Submitted by Diana Alves (ppgdancaufba.adm@gmail.com) on 2013-01-16T12:44:43Z No. of bitstreams: 1 dissertação numerada versão final versão pdf.pdf: 2010440 bytes, checksum: c5f5b7cd5840982e4eb8728f1689f34f (MD5) / Made available in DSpace on 2013-01-16T12:44:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertação numerada versão final versão pdf.pdf: 2010440 bytes, checksum: c5f5b7cd5840982e4eb8728f1689f34f (MD5) / CAPES / No contexto contemporâneo da dança a relação entre corpo e os demais componentes de cena tendem a se organizar de modo coimplicado na construção de obras artísticas. Esta pesquisa se propõe a discutir e problematizar a relação entre corpo e o que se veste em cena, tendo como recorte específico, um modo que pode ser observado com cada vez mais frequência, no qual o que se veste em cena apresenta-se de forma implicada ao corpo e ao movimento, constituindo a própria dança. Metodologicamente, esta pesquisa é qualitativa, por abordar questões particulares e subjetivas de concepção criativa, mas também é descritiva/explicativa ao se propor compreender de que modo a relação entre corpo e figurino vem se apresentando ao longo da história da dança, descrevendo algumas de suas características e identificando os fatores que contribuem para a ocorrência e o desenvolvimento dessa relação na dança. Três obras contemporâneas de dança que se inscrevem no recorte temático desta pesquisa, foram analisadas, e entrevistas semi-estruturadas foram realizadas com os artistas/autores das obras. Na contextualização histórica sobre a relação entre o corpo e o que se veste em cena, observou-se que alguns artistas de diferentes contextos e períodos da história da dança, em alguma medida, subverteram práticas tradicionais no que concerne a essa relação. Observou-se, também, novos entendimentos acerca do conceito de figurino, propostos por alguns autores de dança e de áreas afins, que já evidenciam a insuficiência do termo frente ao contexto contemporâneo. As obras de dança In-organic de Marcela Levi, Amarelo de Elisabete Finger e Self Unfinished de Xavier Le Roy, foram analisadas, e a conexão entre corpo, movimento e o que se veste, foi entendida como um subsistema de ação, no sentido de que estas informações elaboram uma funcionalidade de conjunto que ocorre de forma indissociada. Com base em todos os dados levantados na pesquisa e, em particular, na análise das três obras, apresenta-se o conceito de Vestíveis em Fluxo, em contraponto ao conceito de figurino. Esta ideia amplia o campo do vestir, ao considerar o que se veste em cena não somente peças de roupas e acessórios, mas todo e qualquer material, objeto e componente que interfira, em algum momento, na qualidade, dinâmica ou plástica do corpo. O entendimento de Vestíveis em Fluxo também se propõe a problematizar o lugar/função/pertinência do figurinista frente às emergências do corpo relacional, apresentado pelos artistas no contexto contemporâneo da dança. / Programa de Pós Graduação em Dança - Escola de Dança

Submitted by Diana Alves (ppgdancaufba.adm@gmail.com) on 2013-01-16T14:52:24Z No. of bitstreams: 2 Bruna dissertacao.pdf: 4274689 bytes, checksum: 795d7490a807bf3bfa69a6dd07315a46 (MD5) Bruna capa.pdf: 415950 bytes, checksum: f5444fd0dd3b99d2ae43edf120c01773 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-01-16T14:52:24Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Bruna dissertacao.pdf: 4274689 bytes, checksum: 795d7490a807bf3bfa69a6dd07315a46 (MD5) Bruna capa.pdf: 415950 bytes, checksum: f5444fd0dd3b99d2ae43edf120c01773 (MD5) / FAPESB / Esta dissertação propõe investigar a atualização dos espaços coreográficos utilizados pela Dança para ambientes digitais na Contemporaneidade. Para tanto, traça um percurso histórico do conceito de espaço a fim de perceber as transformações no modo de pensá-lo, nessa arte, e entendê-lo como fruto de um processo cultural. Começa este percurso desde o lugar dedicado à Dança nas sociedades tribais e rurais, passando, dentre outros eventos importantes, pela criação do teatro na Grécia e pela teoria da relatividade de Einstein, para por fim analisar os lugares utilizados após a Judson Church e concluir com um estudo sobre os ambientes analógicos criados por Peter Pabst para as coreografias de Pina Bausch. Esta pesquisa observa ainda as alterações no espaço, a partir das técnicas e tecnologias, bem como as relações entre luz, cinema, vídeo e Dança a fim de perceber trabalhos artísticos que foram precursores dos experimentos contemporâneos que lidam com ambientes digitais. Para finalizar a pesquisa, rever o conceito de ambiente e as proposições de Johannes Birringer (2003) e Kate Sicchio (2011) acerca do tema desta dissertação. Há relatos e discussões sobre exemplos de trabalhos que caracterizam as proposições desses dois autores. / Programa de Pós Graduação em Dança - Escola de Dança

ALMEIDA, Paulo Sérgio Caldas de. O coreógrafo e a coreografia: derivas artístico-pedagógicas a partir das proposições de William Forsythe. 2017. 255f. – Tese (Doutorado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Educação Brasileira, Fortaleza (CE), 2017. / Submitted by Gustavo Daher (gdaherufc@hotmail.com) on 2017-08-11T11:43:36Z No. of bitstreams: 1 2017_tese_pscalmeida.pdf: 3923626 bytes, checksum: 0cc271ac19c7a45c48ac704fc073280e (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2017-08-11T14:04:04Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_tese_pscalmeida.pdf: 3923626 bytes, checksum: 0cc271ac19c7a45c48ac704fc073280e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-08-11T14:04:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_tese_pscalmeida.pdf: 3923626 bytes, checksum: 0cc271ac19c7a45c48ac704fc073280e (MD5) Previous issue date: 2017 / A presente tese objetiva investigar os modos emergentes do fazer coreográfico e suas implicações artístico-pedagógicas. A palavra coreografia recobre, hoje, proposições que podem versar sobre os mais minuciosos e específicos detalhes do gesto de um corpo ou, inversamente, sobre as mais abertas e genéricas instruções de ação de múltiplos corpos; a coreografia escapa de sua vinculação à dança para nomear configurações de movimento as mais diversas, por vezes sequer ligadas a um fazer humano; deixa de implicar uma autoria única e nomeável para, eventualmente, dissolver-se num fazer coletivo; enfim, parece reclamar por novas compreensões. Aqui tratamos portanto de uma pedagogia da dança que se complexifica a partir de um contexto no qual os modelos de processo criativo e os modos de mover se multiplicam. Em tal contexto, o criar e o performar convergem e qualquer corporeidade só pode ser pensada a partir do projeto estético a que se vincula. Para nossa investigação, tomamos como base as proposições coreográficas de William Forsythe, artista que – além de atuar em diferentes instâncias de criação (composições cênicas, videográficas, instalativas e expositivas) e multiplicar práticas colaborativas – desenvolveu os projetos em mídia digital Improvisation technologies: a tool for the analytical dance eye e Synchronous objects for One Flat Thing, reproduced, ambos de declarado cunho pedagógico e que são utilizados correntemente em vários contextos formativos no mundo. A abordagem de William Forsythe – principalmente quanto ao corpo balético – emerge mesmo como um poderoso referencial para o estabelecimento de processos artísticos e pedagógicos de autonomização e invenção; a concepção de coreografia como proposição abre espaço para a experimentação de alteridades e para a emergência de novas corporeidades.

Submitted by Cynthia Nascimento (cyngabe@ufba.br) on 2014-08-04T15:05:32Z No. of bitstreams: 1 Flor Murta.pdf: 2434552 bytes, checksum: 39bfd148273fddaac6296055f43a52b0 (MD5) / Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva (sivalda@ufba.br) on 2014-09-03T16:41:26Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Flor Murta.pdf: 2434552 bytes, checksum: 39bfd148273fddaac6296055f43a52b0 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-09-03T16:41:26Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Flor Murta.pdf: 2434552 bytes, checksum: 39bfd148273fddaac6296055f43a52b0 (MD5) / Capes / A pesquisa apresentada objetivou compreender a articulação entre dança contemporânea e prática de ensino de artistas-professores. Para embasar as reflexões buscou-se aproximação com as ideias de Edgar Morin acerca das concepções de homem, mundo, ciência e complexidade; como também de dança contemporânea a partir de diversos autores. Para alcançar o objetivo proposto optou-se por utilizar a entrevista temática, semi-estruturada e recorrente, assim como a observação participante de práticas de ensino de três artistas-professores da dança contemporânea de Belo Horizonte/MG: Carlos Arão, Dudude Herrmann e Tuca Pinheiro. Como estratégia analítica foi utilizada a análise hermenêutica dialética. As reflexões realizadas suscitaram o entendimento da dança contemporânea como uma trama complexa, em que o que é tecido em conjunto cria a unidade dança contemporânea, que por sua vez se desdobra em pluralidades que são as próprias teias que a constitui. Tal pluralidade, assim como a inexistência de uma definição unívoca faz com que as práticas de ensino a ela relacionadas também sejam plurais. Apesar do aspecto da pluralidade ter sido notado, alguns pontos de confluência entre as práticas observadas foram identificados: a atitude investigativa como princípio norteador e o diálogo com o mundo contemporâneo e com o cotidiano.

Submitted by Leonardo Harispe (leoserrano2013@gmail.com) on 2015-03-20T03:43:31Z No. of bitstreams: 1 DISSS. COMPLETA. pdf.pdf: 1825001 bytes, checksum: 8a50a1a34d08a6d98c9276397a04f7c9 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2015-03-20T13:14:01Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DISSS. COMPLETA. pdf.pdf: 1825001 bytes, checksum: 8a50a1a34d08a6d98c9276397a04f7c9 (MD5) / Made available in DSpace on 2015-03-20T13:14:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISSS. COMPLETA. pdf.pdf: 1825001 bytes, checksum: 8a50a1a34d08a6d98c9276397a04f7c9 (MD5) / PRO-Ex. CAPES / Esta dissertação se propõe abordar o composicional em improvisação-dança tomando como perspectiva geral os mecanismos que estabelecem nexos associativos entre as múltiplas camadas que articulam o fluxo espaço-temporal de movimento. O composicional em improvisação se refere aos desafios que o dançarino empreende para conseguir “se orientar” no interior de uma trama reticulada (uma textura cinética e cinestésica ao mesmo tempo); no contexto desses novos desafios, o estabelecimento de uma negociação sutil entre a adoção de maiores complexidades discursivas e a manutenção de uma organicidade-base que assegure o “frescor” das escolhas, marca as tensões perceptuais e mnêmicas que esse exercício supõe. O fato de que a improvisação em movimento-dança relocalize a esfera da sua práxis/linguagem num território marcado pelas coordenadas do composicional, faz com que ela experimente certa “expansão”, uma ampliação de horizontes estéticos e procedimentais. Que capacidades seriam necessárias para que um improvisador possa resolver composições instantâneas? A partir de que momento ele estaria em condições de lidar com campos de complexidade discursiva, articulados por nexos livre-associativos? Ao longo dos capítulos a progressão da escrita analisa primeiramente o caráter exploratório-vivencial do movimento para definir a natureza autônoma da linguagem da improvisação; observa logo as mudanças epistemológicas que as técnicas e pesquisas ligadas à improvisação-dança introduzem no campo da práxis; discute, finalmente, a localização da improvisação no contexto das poéticas pós-dramáticas. A hipótese do trabalho, na sua formulação mais ampla, compreende que a extensão/ampliação da práxis improvisatória dentro das coordenadas do composicional requer de uma gradual maturação do “ofício” por parte do dançarino improvisador. / This research proposes a compositional approach to improvisation-dance taking as overview the mechanisms that establish associative links between the multiple layers that articulate the flow spatial-temporal motion. The compositional aspect in improvisation, refer to the challenges that the dancer undertakes to achieve "orientation" inside a reticulated frame (kinetic and kinesthetic texture at the same time). In the context of these new challenges, the establishment of a subtle negotiation between the adoption of larger discursive complexities and maintaining an organic structure-basis to preserve "freshness" in the choices, determines the perceptual and mnemic tensions assumed by this exercise. The fact that improvisation in dance-movement relocate the sphere of her own praxis/ language in a territory measured by compositional coordinates, makes it experienced a sort of "expansion", an extension of procedural and aesthetic horizons. Which capabilities would be necessary for an improvisation dancer to solve instant compositions? From what moment would he be able to deal with fields of discursive complexity articulated by free-associative nexus? Throughout the chapters, the progression of writing begins with the analysis of exploratory-experiential character of the movement which defines the autonomous nature of the improvisation language; highlight the epistemological changes that diverse techniques and researches related to improvisation-dance introduce in the field of praxis; Finally, discusses the location of improvisation in the context of post-dramatic poetics. The hypothesis of this work, in its broadest formulation, understands that the extension / expansion of praxis in the compositional coordinates requires a gradual maturation of the role/occupation by the improvisational dancer.

Submitted by Isaura Cruz (isauratupiniquim@gmail.com) on 2016-03-04T21:06:55Z No. of bitstreams: 1 DISSERTACAO-IsauraTupiniquim.pdf: 1241738 bytes, checksum: 1f5b5142d5b768f658ad60c4d474d60d (MD5) / Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva (sivalda@ufba.br) on 2016-03-07T19:19:02Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DISSERTACAO-IsauraTupiniquim.pdf: 1241738 bytes, checksum: 1f5b5142d5b768f658ad60c4d474d60d (MD5) / Made available in DSpace on 2016-03-07T19:19:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISSERTACAO-IsauraTupiniquim.pdf: 1241738 bytes, checksum: 1f5b5142d5b768f658ad60c4d474d60d (MD5) / Capes / Ao gerar mudanças no corpo e na arte, a crise como transgressão é uma potência que mobiliza a história e as práticas políticas. O anestesiamento crítico, decorrente de uma circularidade formada no circuito artístico, ao estabelecer uma hegemonia discursiva nas produções estéticas, produz um paradoxo entre a transgressão como pressuposto na dança contemporânea e a normatização das ações nesse campo. De uma perspectiva da biopolítica, que captura os desejos e a imaginação, os discursos de transgressão na arte podem ter seu espaço reservado, principalmente quando não existe um interdito contra o qual se opor. Nessa concepção política, os poderes são diluídos e capitalizáveis, anestesiando as forças de tensão e a capacidade crítica dos corpos. A transgressão está vinculada ao interdito, pois ambos são fundamentos implícitos à conjuntura existencial e social do corpo. A noção de transgressão da linguagem articula e problematiza a esfera artística que, atrelada aos conceitos de performatividade, heterogeneidade e heterologia, expõe uma contradição entre o conteúdo dos discursos e as práticas engendradas nas demandas de mercado, fragilizando o corpo performativo, tanto nas experimentações da vanguarda da década de 1960 quanto nas suas implicações históricas, que se estendem à atualidade. Nesta pesquisa, as análises das produções artísticas são abordadas a partir dos conceitos de informe e de abjeção, os quais se aproximam radicalmente da transgressão, devido à produção de conflito e repulsa. / When generating changes in the body and the art, crisis as transgression is a power that mobi-lizes history and political practices. The critical anaesthetization, caused by a circularity formed in the artistic circuit, when establishing a hegemonic discourse in the aesthetic pro-ductions, generates a paradox between transgression as a premise in contemporary dance and the standardization of the actions in this field. Under the perspective of biopolitics, which captures the desires and the imagination, the transgression discourse in art can have its re-served space, mainly when there is no interdiction against which one must oppose. In this political conception, the power is diluted and possibly capitalized, anaesthetizing the forces of tension and the critical capacity of the bodies. Transgression is linked to an interdiction, for both are implicit bases of the existential and social conjuncture of the body. The notion of transgression of the language articulates and puts into question the artistic sphere that, tied to the concepts of performativity, heterogeneity and heterology, displays a contradiction be-tween the content of the discourses and the practices created in the market demands, weaken-ing the performative body, as much in the experimentations of the avant-garde of the 1960's as in its historical implications, until the present time. In this research, the analyses of the ar-tistic productions are made with the concepts of inform and abject, which approach radically to transgression, due to the production of conflict and repulsion.

Submitted by Diana Alves (ppgdancaufba.adm@gmail.com) on 2016-06-09T12:51:44Z No. of bitstreams: 1 Dissertação Ricardo Alvarenga.pdf: 4397957 bytes, checksum: 2429fc54662ce3e77c551861a738504a (MD5) / Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva (sivalda@ufba.br) on 2016-06-13T16:36:34Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação Ricardo Alvarenga.pdf: 4397957 bytes, checksum: 2429fc54662ce3e77c551861a738504a (MD5) / Made available in DSpace on 2016-06-13T16:36:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação Ricardo Alvarenga.pdf: 4397957 bytes, checksum: 2429fc54662ce3e77c551861a738504a (MD5) / Esta dissertação apresenta uma tramagem entre procedimentos e experiências corporais e artísticas realizadas no campo da dança contemporânea e da educação somática, enlaçados em uma especulação teórico-filosófica sobre o conceito de “estética da existência”, pensado pelo filósofo Michel Foucault como uma “arte de existir” - um modo ativo de elaborar a própria vida como uma obra de arte. Como aspecto central desta trama, temos a correlação entre “práticas de si” ou “técnicas de si”, entendidas como procedimentos aplicados a si mesmo como forma de intensificar processos de autoconsciência e de autotransformação; e uma noção de “cuidado de si”, referenciada na filosofia antiga, grega e romana, e entendida segundo uma perspectiva crítica sobre a atitude de cuidar de si e dos outros relacionada a aspectos éticos e estéticos. Toda a tramagem se faz na intenção de contribuir para a complexificação do entendimento contemporâneo de coextensão entre arte e vida, reafirmando a possibilidade de conceber e exercitar novos modos de existir segundo experiências estéticas realizadas no campo das artes do corpo.

Submitted by Diana Alves (ppgdancaufba.adm@gmail.com) on 2016-06-09T12:46:22Z No. of bitstreams: 1 DISSERTACAO REGINALDO DOS SANTOS OLIVEIRA.pdf: 3294003 bytes, checksum: 02519e1b93e0a9115bfd9c506eea9a17 (MD5) / Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva (sivalda@ufba.br) on 2016-06-13T17:38:57Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DISSERTACAO REGINALDO DOS SANTOS OLIVEIRA.pdf: 3294003 bytes, checksum: 02519e1b93e0a9115bfd9c506eea9a17 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-06-13T17:38:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISSERTACAO REGINALDO DOS SANTOS OLIVEIRA.pdf: 3294003 bytes, checksum: 02519e1b93e0a9115bfd9c506eea9a17 (MD5) / Esta dissertação propõe uma reflexão sobre o processo de criação em dança contemporânea da Cia dos Pés, grupo de dança radicado em Maceió/Alagoas que, a cada criação investe em novos procedimentos e formas de movimentação a partir da experiência de cada dançarino. No presente estudo, busca-se identificar os princípios organizativos no processo de composição do referido espetáculo (ENCONTROS) evidenciando a experiência, a alteridade e o compartilhamento como modos de operar sua poética na potencialização do seu processo criativo. As reflexões aqui apresentadas estão baseadas em entrevistas com componentes do grupo, análise do espetáculo e levantamento bibliográfico da trajetória da companhia.

A pesquisa intitulada Motivação Criadora e Recepção Estética no Espetáculo Re-Sintos da Muovere Companhia de Dança tem a seguinte indagação: Como operam as motivações criadoras e o processo de recepção de um espetáculo de dança contemporânea? O espetáculo escolhido para investigar o processo de criação e recepção traz o cruzamento das fronteiras entre a dança e o teatro, seja pela composição do elenco de bailarinos e atores, seja pela direção geral e cênica ter sido realizada, respectivamente, por Jussara Miranda e Jezebel de Carli, uma artista da dança e outra do teatro. Re-Sintos apresenta como características: a ênfase da não neutralidade facial; a utilização de elementos sonoros, ora produzidos pelos bailarinos, ora acompanhados pela trilha musical; a utilização de cenário, o uso de narrativa fragmentada; a utilização de diálogo com questões do cotidiano; por fim, valoriza a plasticidade do movimento corporal como principal fio condutor. Como modo de sistematizar e organizar a leitura, esta pesquisa é dividida em três capítulos: O capítulo I analisa como acontece a articulação entre a dança e o teatro no espetáculo Re-Sintos. O capítulo II verifica o que envolve o processo de recepção e como o espetáculo se oferece ao exercício receptivo. O capítulo III examina e apresenta o modo como opera a produção e a recepção do espetáculo Re-Sintos a partir de algumas características aproximativas do rizoma de Gilles Deleuze e Félix Guatarri. As características presentes no Re-Sintos retratam um modo de condução do trabalho, no qual se evidencia a presença de um caráter investigativo que tem como efeito a multiplicidade. Essa multiplicidade compreende as conexões, as rupturas e as contaminações consentidas pelo olhar questionador dos produtores num processo dinâmico de territorialização, desterritorialização e reterritorialização da criação. Quanto à recepção estética, observa-se que cada espectador articula os conhecimentos prévios, os sentidos plurais e paradoxais em linhas de segmentaridade e linhas de desterritorialização. Como a percepção produz constantemente conexões e desdobramentos, ao criar novos nexos e exigir sem cessar outros agenciamentos, os vínculos entre as motivações criadoras e a recepção estética são rizomáticos e não permitem ao espectador a identificação completa das fontes ou origens. / The research entitled Creative Motivation and the Aesthetic Reception at Re- Sintos Performance of Muovere Dance Company has a question: How creative motivations and receptive process operate in a contemporary dance performance? The performance chosen to investigate the process of creation and reception crosses the borders between dance and theater, either by the casting composition by dancers and actors or by the general and scenic direction done, respectively, by Jussara Miranda and Jezebel de Carli, a dance artist and a theater artist. Re-Sintos has as characteristics: the emphasis of the non-facial neutrality; the utilization of sound elements, be it produced by the dancers or accompanied by the musical track; the scenery presentation; the use of the fragmented narrative; the utilization of dialogue with daily subjects; at least, values the corporal movement plasticity as its principal thread. As a way to systematize and organize the reading, this research is divided in three chapters: Chapter I analyses how the articulation between dance and theater happens at the Re-Sintos performance. Chapter II verifies what involves the reception process and how the performance offers itself to the receptive exercise. Chapter III examines and presents the way how the production and the reception of the Re-Sintos performance operate from some approximate characteristics from Gilles Deleuze and Félix Guattarri's rhizome. The features presented in Re-Sintos portray a conduction way of the work, which shows the presence of an investigative character that has the multiplicity as its effect. This multiplicity comprehends the connections, ruptures and contaminations consentied by the questioning way of look of the producers in a dynamic process of the creation's territorialization, deterritorialization and reterritorialization. About the aesthetic reception, it is observed that each spectator articulates its prior knowledge, the plural and paradoxical feelings in lines of segmentarity and lines of deterritoriamization. As the perception produces constantly connections and consecutive developments, when it creates new connections and demand without ceasing other agency the links between the creative motivations and the aesthetic receptions are rhizomatous and do not allow the spectator the full identification of the sources or origins.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas, 2017. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2017-08-01T13:25:14Z No. of bitstreams: 1 2017_EdilsonOliveiradeCarvalho.pdf: 10693793 bytes, checksum: 2165783cd2c0ce12b49034f9ca951870 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2017-08-25T18:41:03Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_EdilsonOliveiradeCarvalho.pdf: 10693793 bytes, checksum: 2165783cd2c0ce12b49034f9ca951870 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-08-25T18:41:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_EdilsonOliveiradeCarvalho.pdf: 10693793 bytes, checksum: 2165783cd2c0ce12b49034f9ca951870 (MD5) / O funâmbulo – um trajeto percorrido entre texto literário e dança apresenta-se como pesquisa de cunho teórico e prático que se debruça sobre as relações dialógicas entre texto literário e dança, abordando aspectos históricos e artísticos dessas relações e propondo experimentá-las em investigação coreográfica em sala de ensaio/trabalho. Em sua via teórica, esta dissertação aborda, em seu primeiro capítulo, algumas das configurações pelas quais se deu o dialogismo entre a literatura e a dança, a partir de estudo sobre os libretistas dos espetáculos de balé na Europa, sobretudo nos séculos XVIII, XIX e XX , e sobre a presença do escritor em cena no contexto atual dos espetáculos de dança contemporânea. Este texto apoia-se na reflexão teórica elaborada por diversos pesquisadores sobre a relação desenvolvida entre as duas linguagens, entre eles o filósofo francês Michel Bernard (2001) e a pesquisadora francesa Lucille Toth (2015), proponentes das duas teorias aqui tratadas, quais sejam, a das abordagens coreográficas e a das mises en voix, respectivamente, que colaboram com minha reflexão sobre a investigação prática nos dois últimos capítulos. Também se discorre, no segundo capítulo, por meio da apresentação de sua biografia e estudo de sua estilística, sobre o escritor francês Jean Genet (1910-1986), autor do poema Le funambule (1958), que, por ser o suporte poético e literário central da pesquisa prática ao ser tomado como o texto a partir do qual ela se desenvolveu, é abordado em vias de apresentação de sua gênese, análise de seus estratos constitutivos e de sua tradução, por mim realizada, da língua francesa para o português. No terceiro e no quarto capítulos esta dissertação dedica-se a discorrer sobre o processo prático de investigação coreográfica, que ocorreu paralelamente à pesquisa teórica, nela apoiando-se, e que intentou desenvolver um trajeto de questionamento e experimentação das possibilidades coreográficas surgidas a partir de um texto literário, num corpo a corpo entre texto e bailarino-intérprete/coreógrafo/pesquisador, onde o texto literário esteve, por desejo do pesquisador, deliberadamente presente nas suas mais diversas possibilidades. / Le funambule – un parcours entre texte littéraire et danse se présente comme une recherche de caractère théorique et pratique qui se penche sur les relations dialogiques entre texte littéraire et danse, en abordant les aspects historiques et artistiques de ces relations et en proposant de les expérimenter dans une recherche chorégraphique en salle de travail. Dans son volet théorique, ce mémoire aborde, dans le premier chapitre, quelques-unes des configurations dans lesquelles s’est développé le dialogisme entre la littérature et la danse, à partir d’une étude consacrée aux librettistes des spectacles de ballet en Europe, en particulier aux XVIIIe, XIXe et XXe siècles, et à la présence de l’écrivain sur la scène, dans le contexte actuel des spectacles de danse contemporaine. Ce texte s’appuie sur la réflexion théorique menée par différents chercheurs sur la relation entre les deux langages, parmi lesquels le philosophe français Michel Bernard (2001) et la chercheuse française Lucille Toth (2015), qui ont proposé les deux théories traitées ici, celle des approches chorégraphiques et celle des mises en voix*, respectivement, qui collaborent toutes deux à ma réflexion sur la recherche pratique dans les deux derniers chapitres. Il est aussi traité, dans le deuxième chapitre, à travers la présentation de sa biographie et l’étude de son style, de l’écrivain français Jean Genet (1910-1986) et de son poème Le Funambule (1958) qui, en tant que support poétique et littéraire central de la recherche pratique, à considérer comme le texte à partir duquel celle-ci s’est développée, est abordé à travers la présentation de sa genèse, l’analyse de ses strates constitutives et sa traduction, que j’ai réalisée, du français au portugais. Dans les troisième et quatrième chapitres, ce mémoire se consacre au processus pratique de recherche chorégraphique, qui s’est déroulé parallèlement à la recherche théorique, sur laquelle il s’est appuyé, et qui a essayé de développer un parcours d’interrogation et d’expérimentation des possibilités chorégraphiques offertes par un texte littéraire, dans un corps-à-corps entre texte et danseur-interprète/chorégraphe/chercheur où le texte, par la volonté du chercheur, a été rendu délibérément présent dans ses plus diverses potentialités.