presença em arte através da sua apresentação desvinculada da representação de uma história fictícia, como no teatro convencional e assim provoca alterações no tratamento dado ao corpo nas Artes Visuais e no Teatro. Desse modo, a problemática exposta foi desenvolvida com a realização das performances que contavam com a inserção daquela que era a personagem Ama em diferentes contextos. Esses contextos provocaram mudanças nas ações de Ama, que a reconfiguraram enquanto personagem de um texto dramatúrgico, para promover sua passagem a sujeito da ação performática com a figura que foi denominada Minha Velha. Para a realização das Performances, foi desenvolvido o trabalho intitulado pela atriz/performer de Pré-Performance, que consistiu em duas fases: a primeira, com a preparação corporal da atriz/performer e, a segunda fase, com o estudo do contexto no qual era realizada a Performance. A reflexão das Performances realizadas e do trabalho como um todo conduziu a pensar que a atriz/performer encontrou o corpo em trânsito na figura de Minha Velha.