La présente recherche a le double but d'identifier les représentations de la santé d'étudiants en formation au baccalauréat en danse contemporaine de l'Université du Québec à Montréal, ainsi que leurs rapports au corps, en lien avec leurs pratiques de danse. Ces deux objectifs ont été poursuivis lors de deux études complémentaires nourries de trois collectes de données réalisées sur trois ans, avec l'appui de l'approche sociologique proposée par Bourdieu. La première étude vise à faire un constat au niveau des représentations de la santé des participants avant et après leur formation universitaire, et à observer si le processus de socialisation vécu lors de leur formation a orienté ou transformé ces représentations. Pour ce faire, des entrevues semi-structurées ont été réalisées auprès de quinze participants nouvellement admis au programme, avant leur entrée, de même qu'avec cinq de ceux-ci, à la fin de leur troisième année de baccalauréat. Les données ont été analysées de façon inductive, en s'inspirant des principes de Paillé (1996), qui propose une adaptation de la théorisation ancrée. Les résultats de cette étude démontrent que les participants adhèrent aux discours dominants sur la santé en nommant les habitudes de vie comme première représentation de la santé. À la fin de leur formation, la présente étude révèle que les étudiants préprofessionnels ont tendance à adopter des représentations de la santé se rapprochant de celles des danseurs professionnels contemporains de l'étude de Trudelle (2006), qui nomment la fonctionnalité comme principale représentation de la santé, c'est-à-dire le fait d'être fonctionnel dans leur métier. Pour les besoins de la deuxième étude, une recherche-action comportant à la fois une pratique d'éducation somatique et des présentations théoriques, a été menée auprès de vingt-quatre étudiants en deuxième année du baccalauréat de danse contemporaine, afin de connaître leurs types de rapports au corps, mais aussi de les confronter à d'autres possibilités de choix et de comportement pouvant potentiellement ébranler ou réaffirmer leur adhésion à l'habitus de danse. L'analyse montre que les étudiants préprofessionnels en danse contemporaine expriment différents types de rapports au corps, soit les rapports au corps critique, fonctionnel, performant, productif, réflexif et hédoniste. Si les quatre premiers réfèrent à une vision du corps instrumentalisée, les deux derniers se rapportent plutôt à un usage du corps comme une fin en soi. Les particularités au niveau des représentations de la santé, de même que les rapports au corps des participants à la recherche, suggèrent certaines logiques sociales en œuvre dans le milieu de la danse contemporaine préprofessionnelle. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : représentations de la santé, rapport au corps, danse contemporaine, habitus

La présente recherche-création tend à mettre en évidence les raisons pour lesquelles il est difficile, dans un contexte de danse in situ, de produire, développer, créer, inventer un dispositif différent de celui que nous connaissons dans les théâtres, c'est-à-dire un dispositif qui ne soit plus construit à partir de la frontalité et des codes esthétiques qui en découlent. Cette intention de remodeler l'espace du théâtre a pour but d'établir une relation entre l'espace de réception et l'espace de représentation qui sorte le public et les danseurs de leurs modèles respectifs. En ayant supposé automatique et systématique cette rencontre, sont survenus lors d'expériences antérieures - et en particulier au cours de la performance Maison à habiter (Paris, octobre 2006) - de nombreux obstacles qui ont constitué la base de ma démarche dans cette recherche-création. Quelles sont les attentes des danseurs et du public vis-à-vis du spectacle de danse contemporaine? Du point de vue du public, que symbolise l'entrée dans un théâtre? Du point de vue des danseurs, que symbolise sur une scène l'acte dansé? Je ne pouvais entamer un nouveau processus de création sans me poser d'abord certaines questions fondamentales liées à la manière dont nous créons et regardons de la danse contemporaine, tout comme la manière dont nous envisageons notre rapport à l'art et à l'art contemporain. Ainsi, il m'a semblé indispensable de mieux cerner la manière dont se sont construits l'espace de réception et l'espace de représentation au cours des siècles, du moins d'en identifier certains de leurs bouleversements esthétiques et éthiques. En me basant à mon tour sur un certain nombre de codes liés à la représentation, j'ai pu envisager l'élaboration de Danse à tous les étages. À la manière de Michel de Certeau qui trouve dans le quotidien des stratagèmes pour le détourner, je trouve à travers ce que me donnent Merce Cunningham, la danse postmoderne, la danse-théâtre et les danses performatives, le moyen de détourner, et non pas de nier, certains aspects de la création chorégraphique contemporaine. Et ce, au travers d'un dispositif (la fenêtre) qui ôte à la forme frontale du théâtre la dominance de plusieurs de ses principes parmi lesquels : l'illusion, l'artifice, la fiction, jusqu'à remettre en question la posture même du spectateur et, du même coup, celle du danseur. Lors du processus analysé sous la forme de quatre études chorégraphiques in situ, s'est justement construite autrement la relation entre danseuses et public. Basé sur les difficultés précédemment rencontrées lors de Maison à habiter, chaque dispositif d'étude a été pensé à partir des différents appartements investis. En effet, c'est avant tout en fonction du site et à partir d'une façon très spécifique d'envisager la création chorégraphique in situ que j'ai élaboré les quatre études chorégraphiques en vue de créer la performance Danse à tous les étages. À différents moments du processus sont apparus de façon inopinée trois concepts fondamentaux : le seuil, l'hétérotopie et l'indécidable. Cet appareillage conceptuel de Danse à tous les étages, a constitué l'essence du dispositif me permettant de concevoir une relation d'interaction entre les danseuses et le public. Une relation qui, au terme du processus et de l'analyse que j'en ai fait, est apparue égalitaire, sous la forme d'un équilibre partagé, et s'est présentée comme une rencontre réelle et non fictive entre individus. ______________________________________________________________________________

Cette étude a pour but de dévoiler le sens de l'expérience de l'état d'authenticité vécue par l'interprète en danse contemporaine au moment où il danse. En plaçant l'interprète au centre de nos préoccupations, nous avons voulu, d'une part, comprendre le sens et l'importance de cet état de conscience spécifique dans la pratique de l'interprétation et, d'autres parts, valoriser le travail de l'interprète en décrivant son vécu intime. Pour rendre compte de cette expérience, les interprètes Lucie Boissinot, Jo Lechay et Sophie Corriveau, cochercheuses de l'étude, ont été mises à contribution. Nous avons analysé leurs descriptions de cet état en respectant les principes de la méthode de recherche phénoménologique formulée par Giorgi (1985). Fidèle aux concepts philosophiques d'Husserl (1859-1938), que sont notamment la réduction phénoménologique, l'intentionnalité et l'intersubjectivité, cette méthode permet de partir d'une expérience, en l'occurrence l'état d'authenticité, livrée à travers des données descriptives, pour remonter vers l'élucidation du sens de celle-ci. C'est au terme de l'analyse phénoménologique que nous avons pu élaborer une structure générale de l'expérience de l'état d'authenticité. Cette structure est apparue, pour les interprètes cochercheuses, selon les quatre énoncés suivants: elles ont fait l'expérience d'une communion, d'une omniprésence, d'une maîtrise et de se dédier au monde extérieur, à elles-mêmes et à la danse. Par la discussion, nous faisons le rapprochement entre les sujets couverts par le cadre théorique ainsi que la recension des écrits (que sont l'interprétation en danse contemporaine, l'authenticité et la phénoménologie en danse) et le sens de l'expérience de l'état d'authenticité que nous révèle l'analyse phénoménologique. Ces rapprochements sont abordés en fonction des énoncés de sens décrits dans la structure générale. Le premier explicite la forte connexion ressentie par les cochercheuses lors de l'expérience: il y a présence de dialogue, d'intime relation avec elles-même, l'autre et la danse, de prise de risques et de perturbations au niveau de la perception du temps. Le second énoncé révèle une transformation d'un savoir-faire vers un savoir-être, un investissement physique, une occasion de dépouillement. Dans l'état d'authenticité, à travers le fait de se dédier, les interprètes cochercheuses s'épanouissent et vivent un moment de félicité. Le troisième énoncé décrit comment l'omniprésence ressentie face aux autres et face à la danse façonne l'expérience de l'état d'authenticité. Les cochercheuses vivent en totale présence aux autres tout en étant à la fois centrées sur elles-mêmes. Leur état de conscience est autre que celui de tous les jours. Finalement, le quatrième énoncé commente le sentiment de maîtrise qu'elles ont vécu. En somme, l'état d'authenticité se révèle être une expérience équilibrante pour l'interprète en danse contemporaine. C'est un état de justesse et de flot dans lequel le sens de soi est exacerbé. Par l'état d'authenticité, l'interprète assume son rôle de médium, de passeur, en agissant du même coup de sa propre autorité. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Authenticité, Danse contemporaine, État modifié de conscience, Interprétation, Interprète, Phénoménologie.

La présente recherche est une étude ethnographique d'une danse de rue hip-hop appelée «breaking» (communément appelée «breakdance») à Montréal dans ses divers contextes et occurrences. En particulier, elle vise à déterminer les changements esthétiques et socio-culturels qui se manifestent lorsque le contexte social ou vernaculaire du «breaking» est reconfiguré en oeuvre de danse contemporaine. Un examen historique de la forme de danse encadre l'exploration du «breaking» dans quatre contextes précis: le «freestyle cypher,» le «battle» organisé, la mise en vedette «freestyle» et le spectacle de danse contemporaine. Le transfert ou le glissement de contexte de la danse se décline en plusieurs niveaux: les participants (qui), l'esthétique et la forme (quoi), le lieu (où), la relation au temps (quand) et la raison d'être (pourquoi). Ces cinq catégories d'examen sont empruntées de la Theory and Methods for an Anthropological Study of Dance de l'anthropologue de danse américaine Joann Kealiinohomoku. La compréhension du transfert de la danse en divers contextes est inspirée par des modèles théoriques d'études en danses folkloriques. Le «freestyle cypher» reflète le contexte original participatif de la danse folklorique, souvent désignée comme première manifestation de danse. Les contextes subséquents suivent approximativement les trois principes de théâtralisation adaptés par le folkloriste canadien Andrij Nahachewsky lui-même inspiré du folkloriste ukrainien Kim Vasylenko. Selon ces principes, différents niveaux ou approches d'adaptation de la danse folklorique au théâtre sont appliqués à la danse d'origine. Le dernier principe rejoint l'approche de chorégraphes en danse contemporaine qui fusionnent le vocabulaire et l'esthétique du «breakdance» avec ceux de la danse contemporaine et du ballet. Ce processus est démontré dans une recherche sur le travail de deux compagnies de danse montréalaises, Rubberbandance Group sous la direction de Victor Quijada et Solid State Breakdance Collective sous la direction d'un groupe de chorégraphes-interprètes féminines. Les ramifications socio-culturelles d'un tel transfert sont complexes, surtout dans le milieu des arts de la scène. Le glissement, notamment d'un art populaire ou d'une danse vernaculaire, au «High Art» sous-tend une reconnaissance et un soutien institutionnels. Les divisions de la reconnaissance et le soutien se font souvent selon les ethnies. Néanmoins, les formes de danse non-occidentales réussissent, depuis quelques années, à infiltrer la danse contemporaine. Le «breaking», bien qu'elle soit une forme de danse née en Occident, illustre cela. Elle a été créée par de jeunes noirs et hispanophones du Bronx, un quartier défavorisé de New York, avant d'être largement assimilée par de jeunes Canadiens d'origines ethniques semblables, aussi issus de milieux défavorisés. Le travail de Rubberbandance Groupe et celui de Solid State Breakdance Collective questionnent les hiérarchies et se jouent des catégories. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Breaking (b-boying/b-girling), Danse vernaculaire Africaine Américaine, Danse contemporaine, Danse de représentation, Danse de participation, Appropriation, Hip hop.

La présente étude explore les constructions de la santé d'interprètes professionnels en danse contemporaine et tente de mieux comprendre comment la pratique professionnelle de la danse contemporaine participe de ces constructions. Cette étude qualitative, de type ethnographique, s'appuie sur les témoignages de quinze danseurs professionnels contemporains de la région de Montréal, recueillis lors d'entrevues individuelles semi-dirigées entre l'été 2004 et le printemps 2005. L'analyse a été réalisée conformément à la méthode de théorisation ancrée. Les propos des danseurs rencontrés pour l'étude témoignent de l'importance d'être en santé et fonctionnel afin d'être disponible à la danse, en dépit de l'omniprésence de la blessure et de l'inconfort dans leur vie, et témoignent de la responsabilité individuelle de la santé que portent les interprètes par une attention soutenue à leurs habitudes de vie, qu'elles soient générales (nourriture, repos) ou spécifiques à la danse (entraînement, soins du corps). Toutefois, leurs commentaires révèlent également que l'importance qu'ils accordent à la santé est sans cesse négociée en relation à trois aspects de la pratique professionnelle de la danse contemporaine, trois contextes imposant eux-mêmes leurs propres impératifs: le contexte esthétique, le contexte relationnel et le contexte de travail. Les danseurs doivent donc composer quotidiennement avec des exigences multiples et concilier les demandes d'un corps en santé à celles d'un corps poétique, sans l'existence d'un filet de sûreté adéquat en termes de conditions de travail, et ce, à l'intérieur de relations étroites entre les différents acteurs du milieu, desquelles fait partie l'enjeu du pouvoir. Une telle problématisation de la relation entre santé et danse n'est pas indépendante des questions de genre et d'âge. Une quatrième dimension de la pratique s'est également imposée sans toutefois représenter un contexte à proprement parler, celle de l'amour, voire de la passion du métier. Nos résultats nous permettent d'affirmer que la pratique de la danse contemporaine participe des constructions de la santé des interprètes qui elles-mêmes, participent des pratiques artistiques du milieu. L'étude a permis de mettre en lumière que les impératifs contradictoires que vivent les interprètes rendent complexe et problématique l'association de la santé et de la danse telle que ceux-ci l'expérimentent au quotidien, alors que privilégier la santé (par exemple) peut être perçu comme une transgression des critères du milieu contemporain en danse mais comme un signe de conformité au discours dominant de la santé. En présentant un vaste portrait de la question de la santé dans le milieu de la danse contemporaine, l'étude met en relief plusieurs aspects de la problématique de la santé en danse et ouvre ainsi la voie à plusieurs possibilités de travaux futurs reliés à la question du genre, de la douleur, de l'identité ou encore du processus de syndicalisation au sein du milieu artistique de la danse contemporaine qui met en relation le «travail» de la danse et la «passion» de la danse.

L'objet d'étude de ce mémoire est le « geste esthétique », c'est-à-dire la valeur de l'acte gestuel dans le domaine des arts. L'idée du « geste anthropologique » est le point de départ pour comprendre son caractère utilitaire, social et dialogique. Sa faculté d'être, à travers le « mimage », un moyen de connaissance par l'appréhension du réel a permis à l'homme de créer au fil de son existence des outils et des techniques efficaces. Le geste est donc un moyen qui a facilité le développement de nos connaissances en matérialisant l'évolution du savoir-faire humain. Cependant, en plus de cette fonction utilitaire, il possède également une valeur affective qui manifeste l'expression de l'être humain. L'homme se communique avec ses semblables en s'exprimant par le langage autant que par son corps, à travers le geste. L'interaction par le dialogue, qui se compose aussi bien de la parole que de l'engagement corporel, nous transforme en une espèce sociale et nous différencie des animaux. Je définis le « geste esthétique » comme un acte possédant une valeur expressive auquel s'incorpore une dimension créative. Dans ce sens, le geste n'est plus seulement un accomplissement communicatif envers quelqu'un d'autre ou bien un acte utilitaire pour produire quelque chose, mais un « vouloir faire » innovateur, une intervention artistique qui nous met en représentation et établie un dialogue avec le spectateur. Le « geste esthétique » peut fonctionner de plusieurs manières dans le contexte de la production de l'oeuvre d'art. Je distingue trois modes d'engagement gestuel: 1) la représentation libre et spontanée qui n'est pas définie a priori par un sujet; 2) la représentation mimétique du geste qui est résolument construite a posteriori par une idée; 3) et un troisième processus qui se situe dans une synthèse de « l'entre-deux ». Afin d'exemplifier ces trois modes expressifs, je reprends diverses manifestations artistiques qui exposent le fonctionnement de la gestuelle esthétique. En premier lieu, je reprends l'idée de la libération expressive du geste à travers l'automatisme pictural dans la peinture moderne de Jackson Pollock, passant par le style performatif de l'automatiste québécois Marcel Barbeau pour arriver à l'interprétation dansée du geste pictural d'Henri Michaux par la chorégraphe Marie Chouinard. Ensuite, je travaille sur la question de la fonction mimétique de la gestuelle chez le mime. D'abord je précise le concept de la « mimésis » chez Platon et Aristote et postérieurement je l'applique aux conditions des deux figures principales du mime contemporain: Marcel Marceau et Étienne Decroux. Finalement, j'analyse le cas de la danse contemporaine à partir de la mise en scène « Luna » de la chorégraphe Ginette Laurin, comme une synthèse de l' « entre-deux » gestuel, car la danse se situe entre le geste « aisthétique » qui explore les capacités kinesthésiques du corps et la théâtralisation du geste dansé. Julia Kristeva a signalé la domination du discours verbal qui exclut la portée expressive du geste, ce mémoire tente précisément de constater l'importance du système sémantique gestuel à partir d'une étude interdisciplinaire sur l'art. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Geste, Esthétique, Expression corporelle, Automatisme et mimésis.

Ce mémoire s'intéresse au lien qui existe entre la danse et la spiritualité. Son but est de faire la lumière sur le rôle que la danse peut jouer dans une quête spirituelle. Pour illustrer ce propos, je me suis intéressée à deux formes de danse que je pratique et qui tirent leurs origines du Brésil : la danse des orixas, qui appartient au rituel afro-brésilien du candomblé, et à la technique Silvestre, qui emprunte au candomblé certains symboles gestuels. Cette recherche est de type qualitatif; elle entre dans la catégorie ethnographique parce qu'elle tente d'interpréter, de décrire et de comprendre une expérience, un phénomène. Témoignages, notes de terrain, observations sont les outils de cueillette de données que j'ai utilisés. Cette réflexion tente d'éclairer, entre autres, les questionnements suivants : pourquoi utilise-t-on la danse pour accomplir une quête spirituelle? Est-ce que le dépassement des limites physiques procurerait un dépassement des limites psychiques de la personne, et vice-versa? Pourquoi l'homme occidental moderne éprouve-t-il une attirance pour un ailleurs traditionnel? Ce travail met en perspective les deux types de sociétés auxquelles il s'intéresse. Il questionne certaines valeurs véhiculées par l'une ou l'autre de ces deux sociétés. Au terme de ce parcours ressort un paradoxe propre à l'homme occidental moderne : son goût pour l'ailleurs, son envie de se projeter vers l'extérieur serait intimement lié au besoin de mieux se connaître et de se connecter avec ce qu'il y a de plus profond en lui-même. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Danse des orixas, Technique Silvestre, Transe, Possession, Spiritualité.

Cette recherche a pour but de comprendre comment certains danseurs-créateurs peuvent se distinguer par rapport aux pratiques dominantes de la danse contemporaine. Pour en rendre compte, j'analyse la pratique artistique de trois danseurs-créateurs: Andrew de Lotbinière Harwood, Lin Snelling et Pamela Newell. J'ai observé leurs processus de création et leurs spectacles au cours de l'automne-hiver 2006-2007 à Montréal. Les cinq créations analysées dans cette étude se nourrissent de la performance, de l'interdisciplinarité, de la collaboration, et surtout de l'improvisation en danse. Cette thèse présente un examen de pratiques soutenu par un certain nombre de livres et d'articles dans le domaine des arts, du théâtre et de la danse. Toutefois, les sociologies du corps et plus spécifiquement l'appareillage conceptuel de Pierre Bourdieu m'offrent des voies afin de scruter sous cet angle les pratiques des trois danseurs-créateurs, angle qui vient enrichir mon expérience et ma formation en art en tant qu'artiste et enseignante. Afin d'atteindre mon objectif de recherche. je m'inspire d'une approche ethnographique comme méthodologie, et de l'étude de cas comme démarche. Les données ont été essentiellement collectées à travers des observations, des entretiens, des enregistrements vidéo et divers documents tels des programmes de spectacle, des coupures de presse, ainsi que des articles et des ouvrages spécialisés en danse contemporaine. Pour l'analyse et l'interprétation des données, je m'inspire des principes de Paillé (1994), qui propose une théorisation ancrée construite, entre autres, par le biais de la comparaison entre la théorisation en construction et la réalité empirique. Une analyse thématique et son interprétation ont été accomplies en gardant un contact permanent entre les données brutes et le cadre théorique. Dans les pratiques des trois danseurs-créateurs analysées, l'improvisation sur scène proche des techniques somatiques a une importance fondamentale et résulte de certains aspects récurrents telles que la réduction de la valorisation des mouvements virtuoses et la recherche d'un rôle plus actif pour le spectateur. En outre, les aspects de collaboration rencontrés dans des créations offrent une alternative face au binôme chorégraphe-interprète, valorisant de cette façon le danseur en tant que créateur, capital symbolique primordial dans le champ de la danse. L'interdisciplinarité offre également des voies de création pour un renouvellement de la notion de chorégraphie, non seulement comme art de composition du mouvement, mais aussi comme art qui intègre d'autres éléments et langages. Ces caractéristiques suggèrent l'évolution, le dynamisme et les modifications en ce qui concerne l'habitus du danseur au sein de la danse contemporaine. Face aux pratiques dominantes qui privilégient un rapport instrumental du corps, les pratiques analysées des trois études de cas proposent des échanges, perceptions et gestions des créations renouvelées ainsi que de nouvelles sociabilités en danse contemporaine qui résultent en un rapport au corps plus réceptif, interactif et participatif. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Danse contemporaine, Pratiques dominantes en danse, Processus de création, Danseur-créateur, Improvisation, Champ, Capital, Habitus.

Autour de 1900 en Allemagne, l' « arythmie » des individus est présentée par un certain nombre d'auteurs comme le<br />symptôme d'une civilisation malade, qu'il faut à tout prix sauver du déclin. La disparition du rythme, constatée dans un grand nombre de disciplines, semble par ailleurs accuser le triomphe d'une vision matérialiste et « microscopique » du monde, qui rend l'homme aveugle aux miracles du vivant, tandis que dans les écoles et dans les universités s'impose un modèle de formation utilitariste, qui privilégie les savoirs techniques au détriment de l'intuition, de l'esprit de synthèse et de la créativité. Parallèlement à ce diagnostic, le même concept de rythme, que l'on suppose avoir joué, à l'origine, un grand rôle dans la socialisation de l'être humain et dans le développement de la culture, se retrouve au centre de<br />projets utopiques fondés sur la gymnastique et la danse, qui visent à retransformer un corps social « mécanisé » et<br />« disloqué » en une communauté saine et fraternelle. Par-delà les conflits de terminologie et de méthode qui opposent les différents représentants du « mouvement du rythme », cette étude tente d'éclairer les motivations individuelles et collectives de ce discours, de faire ressortir les mécanismes psychosociaux qui le traversent, ainsi que les causes de son succès, tout en le replaçant dans le contexte historique, social et culturel qui lui a donné naissance.

Cette recherche a pour but premier de mieux comprendre la participation des danseurs à la mise en oeuvre chorégraphique comme un facteur de construction des corps dansants. Pour rendre compte de cela, j'ai proposé une étude de l'oeuvre de deux chorégraphes contemporaines brésiliennes, Lia Rodrigues et Sheila Ribeiro. Cette recherche a également pour but d'identifier des manifestations de brésilités présentes dans les deux oeuvres chorégraphiques analysées, Aquilo de que somos feitos, de Lia Rodrigues et Marché aux puces: nous sommes usagés et pas chers, de Sheila Ribeiro et ce, tout en se demandant si ces manifestations de brésilités imprègnent aussi les corps dansants. Cette étude s'inscrit dans un paradigme postpositiviste et adopte une approche ethnographique comme méthodologie de recherche utilisant l'observation et l'entrevue comme instruments de cueillette de données. Le travail sur le terrain a pris la forme de deux études indépendantes, afin de favoriser l'immersion dans le travail de chaque compagnie. L'analyse et l'interprétation des données ont été réalisées à travers l'identification d'unités d'analyse et leur rassemblement dans des catégories d'analyse, en gardant un contact permanent avec les données brutes et le cadre théorique développé lors de la revue de littérature. La participation active des danseurs aux processus de mise en oeuvre chorégraphique est l'un des principaux aspects de la construction de corps dansants dans le contexte de Aquilo de que somos feitos et de Marché aux puces: nous sommes usagés et pas chers. Celle-ci demande aux danseurs de se détacher de leurs habitudes techniques, interprétatives et créatives pour pouvoir répondre aux sollicitations des chorégraphes, de même que pour proposer du matériau et des procédés pour la création et la recréation chorégraphique. Ainsi, la collaboration à la mise en oeuvre chorégraphique permet-elle aux danseurs de réinventer leurs corps en vue d'un projet chorégraphique, mais aussi en vue d'un projet de vie. Au-delà de certains éléments de la culture brésilienne qui peuvent être plus clairement discernés dans la mise en oeuvre de chaque pièce, je considère que ces deux chorégraphies présentent des aspects faisant référence à des représentations de brésilités liées à l'anthropophagie. L'anthropophagie, mouvement artistique développé au Brésil à partir des années 1920, se réactualise ponctuellement dans la démarche de certains artistes contemporains brésiliens. Ainsi, la métaphore anthropophagique condense-t-elle des manifestations de brésilités présentes dans Aquilo de que somos feitos et Marché aux puces: nous sommes usagés et pas chers. De même, le corps anthropophage devient une figure féconde pour comprendre la construction de corps dansants dans les démarches de Lia Rodrigues et de Sheila Ribeiro, tout en considérant que dans leurs créations se manifestent certains traits des brésilités. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Mise en œuvre chorégraphique, Construction du corps dansant, Danseurs contemporains, Danse contemporaine, Chorégraphes brésiliens, Brésilités.