Angesichts derzeitiger, gezielter Preissteigerungen im deutschen Buchmarkt, befindet sich die Branche auf direktem Weg in eine Bestseller-Nachfragekonzentration. Publikumsverlage und Handel rechtfertigen höhere Preise durch externe Bedingungen und Kunden, welche ihrerseits finanziell eingeschränkter sind, orientieren sich zunehmend an Faktoren, die Unsicherheiten im Buchkaufentscheidungsprozess reduzieren. Imitative Verhaltensweisen in Form von eigenen oder konsensgeleiteten Referenzpunkten dienen dabei dem Zweck, mangelnde Qualitätsinformationen zu kompensieren. Zentrale Orientierungspunkte sind, gemäß den bisherigen Erkenntnissen der Bestsellerforschung, Autorenmarken und visuelle Stimuli, die eine Imitation z.B. über einen Bandwagon-Effekt auslösen. Solche Stimuli werden auch durch SPIEGEL-Bestseller-Coversiegel repräsentiert. Obwohl Preiselastizitäten einen Aufschluss über das Nachfrageverhalten liefern können, ist dieses Themenfeld für den deutschen Buchmarkt bisher noch wenig erforscht. Durch eine empirische Studie von 334 Top20-SPIEGEL-Print-Bestsellern der Hauptwarengruppe Belletristik, bietet diese Arbeit einen entsprechenden Beitrag auf dem Gebiet der Buch-Preiselastizitäten. Entgegen der weitverbreiteten Hypothese, dass sich die Marktnachfrage im deutschen Buchmarkt preiselastisch verhält, kann, anhand von statistischen Regressionsanalysen, keine nennenswerte Preissensibilität unter Bestseller-Buchkäufern beobachtet werden. Dies deutet auf eine anomale preisunelastische Marktnachfrage mit Preisspielräumen für Publikumsverlage hin. Zudem werden Indikatoren für psychologische Preisfärbungspotenziale von Autorenmarken und SPIEGEL-Bestseller-Coversiegeln aufgezeigt. Wenngleich diese Ergebnisse jegliche Bedenken zur Kundenakzeptanz von Preissteigerungen für die untersuchten Titel ausräumen, bleibt bei der Preisstrategieempfehlung für Publikumsverlage zu bedenken, dass über alle Printformate flächendeckend höhere Preise den Zugang zu Literatur faktisch reduzieren.:Abstract Abkürzungsverzeichnis Abbildungsverzeichnis Tabellenverzeichnis 1 Einleitung 1.1 Forschungsfragen und -ziele 1.2 Aufbau der Arbeit 2 Erfahrungsgut im Kulturmarkt 2.1 Hauptwarengruppe Belletristik 2.2 Begriffsdefinition Bestseller 3 Theoretische Grundlagen 3.1 Kaufentscheidungsheuristiken 3.1.1 Limitiert: Prospect Theorie und Theorie des geplanten Verhaltens 3.1.2 Limitiert-Impulsiv: Stimulus-Organismus-Reaktions-Modell 3.1.3 Habituell: Konditionierung und Halo-Effekte 3.2 SPIEGEL-Bestsellerlisten und Meinungsführerschaft 3.2.1 Informationsasymmetrie und Informationsparadoxon 3.2.2 Mundpropaganda, Diffusionsmodell, Bandwagon-Effekt 3.2.3 Verhaltenskonformität und Herdenverhalten 3.3 Autorenmarke und Markenführerschaft 3.3.1 Preferential Attachment 3.3.2 Netzwerkexternalitäten 3.3.3 Schwellenwertmodell 3.4 Preispsychologie 3.4.1 Preisstrategien und Preisimages 3.4.2 Preiskonditionierung 3.4.3 Preisfärbungseffekte 4 Preiselastizität 4.1 Kostenbasierte Preissetzung 4.2 Hedonische Preistheorie 4.3 Aktueller Forschungsstand 4.4 Forschungslücke 5 Methodisches Konzept 5.1 Stichprobe 5.2 Datenerhebung 5.3 Operationalisierung und Datenaufbereitung 5.3.1 Indexbildung 5.3.2 Regressionsanalyse 6 Forschungsergebnisse 7 Diskussion 7.1 Hedonische Preisregressionsimplikationen 7.2 Kausalität der Preiselastizitäten 7.3 Preisfärbungspotenziale 7.4 Preisstrategieempfehlung 8 Fazit Nachwort Literaturverzeichnis Eidesstattliche Erklärung Anhang

No description available.

The focus of teacher students is often drawn to the theoretical part of teaching. But teachers are also responsible to teach our students the values of society. The curriculum for elementary school and high school respectively will be the theoretical frame for the values that will be investigated in this work. Some of those values are solidarity and empathy. There are different ways of how to approach this topic in class. The usage of a novel as an anchor for society’s values is going to be investigated. The novel chosen for this work is Antonia Michaelis’ Der Märchenerzähler (2011). Close reading is the chosen method to assess the novel and to take out presented values and themes from it. The main question for this essay is: How this can be incorporated into the value education in a German class in the Swedish high school. To answer this question a couple of other questions need to be answered first: Which characteristics and themes are presented in the novel? Which values are to be taught to students? Which values are shown and expressed in the novel? The result of the character and theme analyses show that this novel can be incorporated into the German lesson in order to teach students values.

Die vorliegende Arbeit liefert einen Beitrag zur Erforschung der institutionalisierten Zensur von literarischen Texten im Franquismus anhand der Untersuchung von Werken Ana María Matutes. Als repressives Instrument diente die Zensur der Kontrolle, dem Schutz vor ‚kritischen‘ Inhalten sowie der Propagierung, Durchsetzung und Konsolidierung des franquistischen Dogmas. Zensiert wurden ‚bedrohliche‘ Werke aufgrund ihres kommunikativen Gehalts, aber auch wegen der sie charakterisierenden materiellen Fixierung, konnte die ‚gefürchtete‘ Aussage ihre Wirkung doch an vielen Orten noch lange nach dem Moment ihrer Entstehung entfalten. Die originale unzensierte Textfassung vieler Werke ist deswegen für den Leser bis heute oft unzugänglich. Das gilt auch für das Œuvre Matutes, einer der bedeutendsten spanischen Autorinnen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Anhand der erhaltenen Zensurakten zu vier Romanen – „Los Abel“, „Luciérnagas“/„En esta tierra“, „Los hijos muertos“ und „La trampa“ – wird zunächst deren unterschiedliches ‚Schicksal‘ zwischen staatlicher Zensur und forcierter Selbstzensur rekonstruiert. Die daraus gewonnenen Erkenntnisse dienen als Ausgangsbasis für die literaturwissenschaftliche Analyse der individuellen Auswirkungen dieser Eingriffe auf inhaltlicher, struktureller, figürlicher und formal-stilistischer Ebene sowie zur Feststellung des Grads an ‚Co-Autorenschaft‘ der Zensoren, die die Texte im Hinblick auf ihre Konformität mit den etablierten moralischen, politischen und religiösen Normen rezipierten. Darüber hinaus werden Funktionsweise, Irrtümer und Grenzen der literarischen Kontrollinstanz anhand von vier weiteren Werken dargestellt, zu denen „Fiesta al Noroeste“, „Pequeño teatro“, „Los niños tontos“ und „Los soldados lloran de noche“ zählen. Auf diese Art und Weise kann ein umfassender Einblick in die Arbeits- und Funktionsweise der franquistischen Zensurbehörde innerhalb des machtstrukturellen Kontextes des Franco-Regimes gegeben werden. / This research paper contributes to the study of institutionalized censorship of literary texts under Francoism by examining the works of Ana María Matute. As a repressive instrument, censorship served to control, protect against 'critical' content and propagate, enforce and consolidate Francoist dogma. 'Threatening' works were censored because of their communicative content, but also because of the material fixation that characterized them, since the 'feared' statement could continue to have its effect long after the moment of its creation and in many places. The original uncensored text version of many works is therefore often inaccessible to readers even today. This also applies to the oeuvre of Matute, one of the most important Spanish authors of the second half of the 20th century. Using the surviving censorship files for four novels – “Los Abel”, “Luciérnagas”/“En esta tierra”, “Los hijos muertos” and “La trampa” - we first reconstruct their different 'fates' between state censorship and forced self-censorship. The insights gained from this serve as a starting point for the literary analysis of the individual effects of these interventions on the level of content, structure, characters and formal style, as well as for determining the degree of 'co-authorship' of the censors, who only received the texts with regard to their conformity with established moral, political and religious norms. In addition, the functioning, errors and limits of the literary control authority are presented on the basis of four other works, which include “Fiesta al Noroeste”, “Pequeño teatro”, “Los niños tontos” and “Los soldados lloran de noche”. In this way, a comprehensive insight can be given into the working and functioning of the censorship authority within the power structure context of the Franco regime.

Der Schwerpunkt meiner Dissertation liegt auf der Analyse der Art und Weise, wie das Mittelmeer als Grenzraum in fünf literarischen Werken, die von 2005 bis heute erschienen sind, dargestellt und wiedergegeben wird. Indem ich das Mittelmeer sowohl als Gegenstand der ästhetischen Darstellung behandle, analysiere ich diese Werke, um die Symbolik der maritimen Grenzen zu untersuchen. Auf diese Weise versuche ich, ein Paradigma für das Verständnis der Mittelmeer-Grenze als dynamisches, vielschichtiges, allgegenwärtiges, (un)sichtbares und performatives Konstrukt zu entwickeln. Der Korpus der Analyse umfasst literarische Werke, die im Mittelmeerraum veröffentlicht wurden, und sich mit dem Thema der clandestine migration, der Transmigration und der Abwanderung befasst. Die fünf Grenzromane umfassen verschiedene Genres, darunter die bio-fiktionale Erzählung von Catozzella Non dirmi che hai paura (2014) [Sag nicht, dass du Angst hast (2016)], die spekulativ Fiktion von Charfi Le Baiser de Lampedusa (2011), die composite novel von Lalami Hope and other dangerous pursuits (2005) [Hoffnung und andere gefährliche Bestrebungen], der Kriminalroman von Pajares Aguas de venganza (2016) [Gewässer der Rache] und der realistische, teilweise volksmärchenhafte Roman, von Khaal African Titanics (2008, Englische Übersetzung. 2014), die zur Inszenierung kritischer Untersuchungen über die maritime Grenze werden. Die Dissertation schlägt eine geo-literarische Lesart der Grenzliteratur vor, die sich aus einem breiten Korpus theoretischer Schriften über Grenzen aus den Sozial und Geisteswissenschaften – Kultur und Literaturwissenschaften – herausarbeitet. Das Projekt richtet sich darauf aus, diese beiden Disziplinen miteinander ins Gespräch zu bringen, indem der soziokulturelle, literarische und politische Beitrag der Grenzliteratur berücksichtigt wird. In diesem Sinne ist meine Dissertation ein Beitrag zu Border Studies, Border Aesthetics und Mediterranean Studies. / The primary focus of my dissertation is the analysis of the ways in which the Mediterranean Sea is rendered and modeled as a border space in five border literary works published from 2005 to the present. Treating the Mediterranean Sea as both the topic of literary analysis and the element of aesthetic representation, I investigate these works to examine the imageries of the maritime border as they transpire in literature. In so doing, I am seeking to provide a paradigm for comprehending the Mediterranean border as a dynamic, multi-scaled, ubiquitous, (in)visible and performative construct. The corpus of analysis comprises of literary works published in different languages and countries, notably from around the Mediterranean Sea, that address the theme of clandestine migration, transmigration, relocation and the social and cultural challenges they bring forth. The five border novels span genres, including bio-fictional narrative, Catozzella's Non dirmi che hai paura (2014) [Don't tell me you are afraid (2016)], speculative fiction, Charfi's Le Baiser de Lampedusa (2011), composite novel, Lalami's Hope and other dangerous pursuits (2005), detective fiction, Pajares' Aguas de venganza (2016) [Waters of revenge] and realist one interlaid with folktales, Khaal's African Titanics (2008 English transl. 2014), becoming the staging of critical investigations about the maritime border. The dissertation proposes a geo-literary reading of border fiction, working its way out from a large body of theoretical writing on borders born of the social sciences and the humanities — cultural studies and literary criticism. The project aims to put these two larger disciplines into conversation with one another by taking into consideration the socio-cultural, literary and political contribution of border fiction. In this line, my dissertation is a contribution to Border Studies, Border Aesthetics, and Mediterranean Studies.

Die Studie definiert und analysiert Kanywood-Videofilme kritisch, wobei ein besonderer Schwerpunkt auf Quellen der mündlichen Literatur und Performancepraxis liegt. Per Definition steht Kanywood sowohl für Filmindustrie als auch für in Nordnigeria produzierten Videofilme. Die Studie hält an "Kanywood" als dem für die Branche geprägten Label fest. Der Literaturüberblick zeigt, dass die Aneignung von Bollywood-Filmmustern durch Kanywood-Filmemacher übermäßig untersucht wurde. Bisherige Untersuchungen im Bereich des re-enactment oraler Hausa-Performance in Kanywood-Videofilmen sind hingegen unzureichend. Die vorliegende Studie füllt mit ihrer Untersuchung der Transformation der Hausa-Kultur im Medium Film aufgrund der Globalisierung und im Kontext traditioneller Performance-Künste diese Lücke, und fügt so den bestehenden Arbeiten über Kanywood eine innovative Forschungsperspektive hinzu. Im theoretischen Rahmen von Performance Studies und mit der gründlichen Analyse eines ausgewählten Korpus zeigt die Studie, wie der Videofilm als Medium wichtiger sozialer und kultureller Veränderungen gesehen wird. Er ist nicht nur ein Gegenstand anhand dessen die Erforschung des Konzepts einer transzendierenden Globalisierung möglich ist, sondern auch ein Weg, um zu verstehen, wie die Gesellschaft sich unter bestimmten sich wandelnden Umständen verändert. Während die allgemein zugrunde liegende Frage lautet, ob Kultur statisch ist oder nicht, verhandelt die Studie dabei die spezifischen Fragen, inwiefern Performances während des Filmemachens neu inszeniert und neu gerahmt werden, und inwieweit traditionell kodierte Performance-Ereignisse im Videofilm verändert, subvertiert und/oder bereichert werden. Die Studie empfiehlt die Ästhetik von Filmsprache als ein Gebiet weiterführender Forschung, stellt heraus, dass Imitation, Adaptation und Aneignung zirkulierender künstlerischer Formen ein globale Phänomene sind, die auf Intertextualität beruhen, erklärt, dass Kultur nicht statisch, sondern dynamisch ist, und kommt zu dem Schluss, dass es angemessener ist, Videofilme und Filmemacher durch das Paradigma der kulturellen Hybridität und Modernisierung zu betrachten, da sie die kulturelle Verschiebung, Transformation und Veränderung im Zeitalter der Globalisierung fördern. / The study identifies and critically analyses Kanywood video films with particular emphasis on sources in oral literature and performance practices. By way of definition, Kanywood stands for both the film industry and video films produced in northern Nigeria. The study sticks to “Kanywood” as the label coined for the industry. However, “Kannywood” with the consonant cluster, as in Hollywood, Bollywood and Nollywood is a variant label, which some scholars have adopted. The study forgrounds that Kanywood filmmakers' appropriation of Bollywood have been excessively explored. But investigations in the area of re-enactment of performance in Kanywood video films are conceivably insufficiently undertaken. Therefore, the distinct contribution of this study reflects on transformation of Hausa culture due to globalization, thus elaborating the existing works on Kanywood. Through a performance framework and a thorough analysis of selected corpus, the study shows how video film is seen as a provider of major social and cultural changes. It is not only a means through which an exploration of the concept of the transcending globalization is possible, but it is also a way of comprehending how the society transforms under some changing circumstances. While the general underlying question is whether or not culture is static, the study thereby negotiates specific questions such as how are performances re-enacted and re-framed during filmmaking process, and how far are traditionally encoded performance events altered, changed, subverted or enriched in video film? The study recommends the aesthetics of language as an area of further research, foregrounds that imitation, adaptation and appropriation of circulating artistic forms is a global phenomenon grounded in intertextuality, expounds that culture is not fixed but dynamic, and concludes that it is more appropriate to look at the video films and the filmmakers through the paradigm of cultural hybridity and modernization which enhance cultural shift, transformation and change in this era of globalization. Keywords: Kanywood, performance, oral heritage, transformation The study identifies and critically analyses Kanywood video films with particular emphasis on sources in oral literature and performance practices. By way of definition, Kanywood stands for both the film industry and video films produced in northern Nigeria. The study sticks to “Kanywood” as the label coined for the industry. However, “Kannywood” with the consonant cluster, as in Hollywood, Bollywood and Nollywood is a variant label, which some scholars have adopted. The study forgrounds that Kanywood filmmakers' appropriation of Bollywood have been excessively explored. But investigations in the area of re-enactment of performance in Kanywood video films are conceivably insufficiently undertaken. Therefore, the distinct contribution of this study reflects on transformation of Hausa culture due to globalization, thus elaborating the existing works on Kanywood. Through a performance framework and a thorough analysis of selected corpus, the study shows how video film is seen as a provider of major social and cultural changes. It is not only a means through which an exploration of the concept of the transcending globalization is possible, but it is also a way of comprehending how the society transforms under some changing circumstances. While the general underlying question is whether or not culture is static, the study thereby negotiates specific questions such as how are performances re-enacted and re-framed during filmmaking process, and how far are traditionally encoded performance events altered, changed, subverted or enriched in video film? The study recommends the aesthetics of language as an area of further research, foregrounds that imitation, adaptation and appropriation of circulating artistic forms is a global phenomenon grounded in intertextuality, expounds that culture is not fixed but dynamic, and concludes that it is more appropriate to look at the video films and the filmmakers through the paradigm of cultural hybridity and modernization which enhance cultural shift, transformation and change in this era of globalization. Keywords: Kanywood, performance, oral heritage, transformation The study identifies and critically analyses Kanywood Video films with particular emphasis on sources in oral literature and performance practices. By way of definition, Kanywood stands for both the film industry and video films produced in northern Nigeria. The study sticks to "Kanywood" as the label coined for the industry. However, "Kannywood" with the consonant cluster, as in Hollywood, Bollywood and Nollywood is a variant label, which some scholars have adopted. The study foregrounds that Kanywood filmmakers' appropriation of Bollywood have been excessively explored. But investigations in the area of re-enactment of performance in Kanywood video films are conceivably insufficiently undertaken. Therefore, the distinct contribution of this reflects on transformation of Hausa culture due to globalization, thus elaborating the existing works on Kanywood. Through a performance framework and a thorough analysis of selected corpus, the study shows how video film is seen as a provider of major social and cultural changes. It is not only a means through which an exploration of the concept of the transcending globalization is possible, but it is also a way of comprehending how the society transforms under some changing circumstances. While the general underlying question is whether or not culture is static, the study thereby negotiates specific questions such as how are performances re-enacted and re-framed during filmmaking process, and how far are traditionally encoded performance events altered, changed, subverted or enriched in video film? The study recommends the aesthetics of language as an area of further research, foregrounds that imitation, adaptation and appropriation of circulating artistic forms is a global phenomenon grounded in intertextuality, expounds that culture is not fixed but dynamic, and concludes that it is more appropriate to look at the video films and the filmmakers through the paradigm of cultural hybridity and modernization which enhance cultural shift, transformation and change in this era of globalization.

Die Promotionsarbeit untersucht ca. 600 Stücke aus der Zeit von den ersten Vorläufern des Sturm und Drang bis zur Märzrevolution auf die Darstellung und die dramaturgische Funktion des Todes. Nachdem sie zunächst klärt, auf welche Weise der Tod dem Publikum bzw. dem Leser vermittelt wird, folgt eine Untersuchung im Hinblick auf vier verschiedene Aspekte: Struktur, Sprechakte, Szenenbilder und Figuren. Dabei werden unter anderem der Einfluss der Position des Todes im Stück auf dessen Darstellung geklärt, die typischen Merkmale des Sterbemonologs erläutert, das Arrangieren von Leichen im Szenenbild beschrieben und das Verhältnis des Todes von Haupt- und Nebenfiguren untersucht. In einem abschließenden Teil werden die einzelnen Ergebnisse zu einer Dramaturgie des Sterbens verknüpft und deren Leitlinien herausgearbeitet. / The dissertation examines about 600 plays from the time of the first precursors of the Sturm und Drang up to the March Revolution on the depiction and dramaturgical function of death. After first clarifying the way in which death is conveyed to the public or the reader, an investigation follows with regard to four different aspects: structure, speech acts, scene images and characters. Among other things, it clarifies the influence of the position of death in the play on its representation, explains the typical features of the death monologue, describes the arrangement of corpses in the scene and examines the relationship between the death of main and minor characters. In a concluding part, the individual results are linked to a dramaturgy of dying and its guidelines are explained.

Die Dissertation untersucht sechs südafrikanische Romane, die in einer Zeitspanne von wenigen Jahren um das Ende der Apartheid entstanden sind. Was sie zu einem Korpus eint, sind auffällige Merkmale, die in dieser Arbeit als Formen von Heimsuchung analysiert und differenziert werden. Heimsuchung meint dabei nicht nur die Suche nach einer Heimat, sondern auch störende Eindringlinge innerhalb der Grenzen des Eigenen: Dies können sowohl unheimliche Phantasmen als auch Gäste sein, die sich nicht an die Regeln derjenigen Ordnung halten, in der sie nun stören. Somit beschäftigt sich die Dissertation mit unsicheren Grenzen zwischen Vergangenheit und Gegenwart, zwischen Räumen des Eigenen und des Anderen, zwischen innen und außen sowie zwischen real und irreal. Die Analysen zeigen, dass Heimsuchungen in den Texten als Subversion einer zeitlichen, räumlichen oder psychischen Ordnung fungieren, als Bedingung sowie zugleich Unmöglichkeit eines „Schlupflochs“ − und als Orientierungsversuch der weißen unsettled settlers. / This dissertation examines six South African novels written towards and after the end of the Apartheid regime. All texts have certain characteristics in common which I analysed and differentiated as forms of Heimsuchung. This German term refers at the same time to the search for a home and to disturbing intruders, like an uncanny phantasm or a guest who does not follow the given rules of the place it resides in. The dissertation thus deals with ambiguous boundaries between past and present, between spaces of one''s own and of ''the other'', between inside and outside, and between real and unreal. The analyses reveal that Heimsuchungen function as a subversion of a temporal, spatial or psychological order, as both a condition for and impossibility of a loophole − and as an attempt at orientation for white „unsettled settlers“.

Die Dissertation untersucht Uwe Kolbes Frühwerk und dessen zeitgenössische Rezeption in der DDR und der BRD sowie sein (semi)öffentliches Handeln und Wirken während der Vorwendezeit,d.h. eines spezifischen, von Transformationsprozessen geprägten Zeitraums. Dieser reicht von Kolbes erster Zeitschriftenpublikation 1976 bis zu seiner Übersiedlung in die BRD 1987. Kolbes literarische Produktion in der bezeichneten Zeitspanne und die damit zusammenhängenden sozialen Faktoren seiner Autorenbiographie – politische Privilegien, ökonomische Möglichkeiten und soziale Beziehungen als Voraussetzungen für sein Schreiben und seine Veröffentlichungen sowie sein (semi)öffentliches Handeln und Wirken – und seine Rezeption in von spezifischen Machtverhältnissen geprägten literarischen Aktionsräumen werden in der vorliegenden Arbeit als ein zusammengehöriges Ganzes untersucht und punktuell auf ihren Aussagewert für Situationen und Entwicklungen in den literarischen Feldern der Vorwendezeit befragt. Die Arbeit fokussiert mit Hineingeboren auf den Eintritt Uwe Kolbes in das literarische Feld unter der Mentorschaft Franz Fühmanns, seine davon ausgehende Rezeption als generationsspezifischer Repräsentant der jungen DDR-Autorengeneration und die damit verbundenen Wahrnehmungs- und Bewertungsmuster in den literarischen Feldern DDR und BRD. Des Weiteren untersucht sie Kolbes Rolle in der inoffiziellen Szene am Prenzlauer Berg. Sie analysiert seine zeichentheoretisch fundierte Sprach- und Machtkritik in Abschiede und seine politische Poetologie in Bornholm II und Das Kabarett. Darüber hinaus arbeitet sie Kolbes Rolle des widerspenstigen und politisch kritischen Vorzeigeautors heraus, infolge derer er in der BRD als außenpolitisches Aushängeschild einer vermeintlich toleranten DDR-Kulturpolitik fungierte. Sie erforscht schließlich seine Rezeption in der BRD u.a. durch seine Position in verschiedenen Anthologien junger DDR-Literatur und analysiert seine Integration in den bundesdeutschen Kanon. / This dissertation examines Uwe Kolbe’s early work and its reception in East and West Germany as well as his (semi-)public activities and their impact in the pre-Wende era, i.e. over a distinct time frame characterised by transformation processes. It spans the period from Kolbe’s first publication in a literary journal in 1976 to his relocation to West Germany in 1987. The present study views Kolbe’s literary production, the associated social factors of his literary career – political privileges, economic opportunities and social relationships as prerequisites for his writing and publications as well as his (semi-) public activities and their impact – and his reception as inextricably linked, and, by way of selected examples, shows their significance for situations and developments in the literary fields of the pre-Wende era. In the case of the poetry volume Hineingeboren, the study focuses on Kolbe’s entry into the literary field with the support of his mentor Franz Fühmann, his subsequent reception as a representative of the young generation of GDR authors, and the patterns of perception and evaluation associated with that in the literary fields of the GDR and West Germany. Kolbe’s role in the unofficial literary scene in Prenzlauer Berg is also investigated. The study analyses his semiotic critique of language and power in Abschiede and his political poetics as revealed in Bornholm II and Das Kabarett. In addition, it explores Kolbe’s role as a recalcitrant and politically critical author who became the poster boy of a supposedly tolerant East German cultural policy in West Germany. Finally, it examines Kolbe’s reception in West Germany, among other things through publications in various anthologies of contemporary GDR literature, and analyses how his work has been integrated into the German literary canon since Reunification.

In Queering Nabokov: Postmoderne Zeitlichkeiten und Erotik in Ada, oder Ardor nähert sich Nathalia Saliba Dias dem Spätwerk Vladimir Nabokovs aus der Perspektive der Queer-Theorie und der Queer-Zeitlichkeiten, um eine bestimmte Kombination von Themen zu untersuchen: die Überschneidung von postmodernen Zeitlichkeiten, Verspieltheit und Erotik. Nabokovs Umgang mit der Zeit wurde oft mit der Suche der Moderne nach Transzendenz und Zeitlosigkeit in Verbindung gebracht und im Lichte von Marcel Proust und Henri Bergson interpretiert. In Ada, oder Ardor (1969) jedoch stellt Nabokov alternative Formen der Zeitlichkeit, die historisch als weiblich und seltsam identifiziert werden (wie Rhythmus und Textur), im Gegensatz zu Linearität, Uhr und Kalenderzeit, die oft mit männlicher Zeit assoziiert werden. Darüber hinaus beschreibt Nabokov die Erinnerungen der Figur als ein sexuelles Ereignis und manipuliert historisches Material (Fotos, Dias, Bücher usw.) als sexuelle Objekte. Er sexualisiert auch seine Beziehung zu anderen Autoren in der Komposition des Romans und verwandelt die Literaturgeschichte in eine homoerotische und frauenfeindliche Beziehung. Schließlich sexualisiert Nabokov seine literarische Familie und seine literarischen Mittel, insbesondere die Parodie, indem er das Material anderer in seinen eigenen Schriften auf abartige Weise "einfügt", "durchdringt" und "manipuliert". Das zentrale Argument dieser Arbeit ist, dass Nabokov in Ada, oder Ardor schließlich einen spielerischen Umgang mit der Zeit (reflektierende Nostalgie) als verkörperte und sexuelle Erfahrung in den Mittelpunkt stellt, anstatt die Zeit als Wunsch zu erforschen, seine Vergangenheit in der Gegenwart wiederherzustellen (reparative Nostalgie). / In Queering Nabokov: Postmodernist Temporalities and Eroticism in Ada, or Ardor, Nathalia Saliba Dias approaches Vladimir Nabokov’s late work from the perspective of Queer theory and Queer temporalities to investigate one particular combination of themes: the intersection of postmodernist temporalities, playfulness, and eroticism. Nabokov’s approach to time has been often associated with the modernist search for transcendence and timelessness, being interpreted in the light of Marcel Proust and Henri Bergosn. In Ada, or Ardor (1969), however, Nabokov embraces alternative forms of temporality, which are historically identified as feminine and queer (like rhythms and texture) in opposition to linearity, clock and calendar time, which are often associated with masculine time. Furthermore, Nabokov describes the character’s memories as a sexual event and manipulates historical materials (photos, slides, books, etc.) as sexual objects. He also sexualizes his relationship with other authors in the composition of the novel, transforming literary history into a homoerotic and misogynistic relationship. Finally, Nabokov sexualizes his literary family and devices, especially parody, “inserting,” “penetrating,” and “manipulating” the material of others in his own writings in deviant ways. The central argument of this thesis is that in Ada, or Ardor Nabokov finally focuses on a playful treatment of time (reflective nostalgia), as an embodied and sexual experience, rather than exploring time as a wish to reinstate his past in the presente (reparative nostalgia).