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Cette thèse se propose de rendre compte du changement dans les manières de faire et de penser le théâtre indépendant en Argentine entre 1983 et 2003. Le contexte socio-politique étant fortement marqué dans les années post-dictature, l’activité théâtrale se reconfigure, et ce changement suppose une modification de l’ordre des pratiques. Il implique, pour la communauté théâtrale, à la fois des bouleversements d’ordre symbolique des catégories de perception et d’appréciation.À travers une approche située au croisement de l’analyse sociologique du phénomène et de l’analyse de ses spécificités esthétiques, nous suivrons trois objectifs. Premièrement, il s’agira de procéder à une analyse sociohistorique du concept polysémique d’indépendance théâtrale, afin de déterminer ses différents usages et significations. Deuxièmement, nous analyserons la reconfiguration de l’espace théâtral indépendant à travers ses différents acteurs (artistes, médiateurs, critiques), les oeuvres qui ont fait date et les espaces de création, de circulation et de légitimation. In fine, nous identifierons les formes de production d’une nouvelle théâtralité (c’est-à-dire les modalités spécifiques du jeu des comédiens dans la fabrique de la fiction théâtrale et dans leur rapport au réel) ainsi que la possible émergence d’une politicité au cœur de la production de la nouvelle scène indépendante et contemporaine en Argentine. / The aim of this thesis is to account for the changes occurred in the ways independent theatre is performed and thought about in Argentina, between 1983 and 2003. The social-political context is strongly marked by the post dictatorship years therefore the activity linked to theatre is reconfigured and this change implies a revision of this very practice. For the performing community, it implies a reworking of the symbolic order in relation to both perception and appreciation of theatre.In this approach at the crossroad of sociological analysis of the artistic phenomena and the comprehension of its esthetical specificity, we will pursue three goals. First, we will embark in a socio-historical analysis of the polysomic concept of theatrical independence, in order to define its meanings and practices. Secondly, we will analyse the reconfiguration of independent theatre through its various players (artists, facilitators critics), as well as the major theatre works that have been a landmark and the analysis of spaces for creativity, movement and legitimation of such works. Finally, we will identify the forms of production for a new theatrical approach (the way comedians act, create a new type of fiction and how they connect to reality) as well as the possible emergence of a political pledge at the very heart of the new independent and contemporary scene of Argentina’s theatre.

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Semblable à un véritable musée portable, cette ‘boîte en valise’ découpe des figurines, morcelle les lectures, arrache des pages entières d’une histoire de l’art racontée dans les livres. Si l’objet de l’histoire de l’art est établi une fois pour toutes, nous cherchons à arrêter ce mouvement perpétuel qui auratise l’œuvre d’art puis son discours. Nous lisons des livres d’histoire de l’art en guise de parcours dans de vastes galeries anachroniques, arrachés de tout emplacement physique et repliés dans des pages de livres. Nous sommes des historiens d’art qui travaillent avec des images de reproduction technique, des clichés photographiques qui ont perdu leurs couleurs, qui ont délaissé sur la légende le poids de la taille et le lieu d’emplacement. À plusieurs égards, l’œuvre d’art reste en suspens : inlassablement auratisée par le récit, elle demeure éloignée. C’est dans le double éloignement de l’œuvre d’art que nous déployons notre objectif de travail : il s’agit d’une part d’ouvrir et de déceler les stratégies du récit historiographique lors du tissage discursif où l’art latino-américain est inscrit. D’autre part, il est question d’exposer l’échafaudage du récit où les images de reproduction technique, très loin d’illustrer ou de démontrer l’explication, désamorcent la continuité du récit. Alors, si le papier supporte l’étude historique, c’est sur la même surface où les images de reproduction des œuvres d’art démontent l’explication pour montrer, pour exposer, la cassure dans le discours historique. L’effet de charriage qui emporte l’explication en tant que guide de toute démonstration se défait avec l’utilisation des images de reproduction. Autrement dit, les images de reproduction ouvrent les pages de livres vers d’autres directions ; elles montrent, démontrent et démontent toute explication du récit historiographique. / As a real “portable museum” this “box in a valise” cuts images, bites readings and rips the pages of Art history books. If the subject of Art history is finally established, we want to stop this perpetual movement that auratizes the work of art and its discourse. We read Art history books as if we were in a race throughout large anachronic galleries ripped from any physical location and placed in book pages. It is we, art historians who work with images reproduced by means of technology, photographic clichés that have lost their colour and have left to the legend the weight of size and place. In many ways the work of art rests in suspense, tireslessly auratized by the narrative it remains absent. It is in this double absence that we display the object of our work, on the one hand we attempt to open and identify the strategies of the historiographical narrative and then the discursive tissue where Latin American art is inscribed. On the other hand we will attempt to expose the historical framework where the images technically reproduced are far from illustrate or explain and instead break the continuity of the narrative. So, if the paper supports the historical study it is on this same ground where the images reproducing works of art dismantle the explanation to show and to expose the fracture of the historical discourse. The effect of thrust that carries an explanation as a guide for any demonstration is defeated with the use of images of reproduction. In other words, the images of reproduction open the pages of books towards other directions; they show, demonstrate and dismantle any explanation of the historiographical narrative.

Esquisser le portrait de la commaunauté des peintres lyonnais, entre le début du règne de Louis XI (1461) et la crise de la fin des années 1520, a constitué le présupposé de cette recherche. Le recours aux sources (comptables, fiscales et ecclésiastiques) s’est révélé indispensable à l’étude prosopographique et à une démarche d’histoire sociale de l’art, permettant la localisation des peintres, de leurs ateliers, les quelques filiations, leur place enfin (fortune et position sociale) dans la cité. Mais au-delà de cette première approche, l’étude des commanditaires, personnages capitals de la production artistique, a permis de définir plus finement le visage de la pratique picturale lyonnaise. Entre notables, Consulat, ecclésiastiques et rois, les activités de commande dans la ville ont souligné l’absence de grands chantiers et de grandes commandes dans ces décennies de prospérité croissante. Ce sont donc les fêtes, au premier rang desquelles les entrées royales et solennelles, qui mobilisent les forces économiques, littéraires et évidemment artistiques. L’étude des protagonistes de ces cérémonies royales et urbaines comme des thèmes déployés permet de caractériser de façon plus précise l’articulation entre artistes, commanditaires et cité comme d’approfondir la connaissance sur la pratique des peintres, en effet mieux détaillée dans ce cadre. / To sketch the portrait of the painters’ community of Lyon, between the beginning of the reign of Louis XI (1461) and the crisis of the end of 1520s, was the presupposition of this research. The appeal to sources (accounts, taxes and from ecclesiastic origin) showed itself essential to the study of painters and to the approach of social history of the art, allowing the location of them, their workshops, the some filiations, their place finally (fortune and social position) in the city. But beyond this first approach, the study of the patrons, major characters of the artistic production, allowed to define more finely the face of the pictorial practice of Lyon. Between notables, consuls, Consulate, clerics and kings, the activities of command in the city underlined the absence of big construction sites and big orders in these decades of increasing prosperity. They are thus the festivals, in the front row of which the royal and solemn entries, which mobilize the economic, literary and obviously artistic strengths. The study of the protagonists of these royal and urban ceremonies as spread themes allows to characterize in a more precise way the articulation between artists, patrons and city as to deepen the knowledge on the practice of the painters, indeed better known by this way.

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La création artistique de l’entre-deux-guerres en France est transformée par l’internationalisation du marché de l’art, la vitalité des avant-gardes et la diffusion sans précédent des revues d’art. La galerie d’art, par l’action de galeristes engagés et professionnels, s’impose alors comme un lieu central du marché de l’art moderne. Vouée au commerce des œuvres, elle se dote d’une identité nouvelle en faisant de son espace un lieu de socialisation et de débats intellectuels. Cette conjoncture explique en partie la naissance d’un nouveau mode de communication de la galerie d’art : la revue de galerie. Cet outil de promotion a pour principale mission de diffuser l’actualité des expositions et des artistes liés à la galerie. Mais il cherche également à être une tribune ouverte, un lieu d’expression et de dialogues où se rencontrent théories artistiques et synthèses du marché de l’art contemporain, règlements de comptes et pamphlets, littérature et poésie. Au-delà de sa dimension promotionnelle, la revue de galerie, objet sociologique, tisse des liens entre les différents acteurs d’un même cercle socio-culturel. Les principales revues de galerie de l’entre-deux-guerres (Les Arts à Paris, 1918-1935 ; le Bulletin de la vie artistique, 1919-1926 ; le Bulletin de la galerie B. Weill, 1923-1935 ; le Bulletin de l’Effort moderne, 1924-1927) mettent ainsi en place des modèles éditoriaux durables, qui perdureront tout au long du XXe siècle. Il s’agit d’un phénomène culturel international, de sorte que le contexte parisien ne peut être compris que par comparaison, notamment avec celui des Etats-Unis (revue 291), de la Belgique (Le Centaure) ou de l’Allemagne (Der Querschnitt), qui développent leurs propres spécificités. / Art production in France is changed in the interwar years by the globalization of the art market, the vitality of the avant-gardes and the unprecedented diffusion of art periodicals. The art gallery, through the actions of socially and politically committed art dealers, is becoming a major place for the modern art market. Dedicated to the trade of artworks, it acquires a new identity by encouraging socialization and intellectual debates. This context creates new communication means for art galleries: the art gallery magazine. As a promotion tool, the main mission of the periodical is to spread news about exhibitions and artists related to the gallery. Sustained by the ideals of their editors, they offer an open platform, an utopian space of free speech and dialogue, where art theories and contemporary art market analysis, score settling and satirical tracts, literature and poetry meet. Beyond its promotional function, the art gallery magazine, as a sociological object, also establishes links between the various players of a social and cultural group. The main gallery magazines of the 20th Century (Les Arts à Paris, 1918-1935; le Bulletin de la vie artistique, 1919-1926; le Bulletin de la galerie B. Weill, 1923-1935; le Bulletin de l’Effort moderne, 1924-1927) invent lasting editorial references that will last throughout the 20th century. Operating in Paris, art gallery magazines fall within an international cultural context, as demonstrated by the presence of such magazines in the United States (291), Belgium (Le Centaure) or Germany (Der Querschnitt), all developing their own specificities.

Les musées d’art sont des lieux privilégiés pour contempler les productions artistiques du passé et d’aujourd’hui. En vertu de leur mandat, ceux-ci ont la tâche difficile de concilier leurs fonctions de délectation et d’éducation du public. Certains favorisent une approche plutôt que l’autre, mais tous portent un regard subjectif sur ce qu’ils exposent. Même si les oeuvres semblent être disposées naturellement dans les salles, tout ce qui relève de la conception et de la réalisation des expositions est savamment construit et résulte d’un parti-pris de la part du musée. En fonction de ses choix, c’est-à-dire de ce qu’elle présente ou non et comment elle le fait, l’institution muséale participe à la définition de ce qu’est l’art et influence la signification des oeuvres. En conséquence, chaque musée est producteur d’un discours qui véhicule notamment sa vision de l’histoire de l’art et ses valeurs institutionnelles. Ce discours est produit tant par les écrits qui sont installés auprès des oeuvres que par l’ensemble du dispositif muséographique qui les entoure. Ce mémoire explore, à travers l’analyse comparative de quatre musées des beaux-arts québécois, les éléments constitutifs d’un tel discours ainsi que les relations qui s’instaurent entre les différentes composantes du discours muséal et ce qui est montré dans leurs salles d’exposition. / Art museums are the perfect settings to gaze at past and actual works of art. According to their mandate, the museums have to conciliate two functions that can be difficult to manage, that is to say their functions of enjoyment and education. Some favor one approach instead of the other, but each museum is subjective in the way it exhibits works of art. Even if the art seems to be displayed naturally in the galleries, everything that is related to the conception and the realisation of the exhibition is the object of a construction and results from a decision of the museum. In accordance with their choices, that is to say which objects are presented or not, and the way they are exhibited, the museums contribute to define what art is, and influence the meanings of the works of art. Consequently, each museum transmits its own vision of art history and its institutional values. This particular discourse can be foregrounded as much by the writings installed near the works of art as by the museography around them. With a comparative analysis of four fine arts museums from the province of Quebec (Canada), this thesis explores a typology of museums discourses, as well as the intertwined relations between the different components of those discourses and the works of art that are shown in their galleries.