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Sojeitos da terra: a representação do caipira na dramaturgia de Carlos Alberto Soffredini / Sojeitos da terra: representations of Brazilian rural man in Carlos Alberto Soffredini\'s dramaturgyBalista, Lígia Rodrigues 28 September 2018 (has links)
Esta tese investiga a representação do caipira na dramaturgia de Carlos Alberto Soffredini. Para isso, analiso quatro peças teatrais que tratam dessa temática: Na carrêra do divino, de 1979, A estrambótica aventura da música caipira, de 1990, Auto de Natal caipira, de 1992, e A madrasta, de 1995. A fim de entender como se construíram essas representações em sua obra, são examinados diversos elementos da cultura popular mobilizados pelo autor, a construção de personagens em cada peça, as escolhas entre recursos dramáticos ou épicos e as variadas fontes de pesquisa utilizadas pelo dramaturgo para a composição de seus textos, bem como a maneira como elas foram incorporadas. O trabalho também procura investigar as transformações ocorridas nessa construção do caipira dentro da produção do dramaturgo, entre o final dos anos 1970 e a década de 1990, e as mudanças em relação aos referentes anteriores nas letras e nas artes brasileiras do início do século XX (sobretudo a figura paradigmática de Jeca Tatu, criada por Monteiro Lobato). Sustento que há variações importantes no trabalho feito por Soffredini envolvendo a figura do caipira, que não é uma construção homogênea, como pretendo mostrar, o que nos leva a perceber, como um traço importante da sua dramaturgia, a consciência das contradições envolvidas no debate sobre a cultura popular. / This thesis investigates the representations of Brazilian rural man in Carlos Alberto Soffredini\'s dramaturgy. To do so, we analyze four plays that deal with such theme: Na Carrêra do Divino, from 1979, A estrambótica aventura da música caipira, from 1990, Auto de Natal Caipira, from 1992, and A Madrasta, from 1995. In order to understand how these representations were built into the author\'s work, we will analyze his use of different aspects of popular culture. We will also pay attention to: the construction of the characters in each play; the choices made between dramatic and epic resources and the variable research sources used by the author for the composition of his texts, as well as the way in which these sources were incorporated in his plays. The dissertation also seeks to investigate the transformations which occurred within Soffredini\'s work, between the late 70\'s and the 90\'s, and the changes in relation to the representation of the rural man in Brazilian\'s early twentieth century literature and culture (in particular, with reference to the paradigmatic figure of Jeca Tatu, by Monteiro Lobato). I argue and intend to show that there are important variations in Soffredini\'s work involving rural man\'s figure, which is not a homogeneous construction. This leads us to perceive, as an important aspect of his dramaturgy, a critical consciousness about the contradictions involving the debate surrounding popular culture.
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Tecido de vozes: texturas polifônicas na cena contemporânea mineira / Tissue of voices: polyphonic textures on the contemporary scene in Minas GeraisPereira, Elvina Maria Caetano 03 August 2011 (has links)
A tese investiga as texturas teatrais produzidas no âmbito dos processos de criação colaborativa vivenciados por coletivos teatrais de Belo Horizonte, a partir de sua experiência de participação dentro do projeto Cena 3x4. O projeto, realizado de 2003 a 2005, pela Maldita Cia. em parceria com o Galpão Cine Horto, propunha a criação concomitante de quatro espetáculos teatrais por meio da pesquisa dos princípios colaborativos e do diálogo não somente criativo, mas também metodológico ocorrido entre os núcleos de criação compostos por grupos teatrais da cidade e por diretores e dramaturgos orientados por Antônio Araújo e Luiz Alberto de Abreu. A principal questão da tese concerne às possibilidades de texturas teatrais polifônicas que podem ser tecidas, tanto no plano enunciativo como no plano ficcional, em um processo de criação colaborativa. Ou seja, na medida em que o processo colaborativo garante aos criadores da cena um espaço de proposição eqüipolente, a partir de suas funções artísticas específicas, e privilegia o embate entre as matérias cênicas heterogêneas, ele como um sistema de criação polifônico resultaria, necessariamente, em uma dramaturgia também polifônica, cuja articulação textual tornaria visível tanto as marcas processuais quanto os rastros das vozes presentes na criação? Visando responder essas questões, examino o conceito de dramaturgia e texto, bem como as relações entre texto e cena no âmbito do pensamento teatral do século XX e da contemporaneidade e, por meio dos princípios colaborativos e das noções de polifonia, escritura e performatividade, analiso as relações entre os processos de criação investigados e as suas resultantes textuais. / The thesis investigates the theatrical textures produced within the scope of the collaborative creation processes lived by theatrical collectives from Belo Horizonte, taking into account their active experience in the Cena 3x4 project. The project carried out by Maldita Cia from 2003 to 2005, together with Galpão Cine Horto, proposed the simultaneous creation of four stage shows through the research of collaborative principles and a, not only creative, but also methodological, dialogue which took place between the creation teams, composed by theatrical groups of the town, and by directors and playwrights managed by Antônio Araújo and Luiz Alberto de Abreu. The main question of the thesis concerns the possibilities of polyphonic theatrical textures that can be woven, either on the enunciative level or the functional level, within a process of collaborative creation. In other words, as far as the collaborative process assures the scene creators some space from a equipollent proposition, considering their specific artistic functions, and favors the clash between the heterogeneous scenic subjects, would it as a system of polyphonic creation necessarily result in a polyphonic dramaturgy, too, whose textual connection would make both the processual marks and the traces of the voices present in the creation visible? Aiming at answering these questions, I examine the concept of dramaturgy and text, as well as the relations between text and scene in the scope of the 20th century and contemporaneity theatrical thought; and, by means of the collaborative principles and the notions of polyphony, scripture and performativity, I analyze the relations between the creation processes investigated and their textual outcomes.
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Liev Tolstói e o teatro: texto e contexto de O Cadáver Vivo / Leo Tolstoy and theater: text and context of The Living CorpseBytsenko, Anastassia 14 October 2013 (has links)
A análise aborda o fenômeno artístico e cultural que é o teatro de Liev Tolstói no limiar entre a literatura e a história do teatro russo. A ênfase recai em apenas uma peça e suas quatro versões cênicas, permitindo, por um lado, abranger um grande período de tempo e observar as transformações que ocorrem com O Cadáver Vivo no decurso de um século de história russa; por outro lado, visa aprofundar o estudo dedicado a uma faceta específica da arte de Liev Tolstói. / The analysis addresses the artistic and cultural phenomenon that is the theater of Leo Tolstoy on the threshold between literature and history of Russian theater. The emphasis is in one piece and its four scenic versions, allowing one hand, cover a large period of time and observe the changes that occur with The Living Corpse over a century of Russian history, on the other hand, seeks to deepen study dedicated to a specific facet of the art of Leo Tolstoy.
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Nobody knows you when you´re down and out: a encenação de Alguns Blues do Tennessee pelo Grupo TAPA no Teatro de Arena Eugênio Kusnet / -Martins, Rafael 27 October 2017 (has links)
A proposta desse trabalho é a análise da encenação do espetáculo Alguns blues do Tennessee, dentro do projeto TAPA no Arena: uma ponte na História no ano de 2013 no Teatro de Arena, vencedor do Edital de Ocupação do Teatro de Arena Eugenio Kusnet. Trata-se da encenação de três peças em um ato, O quarto escuro, Verão no Lago e A dama da loção antipiolho, do dramaturgo estadunidense Tennessee Williams. O espetáculo é o resultado do trabalho iniciado no ano de 2009 com a direção de Eduardo Tolentino e Brian Penido Ross, tendo no elenco Conrado Sardinha, Isabella Lemos, Kadi Moreno e Rita Giovanna. A apresentação foi desenvolvida em sala de ensaios pelos atores do Grupo TAPA num processo que contou o estudo sistematizado da dramaturgia da obra de Williams. Recebeu a tradução de um lote de 26 peças curtas e 6 peças longas do autor, tendo como resultado, além da produção do espetáculo, na publicação, pela editora É Realizações, dos livros Mister Paradise e outras peças em um ato (WILLIAMS, 2011), 27 carros de algodão e outras peças em um ato (WILLIAMS, 2012), O zoológico de vidro; De repente no último verão; Doce pássaro da juventude (WILLIAMS, 2014) e Gata em telhado de zinco quente; A descida de Orfeu; A noite do iguana (WILLIAMS, 2016). / The purpose of this work is the analysis of the performance staging of the play \"Some blues by1 Tennessee\" within Tapa no Arena project: a bridge in history in 2013 at Arena Theater, winner of the Edict of Occupation of the Arena Theater Eugenio Kusnet. It\'s the staging of three one act plays: \"The Dark Room\", \"Summer on the Lake\" and \"The lady of the Larkspur Lotion\" of the American playwright Tennessee Williams. The performance is the result of a work that began in 2009 with Eduardo Tolentino and Brian Penido Ross as directors and Conrado Sardinha, Isabella Lemos, Kadi Moreno and Rita Giovanna in the cast. This work has been developed in a rehearsal room by the Tapa Group actors during a process which included the systematic study of the dramaturgy work of Williams and the translation of a batch of 26 one-act plays and 6 long plays of the author. Besides the production of the show, it also resulted the publication of the books: \"Mister Paradise e outras peças em um ato\" (Williams, 2011), \"27 carros de algodão e outras peças em um ato\" (Williams, 2012), \"O zoológico de vidro; De repente no último verão; Doce pássaro da juventude (Williams, 2014) and \"Gata em telhado de zinco quente; A descida de Orfeu; A noite do iguana (Williams, 2016) by \"É Realizações\" publisher.
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Assistir e ser assistida: vias e limites de uma estética existencial, tateando a obra de Søren Kierkegaard / -Pacheco, Deise Abreu 07 May 2018 (has links)
A presente pesquisa investiga uma modalidade de prática estética no campo das artes cênicas, desenvolvida com a participação de artistas e outros interessados. Fundada em uma perspectiva existencial da experiência estética, tal modalidade baseia-se em pressupostos elaborados a partir do estudo de aspectos da obra do autor dinamarquês Søren Kierkegaard (1813-1855) e apresenta uma dupla problemática: a singeleza do desejo de expressar a existência poética e a ambiguidade contida em um tema kierkegaardiano por excelência: a vontade de tornar-se si mesmo. A noção de estética existencial é abordada no plano dessa modalidade de prática que, situada filosoficamente no contexto da obra A Doença para a Morte (1849), no âmbito do chamado \"desespero-desafio\" e da \"existência poética orientada ao religioso\", tateia os limites da linguagem verbal, compreendida como \"espaço de possibilidade\", a fim de facultar uma interlocução sui generis entre pontos específicos da rota de leitura perscrutada e os efeitos estéticos de sua recepção. Assim, paralelamente às questões focalizadas em A Doença para a Morte, a escrita trilha a via da participante em primeira pessoa, procurando se acercar da problematização suscitada pela prática proposta, mediante um itinerário peculiar de leitura de alguns tópicos presentes na produção pseudonímica de Kierkegaard, particularizados em capítulos selecionados das obras: Ou-Ou. Um Fragmento de Vida (1843); Temor e Tremor. Lírica Dialética (1843); A Repetição. Um ensaio em Psicologia Experimental (1843); Estádios no Caminho da Vida. Estudos por pessoas diversas (1845). Por meio dessa rota de leitura buscamos circunscrever, fundamentalmente, as vias e os limites da idealidade estética pela afirmação de duas instâncias existenciais que escapam à linguagem verbal e, portanto, resistem à representação: o erótico imediato e a fé. Com esse escopo, a tese se compõe de três partes: Ato I: apresentação do princípio e dos limites da noção de estética existencial no campo problematizado por nossa prática, a partir da relação entre estética e existência; Ato II: exposição das vias da prática estética em seus pressupostos, com a identificação dos artistas e participantes na pesquisa na qualidade de coautores, e do Livro de Cultivo, método-objeto criado para abrigar as proposições estéticas associadas ao Stemning, título do primeiro capítulo da obra Temor e Tremor, eixo central da nossa prática. Em acréscimo, investigação conceitual acerca da própria noção de stemning (do dinamarquês: \"atmosfera\", \"disposição\", \"afinação\", \"tonalidade afetiva\", \"estado de espírito\", \"ambiência\"), vinculada à instância do erótico imediato; Ato III: reconhecimento do ato de assistir e de ser assistido como finalidade da recordação pelo entendimento de que recordar a obra é assisti-la; exame da idealidade estética da recordação como poder poético. Com isso, articulamos nossa própria recordação da prática realizada por meio daquilo que consideramos o princípio formal da problematização: uma recordação filmada, que consiste no \"processo de produção\" [making of] da coleta ou colheita das resultantes estéticas geradas pelo envolvimento dos participantes, na posição tanto de produtores como de espectadores. / The present research looks into a modality of aesthetic practice within the field of performing arts, and it was developed with the participation of artists and other interested parties. This modality, based on assumptions put forth from the study of aspects of the works of the Danish author Søren Kierkegaard (1813-1855), is founded in an existential perspective of the aesthetic experience and it introduces a double problematic: the simplicity of the desire to express poetic existence and the ambiguity in a kierkegaardian theme par excellence: the willingness to become oneself. The notion of existential aesthetics is approached within this modality of practice, which is philosophically situated in the context of the book The Sickness Unto Death (1849) as well as within the scope of the so-called \"defiant despair\" and the \"poet-existence inclined towards the religion\". This modality of practice probes the limits of verbal language, understood as \"space of possibility\", in order to allow for a sui generis dialog between specific spots in the examined reading itinerary and the aesthetic effects of its reception. Thus, alongside the issues focused on The Sickness Unto Death, the text follows the path of the participant in first person and seeks to encompass the problematization raised by the proposed practice, which is assisted by a peculiar reading itinerary of some topics included within the pseudonymous production of Kierkegaard, particularized in selected chapters of the works: Either/Or. A Fragment of Life (1843); Fear and Trembling. Dialectical Lyric (1843); Repetition. A Venture in Experimenting Psychology (1843); Stages on Life\"s way. Studies by Various Persons (1845). Through this reading itinerary, we fundamentally seek to circumscribe the avenues and limits of the aesthetic ideality by showcasing two existential instances that evade verbal language and, therefore, resist representation: the immediate eroticism and the faith. Within this scope, this thesis consists of three parts: Act I: presentation of the principle and limits of the notion of existential aesthetics within the field problematized by our practice, based on the relationship between aesthetics and existence; Act II: exposition of the avenues of the aesthetic practice within its assumptions, with the identification of the artists and participants in the research as coauthors, and of the Book of Cultivation, a method-object that was conceived to contain the aesthetic propositions associated with Stemning, title of the first section of Fear and Trembling and central axis of our practice. In addition, act II brings the conceptual investigation about the notion of stemning itself (Danish for: \"mood\", \"tuning up\", \"attunement\" \"atmosphere\") linked to the instance of the immediate eroticism; Act III: recognition of the act of watching/assisting and being watched/assisted as the goal of the recollection through the understanding that to recollect the work means to watch/assist it; examination of the aesthetic ideality of recollection as poetic power. With this, we articulate our own recollection of the practice performed by that which we consider the formal beginning of the problematization: a filmed recollection consisting in the making-of of the collection or harvest of the resulting aesthetics generated by the involvement of the participants in the position of producers as well as that of spectators.
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Thomas Bernhard, o Struwwelpeter do teatro de língua alemã ou o fazedor de teatro e a sua dramaturgia do discurso e da provocação / Thomas Bernhard, the Struwwelpeter of the German-language theater or the theater-maker and his dramaturgy of speech and provocation.Samir Signeu Porto Oliveira 17 June 2011 (has links)
As letras germânicas, em meados dos anos sessenta do século XX, testemunharam o surgimento de uma nova geração de escritores, dentre eles o jovem e inquieto autor austríaco Thomas Bernhard, nascido na Holanda. Com a sua rebeldia, ele propunha uma nova convenção na literatura; no campo teatral provocaria não só os críticos e teóricos, mas principalmente, os espectadores, ao lhes oferecer peças que não faziam concessões. Este trabalho propõe introduzir o pensamento teatral de Thomas Bernhard, por meio da apresentação e discussão da sua dramaturgia, bem como inserir a tradução da sua peça Der Theatermacher - O fazedor de teatro. O escopo é mostrar que o teatro deste enfant terrible, ao usar aforismos, a estética do exagero e do grotesco, a ironia, monólogos e o teatro como tema, é discursivo e provocativo. Assim, ao problematizar e divulgar a criação e produção dramatúrgica de Thomas Bernhard, espera-se trazer uma contribuição que venha a despertar interesse e inquietações pelas ideias e procedimentos desse autor tão contemporâneo e provocador. / Germanic languages, back in the mid-60s in the twentieth century, witnessed the emergence of a new generation of writers, among whom the young and restless Austrian writer - Thomas Bernhard, who was born in the Netherlands. Armed with his defiance, he proposed a new principle in literature; in the stage-performance area it would inflame not only critics and theorists but mostly the audience when playing parts that made no concessions. This paper introduces Thomas Bernhard\'s drama-driven thinking by presenting and discussing his dramaturgy and includes a translation of his play Der Theatermacher - The Theatre Maker. The aim is to show that the plays of the enfant terrible of the theatre by using aphorismus, the aesthetics of overstatement and grotesque, irony, monologues and the theater as a subject, are discursive and provocative. Hence, this paper, in questioning and divulging the drama conception and production of Thomas Bernhard\'s plays, expects to arouse interest and uneasiness on the thoughts and methods of this overtly contemporary and provocative author.
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A musicalidade na dramaturgia de ator : das vanguardas do século XX ao caso do Teatro O BandoWerlang, Cristine January 2016 (has links)
O presente trabalho propõe-se investigar os diálogos existentes entre a musicalidade e o teatro no âmbito da dramaturgia de atores, tendo como estudo de caso o grupo de teatro português O Bando. Apoia-se nas vanguardas do século XX à contemporaneidade com o propósito de buscar os procedimentos de atuação teatral fundados no diálogo entre o teatro e a música. O percurso metodológico segue as pesquisas dos artistas e pedagogos teatrais Appia, Jaques- Dalcroze, Meyerhold, Artaud e Barba, a fim de selecionar e analisar os elementos musicais que sustentam o ofício do ator e fundam uma prática atoral de característica musical. Seguindo o mesmo percurso com educadores musicais, compositores e musicólogos, busca-se referências sobre os conceitos musicais do início do século XX à contemporaneidade, especialmente aquelas que se deixam impregnar pelo cruzamento de áreas e saberes. Finalmente, propõe-se observar a musicalidade na prática pedagógica do Teatro O Bando, em seu curso de formação “Consciência do Actor em Cena”. As principais conclusões apontam que a musicalidade está presente na pedagogia da atuação tanto nas vanguardas teatrais do século XX quanto no caso do Teatro O Bando e corresponde a uma estratégia de criação atoral que favorece a precisão e a imaginação. A musicalidade estabelece ainda novas formas de leitura por parte dos espectadores, novos procedimentos de improvisação e notação, novas regras e convenções. Busca-se colaborar com as pesquisas sobre a pedagogia de ator e oferecer um auxílio para o ensino teórico e prático da atuação em instituições de ensino e coletivos teatrais e performativos. / This study aims to investigate the existing dialogues between drama and musicality in the field of actor’s dramaturgy, having as case study the Portuguese theater group O Bando. This work is based on twentieth century and contemporary vanguards in order to search the procedures of acting, founded in the dialogue between drama and music. The methodological approach is based on the researches of artists and theatrical pedagogues, mainly Appia, Jaques-Dalcroze, Artaud and Barba, aiming to find and analyze the musical elements that sustain the actor’s work and underlie an actor’s practice of musical characteristics. Following the same route with music educators, composers and musicologists, we look for references about music concepts from the beginning of the 20th century to nowadays, especially those references that leave impregnate themselves by the crossing of different knowledge and disciplines. Finally, this work aims to observe how the relations between music and drama happen in the pedagogical practice of Teatro O Bando in their course “Consciência do Actor em Cena” (Actor’s Conscience in Scene). The main findings show that musicality is present in the pedagogy of acting both in theatrical vanguards of the 20th century as in the case of Teatro O Bando and corresponds to a “atoral” creation strategy that favors precision and imagination. The music also establishes new ways of reading by the spectators, new procedures of improvisation and notation, new rules and conventions. With this work we aim to collaborate to the researches about actor’s pedagogy and also offer an aid for theoretical and practical education to be used in educational institutions and theater groups.
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Anton Tchékhov e Tennessee Williams: dramaturgias em comparação / Anton Chekhov and Tennessee Williams: plays in comparisonAna Maria Novi Hoshikawa 24 September 2015 (has links)
O presente trabalho apresenta três possibilidades de comparação entre os textos de Anton Tchékhov e Tennessee Williams: a primeira trata-se de uma comparação formal, que investiga as semelhantes soluções dramatúrgicas encontradas pelos autores em relação à crise do drama, conceito elaborado por Peter Szondi; a segunda possibilidade se concentra sobre as semelhantes posições de classe (conceito de P. Bourdieu) encontradas na história russa e na história americana, que servem como substrato temático às peças analisadas; a terceira e última possibilidade de comparação apresentada está baseada no fenômeno de recepção das peças tchekhovianas nos Estados Unidos, considerando também a vasta repercussão das encenações do Teatro de Arte de Moscou sobre a cena americana. / This work presents three distinct possibilities of comparison between the texts of Anton Chekhov and Tennessee Williams: the first one is a formal comparison, it investigates the similar dramatic solutions the authors found to dramas crisis, a concept created by Peter Szondi; the second possibility concentrates over the similarities of class position (P. Bourdieus concept) found in Russian and Amercian history, these serve as the thematic substract of the plays analysis; the third and last possibility explored is based upon the reception of Chekhovs plays in the United States, considering the reprecussions of their productions by the Moscow Art Theatre on the American stage.
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Música-como-teatro: uma prática composicional e sua autoanáliseOliveira, Heitor Martins 11 October 2018 (has links)
A expressão compor música-como-teatro sintetiza e agrupa minhas contribuições no campo das
relações entre composição musical e teatralidade, organizadas em três eixos de prática e
autoanálise: 1- a situação de performance musical como espaço cênico; 2- a seleção e organização
de materiais como jogo cênico e 3- estrutura e forma como encenação.
A noção de compor música-como-teatro é delimitada em diálogo com: afirmativas e obras de
compositores como Luciano Berio, Péter Eötvös, Gilberto Mendes, Mauricio Kagel e Georges
Aperghis; as categorias teatro musical, teatro instrumental e Teatro Composto, abordadas na
bibliografia sobre música de concerto pós-1960; as categorias teatralidade e dramaturgia, como
discutidas em escritos de teóricos que abordam as artes cênicas. Em síntese, compositores se
movem em direção ao teatro, eles compõem com materiais gestuais e visuais, gerando
partituras/roteiros para performances cênico-musicais.
A prática de compor música-como-teatro pressupõe a intenção expressiva de incorporar a dimensão
estética de teatralidade da performance musical ao âmbito das escolhas composicionais. Avança ao
adotar uma aproximação entre composição e dramaturgia: compor consiste em organizar um roteiro
de ações com e sem implicação sonora concatenadas musicalmente ‒ ‒ e enquadradas em
dispositivos de construção e deslizamento de sentidos narrativos.
O portfólio apresenta partituras e registros audiovisuais de três peças: O Espelho (2015-2017), As
Gerações dos Mortais Assemelham-se às Folhas das Árvores (2015-2017) e I saw them together ‒ I
heard them together (2017). / The expression composing music-as-theater synthesizes and groups my contributions in the field of
relations between musical composition and theatricality, organized into three axes of practice and
self-analysis: 1- the situation of musical performance as scenic space; 2- the selection and
organization of materials as scenic play; and 3- structure and form as staging.
The notion of composing music-as-theater is delimited in dialogue with: stances and works of
composers like Luciano Berio, Péter Eötvös, Gilberto Mendes, Mauricio Kagel and Georges
Aperghis; the categories musical theater, instrumental theater and Composite Theater, addressed in
the bibliography on post-1960 concert music; the categories theatricality and dramaturgy, as
discussed in the writings of theorists dealing with performing arts. In synthesis, composers move
towards theater, they compose with gestual and visual materials, generating scores / scripts for
scenic-musical performances.
The practice of composing music-as-theater presupposes the expressive intention of incorporating
the aesthetic dimension of theatricality of musical performance into the scope of compositional
choices. It advances by adopting an approximation between composition and dramaturgy:
composing consists in organizing a script of actions with and ‒ without sound implication ‒
musically concatenated and framed in devices of construction and sliding of narrative meanings.
The portfolio features scores and audiovisual recordings of three pieces: O Espelho (2015-2017), As
Gerações dos Mortais Assemelham-se às Folhas das Árvores (2015-2017) e I saw them together ‒ I
heard them together (2017).
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Formas do discurso, desenvolvimento do personagem e estrutura dramatúrgica: uma poética da tradução em Thomas Kyd / Forms of discourse, the development of the character and dramaturgical structure: a poetics of translation in Thomas KydBastos, Leandro Tibiriça de Camargo 18 January 2018 (has links)
No nascimento da modernidade houve um grande crescimento produtivo, o que levou ao incremento das instituições mediadoras da vida social. Os efeitos disso na esfera do discurso e da formação do sujeito se manifestaram também no teatro, na formação dos personagens. A passagem de uma mentalidade mítica para uma racionalista marcou os sujeitos, muitas vezes, de forma trágica, dilacerados entre demandas desencontradas e discursos opostos. A subjetividade se tornou o campo desse tipo de batalha. Um exemplo privilegiado desse momento é The Spanish Tragedy, de Thomas Kyd. Tragédia inaugural do teatro elisabetano, Kyd foi o primeiro autor a concentrar a maioria de seus monólogos em um único personagem, contrastando com peças anteriores, como Gorboduc, em que os monólogos eram mais distribuídos. Isso possibilitou uma concentração de tensão e um desenvolvimento dramatúrgico que influenciou gerações, inclusive um jovem dramaturgo iniciante chamado William Shakespeare. Não é apenas uma coincidência que Kyd tenha inaugurado com sua peça um gênero, as tragédias de vingança, que criou uma longa linhagem, cujo representante mais ilustre é Hamlet. Mas esse desenvolvimento concentrado, que permitiu um crescendo ao longo da peça, se olhado de perto, apresenta uma outra dimensão. A fatura linguística dos monólogos traz materiais das mais diversas fontes. Se estão presentes recursos linguísticos da literatura clássica e da retórica da corte, também aparece uma dicção provinda da burguesia, seja das controvérsias religiosas, seja dos livros de cortesão, que discutiam o comportamento adequado em sociedade. Temos, portanto, recursos textuais provenientes dos atores sociais que tencionavam a época: aristocracia decadente e burguesia ascendente. Vistos em sequência, os monólogos apresentam uma transição das formas mais tradicionais e conservadoras de discurso para as mais modernas. Dessa forma, o desenvolvimento do personagem e a estrutura dramatúrgica construída em torno dele se tornam um espelho de sua época. A mesma tensão que vemos no grande quadro da história, se fecharmos o foco sobre o personagem e, mais ainda, sobre sua interioridade, nos monólogos, reaparece nas suas formas de discurso. Ao fazer um panorama histórico, uma descrição da evolução do personagem e um exame detalhado de momentos-chave de seus monólogos, esperamos demonstrar esses nexos. / In the birth of modernity, there was a great productive growth, which led to the increase of institutions mediating social life. The effects of this situation in the sphere of social discourse and in the formation of the subjects also manifested themselves in the theater, in the formation of the characters. The transition from a mythical mentality to a rationalist one marked the subjects, often tragically, torn between disjointed demands and opposed discourses. Subjectivity became the battlefield of this type of struggle. A prime example of this moment is The Spanish Tragedy, by Thomas Kyd. Kyd was the first author to concentrate most of his monologues on a single character, contrasting with earlier plays such as Gorboduc, where the monologues were more widely distributed. This enabled a concentration of tension and a dramaturgical development that influenced generations, including a young beginner playwright named William Shakespeare. It is not only a coincidence that Kyd inaugurated, with his play, a genre, the revenge tragedy, which created a long lineage, the most illustrious representative being Hamlet. But this concentrated development, which allowed a crescendo throughout the play, if looked closely, presents another dimension. The linguistic making of the monologues brings materials from the most diverse sources. If linguistic resources of classical literature and court rhetoric are present, there is also a diction from the bourgeoisie, whether from the religious controversies or from the court books, which discussed proper behavior in society. Therefore, we have textual resources coming from the social actors who confronted each other in that era: decadent aristocracy and rising bourgeoisie. Viewed in a sequence, the monologues show a transition from the more traditional and conservative forms of discourse to the more modern ones. In this way, the development of the character and the dramatic structure built around him become a mirror of his time. The same tension that we see in the great picture of history, if we close the focus on the character, even more, on his interiority, in the monologues, reappears in his forms of discourse. Making a historical overview, a description of the development of the character and a detailed examination of moments of his monologues, we hope to demonstrate these links.
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