Entre le style de Gilles Deleuze et le plaisir du texte de Roland Barthes: le texte. Une écoute de mots et de choses. L'écriture surtout et tout ce qu'elle dérange: la pensée, le corps, une couleur sans lieu. Déplacer les mots, découper les énoncés: un procédé. Le double, le monstre, le Corps sans Organe, la mort, la dissipation, le sens, l'événement. Une obsession, subtil peut-être: le jaune, le jaune-événement. Répétition: le jauneinsistance, persistance. Parole, son, chose, effet. De poésie? Le texte: il parle du jaune. Mais il parle plutôt de ce que disparaît et devient transparent. Du corps immobile, de sa pénible chute et de sa disparition. Qu'est-ce qu'il y a après l'oubli? Peutêtre le jaune. Un corps bouleversé? D'un corps défait ce que reste c'est l'intensité. Le jaune intense. De l'écriture ce que reste c'est la marque. / Entre o estilo de Gilles Deleuze e o prazer do texto de Roland Barthes: o texto. Uma escuta das palavras e das coisas, a escritura em primeiro plano e tudo o que ela desestabiliza: o pensamento, o corpo, uma cor sem-lugar. Tirar as palavras de seu lugar, trabalhar com recortes de frases: um procedimento. O duplo, o monstro, o Corpo sem Órgãos, a morte, o esvaecimento, o sentido, o acontecimento. Uma obsessão, sutil talvez: o amarelo, o amarelo-acontecimento. Repetição: o amarelo insistência, persistência. Palavra, som, coisa, efeito. De poesia? O texto: fala do amarelo. Mas, antes, do que desaparece e se torna transparente. Do corpo imóvel, de sua dura queda e de seu esvair-se. O que há depois do esquecimento? Talvez o amarelo. Um corpo desarrumado? De um corpo desfeito, o que resta é o intenso. Amarelo intenso. Amar-elo. Do amar, o elo. Da escrita, a marca. Redonda-me(nte)-amarela.

Cette étude se situe dans le contexte des échanges culturels franco-chinois qui se produisent à Shanghai pendant les années vingt et trente et à Taïwan pendant les années cinquante et soixante. Nous nous proposons d’interroger la quête poétique — la quête de la métamorphose — à laquelle s’adonnent, avec l’aide du symbolisme ou du surréalisme, des poètes chinois sur un fond de conflits intellectuels, idéologiques et militaires. Ces écoles françaises sont intimement liées au destin personnel de ces poètes qui se voient à la merci de celui de leur pays. Aussi munis des ailes symbolistes ou surréalistes, ils ne peuvent échapper à une réalité pénétrée par la politique. Le fond historique et culturel en question renvoie à un cadre de référence structuré par les six principaux groupes d’écrivains qui contribuent à l’échange poétique franco-chinois et qui sont inévitablement impliqués dans la politique : la “Société d’études littéraires”, “Création”, l’école “Le croissant” et l’école “Moderne” à Shanghai durant les années vingt et trente ; l’“École moderne” et “Genèse” à Taïwan durant les années cinquante et soixante. C’est dans ce cadre que nous discutons, sur la base d’une analyse textuelle, de la réception du symbolisme à Shanghai et de celle du surréalisme à Taïwan. / Situated in the context of the Franco-Chinese cultural intercourse which happens in the Shanghai of the 20s and the 30s and in the Taiwan of the 50s and the 60s, this study aims to discuss the poetic quest — the quest of metamorphosis — to which some Chinese poets devote themselves by referring to symbolism or surrealism, a quest which takes place against a background of intellectual, ideological, and military conflits. These French literary schools are intimately linked with the fate of these poets at the mercy of the fate of their country. No matter how well they are equipped with symbolist or surrealist wings, they cannot escape from the reality of an age penetrated by politics. The historical and cultural background in question has to do with the frame of reference constituted by the six principal groups of writers reputed for their contributions to Franco-Chinese poetic intercourse : “Society of literary studies”, “Creation”, the school “New Moon”, and the school “Modern” in Shanghai during the 20s and the 30s; “Modern School” and “Genesis” in Taiwan during the 50s and the 60s. They are all involved in politics. It is within this frame of reference that we approach the subject of the reception of symbolism in Shanghai and that of the reception of surrealism in Taiwan on the basis of a textual analysis.

Ce travail met en relief une relecture du Baroque, en particulier du courant culterano, qui a eu lieu au Mexique au début du 20e siècle. La génération d'écrivains réunis autour de la revue Contemporaneos joue un rôle central dans un mouvement de fond de récupération du lien avec la tradition de la Nouvelle Espagne, dont notamment la figure centrale de Sor Juana Inés de la Cruz. Cette vision ample de l'histoire de la littérature du Mexique se centre plus précisément sur le rôle de deux poèmes, qui constituent des paradigmes des enjeux qu'un tel passage culturel implique, "Muerte sin fin" de José Gorostiza et "Primero Sueno" de Sor Juana Inés de la Cruz. / This work highlights the rediscovery of Gongora's Baroque that took place in Mexico at the beginning of the 20th century. The writers of the generation united around the literary revieuw Contemporaneos play a key role in a movement focused on rebuilding cultural ties to New Spain. A principal leader of this period was Sor Juana Inés de la Cruz. This broad overview of Mexico's literary history specifically focuses on the role of two poems - "Muerte sin fin", by José Gorostiza, and "Primero Sueno"by Sor Juana Inés de la Cruz - which constitute paradigms of the era's cultural shift.

Rendue officielle en 2008, la récente acquisition de documents personnels du poète mexicain Efraín Huerta (1914-1982) par la Bibliothèque Nationale du Mexique constitue le point de départ de notre travail de recherche. Efraín Huerta est un auteur dont lřoeuvre est méconnue en France et qui menace de tomber dans lřoubli au Mexique. Aussi sřagit-il dřexplorer la trajectoire de ce poète ‒ dont lřoeuvre nřa pas toujours été considérée à sa juste valeur dans son pays ‒ à partir de documents portés pour la première fois à la connaissance du public : les lettres et les poèmes adressés à Mireya Bravo qui deviendra son épouse en 1941. Nous avons volontairement choisi de nous arrêter sur les trois premières années de sa correspondance (1933-1935) afin de revenir sur les débuts poétiques de lřauteur. Lřécrit épistolaire dévoile sa formation littéraire par les nombreuses citations quřil convoque en même temps quřil révèle une écriture en germe se forgeant au fil des missives. Cřest donc à partir dřune analyse des lettres et des poèmes devenus un matériau indispensable, que nous nous proposons dřapprocher la genèse dřune oeuvre dont le premier recueil publié en 1935 porte le titre emblématique de Absoluto amor. / The starting point of our research is based on the personal documents from the Mexican poet Efrain Huerta (1914-1982) newly acquired by the Mexican National Libraryand officially revealed in 2008. Efrain Huertařs work is quite unknown in France and threatened to fall into oblivion in Mexico. Therefore, our purpose is to analyse the evolution of the poet whose work has not always been considered to its fair value in its own country, from unpublished documents constituted by the letters and poems he wrote to his wife to be in 1941: Mireya Bravo. We deliberately chose to focus on the first three years of his mail (1933-1935) in order to study the authorřs poetic debuts. The epistolary work reveals his literary inspiration through the numerous quotes he uses as well as it demonstrates a style becoming more and more personal throughout the letters. As a consequence we propose to study the genesis of his first book of poesy published in 1935: Absoluto amor through an analysis of his letters and poems enclosed in his mailing

André Velter est un des poètes qui a le plus recherché des collaborations. Il fonde son Dire sur un Tu en co-présence. Le dialogue est au fondement de sa poésie de la présence, il s’expose dans Aisha, puis évolue dans Dar-î-Nûr. Vallée de la lumière (deux livres de poésie écrits avec Serge Sautreau) d’une poésie du visage à une poésie du paysage. Si de 1963 à 1976 une écriture (néo-)surréaliste prévaut dans l’œuvre d’André Velter, ses voyages au long cours en Afghanistan et ses séjours en Himalaya à partir des années 1980 orientent définitivement son style vers un lyrisme aride, marqué par les cultures et les paysages du Haut-Pays, dont témoignent Le Haut-Pays et L’Arbre-Seul. L’amour extrême : poèmes pour Chantal Mauduit, qui appartient au lyrisme amoureux qu’il développe entre 1996 et 1998, signe l’apogée de sa création en étoffant désormais son style aride d’une tendance lyrique fauve. Cette thèse propose une reconstruction de la poétique de l’auteur sous l’égide d’une notion centrale : la poésie vécue. Elle présuppose la continuité de l’œuvre et de la vie dans la catégorie de l’œuvre-vie. L’analyse de la poïétique d’André Velter en tant que géopoïéthique nomade – valorisant son affinité avec la catégorie poéthique et la méthode géopoétique – permet l’intégration mutuelle de l’œuvre et de la vie, impliquant les contextes géographiques, historiques et autobiographiques. L’engagement, la révolte et l’amour naissent poétiquement dans un même mouvement qui lie la structure poïétique profonde du Dire, basée sur des valeurs qu’implique la Relation lyrique à l’Autre (l’étranger, l’inconnu), à un éthos singulièrement velterien, qui est indissociable de son style. Le paysage du poète se présente ainsi par son Dire et par son Dit en tant que poésie vécue d’André Velter. / The thesis ‘The Living Poetry of André Velter’ develops an analytical approach to the Velterian œuvre – a genre of geopoetics in the style of Kenneth White. Using the recently developed concepts of ecocriticism, geocriticism, literary geography, landscape thinking (pensée-paysage) and poethics, the thesis approaches the body of Velter’s lyrical creation between 1963 and 2013. From this approach the analytical concept of mondopoethics is developed and clearly defined as a method for analysing Velter’s lyrical work and ideas, in particular his “living poetry”. This concept of mondopoethics arises from the nature and characteristics of Velter’s poetry and is also appropriate for analysing other poietic (lyrical and non-lyrical) work.The main research is focussed on the style, themes and poiethics of André Velter’s lyrical work between 1963 and 2001. The analysis reveals three main periods. The first being a neo-surrealist period from 1963 to 1976. This is followed by a mature period called ‘arid lyrics’ (lyrisme aride) from 1976 onwards. In this period Velter’s work is sustained by two complementary themes – the ‘arid’ and the ‘fauve’. The ‘arid’ style develops into the wilder ‘fauve’ style which then becomes dominant by about 1996. This development initiates the third main lyrical period from 1996 onwards. During the mature ‘arid lyrics’ period the two integrated and opposing themes (‘arid’ and ‘fauve’) create an energetic tension as between two opposite poles. The poems identified as thematically ‘arid’ are principally related to long journeys throughout Afghanistan and the Ladakh-Himalaya. The poems identified as thematically ‘fauve’ are related to wild love, death and mythic animals such as various birds, yaks, the gypsy horse Zingaro and the bull of the corrida. The change in style from ‘arid’ to ‘fauve’ corresponds closely with the changes revealed by the poet’s biography.In 1976 Velter leaves Paris for the mountains of Afghanistan and the Himalaya. These eastern landscapes, and eastern cultures such as Sufism and Buddhism, then influence his poetry which turns towards orality and integrates breath and step into its rhythm and typology. His passionate love for the alpinist Chantal Mauduit in 1996 and her sudden death in the Himalaya in 1998 turns Velter’s lyrics towards the great themes of love and death – particularly in his trilogy ‘L’amour extrême: poèmes pour Chantal Mauduit’ (2007).The principal poiethic structure sustaining the poems throughout all creative periods is the dialogic principle ‘I – You’ (cf Martin Buber’s coupling ‘I – Thou’). All the poems in the Velterian lyrics have an addressee. This may be a friend – as in the ‘You – Thou’ of the poem ‘Aisha’ (1963) (co-written with Serge Sautreau), or a location – as in the poem of the Afghan landscape ‘Dar-î-Nûr’ (1978/1983). This fundamental dialogical poiethic principle culminates with the love lyrics addressed to Chantal Mauduit. It continues in Velter’s poems even after her death: ‘You are the voice/that responds to my voice/no poem ever without it’. It also nourishes the artistic co-creation with painters and musicians, highlighting what Velter calls ‘a new oral poetry’ (nouvelle oralité poétique, 1999). / Die poésie vécue André Velters ist eine Antwort auf Lebens- und Erlebensprozesse. Sie entsteht an der Wurzel des Werdens und ist eingebettet in eine umfassende Liebe zum Leben. Ihr innerstes poietisches Prinzip ist eine Quelle poetischer visio und auditio. Dieses lyrische Prinzip stellt der Dichter im Gedicht durch sein Dire (Sagen) dar, dem das Dit (Gesagte) des Gedichtes korrespondiert. Poesie wird als co-naissance des lyrischen Subjekts und der Wirklichkeit (le réel) sowohl außerhalb der Sprache als auch im Akt des Sagens gebildet. Wenn die Poesie als Gesagtes dem Ursprung ihres Sagens radikal korrespondiert (ihm entsprechend antwortet, ko-respondiert), vermittelt sie in Bildern und Figuren ein lyrisches Ethos. Dieses Ethos repräsentiert performativ die singuläre poésie vécue André Velters. Es gründet auf einer dialogischen Fundamentalpoethik, die dem Anderen und dem Raum antwortet. Durch ihren Bezug zur Quelle, das heißt, zur Genese von Welt, verkörpert die poésie vécue in arte das Unsichtbare an der Grenze zum Unverfügbaren. Diese Landschaft des Dichters öffnet dem realen Leben (la réalité) den Übergang hin zur Präsenz (présence) der lebendigen poetischen Bewegung (mouvement perpétuel) von Wirklichkeit (le réel). Die Dynamik der poésie vécue wird getragen von den polaren stilistischen Prinzipen des lyrisme aride und des fauvisme, die in der Spannung von Knappheit (dénuement) und Übermaß (démesure) das Gedicht formal und inhaltlich bestimmen.Das radikale Prinzip der poésie vécue zeichnet sich durch hauptsächlich drei Perioden aus. Während der Revolten in Paris 1963-65 keimt eine engagierte Lyrik im Dialog mit Serge Sautreau auf. Sie transformiert sich durch das Erleben der Kulturen, Landschaften und religiösen Praktiken in Afghanistan und im tibetisch geprägten Ladakh-Himalaja während der späten siebziger, achtziger und frühen neunziger Jahre. Sie erreicht ihre vollkommene Form in der Liebeslyrik für die 1998 im Himalaja durch eine Lawine getötete Alpinistin Chantal Mauduit.

Cette recherche comparatiste évoque les aspects essentiels de la dimension française dans la poésie bessarabienne du XXe siècle. L’exemple si suivi de l’imagerie française, déterminante dans la synchronisation, voire la postsynchronisation littéraire de l’espace roumainophone (y compris celui bessarabien) avec le monde occidental, se manifeste depuis toujours. Lors de cette migration imagologique la réception de l’élément étranger implique la notion du temps. Au temps linéaire historique d’une société est opposé le temps cyclique de l’image, sinon du stéréotype. La crise du temps engage la crise identitaire. Dans le contexte littéraire local la quête identitaire évolue implicitement avec la recherche esthétique. Des motifs empruntés, dans la plupart des cas de souche française, mythiques ou paramythiques, récurrents ou occasionnels – tout est invoqué afin de raccorder une littérature marginale avec le centre convoité, qu’il soit roumain, français, européen… L’ouvrage se structure autour de la thématique réitérative (voyage, île, ville…), ou singulière (Cythère, Guernica…). Une place importante occupe les thèmes poésie et peinture, paysage et recherche identitaire, ainsi que l’étude d’anthropologie culturelle « Mythe ou paramythe ». Une grande partie du texte est accordée au suivi imagologique de la présence française en régime totalitaire. Suite à une mentalité stéréotypée, l’image française devient, respectivement, symptomatique. Elle symbolise, par ailleurs, un exutoire culturel. Déterminant dans la constitution de l’imaginaire esthétique bessarabien, le phénomène de réminiscence et d’intertextualité contribue à l’émergence d’un tableau poétique varié et disparate. / This comparative research suggests the essential points of French dimension of the Bessarabian poetry in the twentieth century. The explicit example of the French imaging, decisive for synchronization, indeed literary postsynchronisation of the Romanian space (including Bessarabian) with the western world, has always manifested. During this imagological migration receipt of the foreign element involves the concept of time. The historical linear time of a society is against the cyclical time of the image, if not the stereotype. The crisis of time obliges the identity crisis. In the context of local literary quest for identity is changing with the implicit aesthetic research. The borrowed motifs, in most cases of French descent, mythical or paramythical, recurring or occasional - everything is invoked to connect the marginal literature with a coveted center, whether Romanian, French, European ... The work is structured around the reiterative theme (travel, island, city ...) or singular (Cythere, Guernica ...). An important place occupies the themes poetry and painting, landscape and identity research, and the study of cultural anthropology "Myth or Paramyth“. Much of the text is given to monitoring imagological of the French presence in totalitarian regimes. Following a stereotyped mentality, the French image becomes, respectively, symptomatic. Moreover, it represents a cultural outlet. Decisive for the constitution of the Bessarabian aesthetic imagination, the phenomenon of reminiscence and intertextuality contribute to the emergence of a poetic picture varied and disparate.

La thèse l'oeil qui rendroit le plus barbare apris comprend un effort pour analyser les aspects de la rencontre de la poésie, des arts visuels et de la musique de la renaissance française. pour atteindre notre objectif, nous nous servirons de l'histoire et de la philosophie. ainsi notre approche sémiologique et en même temps humaniste apportera un tout nouveau regard sur les premières oeuvres de la modernité en france. notre étude commence par la poésie de pétrarque mais met l'accent sur l'oeuvre de jean lemaire de belges, pierre de ronsard, joachim du bellay, michel-ange (poésie et peinture), etienne jodelle et bien d'autres. quant aux peintres, nous analyserons les tableaux de l'ecole de fontainebleau, jean fouquet et jean clouet. de plus il s'avèrera profitable d'ajouter les images qui se trouvent dans les enluminures de l'époque. cette thèse s'enrichira avec les bâtiments renaissants français et la chanson de l'époque. les traités de peinture, architecture et poésie de cette époque nous aideront à mieux comprendre l'importance et la signification des formes, couleurs et thèmes, et aussi la relation qui existe entre les arts et la poésie de l'époque. a partir de la lecture des traités on peut apercevoir que l'humanisme joue un rôle déterminant dans le développement de la poésie, des arts visuels et même de la musique. /... / To find a definition of a complex concept such as melancholy, we decided to write a history of passions, because they are at the origin of all the excesses of this temperament. After an Antiquity that has promoted stoicism, Augustine proves that passions make us feel closer from God, imitate the existence of Christ and get to know the mercy. Thus, the melancholy is may be the temperament of wise persons, and also, according to Aristotle, the one of the heroes and the artists. For us, the parallelisms between the Vitruvian rhetoric and the elements of Durer’s Melencolia I emphasize the importance to find the order in the chaos of the imagination produced by the excess of black bile, specially among the artists. This representation of the melancholy like a lack of internal harmony belongs to the early years of the 16th century. A few years later, the French hypermanierisme let us understand that the ornament in buildings and paintings tried to fill spiritual emptiness of the period we are studying. Melancholy is the fear of nothingness.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Le travail est consacré au texte de chanson en tant que phénomène. La chanson étant un genre synthétique, les modes de coopération entre ses deux principaux univers, le texte et la musique, sont étudiés, afin de voir quels effets de sens produit leur coexistence. Cela est réalisé sur l’exemple de la chanson française des années 1950-1980 : à l’intérieur de cette période, trois auteurs (Serge Gainsbourg, Boby Lapointe, Nino Ferrer) ont été choisis, dont la similitude des styles permet de les regrouper sous la même appellation de « chanson formaliste ». Ce type de chanson affiche un intérêt particulier pour les jeux linguistiques (calembours, allitérations) et autres procédés rhétoriques ou ludiques (pastiches, parodies) et met en œuvre une intertextualité riche. Ce caractère est souvent paradoxal, car la musique, qui dicte des contraintes comparables à l’état du vers français à l’époque métrique, gomme certains de ces effets formels, et le genre chanson en général tolère mal les jeux linguistiques complexes. Le statut problématique du texte de chanson est lié au fait que, techniquement, il ne diffère guère du poème et peut être mis dans le même contexte culturel (notamment en étant publié ou récité), alors que son mode de fonctionnement n’est pas le même. L’analyse des textes de la chanson formaliste révèle que si les procédés utilisés par Gainsbourg, Lapointe et Ferrer existent aussi dans la poésie, le texte de chanson possède des caractéristiques qui lui sont propres, notamment un rapport nécessaire avec les autres éléments de la chanson (la musique, la performance), ainsi que la linéarité temporelle. / The thesis studies song lyrics as a concept. As the song is a synthetic genre, the modes of interaction between its two main domains, words and music, are studied, along with the effects of their coexistence. The example used it that of the French chanson of the 1950s – 1980s. Within this period, the study focuses on three authors (Serge Gainsbourg, Boby Lapointe, Nino Ferrer), whose songs, on account of their stylistic similarities, can be considered examples of the “formalist chanson”. This type of chanson prefers linguistic play (puns, alliteration) and other rhetorical or play-oriented devices (pastiche, parody), and makes heavy use of intertextuality. This is often a paradox, as music, as it entails constraints comparable to those of metric poetry, often minimizes formal effect; indeed, the genre of chanson in general is ill-suited to complex wordplay. The song lyric is problematic because whereas it is technically identical to the poem, and can also be put in the same cultural context (in particular, by being published or read aloud), the principles of its functioning are not the same. The analysis of “formalist chanson” lyrics reveals that while the devices used by Gainsbourg, Ferrer and Lapointe can also be found in poetry, the song lyric nonetheless possesses distinguishing features: in particular its dependency on the other elements of the song (music and performance), but also its temporal linearity.