Au cours du XIXe siècle, la notion de détail s’est imposée comme un outil théorique majeur pour l’appréhension des représentations visuelles. Menée à travers l’analyse de textes variés rendant compte de la réception des images dans le contexte de cas précis (exposition de peinture, inauguration d’un panorama, publication d’un ouvrage illustré, etc.), l’étude historique de la notion de détail révèle les différents préjugés et réseaux de signification qui lui étaient alors attachés. Le détail étant le produit d’un cadrage opéré par la perception visuelle, l’examen de cette notion nous renseigne non seulement sur le rapport que l’époque entretenait avec le visible, mais aussi sur la nature des liens qu’elle tissait entre la partie et le tout. Ainsi, il apparaît que le détail était propre à satisfaire les besoins d’une période associant voir et savoir et cherchant dans le contrôle du visible les moyens de maîtriser un réel en constante mutation. À ce titre, c’est sur l’argument du détail que reposait l’attribution d’une valeur scientifique, historique ou documentaire aux représentations. Toutefois, le détail devait confirmer le statut de l’ensemble dont il était tiré, car, s’il était discordant, il devenait un indice trahissant un mensonge. Pour cette raison et aussi parce le rendu détaillé dans les représentations témoignait d’une observation rigoureuse du réel et d’un travail patient de restitution, le détail était souvent investi de connotations morales reflétant les valeurs bourgeoises en train de s’imposer. Cependant, alors que le détail était censé servir une meilleure connaissance de l’ensemble, sa prolifération était redoutée, car elle faisait paradoxalement courir à la perception du tout le risque de la dislocation. De plus, dans la mesure où il relève toujours du particulier et d’une observation jugée objective, le détail était souvent perçu comme contrevenant à la valeur artistique des représentations. Ainsi, cette question s’est cristallisée dans les débats portant sur le caractère artistique de l’image photographique qui se distinguait par un rendu inédit et systématique des détails. Enfin, l’analyse de cet argument polymorphe que constitue la notion de détail au XIXe siècle fait apparaître les limites de l’engouement dont elle a fait l’objet. Étant toujours envisagé dans sa dimension figurative, comme instance iconique minimale, le détail tel qu’il était conçu à l’époque ne permettait pas de saisir le substrat matériel qui commençait à émerger dans la peinture moderne. Ainsi, jusque dans ses limites, la notion de détail révèle des enjeux majeurs de la modernité. / Over the course of the nineteenth century, the notion of detail became an established theoretical tool in the understanding of visual representations. Conducted through multiple text analyses taking into account the reception of images in specific contexts (a painting exhibition, the opening of a panorama show, the publication of an illustrated literary work), this historical study reveals the prejudices and networks of meaning attached to the notion of detail. Because detail is the product of visual perception, a study of this notion reveals not only the relationship with the visible that existed at the time, but also the nature of links between parts and the whole. Detail was essential in meeting the needs of a time that associated “seeing” with “knowing” and that attempted to find a means of controlling the ever-changing reality through the visible. As such, the attribution of scientific, historical, or documentary value relied on the argument provided by detail. Nonetheless, detail was supposed to confirm the status of the whole from which it was derived, since when these did not match, the detail became a sign of a lie. For this reason, and also because a detailed depiction signified a rigorous observation of the real conveyed through a careful reproduction, details were often imbued with moral connotations that reflected the bourgeois values of the time. However, while details were meant to help know the whole better, their proliferation was also feared, because it increased the risk of interfering with the perception of the whole. In addition, insofar as it is always derived from the specific and from an observation deemed objective, the detail is often perceived as being in conflict with the artistic value of the representation. This issue became crystallized in the debates on the artistic qualities of photography, an art form characterized by a hitherto unparalleled level of detail. In the end, the analysis of this polymorphic argument encapsulating the notion of detail in the nineteenth century reveals the limits of the infatuation of which it was the object. Previously envisioned in its figurative dimension, the detail as it was perceived at the time did not allow the capture of a material substratum, which started to emerge later with the advent of modern painting. Even in its limitations, the notion of detail reveals the principal issues of modernity. / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse a été dépouillée de ces documents visuels. La version intégrale de la thèse a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Marc Chagall est un artiste juif qui a défié l’interdiction mosaïque de représenter la divinité. Il a entre autres réalisé plusieurs tableaux sur le thème de la Crucifixion, un sujet particulièrement délicat pour un artiste attaché à son identité juive et à un art à tendance autobiographique. Ce mémoire examine les conditions qui ont permis l’adoption et le développement, par Chagall, d’une iconographie revisitée d’un important motif chrétien. Parmi les circonstances qui ont facilité l’hybridation culturelle à laquelle se livre Chagall dans ses Crucifixions, il faut signaler la liberté nouvelle, à la fois au niveau des dispositifs figuratifs et du traitement pictural, apportée par le modernisme dans l’approche des grands genres traditionnels dont relève la peinture religieuse. Dans un tout autre registre, le mémoire se penche sur les circonstances historiques exceptionnelles ayant exercé une pression pour que l’expérience tragique des Juifs du XXe siècle trouve à s’exprimer dans des images à portée universelle. / Marc Chagall is a Jewish artist who challenged the Mosaic interdiction to represent the deity. He has among others in the modern period made several paintings on the theme of the Crucifixion, a particularly sensitive issue for an artist attached to his Jewish identity and practising an art with a strong autobiographical component. This dissertation examines the conditions which allowed the adoption and the development, by Chagall, of an important Christian subject whose iconography he freely revisited. Among the circumstances that facilitated the cultural hybridization in which Chagall engaged in his Crucifixion, we must point out the new freedom, both at the level of figurative devices and pictorial treatment, brought by modernism in the approach of major traditional genres to which religious painting belongs. On a quite different register, the dissertation examines the exceptional historic circumstances met by Chagall before and during the execution of the Crucifixions. These circumstances have exerted pressure that allowed the tragic experience of the Jews of the XXth century to find expression in images of universal significance. / Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de ses documents visuels et audio‐visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Dans l’ensemble de ses œuvres, l'artiste canadien David Rokeby cherche à comprendre l’impact des images numériques de surveillance et de leurs divers dispositifs d’enregistrement et de diffusion sur le spectateur. Comment ces images peuvent-elles modifier notre perception de l'espace et, surtout, changer notre configuration du temps? Ce questionnement est le point de départ de notre étude de Seen, une installation visuelle de David Rokeby, exposée pour la première fois à la 8e exposition internationale d’architecture de la Biennale de Venise en 2002 et également présentée au Musée des beaux-arts de Montréal en 2007. Seen met en place un dispositif de surveillance électronique qui semble capter, en temps réel, les passants de la Place San Marco à Venise. Toutefois, ces images ne reflètent pas exactement le moment présent : elles sont traitées, en temps réel, par un programme informatique qui sépare les éléments immobiles des éléments mobiles, les corps en mouvement de l’architecture, et conserve les traces du mouvement. Nous sommes alors menés aux hypothèses suivantes : l’usage d’un tel dispositif de surveillance ne constitue-t-il pas une réflexion sur le passage du temps ? Cette description temporelle d’un lieu ne serait- elle pas une façon détournée d’archiver notre mémoire collective? Il s'agit donc d'examiner comment, en observant l’espace public, l’artiste propose une nouvelle lecture de notre histoire, bâtie non pas autour de l’archivage de ses monuments, mais autour de l’expérience humaine et temporelle. / Throughout his work, Canadian artist David Rokeby seeks to understand how digital surveillance images, and their various modes of recording and transmitting, impact the viewer. How can these images alter our perception of space and, more specifically, change our configuration of time? This question serves as the starting point to our study of Seen, a visual installation shown for the first time in 2002 at the 8th International Architecture Exhibition of the Venice Biennial and later presented at the Montreal Museum of Fine Arts in 2007. Seen is an electronic surveillance installation, which appears to record, in real-time, the pedestrians’ movements through Piazza San Marco in Venice. In truth, these filmed images do not reflect the present moment per se, but are treated in real-time by a computer program which separates the motionless from the mobile; the moving bodies from the architecture, and saves only brief moments or traces of movement. This raises the following questions: Can the use of such a surveillance device be understood as comment on the passage of time? Can this temporal description of a place constitute an alternative means to preserving our collective memory? In the course of our research, we shall examine how, by observing a public space, the artist suggests a new reading of history, built not around the archiving of its monuments, but around human and temporal experiences. / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de ce mémoire à été dépouillée de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Cette thèse se donne pour ambition d'éclairer un aspect méconnu de l'oeuvre et de la pensée de Sergueï Eisenstein, en se concentrant sur la relation privilégiée qu'il entretient durant toute sa vie avec l'art de Daumier. Tout en traversant l'oeuvre graphique, théâtrale, cinématographique et théorique d'Eisenstein, cette recherche entend également révéler Daumier sous un nouveau jour, en faisant découvrir la réception dont il jouit en Russie et en U.R.S.S. Il s'agira par la même occasion d'exposer et d'interroger le regard stimulant et original qu'Eisenstein porte sur l'art de Daumier. Ce parcours se voudra nécessairement transdisciplinaire. / The aim of this PhD thesis is to cast a new light on Eisenstein's work and thought, by focusing on his privileged relationship with Daumier's art. As we will come across Eisenstein's graphic, theatrical, cinematographical and theoretical work, we will unveil Daumier's still unknown reception in Russia and in U.S.S.R. By the same token, we will expose and discuss Eisenstein's challenging and modern vision of Daumier. The methodology chosen here is necessarily transciplinar. / Cette thèse a été effectuée en cotutelle entre l'Université Paris-Ouest-Nanterre-La Défense et l'Université de Montréal. Elle a été réalisée avec le logiciel LateX.

La notion de patrimoine, autrefois rattachée à des concepts comme l’art et le monument, semble depuis ces dernières années s’émanciper de ses traditionnelles formes matérielles pour inclure de plus en plus de manifestations intangibles. Certains auteurs (Smith 2005; Graham, Ashworth et Turnbridge 2000) ayant voulu repenser la définition de cette notion ont même proposé de concevoir le patrimoine comme un processus culturel actif, produit de son environnement et constitué principalement d’actions comme la remémoration, la transmission de mémoire et de connaissances, la création identitaire et la cohésion sociale, s’effectuant au présent et étant constamment réactualisées. Ce mémoire propose l’exercice théorique d’appliquer cette nouvelle conception performative du patrimoine en général à l’étude du rôle que tiennent les vestiges industriels, type de patrimoine souvent laissé pour compte, dans la société montréalaise. L’adoption d’une nouvelle définition de la notion de patrimoine industriel, soutenant l’idée que le tangible ne peut être compris et interprété que par l’intangible, permet l’étude de pratiques sociales et culturelles inusitées comme l’exploration urbaine, la photographie de ruines et les installations artistiques, témoignant des valeurs et des significations qui sont attribuées par une partie de la population aux ruines industrielles. Ce travail aborde également les usages plus orthodoxes des restes industriels, comme la reconversion et la conservation patrimoniale, afin de vérifier s’ils peuvent également être inclus dans une approche performative du patrimoine industriel. Il est souhaité que cette étude des usages conformes et non conformes des restes industriels mène à une réflexion sur les modes d’expérimentation et de diffusion du patrimoine industriel aptes à consolider les significations et les valeurs accordées à ces vestiges. / The notion of heritage, formerly attached to concepts such as art and monument, seems to these past years emancipate itself from its traditional material forms to include more and more intangible manifestations. Authors (Smith 2005; Graham, Ashworth et Turnbridge 2000) wanting to rethink the shaping of the notion have even suggested to conceive heritage as a cultural active process that would be a product of its environment and would be mainly constituted of actions, such as remembering, transmission of memory and knowledge, definition of identity and social cohesion, all undergoing in the present and being continuously actualized. This dissertation proposes the theoretical exercise of applying this new active conception of heritage to the study of the role that industrial remnants, a sort of heritage often discarded, plays in Montreal’s society. The adoption of a new definition of the notion of industrial heritage that withstands the idea that the tangible can only be understood and interpreted by the intangible allows the study of social and cultural practices, like urban exploration, ruin photography and artistic installations, who attest of the values and significations that a part of the population associates with industrial ruins. This work will also tackle the more orthodox usages of industrial remnants, such as conversions or patrimonial preservations, to see if those can also be included in a performative concept of industrial heritage. This study on the conventional and non conventional usages of industrial ruins wishes to contribute to the reflection on modes of experiencing and sharing industrial heritage that could comply with the values and significations that are assigned to these remnants. / Pour respecter les droits d’auteur, la version électronique de ce mémoire a été dépouillée de ses documents visuels et audio‐visuels. La version intégrale du mémoire [de la thèse] a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Il est désormais commun de reconnaître que le cinéma, aujourd’hui, s’émancipe de son dispositif médiatique traditionnel, adoptant maintes formes liées aux champs culturels qui l’accueillent : jeux vidéo, web, médias portatifs, etc. Toutefois, c’est peut-être le champ des arts visuels et médiatiques contemporains qui lui aura fait adopter, depuis la fin des années soixante, les formes les plus désincarnées, allant parfois jusqu’à le rendre méconnaissable. À cet effet, certaines œuvres sculpturales et installatives contemporaines uniquement composées de lumière et de vapeur semblent, par leurs moyens propres, bel et bien reprendre, tout en les mettant à l’épreuve, quelques caractéristiques du médium cinématographique. Basé sur ce constat, le présent mémoire vise à analyser, sur le plan esthétique, cette filiation potentielle entre le média-cinéma et ces œuvres au caractère immatériel. Pour ce faire, notre propos sera divisé en trois chapitres s’intéressant respectivement : 1) à l’éclatement médiatique du cinéma et à sa requalification vue par les théories intermédiales, 2) au processus d’évidement du cinéma – à la perte de ses images et de ses matériaux – dans les pratiques en arts visuels depuis une cinquantaine d’années, et 3) au corpus de l’artiste danois Olafur Eliasson, et plus spécialement à son œuvre Din Blinde Passager (2010), qui est intimement liée à notre problématique. Notre réflexion sera finalement, au long de ce parcours, principalement guidée par les approches esthétiques et philosophiques de Georges Didi-Huberman et de Jacques Rançière. / It is now common to acknowledge that cinema, today, is emancipated from its traditional media figure, adopting various forms related to the cultural fields that welcome it : video games, web, portable medias, etc. However, it is perhaps the visual and media contemporary arts that have morphed it, since the late sixties, into the most disembodied forms, even sometimes beyond recognition. To this end, some contemporary sculptures and installations only composed of light and steam seem, by their own means, to have adopted, and simultaneously put to the test, some characteristics of the cinematographic medium. Based on this observation, this paper aims to analyze, on an aesthetic level, this relationship between media-cinema and the nature of these immaterial artworks. To do so, our analysis will be divided into three chapters focusing respectively on : 1) the expansion of the cinema and its requalification as seen by intermedial theories, 2) the cinema’s loss of its images and materials in some visual art practices since the last fifty years, and 3) the artistic corpus of Danish artist Olafur Eliasson, and more precisely his work entitled Din Blinde Passenger (2010), which is intimately related to our subject matter. Finally, our reflection will mainly be guided by the aesthetic and philosophical approaches of Georges Didi-Huberman and Jacques Rancière.

Resitué dans le contexte original, L’Écrit Beaubourg, le mot «moviment » s’avère emblématique des pratiques poétiques de Ponge. ll incarne en un seul mot deux éléments fondamentaux 1 le jeu de décalage et de rapprochement des choses différentes, et la matérialité du moyen d’expression. Sous le principe de l’éloge paradoxal, ces caractéristiques permettent la synthèse textuelle des éléments contradictoires, notamment le temps et l’espace, l’abstrait et le concret. Ajouté à cette animation intellectuelle, les textes se meuvent dans leur composition comme un corps organique, en tant que composants fragmentaires de l’œuvre du poète. Dans les écrits sur l’art, Ponge procède également à l’éloge paradoxal en corrélation avec son appréhension de l’art plastique qui transforme l’émotion temporelle et personnelle en matière substantielle et communicative. C’est justement dans ces «poèmes de circonstance>> que se manifestent ses poétiques les plus contradictoires, celle de l’abstraction concrète et concise, et celle de la monumentalité dans le mouvement. Entre l’épaisseur des mots et la surface plane de la page, le poète les met en œuvre particulièrement dans ses journaux poétiques sur les objets d’espace 1 La Fabrique du pré et La Table. Suggérant la forme musicale « moment », et la forme spatiale parallélépipédique par le segment « ment », le « moviment » concrétise la poésie à trois dimensions, qui, à l’instar du Centre Pompidou, conserve la mémoire collective langagière en la renouvelant sans cesse par le biais de l’incitation à la mise en pratique de la parole. / Replaced in its original context, L Ecrit Beaubourg, the word “movement” appears to be a symbol of Ponge’s poetical practice. ln one only word it associates two fundamental elements: a play with the divergence and association of various things, and the materialism of the expression mode. On the basis of the paradoxical praise, these characteristics allow the making of a textual synthesis of contradictory elements, in particular of time and space, of the abstract and the concrete. Added to this intellectual vitality, the texts evolve in their composition like an organic body, as fragmentary constituents of Ponge’s work. ln his writings on art, he carries out also the paradoxical praise in accordance with his approach of plastic arts which convert temporal subjective emotions into substantial communicable materials. lt is precisely in his ‘poemes de circonstance’ (occasional poems) that his most contradictory poetics appear: that of concrete concise abstraction and that of monumentality in movement. ln between the thickness of the words and the flat surface of the pages, Ponge makes use of them particularly in his poetic diaries: La Fabrique du pré and La Table. Suggesting the musical form “moment”, and the parallelepiped spatial form by the segment “ment”, “movement” embodies the three-dimensional poetry, which keeps, as the Pompidou Center, the collective memory of words, revitalizing it constantly through the encouragement to practical applications of language.

Admirée pour son architecture imposante et richement ornée, la tour sud de la cathédrale de Senlis constitue l’une des rares flèches monumentales du XIIIe siècle parvenue jusqu’à nous. Cette recherche résolument interdisciplinaire explicite le déroulement de cet ambitieux chantier, en convoquant aussi bien l’analyse historique, l’archéologie du bâti que les techniques numériques. Le surhaussement de la façade occidentale par cette tour de 80 m de haut illustre l’ambition des évêques de Senlis, désirant parachever la plus petite cathédrale du nord de la France. En reconstituant la topographie de Senlis au Moyen Âge, il est possible d’étudier précisément l’impact de la flèche sur le paysage urbain et périphérique ainsi que les phénomènes d’émulation avec les tours civiles et religieuses. Une étude archéologique enrichie par l’étude des traces d’outils précise les travaux de renforcement de la façade occidentale en prévision de la flèche. La numérisation de la tour au moyen d’un scanner laser 3D permet de l’étudier dans ses moindres détails, en proposant une analyse architecturale, géométrique, mécanique et en s’interrogeant sur les nombreuses déformations des parois. L’étude de l’abondant décor sculpté précise une datation jusqu’ici très large et articule le chantier avec le premier transept de la cathédrale, chronologiquement proche. Enfin, l’étude matérielle de la flèche explicite l’organisation du chantier de construction, en s’intéressant aux méthodes de mise en œuvre, à la mise en place des échafaudages et aux étapes successives d’édification. / Admired for its imposing and richly ornamented architecture, the south tower of Senlis Cathedral is one of the few 13th century monumental spires that has been preserved till today. This resolutely interdisciplinary research enlightens the progress of this ambitious project, by combining historical analysis, building archaeology and digital techniques. The superelevation of the western façade of the Cathedral underlines the ambition of the bishops of Senlis, who wished to complete the smallest Cathedral in northern France. By reconstituting the topography of Senlis in the Middle Ages, it is possible to study precisely the impact of the spire on the urban and peripheral landscape as well as the phenomena of emulation with the civil and religious towers. An archaeological study enriched by the analysis of the traces of tools specifies the reinforcement work of the western facade in anticipation of the spire. The digitalization of the tower through the scanner laser 3D method allows a detailed study, proposing an architectural, geometrical, mechanical analysis and highlighting the numerous deformations of the walls. The study of the abundant sculpted decorations provides a more precise chronology than before and articulates the construction with the first transept of the Cathedral, chronologically close. Finally, the study of the materials used in the construction of the spire enlightens the organization of the construction site, focusing on the work made, the implementation of scaffoldings and the successive stages of the construction.

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