Orientador: Arleide Rosa da Silva. / Coorientador: Vera Lúcia de Souza e Silva. / Esta dissertação gerou um produto educacional, sendo publicado em formato de livro PDF, intitulado Projetos criativos ecoformadores na educação básica: uma experiência em formação de professores na perspectiva da criatividade, o qual está disponível na base de dados da Biblioteca e pode ser acessada por meio do link http://bu.furb.br/consulta/novaConsulta/recuperaMfnCompleto.php?menu=avancada&CdMFN=362604. / Dissertação (Mestrado em Ensino de Ciências Naturais e Matemática) - Programa de Pós-Graduação em Ensino de Ciências Naturais e Matemática, Universidade Regional de Blumenau, Blumenau.

Orientador: Arleide Rosa da Silva. / Com Produto educacional: Projetos criativos ecoformadores: contribuições para o processo de alfabetização no 1º ano do ensino fundamental. / Dissertação (Mestrado em Ensino de Ciências Naturais e Matemática) - Programa de Pós-Graduação em Ensino de Ciências Naturais e Matemática, Universidade Regional de Blumenau, Blumenau.

Esta pesquisa analisa caminhos por meio dos estudos visuais visando à reflexão sobre o ensino da moda vinculada à percepção cultural por meio da análise de imagens. O objetivo consiste em investigar possibilidades para pensar o ensino e aprendizagem do processo criativo de moda. Para isso, buscou-se interpretar como as imagens são concebidas, investigando suas relações com a cultura na qual estão inseridas. Para tanto, a pesquisa observa as diferentes interpretações acerca da criatividade para fundamentar sua reflexão no tocante ao processo criador em moda com o intuito de potencializar sua práxis para o ensino e o fomento à criatividade dos alunos. O projeto também contemplou uma pesquisa in loco, na França, a fim de observar como o processo criador é trabalhado no país e a relação da cultura com as estratégias de ensino, isso para fundamentar um estudo comparativo do fomento à criação em cursos de moda no Brasil e na França. Além disso, apresenta-se o desenvolvimento de uma coleção autoral para demonstrar como a leitura de imagem pode contribuir com o estímulo da criatividade em Moda. / This research analyzes ways through visual studies aiming to reflect on the fashion school linked to cultural awareness through image analysis. The aim consists to investigate possibilities to think the teaching and learning of creative fashion process. For this, we sought to interpret as images are designed, investigating its relationship with the culture in which they are inserted. Therefore, the research looks at different interpretations of creativity to support its reflection regarding the creative process in fashion in order to enhance their práxis for teaching and fostering the creativity of students. The project also included an in loco survey, in France, in order to observe how the creative process is working in the country and the relationship of culture with the teaching strategies, so to support a comparative study of fostering the creation of fashion courses in Brazil and France. In addition, it presents the development of an authorial collection to demonstrate how image reading can contribute to stimulating creativity in fashion.

O trabalho investiga o tema da criação artística em contos brasileiros do século XX por meio da retomada da figura mítica da fiandeira e também indaga de que maneira tal diálogo intertextual com o mito pode ampliar as possibilidades de leitura dos textos em análise. Para tratar tal questão, o recorte apoia-se em narrativas em que a imagem mítica da tecelã é reelaborada como criadora de textos, de receitas culinárias, de tecidos artísticos urdidos em teares modernos, ainda que em constante diálogo com o mito. A pesquisa busca revelar, em um primeiro momento, uma reatualização do mito das tecedeiras em narrativas específicas da literatura brasileira, a saber: A Moça Tecelã (2009), de Marina Colasanti, Desenredo e A vela ao diabo (2001), de Guimarães Rosa, Colheita (1997), de Nélida Pinõn, Penélope (1998) e Ponto de Crochê (2009), de Dalton Trevisan. Por meio da análise comparativa, pretendemos mapear os ecos míticos e intertextuais que dispõem esses textos numa expressiva teia (temático-formal), pois todas as narrativas selecionadas discutem o ato criativo e as referências à tecelagem, embora respondam de maneiras diferentes a essas questões. / This work analyzes the theme of artistic creation in Brazilian short novel in the 20th century through the resumption of the weaver mythical figure and also inquires how this intertextual dialogue with the myth can increase the reading possibilities of the text analyzed. The research seeks to reveal, in the first moment, a revision of the myth of the weavers in specific narratives of Brazilian literature: A Moça Tecelã (2009), of Marina Colasanti, Desenredo and A vela ao diabo (2001), of Guimarães Rosa, Colheita (1997), of Nélida Pinõn, Penélope (1998) and Ponto de Crochê (2009), of Dalton Trevisan. In order to develop this question, the corpus chosen discusses the mythical image of the weaver as breeder of texts, recipes and artistic tissues weaved in modern looms, even if still keeps constant dialogue with the mythical sources. Through de comparative analyses, we intend to map the mythical and intertextual echoes that order these texts in an expressive web (thematic and formal), because all the selected narratives discuss the creative act and the weaving process, although reply in different ways to those questions.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2016-10-17T17:39:18Z No. of bitstreams: 1 Fabrício Mário Maia Fava.pdf: 3638915 bytes, checksum: 82e92f19e51b6bd065c9db0b2d04f60c (MD5) / Made available in DSpace on 2016-10-17T17:39:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fabrício Mário Maia Fava.pdf: 3638915 bytes, checksum: 82e92f19e51b6bd065c9db0b2d04f60c (MD5) Previous issue date: 2016-08-15 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Creative thinking doesn't seem to be stimulated in the current model of learning, which is usually focused on solving isolated problems previously formulated or limited to the present context. Moved by this issue and aware of the development potential and social-affective and cognitive skills that can be gained from games we started from the hypothesis of gamification, which is based on relationships between logical design and games, as a possible way of stimulating creative thinking in context of learning. In order to deal with the complexity that surrounds this scenario we have adopted an ecological and multidisciplinary perspective, composed of optical creation, design, game and learning. The methodological approach involved two complementary stages: a practical approach, in which we promoted experiences taking a gamification tool developed by us; and a theoretical approach, in which, concomitantly, we conducted a critical analysis of issues discussed by the authors that constructed our base of references and a search for identification and analysis of gamification case solutions. As implications of this research, we present a conceptual proposal, which call Fluke, consisting of repositioning perspectives of gamification as a culture project for creative learning and therefore rethinking motivational questions, the roles of teacher and student and positioning technology to promote creative thinking / O pensamento criativo parece não ser estimulado no atual modelo de aprendizagem, que é geralmente focado na resolução de problemas isolados, previamente formulados ou limitados ao contexto temporal presente. Direcionados por essa questão e cientes do potencial dos jogos para o desenvolvimento de habilidades socioafetivas e cognitivas partimos da hipótese da gamificação, que fundamenta-se nas relações entre as lógicas do design e dos jogos, como uma possível via de estímulo ao pensamento criativo no contexto de aprendizagem. De maneira a lidar com a complexidade que envolve esse cenário adotamos uma perspectiva ecológica, multidisciplinar, composta pelas óticas da criação, do design, do jogo e da aprendizagem. O percurso metodológico envolveu duas fases complementares: uma abordagem prática, na qual promovemos algumas experiências adotando uma ferramenta gamificada desenvolvida por nós; e uma teórica, onde, de maneira concomitante, realizamos uma análise crítica de questões discutidas pelos autores que compõem nosso corpo de referências e uma pesquisa para identificação e análise de casos de soluções gamificadas. Como implicações desta pesquisa, apresentamos uma proposta conceitual, a qual denominamos Fluke, composta por perspectivas que reposicionam a gamificação como um projeto de cultura para a aprendizagem criativa e, por consequência, repensam a questão da motivação, os papéis do professor e do aluno e o posicionamento da tecnologia para a promoção do pensamento criativo

A partir do século passado a joalheria sofreu uma grande transformação nos valores construídos em torno da joia comumente entendida como ornamento confeccionado em material precioso. O objetivo desta pesquisa foi descrever o perfil de autores de joias de Porto Alegre e seus processos criativos, posicionando seus campos de atuação dentro de categorias da joalheria (Alta Joalheria, Joalheria de Autor, Joalheria de Arte). Na revisão de literatura são descritas as dinâmicas da joalheria a partir do século XX e uma abordagem sobre processos criativos referindo-se a requisitos e fenômenos necessários para a ocorrência da criatividade. Foram entrevistados dez autores reconhecidos na área da joia, sobre suas trajetórias profissionais, seus processos de trabalho e sua visão sobre os seus campos de atuação. Observou-se que os processos criativos entre os autores entrevistados se assemelham na prática entre o campo do design e o das artes. Por outro lado, o uso da nomenclatura “design” foi considerado pelos entrevistados com certa ressalva pelo fato de não possuírem graduação nesse campo. Ficou a percepção de que o produto joia ainda não recebe um claro entendimento como sendo um produto de design. Os campos de atuação que os entrevistados foram classificados neste trabalho diferiram dos campos expressados pelos mesmos. Entretanto, é indiscutível a expressão pessoal observada em seus produtos, característica do campo das artes, mesmo naqueles não inseridos nesse campo. Neste aspecto fica também fortemente identificada a aproximação dos campos da arte e do design na criação da joia. / From the last century jewelry has undergone a major transformation in the values built around the jewel commonly perceived as ornaments made of precious material. The aim of this study was describe the profile of authors of jewels of Porto Alegre and their creative processes analyzing their expertise fields within categories of jewelry (High Jewelry, Author Jewelry, Art Jewelry). On literature review are described the dynamics of jewelry from the twentieth century and an approach to creative process in relation to the requirements and necessary phenomena to the creativity occurrence. Ten recognized authors in jewels were interviewed, about their careers, their work processes and its self-definition of their expertise field. It was observed that the creative processes among the interviewed authors were similar between the field of design and of arts. On the other hand, the use of the nomenclature "design" was regarded by interviewed with certain safeguard because they have no degree in this field. Remains the perception that product jewel does not receive a clear understanding as being a product of design. The fields of action that the interviewed were classified in this study differed from the fields expressed by them. However, it is certain the personal expression observed in its products, a characteristic of the field of the arts, even in those not entered into this field. This aspect is also strongly identified the approximation of the fields of art and design in the creation of the jewel.

Esta pesquisa situa-se no campo das criações artísticas interdisciplinares, envolvendo as relações entre teatro e cinema. Seu objetivo é explorar as possibilidades de contribuição entre essas duas artes a fim de destacar possíveis intercâmbios de procedimentos criativos entre as diferenças de suas especificidades de linguagem. De um lado, há a colaboração da improvisação teatral como um dispositivo de composição de um roteiro de cinema. Do outro, há as metodologias do set de filmagem como um gatilho de criação cênica. Assim, intenciona-se a construção de uma escritura cênica a partir de improvisações. Esta propõe-se a não ser exclusivamente teatral e a ter um potencial cinematográfico. O corpus de análise desta investigação é a elaboração de um experimento cênico e de um curta-metragem híbridos, ambos gerados em um processo colaborativo. A metodologia de pesquisa dá-se em três etapas. Primeiramente o desenvolvimento será calcado no estudo das especificidades de ambas linguagens, nutrido por ideias de teóricos do campo das artes cênicas como Walter Benjamin, Patrice Pavis e Roland Barthes, assim como por teóricos do campo do cinema, tais como André Bazin, Cristian Metz e Susan Sontag. A segunda etapa, de caráter empírico, dará origem ao corpus de análise da pesquisa e será realizada no período de seis meses. Chamada de Experimento Interdisciplinar, a prática contou com o elenco de cinco atores e uma equipe de diretores convidados e contemplou a produção de um experimento cênico e de um curta-metragem. A terceira etapa apoia-se na análise do experimento interdisciplinar e de seus resultados. / This research is situated on the field of interdisciplinary artistical creations involving the relationship between theater and cinema. Its goal is to explore the possibilities of contribution between these two arts in order to highlight possible interchanges of creative procedures between the differences in their language specificities. On one side, there is the collaboration of theatrical improvisation as a composition device for a movie script. On the other side, there are the filming set methodologies as a scenic creation trigger. Therefore, a scenic scripture is intended to be built from improvisations. This is proposed not to be exclusively theatrical and to have a cinematographic potential. The body of analysis of this investigation is the elaboration of a hybrid scenic experiment and a short movie, both generated in a collaborative process. The research methodology is given in three stages. First the development will be centered in the study of both languages’ specificities, nurtured by ideas from theorists of the scenic arts field, such as Walter Benjamin, Patrice Pavis and Roland Barthes, as well as by theorists from the cinema field, such as André Bazin, Cristian Metz and Susan Sontag. The second stage, of empirical character, will give birth to the body of analysis of the research and will be performed in the period of six months. Named “Interdisciplinary Experiment”, the practice is supported by a casting of five actors and a team of guest directors and has contemplated the production of a scenic experiment and a short movie. The third stage leans on the analysis of the interdisciplinary experiment and its results.

Lo-Fi vem de Low Fidelity, que em inglês significa baixa fidelidade. Na música, se transformou em linguagem sonora a partir da década de 1970, quando alguns artistas, buscando soluções econômicas para a autoprodução e independência em relação às gravadoras, passaram a utilizar gravadores caseiros para fazer seus próprios registros. A partir desse ato de libertação e experimentação, se obteve, por transbordamento, uma sonoridade ruidosa, crua, de baixa fidelidade de gravação. Mas, ao mesmo tempo, o ruído produzido por essa produção marginal engendrou cruzamentos autênticos e espontâneos que logo formaram uma paisagem sonora de grande vitalidade. De forma contrária, o Hi-fi, ou High-Fidelity, busca na alta-fidelidade a idealização e a perfeição do seu produto final que, uma vez ligado à indústria fonográfica e à alta tecnologia, tende a ser direcionado pelas lógicas do mercado. Pensado e produzido como objeto-fim, o fazer arquitetural contemporâneo vem se aproximando da gravação hi-fi: delimitado, ordenado por estratos, classificações e tipos que a definem como objeto-produto. Nessa lógica, a arquitetura torna-se imagem, espetáculo pronto para o consumo e descarte. Propõe-se, neste trabalho, uma inflexão, um deslocamento do pensar arquitetural a partir da aproximação metafórica acionada pelo modo lo-fi . / Lo-Fi is the acronym that stands for Low Fidelity. In the music industry, during the70’s it became a trendy language when artists, searching economical solutions for self-production and independence from record companies, using homemade devices for sound recording. Following this first experiment of liberation, was obtained a noisy overflowing sonority, raw, or as it became known, low fidelity of the recording. However, at the same time the noise produced by this marginal production created an authentic and spontaneous blend that soon formed a vivid sound scene. Contrariwise the Hi-fi, or High Fidelity, seeks the idealization of perfection as its final product which, once merged to the phonographic industry and the high technology, tends to be driven by the logic of the market. Thought and produced as a final product, contemporary architecture follows the steps of the hi-fi recording: delimited, ordered in layers, classifications and by stereotypes that define it as an object-product. In this logic, architecture becomes an image, a spectacle ready for consumption and disposal. This work proposes an inflexion, a displacement on the architectural thinking from the metaphorical approach triggered by the lo-fi mode. Flaws by noise, by experimentation, by the potency of invention leads to a turning point in the making process, broader, returning to the idea of the unfinished, unexpectedly, guiding into a process that its meaning is not in the final product, but rather in the path itself, in the desire for transformation, in the unknown. Reflecting about the process as lo-fi music evokes is returning to the initial sketch, it is decomposing and questioning its nature, it is exposing the traces. It is bringing back the architecture in the sense of discovery, as a body in experimentation, as the surprise that reveals the unforeseen crossing of distinct times. The intention here is, based from speculative narratives, to try the deconstruct of some consolidated practices on the design process catalyzed by the music action. Pointing analogous approximations and representations of other architectural assemblies that are not represented by the narratives determined and exhausted by the logic of the market.

Esta pesquisa tem como objetivo formular, descrever e compreender princípios gerais para o treinamento vocal do ator. Para chegar a estes princípios, partiu-se de experiências, tanto na Costa Rica quanto atualmente no Brasil, do contato com o trabalho de Roy Hart, por meio de Richard Armstrong, e das pesquisas feitas com sete especialistas e professores de voz brasileiros. Após revisão bibliográfica sobre o tema, foram feitas entrevistas individuais com os sete pesquisadores escolhidos, participação em aulas e treinamentos, assim como assistência a espetáculos apresentados por eles. Finalmente, a realização de um processo de treinamento-encenação completou as ferramentas para a postulação dos princípios. Eles confluem em dois pontos fundamentais: voz é energia, que pode ser transformada, por meio do treino-criativo, em poética teatral. / This research aims to formulate, describe and understand the general principles for the actors vocal training. In order to reach such goals, I started up from my own experiences not only in Costa Rica but also in Brazil nowadays; from the contact I had with Roy Harts work, through Richard Armstrong and through the research done with seven Brazilian voice specialists and researchers. After a bibliographic review on the theme, several interviews have been done, as well as attendance to drama performances performed by them. Finally, the achieving of a training-creation process completed the tools to postulate such principles. They converge into two fundamental points; first, voice is energy; second, it can be transformed through creativetraining in theater poetry.

Para a estruturação e qualificação do pensamento criativo alguns educadores sugerem a utilização de modelos de aprendizagem baseados na ampliação das capacidades associativas dos alunos. Neste cenário emerge a Teoria das Affordances como ferramenta, tanto para compreender como o indivíduo interage com os objetos, quanto para ampliar essa interatividade. Focando um design orientado para a ampliação da utilidade dos produtos, o presente estudo explora a aplicação da Teoria das Affordances como estratégia para identificar novas possibilidades de uso dos objetos e analisa como esta aplicação interfere no processo criativo de alunos de Design. O delineamento experimental baseou-se no Plano de Quatro Grupos, de Richard Solomon, e os participantes do estudo exploratório foram alunos de cursos de graduação em Design de quatro instituições privadas de ensino brasileiras. A análise qualitativa e quantitativa dos dados sugere que a exploração de affordances em sala de aula, ao induzir a abstração, potencializa a emergência de alternativas de uso que, incorporadas ao processo de design, podem conferir versatilidade e aumentar as possibilidades de inovação na concepção de produtos. Os resultados da pesquisa deverão ser ainda ulteriormente confrontados com resultados de novos testes para que seja possível confirmar as hipóteses sobre a importância do uso de associações estruturadas (affordances) no ensino e no processo de design de produtos. / To qualify creative thinking, some educators suggest the use of learning models based on expansion of associative capacities of the students. In this scenario, the Theory of Affordances emerges as a tool to understand how the individual interacts with objects and to increase this interactivity. Focusing utility-oriented design, this study explores the application of the Theory of Affordances as a strategy to identify new possibilities for use of objects and analyzes how this application interferes within the creative process of Design students. The experiment was based on Solomon’s Four-Group Design and the participants of the exploratory study were students of undergraduate courses in Design of four Brazilian private colleges. The qualitative and quantitative data analysis suggests that the exploitation of affordances in the classroom, to induce abstraction, enhances the emergence of use alternatives, and incorporated into the design process may provide versatility and increase opportunities for innovation in product design. The research results must still be faced with further results of new experiments to confirm the hypothesis about the importance of structured associations use (affordances) in education and product design process.