Jag drar mig för att ta beslut. I detta arbete vill jag se förbi min spontana reaktion att avfärda obeslutsamheten som ett oskick, för att istället se vilka möjligheter som infinner sig när något får lämnas öppet. Genom att se musikskapandet som något som sker i framförandesituationen, blir det musikaliska verket något mer än en förutbestämd entitet som drabbar en publik. Musiken uppstår i ett intrikat samspel av aktörer, innanför och utanför scenrummet, som tillsammans utgör framförandesituationen. Med detta synsätt som utgångspunkt kommer jag att beskriva tre kompositionsprocesser med sinsemellan ganska olika resultat, med tonvikt på hur jag på olika sätt bemött, använt och/eller strävat mot öppenheten inför framförandesituationen i dessa processer. Dessa erfarenheter kommer jag sedan att ställa mot ett pågående arbete med ett själv-resonerande vibrotaktilt instrument – en feedback-kontrabas. Efter en presentation av instrumentet kommer jag genom analys av videoinspelade improvisationer beskriva några av feedback-kontrabasens affordanser i en solokontext. Jag avslutar med en beskrivning av hur jag använt dessa erfarenheter i solostycket FYR.

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Dance figure skating – A comparison between a score executed on ice and on floor This work derives from a curiosity of how figure skating and contemporary dance as two different art formscould work together. In what ways can different techniques within the fields of contemporary dance and figureskating inspire and develop each other? Video analysis together with introspection are used as methods. A scorewith different techniques from each field is recorded on the ice and on the floor. This material together with awritten introspection contains the base for the analysis and discussion together with relevant literature from thetwo fields. There are both similarities and clashes when analysing the results of the scores. Gliding and being onedges are fundamentals in figure skating and they are not transferable to floor. Falling and catching the fall issomething that turns out to be restricted to the floor since the skates makes edges while leaning and glidinginstead of falling. There are more explorations to be done when it comes to merging the two art forms together,hopefully this essay will give some inspiration to further work within contemporary skating.

Mémoire en recherche-création / The starting point for this research project is the use of contemporary improvisational theater techniques in the making of films. Transversal is that which crosses or intersects a work, that which edifies certain parts that are situated in the work, that which is directed obliquely. Transversality in this case is a transfer of theatrical methods to film creation, as the improvisation space is displaced: the audience is removed and cameras are placed in front of the actor-creators; the stage is converted into a film set; and the thrill of live action is replaced by the challenge of not having a second take. The methods for training improvisers, based on a specific part of Impro whose aim is the creation of stories, are almost the same as in theater, yet the training exercises and techniques must be adapted in consideration of the cinematic environment. What I call Contemporary Improvisation is a set of techniques, exercises and methods that aim at the act of improvising as an end, for a show - the final artistic work is formed by the scenes created live in front of an audience. Improvisation facilitates human coexistence, at least through its power to make people more receptive to each other, while respecting each person's place to speak. Improvisation can therefore be said to imply a transversal approach, as it crosses the different spheres of our relational activities, which are a strong source of inspiration for the creation of stories, at all times and in all communities of our society, in the family, social, professional or state sphere. What I intend to demonstrate, based on a few contemporary researchers and my experience as director of the improvisational theater troupe "Teatro do Nada" for over fifteen years, is that improvisation can inspire all stages of the filmmaking process. / Le point de départ de ce projet de recherche est l'utilisation des techniques du théâtre d'improvisation contemporaine dans l’élaboration de films. Transversal est ce qui traverse ou coupe un travail, ce qui édifie certaines parties qui sont situés au travail, ce qui se dirige de manière oblique. La transversalité dans ce cas est un transfert des méthodes théâtrales pour la création en cinéma, puisqu’il y a un déplacement de l’espace d’improvisation : on enlève le public et on met des caméras devant les acteurs-créateurs; la scène est convertie en plateau de tournage; et le frisson du direct fait place au défi de ne pas avoir de seconde prise. Les méthodes pour entrainer les improvisateurs, basées sur une partie spécifique de l’Impro dont le but est la création d’histoires, sont presque les mêmes qu’au théâtre, pourtant il faut adapter les exercices de formation et les techniques en considérant l’environnement cinématographique. Ce que j'appelle Improvisation Contemporaine est un ensemble de techniques, d'exercices, de méthodes qui visent l'acte d'improviser comme une fin, pour un spectacle - l'œuvre artistique finale est formée par les scènes créées en direct devant un public. L’improvisation facilite la coexistence humaine, au moins par son pouvoir de rendre les gens plus réceptifs les uns aux autres, en respectant le lieu de parole de chacun. On peut donc dire que l'improvisation implique une approche transversale, car elle traverse les différentes sphères de nos activités relationnelles, qui sont une forte source d'inspiration pour la création des histoires, à tout moment et dans toutes les communautés de notre société, dans la sphère familiale, sociale, professionnelle ou de l’État. Ce que j'ai l'intention de démontrer à partir de quelques chercheurs contemporains et de mon expérience en tant que directeur de la troupe de théâtre d'improvisation « Teatro do Nada » depuis plus de quinze ans, c'est que l'improvisation peut inspirer toutes les étapes du processus de création cinématographique.

Thesis (MDram)--Stellenbosch University, 2003. / ENGLISH ABSTRACT: In this thesis the author investigates aspects of the use of improvisation and improvisational methods, techniques and exercises by modem practitioners. The study commences with a look at the beginnings of modem improvisation in the nineteenth century, when improvisation was used only tentatively by performers as a preproduction aid to the exploration of character and personal response. In more recent times the process has become one of collaboration and research; as a means of selfdiscovery, as a means of text creation and as a vehicle for finding a 'voice' for the silent majority within a particular community or society. This study also traces the use of improvisation in South Africa where the improvisational process has been incorporated into democratic and collaborative forms like workshop theatre and workers' theatre, and serves as a useful method of political investigation and conscientisation. The study will also briefly touch what on is now termed 'theatre-fordevelopment', since its practitioners make extensive use of improvisational techniques, and its techniques are allied to those of workers' and workshop theatre. The final chapter provides an application of the theories discussed in the bulk of the study in a brief discussion of the author's own attempts at utilising improvisation as a directing and scriptwriting tool in a student production. / AFRIKAANSE OPSOMMING: In hierdie tesis ondersoek die outeur die gebruik van improvisasie en die verskillende metodes, tegnieke en praktiese toepassings daarvan deur moderne praktisyns. Die tesis begin deur te kyk na die oorsprong van moderne improvisasie in die 1ge eeu toe imporvisasie slegs tentatief deur akteurs gebruik is om vóór die produksiefase as 'n hulpmiddel te dien om 'n karakter en persoonlike reaksies te ondersoek. Die proses het onlangs tot een van samewerking en navorsing verander; as 'n methode tot selfontdekking, 'n hulpmiddel by teks-skepping en as 'n medium om 'n "stem te vind" vir die 'stille meerderheid' binne 'n gegewe gemeenskap of samelewing. Hierdie studie ondersoek ook die gebruik van improvisasie in Suid Afrika waar die improvisasieproses in demokratiese en spanwerk vorme soos bv. werkswinkelteater en werkersteater geïnkorporeer is, waar hulle as uiters nuttige vorme van politieke ondersoek en -bewusmaking dien. Die studie raak ook vlugtig aan 'teater-virontwikkeling', aangesien die praktisyns daarvan grootliks gebruik maak van improvisasie-tegnieke en die tegnieke wat hulle gebruik redelike ooreenstem met dié van werkswinkelteater en werkersteater. Die finale hoofstuk verskaf 'n toepassing van die verskeie teorieë wat in die hoofgedeelte van die tesis bespreek word, in 'n kort bespreking van die outeur se eie pogings om improvisasie as 'n regie- en teksskeppingsinstrument in 'n studenteproduksie, te gebruik.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce mémoire présente quatre œuvres musicales composées dans le cadre d'une exploration des musiques numériques. La description de leur contexte de création et leur analyse témoignent d’une démarche méthodologique inspirée par l’improvisation, la collaboration et l’interprétation des musiques. Une introduction précise d’abord mon parcours musical et mes sources d’inspiration en plus de décrire les origines et les objectifs de mon projet. Le premier chapitre présente le contexte de création des quatre œuvres qui composent mon corpus. De velours et d’acier est une pièce acousmatique inspirée de la musique métal qui s’organise autour de matériaux sonores référentiels. Un pied dans ma poubelle est une pièce musicale mixte composée expressément pour l'ensemble de jazz contemporain [iks]. Sa composition a grandement fait évoluer ma conception de l’improvisation. La pièce Enfant Robot au cœur fondant est une recherche sur l’intégration des composantes électroacoustique et instrumentale dans une même musique. Druckabfall est une musique acousmatique qui a vu le jour suite à une collaboration théâtrale. Un deuxième chapitre offre une discussion sur la musique mixte et ses implications dans le processus créatif. Un ultime chapitre aborde de façon critique mon corpus en plus d’en extraire certaines préoccupations. Je propose alors une méthodologie de composition en plus de discuter de l’improvisation et de la collaboration comme moyens de développer mon processus créatif. Cette discussion d’ordre esthétique me permet d'établir des perspectives d’avenir pour ma création musicale. / This Master's thesis presents four musical works composed whilst researching numeric music. The description of their context of creation and their analysis indicate a methodological approach inspired by improvisation, collaboration and interpretation of music. First, an introduction describes my musical background and sources of inspiration in addition to describing the origins and objectives of my project. The first chapter presents the context, within which the four musical works were created. De velours et d’acier is an acousmatic work inspired by metal music. It is organized around a set of referential sounds. Un pied dans ma poubelle is a mixed music work composed specifically for the contemporary jazz band [iks]. My understanding of improvisation has greatly evolved with the composition of this work. The piece called Enfant Robot au cœur fondant was made during my research for integrating electroacoustic and instrumental components within a united music. Druckabfall is an acousmatic work born after a collaboration within the world of theater. The second chapter provides a discussion on mixed music and its implications in the creative process. The final chapter looks critically across my corpus to extract some aesthetic concerns. I then propose a methodology of composition and discuss the improvisation and collaboration as means to develop my creative process. This discussion allows me to enunciate my future musical pratices.

L’originalité de la musique arabe tient dans la richesse mélodique et rythmique de ses multiplesinfluences. Toutefois, la particularité de son mode de transmission orale, ainsi que l’utilisationintensive et récurrente de l’improvisation, rendent difficile toute classification et archivage, pourtantindispensables à la sauvegarde de ce patrimoine culturel. Or, les tentatives de transcription musicale sesont soldées par de trop nombreuses simplifications, au point de sacrifier les nuances mélodiques etautres finesses techniques, spécifiques à cette musique.Il était nécessaire d’explorer une nouvelle voie, qui permettrait de la sauvegarder sur un support écrit,tout en respectant ses spécificités. A partir d’une oeuvre marquante de l’histoire de la musique arabe,la nūba raıt el dhil, présentée par la délégation tunisienne au Congrès du Caire de 1932, nousproposons un système original et inédit de codification, qui permettra de transcrire toutes les subtilitésdes oeuvres traditionnelles ou improvisées, redonnant ainsi aux interprètes leur liberté d'improvisation,tout en leur conservant la faculté de se référer à une partition simplifiée, mais plus fidèle à l'oeuvreoriginale. / The originality of Arabic music is due to its melodic and rhythmic richness, inheritedfrom many influences. However, the particulars of its oral mode of transmission, as well asthe intensive and recurrent usage of improvisation, render any classification and any archivingdifficult, as indispensable as they may be for the conservation of this cultural patrimony.Attempts at musical transcription resulted in excessive simplifications, or recorded onlyone single version, up to the point of sacrificing melodic nuances and other technical finessesspecific to this music. It appeared therefore necessary to try another solution that wouldallow safeguarding this music in writing, while preserving its specificities. On the basis of amemorable work in the history of Arabic music, the nūba raıt el dhil as presented by theTunisian delegation at the Cairo congress of 1932, we propose an original and novel systemof codification, writing down on the one hand the melodic framework resulting from areduction process and on the other hand the ornaments, in abridged form, as applied to thisreduced melody. This notation will allow transcribing all the subtleties of traditional orimprovised works, giving back to the performers their freedom of improvising, whileallowing them to refer to a simplified score more faithful to the original work.

Cette thèse esquisse une réflexion autour de la mutation du langage musical de l’improvisation instrumentale du type istikhbâr en Tunisie à travers le XXe siècle. Une des raisons qui sont à l’origine de cette mutation consiste à la théorisation de la musique tunisienne, intervenue au congrès du Caire de 1932. L’aspect le plus contraignant de ce congrès consiste à adopter une échelle musicale composée de vingt quatre notes équidistantes à l’octave, obtenues par la subdivision de chaque intervalle de demi-ton en deux quart de tons. Ce manuscrit traite en particulier l’évolution des échelles musicales et du comportement de leurs degrés à travers le temps tout en mesurant l’impact de cette nouvelle théorie. Il s’intéresse aussi à l’analyse des propriétés du cheminement mélodique et de la chaîne syntagmatique afin d’élucider les spécificités langagières inhérentes à chaque époque. Ces différents éléments sont ressortis grâce à la mise en oeuvre d’une méthode d’analyse empirique appliquée sur trois improvisations instrumentales A, B et C, jouées respectivement en 1926, 1963 et 1990. / This thesis exposes a reflection on the musical language‘s mutation in instrumental improvisation called istikhbâr in Tunisia through the XXth century. One of the reasons which are at the origin of this mutation is the theorization of Tunisian music taken place at the Cairo’s congress in 1932. The most compelling aspect of this congress is to adopt a musical scale consisting of twenty four equally spaced octave notes, obtained by subdividing each interval of a semitone into two quarter-tones. This manuscript treats particularly the evolution of musical scales and the behavior of their degrees by the time while measuring the impact of this new theory. It is also interested in analyzing the properties of the melodic path and syntagmatic in order to elucidate the characteristics of each period. These elements emerged by the application of an empirical analytic method applied in three instrumental improvisations A, B and C, respectively played in 1926, 1963 and 1990.

Studiens syfte är att undersöka instrumentlärares syn på och arbete med improvisation i den enskilda instrumentundervisningen inom gymnasieskolan och kulturskolan. Studiens teoretiska ramverk utgörs av diskurspsykologi. För att undersöka detta har fokusgrupper använts som datainsamlingsmetod där lärare från gymnasiet och kulturskolan har samtalat om sina synsätt på improvisation. Samtalen spelades in med både ljud och bild för att sedan transkriberas och analyseras med diskursanalys för att urskilja diverse diskurser, i föreliggande studie också kallat tolkningsrepertoarer. I resultatet framträder vissa motstridiga tolkningsrepertoarer när lärarna beskriver sina synsätt på improvisation, såsom Improvisation som något frigörande och Improvisation som något hämmande. Resultatet visar att dessa motstridiga tolkningsrepertoarer kan ges uttryck för hos en och samma lärare. Samtliga lärare i studien är dock överens om att improvisation inte är bundet till en specifik genre, även om de medger att det har mer fokus i vissa kontexter. Vidare framträder vilka effekter och funktioner olika tolkningsrepertoarer har på lärarnas arbete med improvisation. Härmningsövningar är ett återkommande sätt att undervisa i improvisation utan någon särskild genrekontext som lärarna beskriver. I diskussionen lyfts resultatets mest framträdande tolkningsrepertoarer fram för att diskuteras i relation till det teoretiska perspektivet samt tidigare presenterad litteratur och forskning inom ämnet. / The purpose of this study is to examine instrument teachers’ views on and work with improvisation in the individual instrumental education in upper secondary school and Swedish Community School of Music. The theoretical framework of the study is discourse psychology. To examine this, focus groups were used as method for data collection in which teachers from upper secondary school and music school talked about their views on improvisation. The conversations were recorded with both audio and image to later be transcribed and analyzed with discourse analysis to distinguish various discourses, in this study also referred to as interpretative repertoires. The result shows certain conflicting interpretative repertoires as the teachers describe their views on improvisation, such as Improvisation as something liberating and Improvisation as something inhibitory. The result shows that these conflicting interpretative repertoires can be spoken for by the same teacher. However, all the teachers in the study agrees that improvisation isn’t bound to a specific genre, although they admit that it is more focused on in certain contexts. Moreover, the effects and functions that different interpretative repertoires have on teachers’ work also appear. Mimicry exercises are a recurring way to teach improvisation without a specific context of genre, as described by the teachers. In the discussion the most prominent interpretative repertoires from the result are discussed in relation to the theoretical framework as well as previously presented literature and research within the subject matter.

Au cours d’une longue carrière, Michel Saint-Denis a développé un système de pratiques pédagogiques pour le training de l’acteur qui contribue à la formation des nouvelles générations d’acteurs anglophones et francophones. La recherche menée pour cette thèse a donc coïncidé avec une enquête sur la genèse et les transformations de cette pédagogie de l’acteur, organisée en un ensemble d’enseignements, au sein des écoles d’art dramatique fondées par Saint-Denis, à partir du London Theatre Studio. Sa formation auprès de Jacques Copeau méritait sans doute un examen approfondi et détaillé, car les techniques pour acteurs assimilées à l’École du Vieux-Colombier et avec les Copiaus en Bourgogne ont contribué à la composition des principes pédagogiques et conceptuels au sein desquels son training a été construit. L’œuvre de Saint-Denis apparaît exemplaire, justement parce qu’à son arrivée en Angleterre dans les années 1930, tout d’abord en tant que directeur de la Compagnie des Quinze puis en tant que pédagogue d’acteurs, il se propose comme porteur de nouvelles pratiques au sein d’une culture théâtrale dans laquelle la formation de l’acteur - telle que considérée par Copeau et ses héritiers élèves - n’était pas envisagée. Cette thèse vise donc à retracer le training de l’acteur par Saint-Denis en tant que méthode pédagogique, et donc la normalisation des pratiques développées par Copeau au sein de l’École du Vieux-Colombier et avec les Copiaus, et leur inclusion dans le contexte théâtral anglophone. Saint- Denis a été le premier à traduire les chemins de recherche pédagogique de Copeau en une méthode figée et définie. / The transmission of acting training is a complex and often controversial topic within theatre studies. Within this scholarly discourse, Michel Saint-Denis’s actor pedagogy, often neglected by theatre historians, is an exemplary case study for two main reasons: Saint-Denis (Jacques Copeau’s nephew, student and one of his major heirs) was the first who translated the acting practices rediscovered in the École du Vieux-Colombier and by the Copiaus group into a fixed and defined method; he led and adapted Copeau’s teachings in the anglophone theatrical world. This dissertation explores the first institutional context created by Saint-Denis, that also constitutes the prototype of his pedagogy: the London Theatre Studio, founded in 1935 and active until the outbreak of World War II. What I wish to investigate is the transition from an entirely experimental practice – that is, the research undertaken by Copeau with his pupils at the École du Vieux Colombier and in Burgundy – to a proper method. This system was conceived for being transmitted, and therefore systematized, in a fixed and strictly normative structure – In other words, standardised. Saint-Denis appears to be the custodian of Copeau’s legacy, responsible for translating a combination of experimental workshops into a structured method and for their further development in acting schools programs. Furthermore, upon his relocation from France to England, Saint-Denis becomes the link between two different theatre cultures. / La principale finalità di questo lavoro di ricerca è quella di apportare un contributo allo studio dell’allenamento attoriale, secondo una prospettiva storica. La pedagogia dell’attore di Michel Saint-Denis, che ha dedicato gran parte della sua vita all’acting training, è spesso ignorata dagli storici del teatro, nonostante rappresenti, invece, un caso di studio esemplare. Nipote, allievo e tra i principali eredi di Jacques Copeau, è stato il primo a tradurre le pratiche riscoperte e sviluppate all’École du Vieux-Colombier e dai Copiaus, di cui aveva fatto esperienza diretta, in un metodo fisso e definito, e ha traghettato e adattato gli insegnamenti di Copeau nel mondo teatrale anglofono. Ripercorrendo e approfondendo il suo percorso di apprendistato, lo studio effettua un lavoro di ricostruzione e analisi del primo contesto istituzionale creato da Saint-Denis, che costituisce il prototipo della sua pedagogia: il London Theatre Studio, fondato nel 1935 e attivo fino all’inizio della Seconda guerra mondiale. Ciò che ci interessa indagare è il passaggio da un insieme di pratiche sperimentali – ovvero le ricerche effettuate dal Patron con gli allievi dell’École du Vieux Colombier e con i Copiaus in Borgogna – a un metodo pensato per essere trasmesso e dunque sistematizzato in una struttura normativa fissa, rigida. Della cultura attoriale che discende da Copeau, Saint-Denis sembra essere il custode: il primo a tradurre un insieme di pratiche sperimentali in un metodo fisso, inserito in un’istituzione formativa convenzionale. Ma non solo: con il trasferimento in Inghilterra, Saint-Denis diviene anello di congiunzione tra due culture teatrali tra loro diversissime.