Este estudo tem como objetivo compreender a música como mediadora das relações sociais e construções identitárias dentro do Movimento dos Trabalhadores Rurais Sem Terra (MST) a partir da etnografia da música em um assentamento da reforma agrária e no evento orgânico de âmbito regional denominado 12ª Jornada de Agroecologia do Paraná. Através da inserção em campo, da observação participante e do mapeamento de categorias nativas, procurei seguir as redes de negociações e conflitos nos espaços musicais Sem Terra, como a rádio comunitária, as rodas de viola, bailes, noites culturais e místicas, conhecendo as trajetórias de vida e dando voz a atores em diferentes posições da estrutura hierárquica do MST. Inserido em uma rede de trocas de conhecimentos musicais, na qual me posicionei como aprendiz de música sertaneja de raiz e pagodes de viola, estabeleci vínculos de confiança com os colaboradores de pesquisa que me possibilitaram o acesso a práticas cotidianas para além das vozes institucionais do MST, trazendo à tona processos de diferenciação identitária nos embates das escolhas de repertórios e performances musicais. / This study aims to understand music as a mediator of social relations and identity constructions within the Landless Workers Movement (MST) through the ethnography of music in an agrarian reform settlement and the local organic event called 12ª Agroecology Journey in Paraná. Through fieldwork, participant observation and mapping of native categories, I followed the networks of negotiations and conflicts in Landless music venues, such as the community radio, viola's meetings, parties, cultural nights and mística, learning about people's life trajectories and giving voice to those acting in different positions of the hierarchical structure of the MST. Inserted into a network of musical knowledge exchanges, where I positioned myself as an apprentice of "sertanejo de raiz" and "pagodes de viola" music, I established bonds of trust with research collaborators who allowed me access to daily practices beyond institutional MST voices, surfacing processes of identity differentiation in quarrels of repertoire choice and musical performances.

O presente trabalho apresenta um estudo da cultura ídiche através do cantar e do seu significado para os imigrantes e descendentes dessa vertente cultural no Brasil. O cantar ídiche foi um dos elos que esses indivíduos mantiveram com suas raízes. Esses vínculos foram investigados através de entrevistas e relatos de suas memórias. O objetivo desta tese foi retratar o passado vivo de um grupo cultural que sempre cultivou formas de expressão musical no seu cotidiano e seu significado. O resultado do trabalho propõe uma reflexão sobre a importância do cantar na preservação dessa cultura musical e sobre questões relativas à identidade judaica brasileira. Os gêneros musicais ídiches acalentam a saudade velada e simbólica que os imigrantes e seus descendentes sentem do território evocativo do ídiche. O cancioneiro ídiche traz, no plano coletivo e individual, uma herança apreciada de forma universal e crescente, por diversas esferas culturais. / This work presents both a study about the Yiddish culture through singing and its meaning to the Jewish immigrants and their cultural descendants in Brazil. Yiddish singing has been one of the common bonds these individuals chose to stick to their roots; bonds which have been investigated through interviews and also by listening to peoples memories. The aim of this thesis is to portray the memorable past of a cultural group that has kept ways of musical expression in their daily lives. The results of this work poses both a reflection on the importance of singing to keep this musical culture and also on matters related to the Jewish- Brazilian identity. Yiddish musical genres nourish a veiled and symbolic nostalgia these immigrants descendants have of their Yiddish evocative territory. Moreover, Yiddish songs carry individual and collective cultural heritage which is increasingly appreciated worldwide.

A pesquisa apresenta o violão enquanto instrumento musical chave de leituras sociais, e sua performance enquanto dado etnográfico. Foram feitos questionamentos em torno da dimensão ideológica do assim chamado \"violão brasileiro\": a construção do(s) seu(s) discurso(s) e as relações de poder que implicam pensar em sua historiografia. Numa abordagem qualitativa, a tese baseia suas aproximações nas análises de teorias etnomusicológicas sobre os instrumentos musicais, numa amostra de teses e dissertações brasileiras focadas no violão, e entrevistas em profundidade com intérpretes, compositores, professores, luthiers, pesquisadores e jornalistas. Como resultado, nessa sistematização de atores, acepções e apropriações que o termo \"violão brasileiro\" suporta, apresenta-se categorias e modelos analíticos para compreender essa teia de instâncias sociais oriundas de uma \"memória dos cordófonos dedilhados\", memória esta reconhecida posteriormente no violão e que batizamos de \"identidade transitiva\". / The research presents the guitar as musical instrument and key reading in social aspects, and its performance as ethnographic data. Questions were raised about the ideological dimension of the so-called \"Brazilian guitar\": the construction of its discourse (s) and the power relations that imply thinking about its historiography. From a qualitative approach, the thesis bases its approaches in the analysis of ethnomusicological theories on musical instruments, in a sample of Brazilian theses and dissertations focusing on the guitar, and in-depth interviews with performers, composers, teachers, luthiers, researchers and journalists. As a result, in this systematization of actors, meanings and appropriations supported by the term \"Brazilian guitar\", categories and analytical models are presented to understand this assemblage of social instances originating from a \"memory of the strumming cordophones\", a memory later recognized in the guitar and which we call \"transitive identity\".

A presente dissertação aborda a música popular instrumental brasileira (MPIB) e sua atividade na cidade de São Paulo. A pesquisa visa identificar o conteúdo da MPIB como mediação da sociedade, bem como elucidar questões semânticas e de conteúdo em relação ao termo. Em outras palavras, o trabalho procura levar o leitor a uma das muitas paisagens sonoras da sociedade – paulistana e brasileira – através da “audição” da música instrumental. Abordamos a MPIB a partir de dois pontos de vistas: de um lado sua produção, apresentando algumas das circunstâncias de produção (fonográfica e ao vivo) e de outro, pela observação das lógicas internas às obras a partir de aspectos musicais como escalas, motivos, padrões rítmicos e de acordes, improvisos, formas, etc. Esta dupla abordagem é justificada porque a MPIB desarruma contextos semânticos ao colocar os elementos musicais em relações surpreendentes. Este é o empreendimento que produz a questão central deste trabalho. O intuito desta etnografia é investigar por um lado como as questões relativas à construção da identidade nacional se articulam na MPIB através dos elementos diferenciados que são arranjados dando expressão às tensões e contradições da sociedade brasileira, e por outro identificar alguns elementos na constituição das experiências que surgem no fazer musical. Para dar conta dessa problemática dividimos a dissertação em duas partes: a primeira contendo os dados empíricos advindos da pesquisa de campo, entrevistas e coleta de materiais da mídia, e a segunda parte contendo as discussões teórico-metodológicas sobre a etnografia do fazer musical e a problemática da experiência musical e seus significados no mundo contemporâneo. / This work approaches the Brazilian instrumental popular music (BIPM) and its activity in Sao Paulo city. The research intents to identify the BIPM content as a society mediation, as well as clarify semantic and content questions with respect to the term. In other words, the work tries to bring the reader to one among the several society soundscape – from Sao Paulo and Brazil – through the listening of the instrumental music. We approach the instrumental music from two points of view: firstly its production, presenting some of the production circumstances (phonographic and alive), and on the other hand, by the observation of the work’s internal logic from music aspects such as scales, motifs, rhythms and chords patterns, improvisations, forms, etc. This double approach can be justified because the BIPM disarranges semantic contexts by putting the musical elements in amazing relationships. This effort is the central point of this work. The goal of this ethnography is to investigate, by one hand, how the questions relative to the construction of the national identity articulate themselves on the BIPM through different elements arranged to give expression to the tensions and contradictions of the Brazilian society. On the other hand, to identify some elements on the constitution of the experiences which appear on the music-making. To take account of this problematic we divide this dissertation in two parts: the first one containing empirical data from field research, interviews and collected material from the media, and the second one containing the theoretical and methodological discussions about the ethnography of the music-making, and the problematic of the musical experience and its meanings on the contemporary world.

Esta dissertação trata da formação e atualização de identidades de “descendentes de alemães” católicos (dimensão étnica e religiosa) através/a partir da prática de canto coral na região da encosta da serra gaúcha no Rio Grande do Sul, mais especificamente sobre as pessoas fazendo música e criando significados para a sua prática musical em municípios conhecidos pela história da imigração alemã – Dois Irmãos e Morro Reuter. O objetivo desta pesquisa foi estudar a construção destas práticas musicais a partir do entendimento de seus atores sociais e da experiência do encontro etnográfico, tendo como problema de pesquisa compreender como estes constroem e agenciam a sua prática musical em diferentes espaços de circulação. Através de uma etnografia da música, esta pesquisa desconstrói a ideia de senso comum de que somente os luteranos seriam teutos autênticos e evidencia que são possíveis outras configurações e combinações. “Coralistas católicos” também acionam uma identidade étnica teuto-brasileira na relação com “o outro” e destacam traços de etnicidade através de sua prática musical e de seus repertórios e discursos. Contudo, neste universo onde esses grupos de “descendentes de alemães” interagem com instituições onde são acionadas “estratégias” e “táticas” eles nem sempre são considerados parceiros ou colaboradores dentro das políticas voltadas ao turismo do projeto da “encantadora tradição germânica”. / This paper deals with the formation and updating of identities "descendants of Germans" Catholics (ethnic dimension and religious dimension) through / from the practice of choral singing in Encosta da Serra Gaúcha region in Rio Grande do Sul, more specifically about people making music and creating meanings for their musical practice in cities known for their history of German immigration – Dois Irmãos and Morro Reuter. The objective of this research is to study the construction of these musical practices from understanding their social actors and the experience of ethnographic encounter, having as research problem to understand how they construct and manage their musical practice in different areas of circulation. Through ethnography of music, this research deconstructs the common sense idea that only Lutherans would be authentic Teutons, and evidences that other configurations and combinations are possible. "Catholic Choristers" also trigger German-Brazilian ethnic identity in relation to "the other" and highlight traces of ethnicity through their musical practice and their repertoires and discourses. However, in such universe where these "descendants of Germans" groups interact with institutions in which are driven "strategies" and "tactics" they are not always considered partners or contributors within the policies aimed to the "Charming German Tradition" tourism project.

Made available in DSpace on 2016-04-25T20:22:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Magda Dourado Pucci.pdf: 5968244 bytes, checksum: 476d84fe4ea457c2ac3511ed2cb27088 (MD5) Previous issue date: 2009-05-07 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / This dissertation presents the imbricated relation between music and narrative, speech and chant, voice and myth, that together, are part of the poetical art from the Paiter Suruí, a indigenous people from Rondônia (Amazonia). Part of the cultural heritage of Suruí people can be found at the Arampiã Archive that has recordings collected by the anthropologist Betty Mindlin, who has been working with the Paiter for more than 20 years. Those documents are like oral-books of histories from the Suruí life from the past and present. This dissertation focuses on the varied forms and vocal expressions of the Suruí in the realm of Anthropology, Ethnomusicology, Etnopoetics and Orality Studies. The musicality comes from the language Tupi-Mondé that is rich in onomatopoeias and ideophones, besides exclamations that have verbal functions that imitates animals of the forest. The Suruí people music shows us that myth is not only the fabulous stories, but also the reality. Both are presented though archaic words and metaphorical meanings revealing a complex situation in their way of life / A arte oral Paiter Suruí de Rondônia é constituída de narrativas míticas, cantigas de pajé e cantos rituais inspirados em movimentos sociais, formando um intricado corpo sonoro-antropológico que hoje compreende o Acervo Suruí, gravado pela antropóloga Betty Mindlin desde a década de 1980. As múltiplas formas de oralidade dos Suruí têm uma musicalidade característica da língua Tupi-Mondé, rica em onomatopeias e ideofones, além de exclamações com função de verbo que imitam bichos da floresta e movimentos de seres do outro mundo. Com esses elementos, os Suruí recriam momentos da história mítica Paiter e revelam que nem todo mito é fábula, pois a realidade está sempre presente em metáforas e palavras arcaicas. A voz é o centro da expressão Suruí, e é ela que conduz o amplo espectro sonoro, que exige uma análise mais do que estritamente musical. Este trabalho discute a intrincada relação entre a música e a narrativa, entre a fala e o canto e entre a voz e o mito que, juntos, compõem a arte poética Paiter Suruí. Em função da riqueza da vocalidade Suruí, sua análise se apoia também em elementos da Sociolinguística, da Etnopoesia e de estudos da oralidade, além da Antropologia. da Etnomusicologia e da Teoria da Linguagem. A pesquisa trata ainda das formas de catalogação, organização e uso desse acervo sonoro na educação bilíngue Suruí, de cujo processo de transcrição e tradução os próprios índios têm participado ativa e efetivamente. Finalmente, cumpre notar que essa iniciativa é fundamental para a revitalização da própria cultura do povo Suruí, que vem sofrendo grandes mudanças desde a época do primeiro contato com os brancos

Made available in DSpace on 2016-04-26T14:57:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Magda Dourado Pucci.pdf: 5968244 bytes, checksum: 476d84fe4ea457c2ac3511ed2cb27088 (MD5) Previous issue date: 2009-05-07 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / This dissertation presents the imbricated relation between music and narrative, speech and chant, voice and myth, that together, are part of the poetical art from the Paiter Suruí, a indigenous people from Rondônia (Amazonia). Part of the cultural heritage of Suruí people can be found at the Arampiã Archive that has recordings collected by the anthropologist Betty Mindlin, who has been working with the Paiter for more than 20 years. Those documents are like oral-books of histories from the Suruí life from the past and present. This dissertation focuses on the varied forms and vocal expressions of the Suruí in the realm of Anthropology, Ethnomusicology, Etnopoetics and Orality Studies. The musicality comes from the language Tupi-Mondé that is rich in onomatopoeias and ideophones, besides exclamations that have verbal functions that imitates animals of the forest. The Suruí people music shows us that myth is not only the fabulous stories, but also the reality. Both are presented though archaic words and metaphorical meanings revealing a complex situation in their way of life / A arte oral Paiter Suruí de Rondônia é constituída de narrativas míticas, cantigas de pajé e cantos rituais inspirados em movimentos sociais, formando um intricado corpo sonoro-antropológico que hoje compreende o Acervo Suruí, gravado pela antropóloga Betty Mindlin desde a década de 1980. As múltiplas formas de oralidade dos Suruí têm uma musicalidade característica da língua Tupi-Mondé, rica em onomatopeias e ideofones, além de exclamações com função de verbo que imitam bichos da floresta e movimentos de seres do outro mundo. Com esses elementos, os Suruí recriam momentos da história mítica Paiter e revelam que nem todo mito é fábula, pois a realidade está sempre presente em metáforas e palavras arcaicas. A voz é o centro da expressão Suruí, e é ela que conduz o amplo espectro sonoro, que exige uma análise mais do que estritamente musical. Este trabalho discute a intrincada relação entre a música e a narrativa, entre a fala e o canto e entre a voz e o mito que, juntos, compõem a arte poética Paiter Suruí. Em função da riqueza da vocalidade Suruí, sua análise se apoia também em elementos da Sociolinguística, da Etnopoesia e de estudos da oralidade, além da Antropologia. da Etnomusicologia e da Teoria da Linguagem. A pesquisa trata ainda das formas de catalogação, organização e uso desse acervo sonoro na educação bilíngue Suruí, de cujo processo de transcrição e tradução os próprios índios têm participado ativa e efetivamente. Finalmente, cumpre notar que essa iniciativa é fundamental para a revitalização da própria cultura do povo Suruí, que vem sofrendo grandes mudanças desde a época do primeiro contato com os brancos

O resguardo indígena de San Lorenzo é um território de uns 11.618 habitantes localizado no noroeste de Caldas (Colômbia), pertencente a um subgrupo indígena da etnia Emberá Chamí. As práticas sonoro-musicais que desenvolvem cotidianamente estas pessoas indígenas são a temática central desta dissertação, desenvolvida a partir de uma etnografia norteada pela etnomusicologia. No entanto, o componente de direção e interpretação se vislumbra a partir da persistente luta política e territorial destes atores sociais onde as suas práticas sonoro-musicais evidenciam um devir sônico e corporal no território indígena. Neste sentido, o objetivo para com este universo de pesquisa é me-remitir numa etnografia das performances de dois grupos musicais do território indígena -DAMACIRI e JAURY-, mergulhando nos processos de (re)significação das suas práticas sonoro-musicais através de cada um dos espaços de mobilização tanto dentro como fora do território indígena. Estas significações sócio-musicais e sócio-políticas no caso de DAMACIRI se evidenciam mediante o estudo do músico-performático e textual a traves dos contextos dos cantos de música “parrandera” e os cantos rituais de cura –xamanicos- e no grupo JAURY mediante a apropriação para com as suas práticas sonoro-musicais das tendências mais populares da indústria da música popular contemporânea - como o rock–punk e a música andina. Em suma, aqui se evidenciam os conflitos, resistências e ou negociações nos processos na configuração indenitária e sócio-musical destes atores sociais, demostrando mediante estas práticas o modo de ser um indígena Emberá Chamí e o pensamento do que é ser um jovem músico indígena Emberá no século XXI. / The Indigenous Reservation of San Lorenzo is a territory composed by 11.618 inhabitants, located in the northwest of Caldas (Colombia). This territory belongs to a subgroup of the indigenous Emberá-Chamí ethnicity. The sound and musical practices that these indigenous population operate on a daily basis are the central theme of this dissertation, guided by an ethnomusicological ethnography. The steering and interpretation components are shaped by their persistent political and territorial struggle in which the Emberá-Chamí's sound-musical practices reflect a sonic and corporeal becoming. Due to these features, the objective of this research is to refer to an ethnography of the performances of two musical groups of this indigenous territory - JAURY and DAMACIRI- delving into the processes of (re)signification of their sound-musical practices through each of their spaces of mobilization, both within and outside their indigenous territory. These socio-musical and socio-political processes of signification, in the case of DAMACIRI, are going to be shown through the study of the musical-performative and textual components of "Parrandera" songs, and the ritual heding in the shamanic contexts. In the case of JAURY, the processes of signification will be analyzed by means of their appropriation, within their sound-musical practices, of the most popular trends in the industry of the contemporary popular music - as rock- punk and andean music. In sum, through this work we can analyze the conflicts as well as the processes of resistance and/or negotiations that constitute the identitarian and socio-musical configuration of these social actors. Moreover, this work will help us show, through these sound-musical practices, the way of being an Emberá Chamí and, more precisely, what it means to be a young and indigenous Emberá Chamí musician in the XXI century. / El resguardo indígena de San Lorenzo es un territorio de unos 11.618 habitantes localizado en el noroccidente de Caldas (Colombia) y perteneciente a un subgrupo indígena de la etnia Emberá Chamí. Las prácticas sonoro-musicales que desenvuelven cotidianamente estas personas indígenas son el tema central de esta disertación, asumida a partir de una etnografía norteada por la etnomusicología. Ahora bien, el componente de dirección e interpretación se enmarca a partir de la persistente lucha política y territorial de estos actores sociales donde sus prácticas sonoro-musicales reflejan y evidencian un devenir sónico y corporal en el territorio indígena. En este sentido, el objetivo para con este universo de investigación es remitirme a una etnografía de las performances de dos grupos musicales del territorio indígena -DAMACIRI y JAURY- ahondando en los procesos de (re)significación de sus prácticas sonoro-musicales a través de cada uno de los espacios de movilización tanto dentro como fuera del territorio indígena. Estas significaciones socio-musicales y socio-políticos en el caso de DAMACIRI se evidencian mediante el estudio de lo músico-performático y textual a través de los contextos de los cantos de música “parrandera” y los cantos rituales de curación –chamánicos- y en el grupo JAURY mediante la apropiación para con sus prácticas sonoro-musicales de las tendencias más populares de la industria de la música popular contemporánea -como el rock-punk y la música andina- En suma, aquí se evidencian los conflictos, resistencias y/o negociaciones en los procesos de configuración identitaria y socio-musical de estos actores sociales, demostrando mediante estas prácticas sonoro-musicales el modo de ser un indígena Emberá Chamí y el pensamiento de lo que es ser un joven músico indígena Emberá en el siglo XXI.

The purpose of this research is to understand the senses of the sound practice called “música propia” (own music) in the ontology of Misak amerindian collective, that inhabits the southwest of Colombia, through an ethnography. The central concerns were triggered during a dialogic relationship in a participant observation that was modulated by the visual and auditory perceptions. These are the main two points: what do the Misaks call “música propia”, and what do they mean with the frequent claim that “música propia” differs from the "chirimía". The latter consists of a type of musical ensemble that has been associated with festive and catholic practices which manifests itself in different variations, common near the Misak territory and in other regions of the country. The sonority of the “música propia” comes from the mixing of two flutes timbres and two or more drums, whose sounds refer to the presence of non-human alterities performed in public and ritualized events within what Misaks call the “Ciclo de Vida” (Life Cycle). Drawing from performance studies, and on the discussion of epistemologies of sound in ethnomusicology and anthropology of music (Seeger, Feld, Bastos), I propose that the idea of cosmo-sonic (Stein) is a possibility to understand the música propia. Sonoro-performatic categories, socio-cosmological conceptions and the ideal principles of being Misak are all articulated within the Misak’s cosmo-sonic. In this sense, the Misak cosmo-sonic is a sonic ontology that enters cosmopolitical scene when disputing with other worlds its existence. One of these worlds is in the process of patrimonialization of the type of ensemble of “chirimía caucana” that is underway and intendes to include in it the música propia. Here I interpret this attempt of patrimonialization as a state’s mechanism of simplification supported by global policies that tries to incorporate the música propia within a standardized logics. It is a hegemonic form of the ontology of modernity that is not detached from the coloniality of power, and which is revealed in the effects of the interactions of subjects. Faced with this process, some Misak musicians have reacted and, based on the field of cosmopolitics, these reactions are taken in here as an indicator of an ontological conflict. / El objetivo de esta investigación es, mediante una etnografía, comprender los sentidos de la práctica sonora de la “música propia” en la ontología del colectivo amerindio misak, que habita en el sudoeste de Colombia. Las inquietudes centrales fueron provocadas durante la relación dialógica en la observación participante, modulada por lo visual y lo auditivo, concretándose en las dos siguientes: qué es lo que los misak llaman música propia y a qué se refiere el frecuente esclarecimiento de que la música propia se diferencia de la “chirimía”. Esta última consiste en un tipo de conjunto musical que ha estado relacionado con prácticas festivas y católicas, y que se manifiesta en diferentes variaciones, comunes en las proximidades del territorio misak y en otras regiones del país. La sonoridad de la música propia surge del trenzado tímbrico de dos flautas y dos o más tambores, cuyos sonidos remiten a la presencia de alteridades no humanas performadas en eventos públicos y ritualizados dentro de lo que los misak llaman el Ciclo de Vida. Basado en los estudios de performance, y en la discusión sobre epistemologías sonoras en la etnomusicología y en la antropología de la música (Seeger, Feld, Bastos) planteo que la idea de cosmosónica (Stein) es una posibilidad de entender la música propia. En la cosmosónica misak se articulan categorías sonoro-performáticas, las concepciones sociocosmológicas y los principios ideales del ser misak. En este sentido, la cosmosónica misak es una ontología sonora que entra en escena cosmopolítica (De la Cadena, Blaser) al disputar con otros mundos su existencia. Uno de estos mundos es el proceso de patrimonialización del conjunto de chirimía caucana que está en curso y pretende incluir en él a la música propia. Aquí interpreto esta tentativa de patrimonialización como un mecanismo de simplificación del estado apoyado en políticas globales, que intenta incorporar a la música propia dentro de unas lógicas estandarizadas. Se trata de una forma hegemónica de la ontología de la modernidad que no se desliga de la colonialidad del poder, y que se revela en los efectos de las interacciones de los sujetos. Frente a este proceso, las reacciones por parte de algunos músicos misak se revelan en el campo de la cosmopolítica como un conflicto ontológico.

Este é um estudo etnomusicológico acerca da prática do canto de coplas com caja, por mulheres indígenas anciãs amaicheñas-calchaquíes, no Noroeste Argentino. Fundamentada em minha experiência etnográfica em Amaicha del Valle, Província de Tucumán, onde convivi com estas cantoras nativas, observando auditivamente e registrando suas práticas, esta dissertação articula-se em três eixos teóricos. O primeiro deles, refere-se à performatividade voco-sonora. Por meio de reflexões acerca dos sentidos construídos pelas copleras no que se refere às suas tonadas, ou estilos vocais, analiso como os mesmos operam de maneira performativa sobre as pessoas copleras e seus territórios comunitários e provinciais. O segundo eixo concentra-se no devir dos corpos copleros. Entendendo-os como feixes de relações entre alteridades humanas e extra-humanas, teço reflexões acerca de como os corpos destas mulheres, por suas epistemologias sonoras, transformam-se na arena da performance musical, em corpos copleros. Finalmente, o terceiro eixo aborda as elaborações de minhas interlocutoras no que tange ao sentido político de lugar, ou seja, a como as copleras entendem os territórios rurais, por elas habitados, enquanto Valle Calchaquí. Ao assumir uma posição alinhada às epistemologias copleras enquanto conjunto de saberes legítimos, busquei compor novas elaborações teóricas, contribuindo, desde a etnomusicologia, a escutas renovadas acerca dos cantos e corpos copleros, no campo problemático amaicheño-calchaquí. / This is an ethnomusicological study about the singing practice of coplas with caja by amaicheñas- calchaquíes indigenous elderly women in the Argentinian Northwest. Based upon my ethnographic experience in Amaicha del Valle, Province of Tucumán, where I had contact with these native singers, by observing aurally and recording their practices, this dissertation contemplates three theoretical axes. The first one refers to the vocal and sound performance. By means of reflections about the senses constructed by the copleras regarding their tonadas or vocal styles, I make an approach on how they operate in a performative way upon the coplera persons and their territories, namely their community and province. The second axis concentrates on the becoming of the coplero bodies. By understanding them as a set of relations between human and extra-human othernesses, I make considerations on how the bodies of these women, in view of their sound epistemologies, transform themselves into coplero bodies on the musical performance stage. Finally, the third axis approaches the elaborations of my interlocutors as to the political sense of place, i. e., as to how the copleras understand the rural territories where they dwell in the Valle Calchaquí. Upon assuming a position aligned with the coplera epistemologies by considering them a set of legitimate expertises, I tried to compose new theoretical elaborations and thus to contribute from the ethnomusicology perspective with renewed forms of listening to the songs and the coplero bodies in the amaicheño-calchaquí problematic field. / Este es un estudio etnomusicológico acerca de la práctica del canto de coplas con caja, por mujeres indígenas ancianas amaicheñas-calchaquíes, en el Noroeste Argentino. Fundamentada en mi experiencia etnográfica en Amaicha del Valle, Provincia de Tucumán, donde conviví con estas cantoras nativas, observando auditivamente y registrando sus prácticas, esta disertación se articula en tres ejes teóricos. El primero se refiere a la performatividad voco-sonora. Por medio de reflexiones acerca de los sentidos construidos por las copleras en lo que se refiere a sus tonadas o estilos vocales, analizo cómo los mismos operan de manera performativa sobre las personas copleras y sus territorios comunitarios y provinciales. El segundo eje se concentra en el devenir de los cuerpos copleros. Entendiéndolos como conjuntos de relaciones entre alteridades humanas y extra-humanas, reflexiono acerca de cómo los cuerpos de estas mujeres, por sus epistemologías sonoras, se transforman en la arena de la performance musical, en cuerpos copleros. Finalmente, el tercer eje aborda las elaboraciones de mis interlocutoras en lo que respecta al sentido político de lugar, o sea, a cómo las copleras entienden los territorios rurales, por ellas habitados, en cuanto Valle Calchaquí. Al asumir una posición alineada a las epistemologías copleras en cuanto conjunto de saberes legítimos, busqué componer nuevas elaboraciones teóricas, contribuyendo, desde la etnomusicología, a audiciones renovadas acerca de los cantos y cuerpos copleros, en el campo problemático amaicheño-calchaquí.