Cette thèse en création littéraire contient trois parties. La première partie est constituée du texte de création littéraire : Ces jeunes filles parlent trop. Le texte est divisé en trois parties afin de rendre compte d'une parole multiple, comme le titre du texte le laisse penser. La création littéraire est constituée de poèmes en prose et en vers, ainsi que de fragments poétiques. Ce texte de création avait pour objectif d'expliciter la problématique suivante : Comment rendre compte de situations traumatisantes et du corps à travers différents objets? Ainsi le texte présente plusieurs objets dont le miroir, la bouteille et des tresses capillaires. La deuxième partie est divisée en trois chapitres. Le premier chapitre présente une analyse du corps poétique chez Anne-Marie Albiach dans son recueil Mezza Voce. Il s'agit ici de voir de quelle manière Albiach transforme le corps afin de permettre à celui-ci de devenir un objet d'écriture. Le deuxième chapitre aborde Les chants de Maldoror du comte de Lautréamont. Dans ce chapitre, un passage en particulier est analysé. Celui-ci nous servira à présenter de quelle façon le corps chez Lautréamont permet, malgré ses nombreuses mutilations, d'être un outil de transmission et de communication. La dernière partie ajoute une composante réflexive à la thèse. Il s'agira de présenter et d'expliquer la problématique et la thématique choisies. Le dernier chapitre, Création et corps, sert aussi à mettre en lien le texte de création et les auteurs abordés.

Cette thèse vise à analyser les rapports entre l’écrit et l’oral dans les deux premiers albums et recueils de Loco Locass. Il s’agira d’abord d’étudier, sur le plan sémantique, les relations établies entre les textes écrits et leurs homologues oraux afin de voir comment le passage d’un médium à l’autre engendre la polysémie qui à son tour soude les deux versions. L’interdépendance sémantique des textes oraux et écrits nous mènera ensuite à considérer la production de Loco Locass à l’aune de procédés textuels relevant soit de l’écrit soit de l’oral. Enfin, l’étude des caractéristiques génériques propres au rap d’une part et à la poésie d’autre part nous permettra de constater l’hybridité de notre corpus, qui remet en cause certains fondements théoriques tels que la binarité, trop souvent hermétique, entre l’oralité et l’écriture.

Le totalitarisme nazi, la souffrance, la mort de masse et d’êtres chers constituent des formes d’anéantissement présentes dans les parcours de Vladimir Jankélévitch, Jean Améry, Paul Celan et Jorge Semprun. Rescapés de la Seconde Guerre mondiale, ils ont subi, à des degrés divers, et dans des circonstances différentes, les épreuves de l’exil et des camps. Leurs expériences respectives de la Résistance, de la déportation, de la torture, de la tentation du suicide ouvrent à des écrits et des réflexions majeurs. La mémoire et la voix y sont convoquées afin de s’opposer au totalitarisme et à ses conséquences : la souffrance, le risque de la prescription conduisant à celui de l’oubli, et le caractère irréversible de la torture. Tandis que le bourreau a pour objectif de nier l’humanité de chaque supplicié, le rôle de la voix et de l’écoute sont déterminants. L’opéra Tosca illustre cette tension. La douleur confère à l’instant et à l’ipséité de chaque supplicié une expérience strictement individuelle qui peut néanmoins être décrite : l’invivable n’est pas nécessairement indicible.Voix et mémoire s’inscrivent dans l’inachevé. L’ascension, dans le quasi-silence désespérant des années trente, et le triomphe temporaire du nazisme, que la propagande radiophonique assure pour partie, puis sa défaite complète appellent la transformation dans la durée de l’Allemagne. Concomitamment, les évolutions musicales marquent des formes de refus de la répétition pour échapper à l’aliénation.Le cri possède pour fonction d’alerter. Mais de la mémoire de la Shoah au suicide, l’appel insurmontable de l’anéantissement conduit à revivre une violence que le poème et la musique tentent de surmonter. / Nazi totalitarianism, suffering, mass killing -including loved ones-, are all forms of annihilation that Vladimir Jankélévitch, Jean Améry, Paul Celan and Jorge Semprun went through. World War II survivors, they endured, at varying intensities and through different circumstances, the hardship of exile and of the camps.Their respective experiences of torture, deportation, the Resistance, and their consideration of suicide have brought prominent works and should lead us to major reflections.Remembrance and voice are weapons involved in the fight against totalitarianism and its consequences, of which: suffering, the risk of prescription leading to that of forgetting, and the irreversibility of torture.While the torturer aims to deny even the humanity of its victims, the role of voice and listening are decisive. Tosca Opera gives an accurate representation of this tension. Pain confers to the moment and to the uniqueness of each victim a strictly individual experience, which can nevertheless be described: the unbearable is not unspeakable. Voice and remembrance fall within the ‘unfinished’. Nazism’s ascent —in the practically desperate silence of the thirties—, its temporary triumph —that radio propaganda partly ensures—, and ultimately its complete defeat, call for the profound transformation of Germany overtime. Simultaneously, the contemporaneous cultural developments highlight the rejection of recurrence in music, in an attempt to escape alienation. The purpose of screaming is to alert. But from the Holocaust memory until the very notion of suicide, the devastating call of annihilation amounts to experience once more a violence that poetry and music seek to overcome.

Il s’agit d’examiner le rapport qui existe dans l’œuvre de René Char entre sa poésie, les peintres ses Alliés Substantiels, la peinture qu’il a pratiquée. A quelles sources a-t-il puisé ? de quelles influences relève-t-il ? En quoi ont-elles été déterminantes ? Vers quelle(s) mise(s) en pratique le conduit ce parler des images qu’est sa poésie ? Quels sont les liens qu’il construit avec ses amis peintres ? En quoi influent-ils sur sa pratique de poète, sur le regard qu’il porte sur l’œuvre peinte et sur la manière de concevoir l’espace poétique : ce mouvement du regard qui découvre autour de lui le monde ? Poésie et peinture n’aboutissent-ils pas aux mêmes questionnements dans les rapports respectifs avec la réalité, la vérité, la beauté, le dépassement, la quête d’un horizon, d’un absolu qui s’éloigne sans cesse ? Avancer, toujours avancer dit Char, mais en vue de quoi ?Une première partie : présente les dépendances sensibles de la création chez Char : son pays natal et sa symbolique, sa famille et ses souvenirs de « l’âge d’or », ses amis surgis de la nuit de la résistance, ses amis peintres, que rien ne réunit, sinon d’être à contre courant des modes, deux philosophes : Héraclite, qui met au cœur du monde « l’alliance des contraires », Heidegger qui confère à la poésie la première place. Une deuxième partie : indique les dépendances scripturales et picturales sous trois aspects. Le premier : Les théories artistiques en écriture et peinture qui ont influencé René Char, Baudelaire et Rimbaud, le surréalisme et sa proximité avec les peintres, la méditation d’Heidegger sur la vérité en art. Le deuxième : La mise en pratique du travail poétique, sa maturation. L’originalité de son travail critique sur les peintres. Le troisième : comment aphorismes et métaphores sont constitutifs de son travail poétique et pourquoi ils nécessitent une gestion de l’espace qui rejoint l’espace pictural. La troisième partie : partant de la double expérience de Char comme poète et peintre, nous montre que poésie et peinture ne peuvent se définir dans l’ordre de la préférence, puis à partir des conditions pour atteindre la vérité en art, comment pour le poète elle peut surgir : se pose la question du rapport de l’imaginaire par rapport à la réalité incréée. Enfin en lien avec le problème de l’aboutissement de l’œuvre artistique, comment peut-on en peinture et en poésie définir leur « au-delà », leurs horizons respectifs ? / This research thesis examines the relationship in the work of René Char between his poetry, painters “Alliés Substantiels” and paintings which he has done. What sources does he benefit from? Under what influences does he fall? In which senses are they determinative? How does this talk on the image develop his poetry in terms of the practice? What are the relationships he has built with his painter friends? What inspires his poetic practice, the way he looks on the painted work and his conception of the poetic space: Does this movement help him to discover the world around himself? Poetry and painting do not come to the same questions in the respective links with reality, truth, beauty, self-surpassing and the quest for a horizon and an absolute, both of which walk away incessantly. Forward, always forward Char says, but for what? The first part: this sensitive dependency of creation in Char: his homeland and its symbolism, his family and his memories of the "golden age", his friends emerged from the night of the resistance, his painter friends. Nothing brings together, if not to be against the current fashions, both philosophers Heraclitus, who puts in the heart of the world "alliance of opposites" and Heidegger, who gives poetry the first place. The second part: Written and pictorial practice shows the dependencies in three ways. The first: The artistic theories in writing and painting that influenced René Char, Baudelaire and Rimbaud; the surrealism and its proximity to the painters; and Heidegger's meditation on truth in art. The second: The practical implementation of the poetic work, his maturation. The originality of his critical work on painters. The third: How aphorisms and metaphors are constitutive of his poetic work and why they require the management of the space that joins the pictorial space. The third part: leaving the double experience of Char as a poet and painter shows us that poetry and painting cannot be defined in order of preference, and then from the conditions to reach the truth in art, how the question of the imaginary with reality and definition of uncreated reality arises for the poet. Finally, in connection with the problem of the culmination of the artistic work, how can we in painting and poetry define their "beyond", their horizons?

Le spiritualisme se définit comme un accès à la divinité à travers l’ « esprit » ou l’ « âme » et la divinité comme lecentre de la pensée cosmogonique de l’harmonie. La structure de ce spiritualisme est le point fondamental – parmi denombreux autres – qui rapproche Banville de Mallarmé. La transmission de cette structure est donc l’influence la plusremarquable que Banville exerce sur Mallarmé. Son art étant fondé sur ce principe, Banville joue là son rôle le plusimportant pour Mallarmé, qui lui accorde donc un statut divin. Les autres legs de Banville à Mallarmé convergent vers cepoint.L’évolution de Mallarmé vis-à-vis de cet héritage est parallèle à celle du statut de Banville à ses yeux et à sa propreévolution spirituelle. Nous suivons celle-ci selon trois thèmes directeurs : l’idéalisme, le lyrisme et le sacerdoce littéraire quisont étudiés dans ses oeuvres de sciences, de vers et de théâtre.À cette fin, la vie de Mallarmé est divisée en quatre périodes : de l’automne 1861 à l’été 1864 ; de l’automne 1864 auprintemps 1866 ; du printemps 1866 à août 1885 ; d’août 1885 à septembre 1898. C’est dans la « Symphonie littéraire » de1864 que l’influence de Banville devient décisive. Cette étude prend en considération les différences entre les deux poètes,en s’orientant sur la réception de Banville par Mallarmé, et l’arbitraire de ce dernier dans l’interprétation de Banville. / The spiritualism is defined as an access to the divinity through “spirit” or “soul”, and the divinity as the center of acosmogonic thought of the Harmony. The structure of this spiritualism is the fundamental point – among many others –which brings closer Banville and Mallarmé. So the transmission of this structure is the most remarkable influence exercisedby Banville on Mallarmé. Banville’s art being based on this principle, Mallarmé gives him a divine status. The otherheritages from Banville to Mallarmé lead to this point.Mallarmé’s evolution in relation to this heritage is parallel to the evolution of Banville’s status, as well as to his ownspiritual evolution. We follow the latter according to three topics: idealism, lyricism and literary priesthood, studied in hisscientific works, verse and dramatic pieces.To this end, Mallarmé’s life is divided into four periods: from autumn 1861 to summer 1864; from autumn 1864 tospring 1866; from spring 1866 to august 1885; from august 1885 to September 1898. It is in his “Symphonie littéraire” thatBanville’s influence becomes decisive. Our study takes into consideration differences between the two poets, focusing onMallarmé’s perception of Banville and on his arbitrary interpretation of the latter.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

L’étude porte sur les catégories "signes" (Zeichen) et "traces" (Spuren) dans l’œuvre poétique et les déclarations poétologiques de Günter Eich (1907-1972). Signes naturels, linguistiques, traces biographiques et intertextuelles, relevé de stigmates historiques (Spurensicherung) imprègnent l’œuvre sous forme d’images poétiques et de concepts poétologiques. Complémentaires ou opposés, ils éclairent le parcours complexe du poète, du déchiffrement des signes naturels au souhait tardif de "ne pas laisser de traces", de la collecte de traces au tracé de l’écriture (et à son effacement) dans des textes lus comme des palimpsestes d’écrits antérieurs. A partir de documents d’archives inédits (manuscrits, correspondances, notes), de bibliothèques d’auteurs et d’entretiens avec des proches du poète, le rôle des signes et des traces dans les relations entre écriture poétique et réalité exogène est examiné en croisant processus d’écriture (méthodes de critique génétique) et réception des textes, celle-ci orientant à son tour les tracés poétiques ultérieurs. Le travail montre les interactions entre lecture et écriture du monde, le traitement des signes et traces étant à la fois un acte de déchiffrement et l’esquisse d’un nouveau balisage poétique (Zeichen-Setzung) du langage et du réel. Cette nouvelle approche de l'évolution de la poétique et de la poésie de Günter Eich éclaire le rapport problématique du poète au réel, à la tradition lyrique et à l’histoire de son temps en situant son œuvre au confluent de problématiques romantiques anciennes et d’une nouvelle fonction de la poésie née de la situation historique. / This study probes into the categories of “signs” (Zeichen) and “traces” (Spuren) in Günter Eich's poetic œuvre and poetological statements. Natural and linguistic signs, biographical and intertextual traces, accounts of historical stigmas (Spurensicherung) permeate his work through poetic images and poetological concepts. Whether complementary or antagonistic, they shed light on the poet's complex progress, from the deciphering of natural signs to his late desire to “leave no trace”, from the collecting of traces to the traces of writing (and its erasure) within texts that are read as the palimpsests of former writings. Relying on unpublished archives (manuscripts, correspondences, notes), on authors' private collections and on interviews of the poet's relatives and friends, we show how signs and traces shape out the relationships between poetic writing and the outer reality through a cross-study of writing processes (using genetic criticism) and the reception of texts (which, in turn, shapes out future poetic tracings). This study shows the interactions between the reading and the writing of the world, the treatment of signs and traces being both an act of deciphering and the sketching out of a new poetic marking out (Zeichen-Setzung) of language and of the real world. This new approach of the evolution of Günter Eich's poetics and poetry accounts for the poet's problematic relation to reality, to the lyrical tradition and to contemporary history by situating his work at the junction of ancient romantic issues and of a new function of poetry born from the historical context.

Ce mémoire porte sur le recueil de poèmes La terre est ici d’Élise Turcotte. Il s’attache à analyser les modalités par lesquelles le foyer de perception des sujets poétiques engendre un déplacement de la notion de « paysage » dans l’œuvre de Turcotte. Le premier chapitre étudie l’énonciation afin de retracer comment les subjectivités de La terre est ici investissent le langage et construisent le réel qui les entoure pour en donner une perception singulière. Le second chapitre analyse la création de cet espace visuel unique qui se déploie autour de la notion de « détail », tandis que le troisième et dernier chapitre s’intéresse à la remise en cause du statisme de la vision engendrant un « art de faire » qui tend plutôt vers la mise en scène et le mouvement. L’étude de cette scène comme convocation des sujets dans le langage permet de développer la conception de l’espace comme lieu pratiqué, où les multiples perceptions des sujets composent un « paysage » à la fois visuel, tout en donnant lieu à une possibilité d’action. / This M.A. thesis concerns the collection of poems La terre est ici of the poet Élise Turcotte. It studies the modalities by which the perception of the poetic subjects displaces the notion of « landscape » in the work of Turcotte. The first chapter, in studying enunciation, tries to understand how the subjectivities of La terre est ici invest the language and build the reality that surrounds them to create a singular perception. The second chapter analyzes the creation of this unique visual space which deploys itself around the notion of « detail », whereas the third and last chapter questions the vision engendering an « art de faire » which aims towards direction and movement. The study of this stage as a way to convoke the subjects in the language introduces the idea of the space as a practised place. Thus, the multiple perceptions of the subjects compose a « landscape », understood in a visual sense and as possibility of action.

Du recueil A Boy’s Will (1913) au recueil In the Clearing (1962), l’œuvre du poète américain Robert Frost (1874-1963) déploie sa réflexion sur le concept d’écart, et le présente comme principe majeur de son esthétique et de sa stratégie d’écriture. Utilisant une approche fondée sur la micro-lecture des poèmes, cette thèse entend mettre en lumière la richesse d'une thématique frostienne qui permet de repenser la dialectique entre centre et marge à différents niveaux d'analyse : cette dialectique semble à l’œuvre non seulement dans la représentation poétique des espaces nord-américains mais aussi dans le rapport des textes à l'espace métaphorique du canon, ainsi que dans l'ambiguë mise en scène du sujet dans son rapport aux espaces intime, social et politique. Nous souhaitons montrer que le poète et les personae multiples qu’il adopte au fil des recueils privilégient un positionnement détaché, qui n’est ni complètement au centre ni complètement à l’écart, mais pour ainsi dire dans l’écart. Cette position de léger retrait, à la fois sereine et équilibriste, dessine ainsi un triple autoportrait du poète. Il fait le portrait d’un artiste chez qui la tension entre tradition et modernité, entre formes fixes et libre expérimentation, relève d'une position compliquée et féconde, qui permet à Frost de se situer à la fois à l'intérieur et légèrement à l'écart du genre de la poésie pastorale ; d'autre part, il esquisse le portrait « bougé » d'un sujet en mouvement au sein du paysage de Nouvelle-Angleterre, sujet que des tentatives d’ancrage dans certains territoires installent dans une position de voisinage méfiant avec son prochain, à la fois contre les autres et tout contre eux. Enfin, l’œuvre laisse apparaître en filigrane l’autoportrait d’un Américain utilisant la stratégie de l’écart dans l’habile mise en scène de sa propre iconisation. / From the collection A Boy’s Will (1913) to the collection In the Clearing (1962), the works of American poet Robert Frost (1874-1963) can be viewed as a reflection on the concept of deviation, presenting it as a major principle in his aesthetics and writing strategy. This doctoral dissertation provides a close reading of many poems, with a view to highlighting the highly seminal quality of the Frostian theme of the slight deviation, which allows one to rethink the dialectic between the center and the margins at different levels of analysis. This dialectic appears not only in the poetic representation of North American space, but also in the established connection between the texts and the metaphorical space of the canon, as well as in the ambiguous presentation of the poetic figure in relation to the intimate, social or political spheres. We wish to show that the poet together with the multiple personae that he uses in the collected poems, favor a specific vantage point, a detached position which is neither in the center nor completely in the margin, but rather within the limits delineated by some deviation. This slightly withdrawn position, which is both dispassionate and perilous, sketches out a triple self-portrait of the poet. It is the self-portrait of an artist for whom the tension between tradition and modernity, between fixed forms and free poetic experiments, creates a complicated but fertile position which allows Frost to position himself both within, and slightly on the margin of, the genre of pastoral poetry. Frost's poems also depict the portrait of a moving poetic figure in the New England landscape, a figure who is put, because of his attempts at settling in certain territories, in a situation where neighbors are both aware and wary of each other. Lastly, the poems could be regarded as the self-portrait of an American posturing as a marginal figure in the skillful staging of his own iconization.

Cette recherche se propose d’étudier la notion de « métrique » au sein de l’œuvre poétique et critique de Franco Fortini. Ce concept fera l’objet d’une analyse esthétique croisée aux domaines de l’éthique et de la politique. Le travail s’articule autour des différentes significations des concepts de métrique et de biographie, un couple de concepts utilisé par Fortini comme titre d’un poème publié dans « Officina » en 1955 et lors d’une conférence présentée à Genève en 1980. Nous avons divisé notre recherche en trois parties. Dans la première partie, nous avons examiné les concepts clés du parcours poétique et intellectuel de Fortini – à savoir l’histoire, la littérature, la forme et la figure – analysés selon leurs significations respectives dans le parcours biographique de l’auteur. Dans la deuxième partie, nous avons ensuite analysé les essais sur la métrique publiés vers la fin des années cinquante, pour sonder le lien entre « liberté » et « nécessité » à la lumière de la dialectique entre individu et collectivité. Cette partie tisse aussi une comparaison entre la théorie du vers et la pratique de composition chez Pasolini, les Novissimi et Amelia Rosselli, et développe une étude anthropologique sur la relation entre le rythme et le mètre à partir de l’œuvre de Ernesto De Martino. La troisième et dernière partie, enfin, expose les limites d’une métrique conçue comme « mesure arithmétique », en approfondissant la réflexion sur la forme à la lumière de la critique du rythme d’Henri Meschonnic, comparée au travail de traduction de Fortini. L’étude de ce rapport nous a ainsi permis d’évaluer l’impact des modèles de Brecht et de Goethe sur le choix formel de l’auteur. / The research investigates the notion of “metrics” in Franco Fortini’s works, extending aesthetic inquiry to ethics and politics. The work is based on the different variations of the couple metrics and biography, used by Fortini as a title for both a poem published in 1955 and a conference paper presented at the University of Geneva in 1980: these dates set the time span of the research. The thesis is composed of three parts. The first one examines the key concepts of Fortini’s poetic and intellectual path – history, literature, form and figure – in the different meanings that they assume along his biographical trajectory. The second part analyses the essays of the late 1950s about metrics and stylistic criticism, verifying the relationship between «freedom» and «necessity» in a dialectic between the individual and the community. The second part also hosts a confrontation with the theory of verse and compositional practice of Pasolini, the Novissimi and Amelia Rosselli. The third and last part shows the limits of a metric conceived as an «arithmetic measure»: in order to delve into the theory of form, I confront Meschonnic’s critique of rhythm with Fortini’s translations. The study of these latter allows us to estimate the impact of models such as Brecht and Goethe on the formal choices of the author.