Esta pesquisa desenvolve uma análise crítica a partir de uma noção histórico-teórica do processo de construção da relação das pessoas com a mídia na contemporaneidade e está dividida em três momentos: o Observador no século 19; o Espectador no século 20; e o Usuário no século 21. Assume que estes constituem três sujeitos comunicacionais, possuem trajetórias interligadas e podem ser vistos como um sujeito múltiplo. O trabalho parte dos seguintes pressupostos: a transformação do comportamento dos sujeitos; o acúmulo de percepções e conhecimentos; e as mudanças nos modos de ver e nas maneiras de se relacionar que se dão a partir de uma construção sociocultural, política e econômica. Busca compreender a existência de um Observador/Espectador/Usuário e as mediações tecnológicas que lhe servem como contexto. Vê o Usuário: a partir do Flanêur de Benjamin - como uma referência comunicacional ao sujeito/objeto na formação do seu olhar; como reconfiguração do sujeito/receptor na história e de sua relação com a mídia e com a sociedade; como a dimensão tecnológica permeia a diferenciação dos sujeitos comunicacionais e o contexto social no qual estão inseridos, privilegiando a tecnologia e em seu lugar político e social, e de como o comportamento deste sujeito pode ser atribuído a esses lugares. Trabalha a Percepção na medida em que se aproxima do Usuário/Flanêur numa conjugação em que os dois se distinguem mesmo que em tempos e circunstâncias diversas na experiência comunicacional. / This research develops a critical analysis from a historical-theoretical perception of the construction process of people relation with the Media in the contemporary world and it is divided in three moments: the Observer in the 19th century; the Spectator in the 20th century and the User in the 21st century. It accepts that these three communication subjects share connected paths and can also be seen as a multiple subject. This work is based in the following assumptions: the transition in the subjects behaviour; the accumulation of perception and knowledge; and the changes in the ways of seeing and in the ways the relationships happened from a sociocultural, political and economic structure point of view. The research aims to understand the existence of an Observer/Spectator/User and the technological mediations that are used as a background. It sees the User from: Benjamin\'s Flanêur point of view - as a communicational reference for the development of the subject/object in the construction of the way he sees; as a reconfiguration of the subject/recipient in history and its relation with the Medias and with the society; how the technological dimension pervades the variation between the communication subjects and in the social context in which they are located, with a particular emphasis in technology, and in his political and social place and of how this subjects\' behaviour is ascribed to these places. This research also explores the Perception to the extent that it approaches the User/Flanêur in a combination in which the two of them distinguish from each other in the communication experience even in different times and circumstances.

Esta pesquisa investiga o elemento sonoro-musical como criador de experiências estéticas, sensoriais, mnemônicas e afetivas dentro do pensamento e prática do diretor, pesquisador e professor polonês Jerzy Grotowski, no âmbito da evolução de sua obra no domínio das artes performativas. Este estudo, que parte da observação historiográfica, comparativa e crítica do fenômeno sonoro-musical na obra do artista, visa realizar um mapeamento das diferentes fases artísticas do diretor, que compreendem uma curva de 42 anos, indo do período da Arte como Apresentação ao da Arte como Veículo, e das diferentes conotações que este elemento teve em sua trajetória de criação e pesquisa. O trabalho também observa as diferentes apropriações do elemento sonoro-musical pelos últimos colaboradores do diretor, concentrando maior atenção às atividades atuais desenvolvidas nesse território por Thomas Richards e Mario Biagini, diretores do Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards. Esta fase é investigada em relação ao desenvolvimento da importância dada às questões sonológicas dentro deste centro internacional de pesquisa e criação, que tem no trabalho criativo sobre os cantos de tradição afro-diaspóricos do continente americano o seu ferramental básico, explorando-se suas propriedades geradoras de comportamento orgânico em performance. A pesquisa é realizada através de estudos de textos escritos à cerca do tema pelo próprio diretor, seus diversos parceiros e estudiosos da sua obra, além de realizar pontes com a produção musical experimental contemporânea. Também conta com a análise de espetáculos, tanto em suporte audiovisual, quanto a partir do meu contato direto com a produção atual. Nesse último aspecto a pesquisa também está relacionada à noção de autoetnografia, sendo orientada por reflexões sobre a minha experiência na condição de performer na equipe do Open Program, um dos grupos de trabalho que integram o Workcenter, entre os anos de 2013 e 2015. Além disso, esta noção autoetnográfica se dá com a recriação do meu ponto de escuta sobre a obra de Grotowski. Com esse referencial a pesquisa busca compreender como se dá a construção do encontro experiencial entre o atorsonante e o espectador-ouvinte, partindo da criação de uma presença organizada, transmitida e percebida através do fenômeno sonoro (cantos, instrumentos e outros recursos), suas estruturações (vibratórias, melódicas, harmônicas, rítmicas e timbrísticas) e suas manifestações e nuances na corrente das artes performativas, conforme a visão grotowskiana: entre o polo da arte como veículo e o da arte como apresentação. / This research investigates the sound-musical element as creator of aesthetic, sensory, mnemonic and affective experiences within the thinking and practice of the Polish director, researcher and teacher Jerzy Grotowski, in the context of the evolution of his work in the field of performing arts. This study, that part of the historiographical, comparative and critical observation of the sound-musical phenomenon in the artist\'s work, is to carry out a mapping of different artistic phases of the director, comprising a curve of 42 years, ranging from the period of the Art as Presentation to the Art as Vehicle, and the different connotations that this element was in its path of creation and research. The work also notes the different allocations of sound-musical element by the last collaborators of the director, focusing greater attention to current activities in this area by Thomas Richards and Mario Biagini, directors of the Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards. This phase is investigated in relation to the development of the importance given to sonological issues within this international center for research and creation, which is the creative work on african-diasporic tradition songs of the American continent their basic tools by exploiting its generating properties of organic behavior in performance. The survey is conducted through studies of texts written about the theme by the director himself, his various partners and scholars of his work, and making bridges with contemporary experimental music production. It also includes the analysis of performances, both in audio-visual support, as from my direct contact with the current production. In this last aspect the research is also related to the notion of autoethnography, being guided by reflections on my experience in the performer condition in the Open Program team, one of the work groups within the Workcenter, between the years 2013 and 2015. In addition, this autoethnographic notion is given with the recreation of my listener point on the work of Grotowski. With this framework the research seeks to understand how is the construction of experiential encounter between the doer-sounder and the spectator-listener, based on the creation of an organized presence, transmitted and perceived through the acoustic phenomenon (songs, instruments and other resources), their structuring (vibrating, melodic, harmonic, rhythmic and timbristic) and its manifestations and nuances in the chain of performing arts, as grotowskian view: between the pole of art as a vehicle and of art as presentation.

Made available in DSpace on 2017-07-21T20:49:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Paula Starke.pdf: 2641358 bytes, checksum: 8d47b720736301870c5efbcde07e1077 (MD5) Previous issue date: 2017-03-31 / Taking into consideration the theme of Identity and its importance to the current investigation matters of this Master’s program, this research aims to investigate Identity and its relation with cultural practices, specifying it to one of them: Cinema. Based on theorists like Hall, Bauman and Dubar among others, the extent and the relevance of the process of identification will be discussed as well as its influence on the viewer experience. The filmography of director Alfred Hitchcock is in fact the key part for problematizing and considering the relation between Identity and Cinema, since Hitchcock had a unique narrative style and a specific mise-en-scène. The definitions of Identity, the importance of the act of identifying to film for cinema appreciation and other matters will be debated. The selected movies for the study are Rope (1948) and North by Northwest (1959), pictures that bring a variety of identification possibilities, including the possibilities of feeling innocent or guilty. Using theorists like Baecque, Martin, Xavier, Mauerhofer, Munsterberg, Metz and Lacan – about psychology and psychoanalysis – the diverse experiences of the audience will be clarified, as well as an analysis of the viewers’ positions, of the relation between reality and representation, besides the problematization of Cinema experimentation itself. / Levando em consideração as linhas de pesquisa do Programa de Pós-Graduação em Linguagem, Identidade e Subjetividade da Universidade Estadual de Ponta Grossa, no qual este trabalho foi idealizado, busca-se aqui tratar do tema da Identidade e de sua relação com as práticas culturais, estreitando a pesquisa a uma delas: a do Cinema. Com base em teóricos como Hall, Bauman, Dubar, dentre outros, a amplitude e a relevância do processo de identificação serão discutidas, assim como sua influência na experiência do espectador. A inspiração inicial para a problematização e reflexão sobre a relação entre cinema e identidade parte da obra do diretor Alfred Hitchcock, distinta por seu estilo narrativo e por uma mise-en-scène particular. Tratando, inicialmente, de algumas definições de identidade, o trabalho discutirá a importância do ato de se identificar para a apreciação da obra e como este processo se dá, então, em filmes específicos do diretor – Festim Diabólico (1948) e Intriga Internacional (1959) – em razão das diversas possibilidades de identificação, dentre elas a da inocência e da culpa. Citando teóricos do cinema como Baecque, Martin, Xavier, Mauerhofer, Munsterberg, Metz e sobre a psicologia e a psicanálise, como, Jacques Lacan, para esclarecer as faces da experiência do público, busca-se uma análise do processo de identificação do espectador, tratando também da relação entre realidade e representação e da problematização da experiência cinematográfica em si.

Esta pesquisa objetiva apresentar uma análise sobre a utilização da vitrine como espaço integrante da obra de arte. Problematiza a necessidade do uso do espaço isolado e intocável da vitrine como área imprescindível para determinadas propostas artísticas contemporâneas. Averigua também as relações entre a área envidraçada da vitrine e o observador. Verifica como a vitrine é tematizada não só no espaço arquitetônico, mas também na pintura e na fotografia. Examina dessa maneira a atitude dos artistas em colecionar, selecionar, organizar, classificar, deslocar e exibir uma série de objetos reunidos no interior de tal dispositivo. Interroga se a presença de artistas que trabalham com a vitrine ou com o espaço, apenas delimitado, não estaria ligada à crise do conceito tradicional de autor. / This research aims to present an analysis of the use of the museums display as an integrating space of the work of art. It gives emphasis on the use of an isolated and untouchable space in the museums display as an essential area to establish contemporary aesthetic proposals. So, it also checks how the display case is given thematically not only in the architectural space, but also in the painting and photograph. It analyses the artists approach of collecting, selecting, arranging, assorting, displacing and displaying a series of united objects in the interior of such device. It is questioned if the presence of the artists who work with the museum display or with demarked space would not be tied to the crisis of the authors traditional concept.

A presente pesquisa visa observar o modo de operar da arte contemporânea fundada no caminhar e investigar o quanto ela se faz acessível ao espectador, o quanto ela é inclusiva, relacional e horizontal. Contrariamente a um entendimento de que a arte contemporânea é de difícil acesso, nosso objetivo é relacionar a dissolução de certos estatutos da cena contemporânea com a aproximação do espectador de sua estrutura de funcionamento, a ponto de ele se tornar mais indispensável para sua realização do que o próprio artista. No primeiro capítulo, apresento esse contexto de dissolução (como linhas invisíveis do mapa), inicialmente no campo do teatro e, posteriormente, na configuração das performances, campo no qual as noções de cena, encenação e espectador já não operam. No segundo capítulo apresento o ato de caminhar em relação ao pensar e ao criar; uma prática estética e política a ser desdobrada nos três capítulos seguintes. Desse modo, do segundo ao quinto capítulo observo modalidades do caminhar: passeios, derivas, fugas, perseguições e travessias realizadas por artistas de diversas procedências (do teatro à land art, da dança à arte conceitual, da performance ao real) e, em alguns casos, por espectadores ou passantes. Todas essas ações, sobretudo as performances, resultam em outras materialidades (fotografias, vídeos, desenhos e narrativas) que são igualmente compartilhadas com espectadores ausentes do ato de sua execução. No último capítulo, trato desses rastros ou vestígios - bem como do acesso aos programas dessas ações - como um importante material para os espectadores, que conhecendo os \"modos de fazer\" dessas modalidades artísticas, compreendem seus \"modos de usar\". Assim, caminhar como prática estética configura-se como um ato de transgressão do sistema vigente, uma vez que se trata não apenas de uma ação, mas de uma atitude ao alcance de toda e qualquer pessoa. Ao ocupar o contexto urbano por sua dimensão mais baixa, o chão, o sujeito que caminha experimenta outras formas de sociabilidade e outras configurações para o real, inventando micro-poéticas do devir. / This research aims to observe the way contemporary art founded on walking works and to investigate how much it is accessible to the public, how much it is inclusive, relational and horizontal. Contrary to an understanding that contemporary art is difficult to access, our goal is to relate the dissolution of certain contemporary scenes statutes with the spectator\'s approach of its functional structure, to the point that he becomes more indispensable for its accomplishment than the artist himself. In the first chapter, I present this context of dissolution (as invisible lines of the map) initially in the theater field and, posteriorly, in the configuration of the performances, a field in which the notions of scene, staging and spectator no longer operate. In the second chapter, I present the act of walking in relation to thinking and creating; an aesthetic and political practice to be deployed in the three following chapters. Thus, from the second to the fifth chapters, I observe walking modalities: strolls, drifts, escapes, persecutions and crossings by artists of different origins (from theater to land art, from dance to conceptual art, from performance to real) and, in some cases, by spectators or bystanders. All these actions, particularly the performances, result in other materialities (photographs, videos, drawings and narratives) which are equally shared with spectators absent from the act of its realization. In the last chapter, I deal with these traces or vestiges - as well as the access to the programs of these actions - as an important material for the spectators, who getting to know the \"ways of doing\" of these artistic modalities, understand their \"ways of using\". Therefore, walking as an aesthetic practice configures itself as an act of transgression of the current system, since it is not only an action, but an attitude within the reach of any person. By occupying the urban context in its lower dimension, the ground, the subject who walks experiences other forms of sociability and other settings for the real, inventing micro-poetics of devenir.

Esta pesquisa investiga o elemento sonoro-musical como criador de experiências estéticas, sensoriais, mnemônicas e afetivas dentro do pensamento e prática do diretor, pesquisador e professor polonês Jerzy Grotowski, no âmbito da evolução de sua obra no domínio das artes performativas. Este estudo, que parte da observação historiográfica, comparativa e crítica do fenômeno sonoro-musical na obra do artista, visa realizar um mapeamento das diferentes fases artísticas do diretor, que compreendem uma curva de 42 anos, indo do período da Arte como Apresentação ao da Arte como Veículo, e das diferentes conotações que este elemento teve em sua trajetória de criação e pesquisa. O trabalho também observa as diferentes apropriações do elemento sonoro-musical pelos últimos colaboradores do diretor, concentrando maior atenção às atividades atuais desenvolvidas nesse território por Thomas Richards e Mario Biagini, diretores do Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards. Esta fase é investigada em relação ao desenvolvimento da importância dada às questões sonológicas dentro deste centro internacional de pesquisa e criação, que tem no trabalho criativo sobre os cantos de tradição afro-diaspóricos do continente americano o seu ferramental básico, explorando-se suas propriedades geradoras de comportamento orgânico em performance. A pesquisa é realizada através de estudos de textos escritos à cerca do tema pelo próprio diretor, seus diversos parceiros e estudiosos da sua obra, além de realizar pontes com a produção musical experimental contemporânea. Também conta com a análise de espetáculos, tanto em suporte audiovisual, quanto a partir do meu contato direto com a produção atual. Nesse último aspecto a pesquisa também está relacionada à noção de autoetnografia, sendo orientada por reflexões sobre a minha experiência na condição de performer na equipe do Open Program, um dos grupos de trabalho que integram o Workcenter, entre os anos de 2013 e 2015. Além disso, esta noção autoetnográfica se dá com a recriação do meu ponto de escuta sobre a obra de Grotowski. Com esse referencial a pesquisa busca compreender como se dá a construção do encontro experiencial entre o atorsonante e o espectador-ouvinte, partindo da criação de uma presença organizada, transmitida e percebida através do fenômeno sonoro (cantos, instrumentos e outros recursos), suas estruturações (vibratórias, melódicas, harmônicas, rítmicas e timbrísticas) e suas manifestações e nuances na corrente das artes performativas, conforme a visão grotowskiana: entre o polo da arte como veículo e o da arte como apresentação. / This research investigates the sound-musical element as creator of aesthetic, sensory, mnemonic and affective experiences within the thinking and practice of the Polish director, researcher and teacher Jerzy Grotowski, in the context of the evolution of his work in the field of performing arts. This study, that part of the historiographical, comparative and critical observation of the sound-musical phenomenon in the artist\'s work, is to carry out a mapping of different artistic phases of the director, comprising a curve of 42 years, ranging from the period of the Art as Presentation to the Art as Vehicle, and the different connotations that this element was in its path of creation and research. The work also notes the different allocations of sound-musical element by the last collaborators of the director, focusing greater attention to current activities in this area by Thomas Richards and Mario Biagini, directors of the Workcenter of Jerzy Grotowski and Thomas Richards. This phase is investigated in relation to the development of the importance given to sonological issues within this international center for research and creation, which is the creative work on african-diasporic tradition songs of the American continent their basic tools by exploiting its generating properties of organic behavior in performance. The survey is conducted through studies of texts written about the theme by the director himself, his various partners and scholars of his work, and making bridges with contemporary experimental music production. It also includes the analysis of performances, both in audio-visual support, as from my direct contact with the current production. In this last aspect the research is also related to the notion of autoethnography, being guided by reflections on my experience in the performer condition in the Open Program team, one of the work groups within the Workcenter, between the years 2013 and 2015. In addition, this autoethnographic notion is given with the recreation of my listener point on the work of Grotowski. With this framework the research seeks to understand how is the construction of experiential encounter between the doer-sounder and the spectator-listener, based on the creation of an organized presence, transmitted and perceived through the acoustic phenomenon (songs, instruments and other resources), their structuring (vibrating, melodic, harmonic, rhythmic and timbristic) and its manifestations and nuances in the chain of performing arts, as grotowskian view: between the pole of art as a vehicle and of art as presentation.

Esta pesquisa consiste em um estudo da atenção na cena teatral. Para embasar teoricamente a pesquisa foi feito um levantamento das teorias postuladas pela ciência da atenção em toda a sua interdisciplinaridade, em especial dos estudos de Hugo Munsterberg (2004), nos quais pela primeira vez a atenção aparece como conceito operatório para a análise do trabalho do ator em sua relação com o espectador. Partindo deste panorama inicial foi proposta uma revisão dos escritos de Stanislávski (2010), Brecht (1967), Kracauer (2009), Benjamin (1985), Lehmann (2007), Desgranges (2009) e Rancière (2010), demonstrando a importância da atenção em seus escritos e esclarecendo os pontos de vista de cada um destes teóricos sobre o tema. Baseado nesse conhecimento, o terceiro capítulo estuda a atenção na prática das atrizes Isabel Teixeira e Julia Lemmertz nos espetáculos Rainhas: duas atrizes em busca de um coração e Maria Stuart. Intercalando o que foi assistido e os discursos das atrizes sobre a atenção buscou-se mapear os procedimentos utilizados por elas para lidar com a atenção, seja a sua ou a do espectador e, o grau de consciência envolvido nesta operação. Por fim, de posse deste material, realizou-se uma experiência prática pautada pela atenção, do treinamento até a apresentação, tendo em vista aferir a eficácia da atenção como método de criação da cena, submetido a diferentes percepções dos espectadores. / This research consists in a study on the issue of attention at the theatrical scene. The theoretical basis for the research was a survey of the theories postulated by the science of attention, taking its interdiciplinarity into account, especially of Hugo Munsterbergs (2004) studies, in which, for the first time, the attention appears as an operative concept for the analysis of the actor\'s work in its relationship with the audience. From this initial scenario was proposed a review of the writings of Stanislavski (2010), Brecht (1967), Kracauer (2009), Benjamin (1985), Lehmann (2007), Desgranges (2009) and Rancière (2010), demonstrating the importance of the attention in their thought and clarifying their views on the subject. Based on that knowledge the third chapter studies the attention in the practice of the actresses Julia Lemmertz and Isabel Teixeira in the performances Rainhas: duas atrizes em busca de um coração and Maria Stuart. Considering the interweaving of the scenes and the speeches of the actresses, it was made a map of procedures that they had used to deal with the attention and to understand the level of consciousness necessary in this operation. Finally, with all this material in hands, a practical experience guided by attention issue, from the training to the presentation, was carried out. The purpose of this experience was to check the effectiveness of attention as a creative method for the theatre in different conditions of audience.

O objetivo deste trabalho consiste em identificar e compreender a problemática artística constituída pela instalação procurando enfatizar as contribuições deste segmento da produção para o debate crítico contemporâneo. A pesquisa foi desenvolvida através da análise crítica de um conjunto de obras recentes produzidas por artistas brasileiros e estrangeiros – entre os quais citamos Artur Barrio, Cildo Meireles, Christian Boltanski, Jenny Holzer, Jochen Gerz, Regina Silveira, Tunga, Vera Chaves Barcellos – e vinculadas às noções de “instalação”, “site specific”, “in situ” e “intervenção”, procurando perceber diferenças e similaridades quanto ao modo como operam com o espaço do recinto de exposição, como se espacializam e no que concerne às condutas que preconizam ao espectador. Como fundamento teórico – mas também como objeto de discussão – considerou-se o debate em torno da definição da arte, com especial atenção aos aportes oriundo da sociologia da arte (Pierre Bourdieu; Nathalie Heinich), da filosofia (Artur Danto, Jean-Marie Schaeffer) e da bibliografia recente e especializada no tema da instalação (Archer et. al. , Krauss, Kwon, Reiss, Rosenthal). A partir deste trabalho analítico e conceitual evidenciou-se o caráter contextual, relacional e situado no tempo e no espaço das obras que se configuram como instalação em confronto às noções convencionais de unicidade da obra de arte e de autonomia em relação à localização da obra e às condutas do espectador. / The goal of this thesis is to identify the artistic problematic raised by installation art and to understand the contribution of this segment of artistic production to the contemporary critical debate. The work was developed through the critical analysis of a body of recent work by both foreign and Brazilian artists, among which are Artur Barrio, Cildo Meireles, Christian Boltanski, Jenny Holzer, Jochen Gerz, Regina Silveira, Tunga, Vera Chaves Barcellos. All of these artists are associated to the notions of 'installation', 'site specific', 'in situ' and 'intervention'. We analyse the differencesand similarities with respect to the way they use the exhibition space and how they deal with the expectations of the spectator's behaviour. As a theoretical foundation and also as a topic of discussion we consider the debate concerning the definition of art with special attention to the contributions of sociology of art (Pierre Bourdieu; Nathalie Heinich), philosophy (Artur Danto, Jean-Marie Schaeffer) and the recent specialized literature on the theme of installation art (Archer et. al., Krauss, Kwon, Reiss, Rosenthal). Departing from this analytical and conceptual work we discuss the contextual and relational character of works configured as installations situated in time and space, in opposition to the conventional notions of the art work as a unique object, as autonomous with respect to the its exhibition site and as independent of the spectator's behaviour.

Esta tese é uma análise exploratória do consumo fanático e se enquadra no âmbito da Consumer Culture Theory (CCT), analisando outras temáticas pertinentes, tais como o consumo de experiências, distinções simbólicas e a formação de identidades e comunidades. Como lócus de estudo, foi escolhido o ambiente dos festivais de cinema fantástico, buscando investigar indivíduos altamente envolvidos com o objeto de consumo, através do ponto de vista dos próprios pesquisados. O objetivo principal desta tese é analisar se estes festivais exercem influência sobre a(s) identidade(s) dos espectadores e se são responsáveis pela geração de comunidades de consumo. O estudo empírico realizado consistiu na incursão em dois campos de pesquisa (Fantastic Fest, em Austin, Estados Unidos, em 2010 e Fantaspoa, em Porto Alegre, Brasil, em 2012), na realização das duas etapas de observação participante e na realização de uma série de 60 entrevistas filmadas nos dois eventos. As entrevistas foram utilizadas para gerar uma videografia e também foram transcritas para a análise dos resultados. O conteúdo transcrito das entrevistas foi codificado e dividido em itens e esta codificação gerou conceitos a partir dos dados, a fim de analisar o seu conteúdo com rigor acadêmico. O enquadramento desta tese no paradigma interpretativista visou compreender a complexidade dos fenômenos sociais de maneira integrada, a partir dos significados atribuídos pelas pessoas, partindo das relações sociais e culturais estabelecidas no campo de estudo. Constatou-se que, durante os festivais, a parcela dos espectadores mais assíduos desenvolve o que poderia ser denominado de “identidade-para-o-festival”. Tais eventos não apenas influenciam no desenvolvimento da identidade dos seus consumidores, mas também propiciam fortes vínculos emocionais com eles. Pode-se confirmar que a maioria dos espectadores pode ser considerada fã, por transformar o ato de ir ao festival em uma atividade cultural, dividindo sentimentos e pensamentos e tornando-se membro de uma comunidade de indivíduos, na qual há um forte sentimento de aceitação e valorização. Verificou-se que esta interação gera contatos que aumentam o interesse e o conhecimento dos espectadores, desenvolvendo relações que podem gerar comunidades de consumo. / This dissertation is an exploratory analysis of fanatic consumption. This is set within the framework of Consumer Culture Theory (CCT), analyzing other relevant themes, such as experience consumption, symbolic distinction and the development of identities and communities. As a locus of study, the environment of genre film festival was chosen, aiming at studying individuals that have a high involvement with their consumption object, through their own point of view. The main goal of this dissertation is to analyze if these festivals exert influence on the identity(ies) of their attendees and if they are responsible for the development of communities of consumption. The empirical study consisted in the incursion in two research fields (Fantastic Fest, Austin, USA, on 2010 and Fantaspoa, Porto Alegre, Brasil, on 2012). Two participant observations were made, as well as 60 filmed interviews in the two events. The interviews were used to create a videography and they were also transcribed for the analysis of results. The transcribed content was codified and separated in items. The coding techniques were used to generate concepts based on the data, aiming at analyzing their content with academic rigor. The framing of this dissertation on the interpretativist paradigm aimed at understanding the complexity of the social phenomenon in a integrated way, being based on the meanings attributed by the festival’s attendees and their social and cultural relationships established on the field of research. It is noteworthy that the most assiduous attendees create what might be called of “identity-for-the-festival”. Such events not only cause influence on the development of the identities of its consumers, but also assist on the development of strong emotional bonds among them. It was confirmed that the majority of the attendees might be considered a fan, because they transform their festival attendance in a cultural activity, sharing thoughts and feelings and becoming a member of a community, in which there is a strong feeling of acceptance and belongingness. It was verified that this interaction, within time, generate contacts that enhance the interest and the knowledge of the attendees, developing relationships that might become communities of consumption.

Elegendo como aporte teórico principal as ideias de Jacques Rancière sobre partilha do sensível, emancipação, polícia, política, estética, espectador e as teorias de Alain Bergala sobre a hipótese-cinema e o uso dos filmes em sala de aula, este trabalho teve por objetivo refletir em que medida a experiência do cineclube Prisma, criado na escola do presídio Evaristo de Moraes no Rio de Janeiro, constituiu mais um espaço pedagógico de reprodução de sentidos, corroborando com a constatação de que escola e prisão são, ambas, instituições que não permitem outras perspectivas de trabalho senão aquelas que hierarquizam pessoas e percepções. A partir disso, vislumbramos também, uma outra via possível, que não demoniza a escola, porém a coloca como espaço para uma outra proposta do uso dos filmes, na qual o cinema é visto em toda a sua potência estética e dissensual.