Cette thèse vise à apporter un éclairage philosophique sur l'œuvre cinématographique d'Alfred Hitchcock. Plus spécifiquement, il est question d'envisager les phénomènes esthétiques et narratifs afin d'évaluer la pertinence de ses films en matière de morale. Pour ce faire, nous proposons un travail en quatre étapes : tout d'abord, il faut prendre le temps nécessaire pour consolider les fondements théoriques de l'exégèse. La première partie s'efforce donc de mettre en place les éléments principaux pour la connaissance de son œuvre, du contexte de production et de ses caractéristiques les plus pertinentes. Par la suite sont envisagés les apports théoriques et conceptuels des critiques dans la filiation de laquelle se situe ce travail : la politique de réhabilitation d'Hitchcock opérée par les Cahiers du cinéma porte ses fruits aujourd'hui encore, malgré la nécessité de dépasser leur approche spiritualiste. Ainsi, cette thèse se veut leur héritière, tout en revendiquant l'utilité de perspectives alternatives comme celles de Robin Wood ou de William Drummin. Le second moment se propose d'entrer dans la diégèse hitchcockienne et d'analyser le plus justement possible les particularités du monde fictionnel créé à travers la cinquantaine de films constituant le corpus. Cette étude met en valeur l'idée d'un pessimisme latent qui se manifeste à travers une contingence ambivalente, une menace de la fatalité, une ambiguïté des fin heureuses, et une critique presque généralisée des institutions. La représentation des personnages n'est pas plus heureuse dans la mesure où l'antagonisme traditionnel méchants / bons est faussé par un manque d'héroïsme des protagonistes et une sympathie récurrente des vilains, dont la mise en scène particulièrement ambiguë favorise un rapport non conventionnel de la part des spectateurs. La troisième partie tente de dépasser cette inquiétude généralisée en montrant que les ressources personnelles des protagonistes, associées à leur rencontre parfois traumatisante avec le monde les amène à rendre possible une certaine éthique des rapports humains. Le couple engagement / dévouement est au centre de ce développement, permettant de mettre en avant la possibilité d'une évolution des personnages : d'une amoralité initiale, résultat d'une hostilité généralisée et d'un égoïsme primaire, ils peuvent prétendre au statut de véritables héros, porteurs ou représentants de valeurs et de vertus liées à l'altruisme et à l'acceptation du monde. Enfin, le dernier mouvement propose une étude de la réception, dont le but est de comprendre la position spectatorielle. Pour ce faire, nous analysons les procédés permettant le partage des expériences, afin de parvenir au concept de " vicarialité " qui semble le plus à même de décrire la forte implication et la conscience de soi qui résulte de l'esthétique hitchcockienne. Le moment final est centré sur la constitution du jugement moral du spectateur et sur la pertinence de cette œuvre dans la vie éthique du public.

A la frontière entre musique et mathématiques, cette étude présente un espace musical géométrique original utilisé pour l'analyse et la pédagogie.En utilisant différentes méthodes, les mathématiciens et théoriciens de la musique ont démontré que notre espace des hauteurs tempéré à douze notes peut être considéré comme une combinaison de tierces mineurs et majeures. Nous utilisons le produit cartésien de deux graphes circulaires C3□C4 pour construire le graphe Planet qui répond à ce concept. Comme la décomposition implique deux ensembles et que chaque classe de hauteur est la combinaison unique de ces deux sous-groupes, nous utilisons une coloration en termes de graphes par des nombres complexes et introduisons le concept d'idéogrammes à deux dimensions. Nous effectuons une analyse spectrale du graphe Planet pour déterminer ses espaces propres et obtenir des coordonnées géométriques. Le modèle qui en résulte est appelé Planet-4D, il offre à chaque symbole une position physiquement équivalente. Il comporte plus de symétries que tout modèle discret 3D. A partir de ce modèle, nous construisons une représentation en quatre dimensions où les accords parfaits se trouvent en surface d'une hypersphère. Nous étendons enfin le concept principal pour afficher n'importe quel agrégat de notes sur l'hypersphère dans un cadre atonal. Dans une seconde partie, nous modélisons sous forme de graphes des objets musicaux existants : claviers, réseaux de notes (Tonnetze) ou d'accords ainsi que des schémas de modulation. Nous appliquons des projections spectrales afin de visualiser les symétries inhérentes à ces objets et terminons par des études d'œuvres tonales et atonales, effectuées avec le système de visualisation inventé.

Ce projet de recherche en danse est né du désir et du besoin de questionner ma propre pratique artistique en danse contemporaine, en la mettant en perspective et en conversation avec celle de deux autres artistes chorégraphes, Monica Klingler et Barbara Manzetti. L'étude de ces (nos) pratiques, que j'ai qualifiées de "mineures" (au sens deleuzien) a été réalisée en les approchant par le "milieu", dans leur devenir, en les "accompagnant" pendant une période délimitée, celle de la durée de la thèse. Les questions qui dynamisent la recherche concernent les notions de présent et de vivant, contenues dans le terme "processus" : comment rendre compte de processus créatifs au moment même de leur surgissement? Comment se positionner pour pouvoir les décrire, les analyser? Une autre question explorée à travers différentes pratiques d'écriture, dont la thèse, est celle du rôle de l'écriture dans un projet de danse. Quelles pratiques d'écriture mettre en place pour accompagner la danse, pour la penser et pour la partager à travers le langage? L'analyse des démarches artistiques des trois artistes étudiées a été réalisée à l'aide de concepts issus de théories féministes. Elle s'appuie sur la notion de "hors de soi", du choix d'exacerber la vulnérabilité (Judith Butler) ; sur le positionnement des artistes comme des sujets non unitaires, des "sujets nomades" et en devenir (Rosi Braidotti) ; sur la mise en mouvement de formes fluides, changeantes et non réductibles à une œuvre, à l'"un" (Luce Irigaray).La recherche, considérée comme un "processus de danse", a donné forme à différents projets artistiques, Materia Viva, Figuras, Avec le masque, ainsi qu'à l'écriture de la thèse.

Croisant deux sphères artistiques dont les relations ont été quelque peu ignorées et dont les antagonismes ont été parfois fantasmés, cette étude se propose d'analyser les résonances croisées, fécondes et réciproques existant entre le rock et la littérature. Ouvrant un champ de recherche quasiment vierge, elle est confrontée à l'instabilité d'un mot insaisissable (le rock) qui est peut-être en cela une métaphore de l'imaginaire contemporain. Critique et vecteur du spectacle, bruit apparemment informe dont il est difficile de parler, le rock résonne dans les productions littéraires comme il est influencé par elles. A l'aune de cette problématique, nous avons cherché à manifester un espace littéraire à l'écoute du rock, espace hétérogène constitué par des rock-fictions ou fictions du rock, la critique rock, les écrits des artistes, une poésie électrique ou encore des oeuvres littéraires sans cesse citées par les musiques populaires. Outre une cartographie de cet espace, nous avons observé la manière dont les textes fantasment leur proximité, leur appartenance ou leur rejet du rock et, ou, du littéraire, dans autant d'échos et de distorsions poétiques, esthétiques et axiologiques. Dès lors, eu égard à la disparité formelle du rock et à sa volatilité sémantique, cette analyse dépasse nécessairement les bornes d'une réflexion musico-littéraire. La métaphore de l'écoute qui l'a guidé ne vise donc pas (simplement) à réconcilier amateurs ou littératures des musiques savantes et des musiques populaires, mais elle est le modèle d'une posture d'écoute qui conjugue aussi bien la distraction face aux résonances (littéraires) du rock que l'attention face aux dissonances du réel

S’appuyant sur l’effervescence dont fait actuellement l’objet le terme de scénographie dans le milieu créatif, ce travail propose d’étudier l’apparition d’une fonction spécifique autour du concept de scénographie urbaine dans la fabrique de la ville contemporaine. En effet depuis les années 1980, dans un contexte d’essor de la ville événementielle, créative et culturelle nous assistons à une multiplication de propositions artistiques éphémères déployant des dispositifs scénographiques dans l’espace public qui font évoluer les modes d’action des acteurs de la fabrique urbaine (opérateurs culturels, artistes, gestionnaires publics et aménageurs). Entre théâtre et espace public, scène et ville, nous retracerons les origines de la scénographie pour ensuite s’intéresser à la scène nantaise qui est ici considérée comme un laboratoire des différentes formes que peut prendre la scénographie urbaine. En définissant le rôle du scénographe sur un terrain d’intervention spécifique, à savoir l’espace urbain, il s’agit par-là d’identifier un groupe professionnel émergent, les scénographes, au regard de l’évolution de leurs pratiques hors du théâtre. Puis, en resserrant la focale sur un territoire, nous caractérisons plus particulièrement la fonction de scénographie urbaine dans son acception contemporaine traduisant une évolution de la place de la création artistique dans la fabrique urbaine. Plus largement, cette étude met en question la production d’espaces urbains, révélatrice de tension entre nécessité fonctionnelle et conception d’espaces sensibles. Entre fabrique artistique et dynamique de récupération, ce travail nous renseigne sur un mode de faire la ville contemporaine à l’interface entre urbanisme du divertissement et utopie artistique. / Based on the current effervescence of scenography in the creative environment , this work proposes to study the appearance of a specific function around the concept of urban scenography in the fabric of the contemporary city. Since the 1980s, in a context of the development of event, creative and cultural city, we are witnessing a multiplication of ephemeral artistic proposals deploying scenographic devices in the public space that evolve modes of action of the actors of the urban factory (cultural operators, artists, public managers and developers). Between theater and public space, stage and city, we will trace the origins of the scenography and then take an interest in the Nantes scene, which is considered here as a laboratory of different forms that can take urban scenography. Infact, in urban space, it is an identifying an emerging professional group, the scenographers, about the evolution of their practices outside the theater. Then, by tightening the focus on a territory, we characterize more specifically the function of urban scenography in its contemporary meaning reflecting an evolution of the place of artistic creation in the urban factory. A larger scale, this study calls into question the production of urban spaces, revealing tension between functional necessity and the conception of sensitive spaces. Between artistic and dynamic recovery, this research informs us about an embodiment of the contemporary city at the interface between town planning of entertainment and artistic utopia.

Submitted by Glauber de Assunção Moreira (glauber.moreira@ufba.br) on 2018-09-21T17:06:26Z No. of bitstreams: 1 TESE FINAL.pdf: 11808708 bytes, checksum: c024f24c260a47eaf98470dcbb623cfb (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-09-25T12:48:09Z (GMT) No. of bitstreams: 1 TESE FINAL.pdf: 11808708 bytes, checksum: c024f24c260a47eaf98470dcbb623cfb (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-25T12:48:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 TESE FINAL.pdf: 11808708 bytes, checksum: c024f24c260a47eaf98470dcbb623cfb (MD5) / A pesquisa qualitativa visa demonstrar uma maneira de constituir redes de aprendizagem para o desenvolvimento cultural, contribuindo com a sustentabilidade de projetos artístico-pedagógicos em artes cênicas. A hipótese é: a implementação de práticas colaborativas, definidas provisória e suscintamente como dialógicas, baseadas na presença e afetividade, nas quais a participação retroalimenta a rede e os(as) participantes, favorece a coimplicação com o processo de desenvolvimento cultural. A abordagem é mit-disciplinar e multirreferencial, com contribuições do campo da arte, sobretudo de Bishop, Kester, Collados e Rodrigo, e da educação, com Freire, Maturana e Rancière. Trata-se, em acordo com Yin, de um estudo de caso único longitudinal das abordagens artístico-pedagógicas do projeto Mediação Cultural: Programa de Formação em artes Cênicas, nas edições 2013 e 2014, em Salvador e Região Metropolitana. Foram avaliadas as práticas colaborativas implementadas no projeto. Verificou-se que em 2013 a tônica foi a realização de ações pré-estabelecidas pela equipe do projeto. Em 2014, os acompanhamentos pedagógicos inspirados em Freire e Pacheco, como círculos de formação participativos e corresponsáveis, constituíram ambiente para as práticas colaborativas. Seguindo a tipologia de Kwon, o Núcleo de Educadores(as) do Subúrbio Ferroviário de Salvador constituiu uma “comunidade inventada em andamento”. A rede de aprendizagem sustentável se verifica: na atitude dos(as) educadores(as) de mapear contextos e possibilidades no território; no estabelecimento de parcerias para fortalecer suas produções culturais; na reinvenção das relações sociais no núcleo, integrando educandos(as) e parentes na “Família Mediação”; e na autogestão do núcleo. A pesquisa confirmou a hipótese inicial e a formulação conceitual provisória apresentada. / The qualitative research aims to demonstrate a way to constitute networks of collective learning for cultural development, contributing to the sustainability of pedagogical artistic projects of performing arts. The hypothesis is: the implementation of collaborative practices, provisionally and concisely defined as dialogical, based on presence and affection, in which participation feeds back the network and participants, encourages the co-involvement with the cultural development process. The approach is mit-disciplinary and multi-referential, with contributions from the field of art, especially from Bishop, Kester, Collados and Rodrigo, and education, with Freire, Maturana and Rancière. This is in accordance with Yin, a single longitudinal case study of pedagogical artistic approaches in Cultural Mediation project: Training Program in Performing arts, editions 2013 and 2014, in Salvador and the Metropolitan Area. Collaborative practices implemented in the project were evaluated. It was found that in 2013 the emphasis was the fulfillment of pre-established actions by the project team. In 2014, the pedagogical accompaniments inspired by Freire and Pacheco as circles of participatory and coresponsible formation constituted an environment for collaborative practices. Following Kwon’s typology, o Núcleo de Educadores do Subúrbio Ferroviário de Salvador constituted an invented community ongoing. The sustainable learning network is evidenced in: the attitude of educators to map contexts and opportunities in the territory; the establishment of partnerships to strengthen their cultural productions; the reinvention of social relations in core, integrating students and relatives in "Mediation Family"; the self-management of the core. The survey confirmed the initial hypothesis and the provisional conceptual formulation presented. / La recherche qualitative vise démontrer une manière de constituer des réseaux d'apprentissage collectif pour le développement culturel. En contribuant, pour la soutenabilité des projets artistiques pédagogiques dans les arts de la scène. L'hypothèse est: la mise en oeuvre des pratiques de collaboration, provisoirement et succinctement définis comme pratiques dialogiques, basé en la présence et l'affectivité dans lesquels la participation réinjecte au réseau et les participants euxmêmes, favorise la sensibilisation et co-implication dans et avec le processus de développement culturelle collective. C'est une approche mit-disciplinaire et multiréférentielle, avec les contributions théoriques et pratiques au domaine de l'art, en particulier de Bishop, Kester, Collados et Rodrigo, et de l'éducation, avec Freire, Maturana et Rancière. C'est, conformément au Yin, d'une étude de cas unique et longitudinale des approches artistiques et pédagogiques du projet Médiation Culturelle: Programme de Formation en Arts de la Scène, dans ses éditions en 2013 et 2014, à Salvador et Région Métropolitaine. Ont été évalué les pratiques de collaboration mis en oeuvre dans le projet. Il a été constaté que, à la édition 2013, la tonique était l'accomplissement d'actions préétablies par l'équipe du projet. En 2014, les accompagnements pédagogiques inspirés par Freire et Pacheco comme des cercles de formation participative et co-responsables ont constitué un environnement pour les pratiques collaboratives. Selon la typologie de Kwon, le Núcleo de Educadores do Subúrbio Ferroviário de Salvador a constitué une "communauté en cours". Le réseau d'apprentissage soutenable est mis évidence en: l'attitude des éducateurs en identifier des contextes et des possibilités dans le territoire; l'établissement de partenariats entre les éducateurs pour renforcer leurs productions culturelles; la réinvention des relations sociales dans le noyau intégrant étudiants et des familiers à la ”Famille Médiation”; l'autogestion du noyau. La recherche a confirmé l'hypothèse initiale et la formulation conceptuelle provisoire présenté.

L'Amérique est une nation masculine, et ce depuis ses origines. Partie intégrante de l'identité américaine, le mythe du self-made man se trouve toutefois en contradiction avec une réalité plus contrastée, ce qui provoque une certain sentiment de malaise chez l'homo americanus. Dans la littérature et le cinéma américains, ce malaise masculin s'exprime en partie par le biais de l'esthétique grotesque. Entre 1969 et 1980, l'industrie du cinéma américain connaît de profonds changements. À la même époque, le pays vit une série de bouleversements politiques et sociaux, liés à la lutte pour les droits civiques des Noirs, des femmes et des homosexuels et aux scandales qui ébranlent les institutions américaines à cette période. La production et la réception d'un certain nombre de films controversés à l'époque reflètent l'instabilité de l'hégémonie masculine blanche et hétérosexuelle. Celle-ci est mise en question à travers une série de tropes liés au grotesque : le corps difforme et pénétrable, sexualité et violence, religion et folie. A travers les prismes multiples de la civilisation américaine et des études culturelles, des études de genre (gender), la littérature et le cinéma, la présente étude tente d'explorer l'articulation entre cinéma d'adaptation, malaise masculin et grotesque aux États-Unis dans les années soixante-dix à travers six adaptations filmiques.

Ce travail vise à rendre compte des relations entre création musicale, politiques de la diversité et mondialisation dans l'Allemagne d'aujourd'hui en partant d'un cas : creole, un cycle de compétitions organisé selon un principe fédéral, qui donne lieu à des festivals dans différentes villes et débouche tous les deux ans sur un prix récompensant trois ensembles de " musiques du monde d'Allemagne ". Selon les textes des programmes, cette manifestation est censée illustrer la créolisation du monde et les connexions émergeant entre différentes cultures et genres musicaux présents en Allemagne. Lorsque l'on se penche sur le processus d'émergence de ce projet et les dynamiques de mobilisation des participants, il s'avère cependant que le spectre des attentes est plus complexe et que ces événements, plutôt qu'illustrer une réalité univoque, fabriquent en des versions plurielles tout un monde de musiques d'Allemagne. L'étude de ce cas n'est pas une fin en soi mais un moyen pour appréhender divers aspects de l'Allemagne contemporaine. Les débats qui ont cours dans l'intimité du secteur des " musiques du monde " (" die Nische Weltmusik ") manifestent plus largement des tensions traversant la société allemande d'aujourd'hui : en tant que terre d'immigration partagée entre l'idéalisation du métissage et la mise en avant de cultures distinctes, en tant que " pays de musique " connu pour la richesse de son patrimoine savant et en même temps désireux de promouvoir des artistes " populaires " ou " modernes ", en tant que système politique fédéral devant composer avec les diverses instances locales et les cadres mondialisés du marché et de la politique culturelle. Autant l'arrière-plan considéré dans ce travail est large, autant l'attention portée aux situations d'interaction se veut précise : pour rendre compte du processus de fabrique des festivals et des environnements différenciés dans lesquels ils s'inscrivent, des logiques de sélection et des dynamiques de délibérations des jurys, des cadres organisant chaque épreuve ainsi que des débats qui surgissent parmi les spectateurs sur " l'esprit " des festivals creole.

L'objectif est de mieux connaître les bois, surtout denses et tropicaux, utilisés dans les instruments, et de proposer une aide pour la diversification en lien avec des problèmes d'approvisionnement durable. Le travail adopte deux approches complémentaires : caractérisation de la diversité des bois utilisés ou utilisables en facture instrumentale (espèces, propriétés vibratoires) ; étude des déterminants microstructuraux et chimiques (extractibles) des propriétés importantes. Une base de données « espèces ligneuses - usages en facture » est dessinée et a commencé à être implémentée par des informations de factures traditionnelles extra-Européennes. Les propriétés vibratoires élémentaires (module d'élasticité spécifique et coefficient d'amortissement dans la plage de fréquences 200-600Hz) en direction axiale, la teneur en eau à l'équilibre (à 20°C et 65% HR) et les paramètres de couleur CIELab et CIELCh sont déterminées sur 1400 éprouvettes de petites dimensions couvrant 60 espèces et 70 types de bois, dont 70% de feuillus tropicaux. Une moitié est fournie par des facteurs d'instruments, l'autre est présélectionnée sur des critères liant propriétés mécaniques, chimiques et physiques. Les relations entre propriétés sont analysées et les essences classées en groupes de similitude par analyses multivariables. Les extractibles du bois de coeur sont responsables de très faibles amortissements et teneurs en eau sur la majorité des bois tropicaux étudiés. Des modèles prédictifs simples sont proposés qui expliquent sur les essences étudiées de 85 à 90% de la variabilité observée des coefficients d'amortissement. Les relations entre propriétés physico-mécaniques et angle des microfibrilles sur des bois normaux et de compression de 3 résineux sont globalement cohérentes avec la littérature mais les bois de compression ont –à module spécifique donné- de plus faibles amortissements que les bois normaux. Les bois de coeur de deux espèces de Papilionaceae (Pterocarpus soyauxii Taub. ‘Padouk' et P. erinaceus Harms. ‘Vèn') sont comparés à l'état natif puis extraits par différents solvants. Les extraits du Padouk sont -à quantités données- plus efficaces que ceux du Vèn pour diminuer l'amortissement et inversement pour la teneur en eau. Des hypothèses sont émises sur les mécanismes possibles.

Les carrières artistiques constituent un domaine très peu étudié dans le champ des relations industrielles. Celles-ci représentent pourtant un observatoire très puissant pour examiner et anticiper l’évolution des professions dans un contexte où plusieurs auteurs ont émis l’hypothèse que de nombreux métiers, notamment ceux du domaine de la recherche scientifique et des professions créatives, sont appelées à évoluer selon des formes qui se rapprochent des conditions d’organisation et des formes d’emploi des métiers artistiques. La présente recherche a pour objet l’étude des facteurs qui influencent les artistes professionnels de la danse à entreprendre une transition de carrière. Plus précisément, il s’agit d’étudier comment s’opèrent et sont vécues les transitions de carrière provoquées par des blessures ou des maladies professionnelles, incluant l’usure, la diminution des capacités physiques et l’invalidité, chez les danseuses et les danseurs professionnels à Montréal. La réalisation de cette recherche repose sur une analyse transversale du matériel de recherche qui comprend des données quantitatives et qualitatives. La double comparaison des données convergentes et divergentes de l’expérience vécue des participants relativement aux opinions, aux perceptions, aux sentiments et aux attitudes permet, par ces lignes de convergences et de fuites, de tirer des conclusions plus larges. À l’aide de cette méthodologie de recherche, cette étude vise à reconnaître: 1) que les transitions de carrière provoquées par ces facteurs physiques sont difficiles à vivre étant donné qu’elles sont inattendues, ce qui fait d’elles une forme de transition contrainte et, 2) que les transitions de carrière provoquées par ces facteurs physiques sont difficiles à vivre étant associées à d’importantes difficultés psychologiques et identitaires. Par cette analyse, nous constatons qu’il existe deux degrés de transitions de carrières provoquées par des facteurs physiques : celles qui sont provoquées par une blessure grave ou une maladie professionnelle et celles qui sont provoquées par une installation graduelle de la douleur en raison d’une microblessure, d’une usure ou d’une diminution des capacités physiques. En étudiant les évènements menant à ces types de transition, nous nous attardons à définir ce que nous entendons par « contrainte » et nous détaillons les caractéristiques des transitions qu’elles engendrent. Nous arrivons à la conclusion que ces deux degrés de transitions correspondent à la nature d’une transition de carrière contrainte ce qui fait d’elles des processus difficiles à vivre notamment raison de leur caractère inattendu. En plus de constater que celles-ci sont effectivement associées à différentes difficultés psychologiques et identitaires, nous identifions les raisons qui expliquent l’émergence de ces difficultés. Cette étude permet d’étudier la survenance des événements qui mènent à ces transitions de carrière et permet de porter un regard sur les services offerts par la Commission des normes, de l’équité, de la santé et de la sécurité du travail (CNESST). Au final, des enseignements plus généraux et applicables à d’autres professions précaires qui ne relèvent pas du domaine artistique sont tirés de cette étude. / Artistic careers have been under-studied in the field of industrial relations. This is the case despite several researchers having recently suggested that an increasing number of professions, including academic and creative ones, are likely to evolve and present similar organizational conditions and employment forms to the ones we observe in artistic labour markets. This research addresses the factors influencing professional dance artists to undertake a career transition. More precisely, we study how career transitions induced by occupational injuries and diseases operate, and how they are experienced by professional dance artists in Montreal. We take into consideration different manifestations of occupational injuries and diseases such as wear, decreasing physical abilities and disability. From a methodological standpoint, this research is supported by a transversal analysis of both quantitative and qualitative data. The double comparison of convergent and divergent data relating to the experience of career transitioning, including the participants’ opinions, perceptions, feelings and attitudes, allows us to draw larger conclusions. This study highlights that (1) career transitions induced by physical factors are challenging because of their unexpected nature. We consider these transitions to be constrained ones, because they are forced upon professional dance artists instead of being the result of a voluntary and planned process. This study also shows that (2) career transitions induced by physical factors represent a challenging experience for professional dance artists because of their association with major psychological and identity difficulties. This research shows the existence of two different degrees of career transitions induced by physical factors in the professional dance sector in Montreal. The first relates to transitions induced by occupational injuries or diseases. The second relates to transitions induced by a gradual settling of pain due to a microinjury, wear or decreasing physical abilities. By studying the events leading to these two degrees of transitions, we define our concept of constrained transition and detail the characteristics of the different types of transitions the formers can lead to. We conclude that the two types of transitions correspond to constrained transitions, which makes them challenging experiences because of their unexpected nature. Beyond concluding that constrained transitions are associated with different major psychological and identity difficulties, we also identify the reasons explaining the emergence of those difficulties. This study allows for a better understanding of the factors leading to constrained career transitions in the professional dance sector in Montreal. This opens up new perspectives to reflect on the services offered by the Commission des normes, de l’équité, de la santé et de la sécurité du travail (CNESST). General reflections and contributions applying to other precarious professions are also discussed.