Cette étude propose une histoire des pratiques qui, à Paris, entre 1946 et 1969, ont lié poésie et performance et fait de la profération leur champ d’investigation principal. À partir de l’observation des manifestations publiques d’Antonin Artaud en 1946-47, de l’irruption en ces mêmes années du mouvement lettriste à Saint-Germain-des-Prés, de l’arrivée de la Beat Generation à la fin des années 1950, et des différents événements organisés par Jean-Jacques Lebel, Jean-Clarence Lambert et Henri Chopin durant les années 1960, cette thèse analyse les pratiques qui ont agité le champ artistique durant deux décennies et préparé l’imaginaire et le terrain revendicatif de Mai 68.En reprenant le flambeau des avant-gardes du début du XXe siècle, ces expériences, traversées par le faisceau de problématiques et de propositions ouvert par Artaud après guerre, aspirent à une poésie définie comme action et cherchent à relier art, vie et politique à travers une seule et même forme d’engagement. Ouvrant plusieurs chantiers qui prennent appui sur autant de refus : celui du livre, celui du spectacle, celui du langage comme propagande politique et publicitaire, elles placent l’ « engagement physique » du poète, à la fois auteur et performeur, au centre de leurs préoccupations et mettent en place un vaste champ d’expérimentations, notamment à travers l’utilisation du magnétophone qui marque la naissance de la « poésie sonore », avec les cut-ups de Brion Gysin et William S. Burroughs, les audiopoèmes de Henri Chopin, les mégapneumes de Gil J Wolman, les crirythmes de François Dufrêne, les poèmes-partitions de Bernard Heidsieck.En retraçant les trajectoires mais aussi leur croisement et en analysant les prises de position et les différentes stratégies, ce travail observe et questionne l’émergence et l’évolution de la figure du « poète-performeur », son savoir-faire scénique et ses aspirations ; il s’attache à des pratiques – encore méconnues (voire évincées) du domaine des Études théâtrales – qui continuent à irriguer de leur inventivité la scène performative et théâtrale d’aujourd’hui. / This study examines the history of practices in Paris between 1946 and 1969 that brought poetry and performance together and made proféraction their main field of investigation. Beginning with observations on the public performances of Antonin Artaud in 1946-47, and the sudden appearance in those same years of the Lettrist movement, continuing with the arrival of the Beat Generation at the end of the 1950’s, followed by the various events organised by Jean-Jacques Lebel, Jean-Clarence Lambert and Henri Chopin in the 1960’s, this work analyses practices that stirred the world of the arts over two decades and influenced the collective imagination, sowing the seeds of the social activism of May 68.By taking up the torch of early 20th Century avant-gardistes, these endeavours, illumined by the array of questions and proposals that Artaud ignited after the war, sought to create poetry as action and to link art, life and politics in a single form of engagement.Work went forward in several fields, often based on rejection of the conventional: in regard to books, to performing arts, to language as a tool for propaganda and advertising. The “physical engagement” of the poet, both author and performer, became the centre of their preoccupations and created a wide open space for experimentation, in particular: through the use of the tape recorder, bringing about “sound poetry”, with Brion Gysin’s and William S. Burroughs’ cut-ups; Henri Chopin’s audiopoèmes; the mégapneumes of Gil J Wolman; the crirythmes of François Dufrêne; and Bernard Heidsieck’s poèmes-partitions.By marking out the different trajectories and the points where they intersect, by analysing the statements and positions and different strategies, this work observes and questions the emergence and evolution of the figure of the “poet-performer”, his theatrical skills and aspirations; it sheds new light on practices – as yet little recognized by (even banished from) the field of Theatre Studies – that continue to provide a source of innovative inspiration to the world of performance and theatre today.

Cette thèse de doctorat de philosophie, initiée en 2005, a pour objet d’étude l’œuvre poétique de l’écrivain allemand Bertolt Brecht (1898-1956). Par son titre (« Le poème instrument »), elle entend désigner une contradiction consubstantielle à tout art politique et singulièrement radicalisée dans l’écriture poétique : celle qui oppose la pratique d’un art lyrique, valant pour lui-même, et la revendication d’une utilité sociale de l’écriture, qui la soumet à une finalité extérieure. En assumant dans son écriture cette exigence instrumentale, le poète s’expose en effet au risque de succomber à la fonctionnalisation de la langue, telle que justement la raison marchande la soutient et à laquelle il s’agit cependant de s’opposer. Comment la poésie peut-elle se définir comme instrument sans abolir la teneur proprement artistique de sa production ? Comment maintenir dans un même geste la consistance poétique et l’efficacité politique ?Cette thèse étudie le corpus des poèmes brechtiens écrits depuis le milieu des années 1920 jusqu’à la fin des années 1940 avec pour ambition de repérer les opérations formelles que le poète mobilise dans chacun des moments politiques qu’il rencontre : la République de Weimar (la poésie cynique), le Troisième Reich (la poésie anti-fasciste), la seconde Guerre mondiale (la poésie d’exil). Nous entendons montrer la façon dont un matérialisme singulier s’y élabore, dans un rapport à la fois inventif et dissident à l’égard la tradition dialectique marxiste. / Initiated in 2005, this doctoral thesis in philosophy aims to study the poetry of the German writer Bertolt Brecht (1898-1956). By its title ("The poem instrument"), it means to explain a contradiction inherent in any political art, and especially emphasized in poetical writing: the one between the practice of lyrical arts, valuable per se, and the claim for a social purpose of writing, which submits it to an outside finality. By undertaking this instrumental necessity in his writing, the poet expose himself to the functionalisation of language, this very functionalisation that is supported by the market means which the poet however intends to deal with. How can poetry define itself as a tool, without abolishing the specifically artistic content of its production? How to maintain poetic consistency and political efficiency simultaneously ?This thesis examines the corpus of Brechtian poems written from the mid-1920s until the late 1940s. It aims at identifying the formal operations that the poet engages for each political moments he faces : the Weimar Republic (cynical poetry), the Third Reich (anti-fascist poetry), the second World War (the poetry of exile). We intend to show how a specific materialism is being developed, in a both inventive and dissent relation to the traditional Marxist dialectic.

Ce travail de recherche porte sur la poésie française moderne et son influence sur la nouvelle poésie chinoise au cours de la première vague d’introduction et d’interprétation des littératures occidentales en Chine dans les années 1920-1930. Nous cherchons à montrer comment les « Trois Grâces » de la poésie française moderne : Baudelaire, Rimbaud et Lautréamont ont été introduits en Chine et quelle est leur influence sur l’élaboration de la nouvelle poésie chinoise. Ainsi, nous montrons d’abord comment expriment Baudelaire, Rimbaud et Lautréamont par leur poésie le culte du moi, le culte du Beau et le jeu de dépersonnalisation et de pluralisation du moi. Nous examinons ensuite l’influence des littératures occidentales sur la construction de la nouvelle littérature chinoise dans les années 1920 ; et l’introduction et l’interprétation de la poésie symboliste française et son influence au niveau théorique aussi bien que pratique sur la nouvelle poésie chinoise et les poètes dits symbolistes chinois : Li Jinfa, Mu Mutian, Wang Duqing, Dai Wangshu. Enfin, nous montrons le cas Lautréamont en Chine, son absence dans les années 1920-1930 et l’état de la recherche lautréamontienne en Chine dans les trois dernières décennies. Notre thèse conduit donc à montrer que les « Trois Grâces » de la Poésie nouvelle ne jouissent pas tous du même prestige auprès du monde poétique chinois dans les années 1920-1930 et que son interprétation de la poésie française moderne n’est pas une adoption de toute une attitude de création poétique de celle-ci, mais une transformation du dynamisme poétique imposé de l’extérieur en dynamisme créateur interne de la poésie chinoise. Elle correspond aux intentions claires et guidées par le système de valeurs littéraires et morales des traducteurs-interprétateurs chinois des différentes époques. / This piece of research concerns the modern French poetry and its impact on the new Chinese poetry in the first period of introduction and interpretation of modern Western literature in the 1920s and early 1930s in China. We seek to demonstrate how the “Trois Grâces” of the modern French poetry: Baudelaire, Rimbaud and Lautréamont were introduced in China and what is their influence on the development of the new Chinese poetry. Thus, we will show first how Baudelaire, Rimbaud and Lautréamont express the “culte du moi” and the “culte du Beau” by their poetry and their game of depersonalization and pluralisation of the self. Next, we shall examine the influence of Western literature on the construction of the new Chinese literature in the 1920s; the introduction and interpretation of the French symbolist poetry and its influence on the theoretical level as well as practical on the new Chinese poetry and Chinese Symbolist poets: Li Jinfa, Mu Mutian, Wang Duqing and Dai Wangshu. Finally, we shall show the case of Lautréamont in China, his absence in the years 1920-1930 and the state of “Lautréamontienne” research in China in the last three decades. Our thesis concludes therefore by showing the “Trois Grâces” of the new Poetry do not have all the same prestige with the Chinese poetic world in the years 1920-1930 and its interpretation of modern French poetry does not lead to adoption of a whole attitude of poetic creation of the modern French poetry, but to a transformation from a poetic dynamism imposed by outside impact to a intern creative dynamism of Chinese poetry, corresponding to the clear intentions guided by the system of literary and moral value of Chinese literary translators and interpreters of different ages.

Cette thèse tient le pari de retracer la persistance dans l’Histoire de la poésie française d’une notion forgée par Stéphane Mallarmé : dans la "Bibliographie" des Divagations, l’écrivain affirme publiquement avoir recueilli ses "poèmes critiques". Après avoir exploré quelles formes nouvelles ce terme recouvre, quelles "transpositions mentales" du poète ces textes déploient, le travail s’affronte immédiatement à la difficulté d’utiliser le même concept pour désigner toute écriture critique inspirée, ce qu’on lit chez Leger félicitant Jacques Rivière. L’influence de ce dernier sur la critique professionnelle enjoint de réserver alors le poème critique aux poètes : l’examen des inventions d’Aragon, Ponge et Du Bouchet permet de poser les questions de la valeur de ces textes marginaux, de leur reprise possible, et de la voix du poète dans le champ théorique. Ensuite, un troisième moment a pour ambition de penser conjointement des procédures qui affrontent la définition impossible du poème, pour préférer lui tourner autour, le déborder, le doubler, le réduire. On observe la génération qui gravite autour de Claude Royet-Journoud pour élaborer une poétique de ce genre indéterminé, inséparable d’une réflexion sur la relation : ce méridien tient compte de la "matière de l’interlocuteur". Dans un dernier temps, la thèse propose la lecture d’un poète contemporain, Philippe Beck. Il déduit des œuvres, en particulier de Mallarmé, de quoi continuer l’inscription de l’Histoire de la poésie dans un "poème critique neuf". / This thesis takes up the challenge of recording the recurrent occurrences in the History of French Poetry of an expression, coined by Stéphane Mallarmé : in the "Bibliography", which he adds to his Divagations, he publicly asserts that he has collected his "critical poems". After having explored the new shapes this word encompasses, and the "mental transpositions" those texts result in, the development tackles right away the issue of using the same expression in order to designate any inspired critical review, which can be found in a letter from Alexis Leger congratulating Jacques Rivière. His influence on professional literary Criticism seems to suggest the critical poem should be left only to poets: analyzing Aragon’s, Ponge’s and Du Bouchet’s inventions, one can lead an inquiry into the value of these marginal texts, their rewriting and the presence of the poet’s voice in the theoretical field. Then, the ambition of a third part is to think together texts that confront the impossible definition of the poem, and finally choose periphrasis, extension, duplication or digestion. One examines the generation revolving around Claude Royet- Journoud so as to work out a poetics of this undetermined genre, which must comprise a reflexion on the relation : this meridian takes into account the "matter of the interlocutor". At last, the thesis focuses on a contemporary poet, Philippe Beck. He gives reinterpretations of literary works, especially Mallarmé’s ones, in order to carry on writing the History of Poetry in a "brand new critical poem".

Notre thèse est consacrée à la réception de la poésie chinoise classique chez les poètes français à travers notamment les anthologies. Elle est divisée chronologiquement en trois parties. La Partie I couvre la période 1735-1860, antérieure à la première anthologie de poésie chinoise et où il n’est donc question que de morceaux choisis. Nous estimons que cette partie est indispensable sur les plans à la fois historique et comparatif. Sans elle, nous apprécierions peut-être moins l’arrivée des anthologies et leur contribution à l’évolution de la réception de la poésie chinoise chez les lecteurs-poètes. La Partie II commence par la parution de Poésies de l’époque des Thang. Nous débutons ainsi par un aperçu général des anthologies parues entre 1862 et 1949. Puis nous abordons la traduction de cette période et les anthologies majeures. Nous entrons par la suite dans le vif du sujet qu’est la réception de ces anthologies chez les lecteurs-poètes, tels que Paul Claudel, Segalen et Saint-John Perse. La Partie III concerne la période 1953-2008. Nous abordons d’abord la diffusion et la traduction des anthologies de cette période. Puis nous parlons en détail des trois sortes d’anthologies produites par les traducteurs professionnels, les sinologues et les poètes, sans oublier de réserver un chapitre à des anthologies majeures. Enfin, nous étudions les poètes contemporains qui lisent la poésie chinoise traduite avec leurs différentes modalités de réception. Dans la réception, le plus intéressant n’est peut-être pas de connaître la poésie chinoise classique mais bien de s’interroger sur la façon dont les poètes français l’interprétèrent. Nous espérons avoir pu répondre à cette interrogation à travers le long parcours historique déployé dans cette thèse. / This thesis addresses the reception of Classical Chinese poetry by French poets, particularly by means of anthologies. It is organised chronologically in three parts. Part One covers the period 1735–1860, before the first anthology of Chinese poetry, and is therefore concerned only with excerpts. An understanding of this first period is essential if we are to appreciate the significance of the anthologies that followed, and their role in the changing reception of Chinese poetry by reader-poets. Part Two begins with the publication of the anthology Poésies de l’époque des Thang. After a general overview of the anthologies published between 1826 and 1949, there is a more detailed account of translation practices over this period, and of the most influential anthologies. It is then possible to address the central issue of this thesis: the reception of these anthologies by reader-poets, such as Paul Claudel, Victor Segalen and Saint-John Perse. Part Three is concerned with the period 1953–2008. Following an account of the dissemination and translation practices of anthologies from this period, there is a detailed discussion of the three types of anthologies produced by professional translators, Sinologists and poets respectively, and a further chapter is devoted to the most influential anthologies. Finally, a study is made of contemporary poets who read Chinese poetry in translation, and of their different forms of reception. This reception is of interest, not so for much for what it tells us about Chinese poetry itself, but rather for the way it has been interpreted by French poets. The long historical trajectory of this thesis provides an important insight into this interpretation of Chinese poetry.

Québec Université Laval, Bibliothèque 2018

Cette thèse de doctorat en recherche-création se veut une rencontre avec Marie Guyart, autant dans la partie création que dans le segment recherche. La partie création de la thèse, D’errance et d’espace. Accompagnement de Marie Guyart, est constituée de textes poétiques versifiés (ayant comme thèmes l’errance et l’espace de la nature : mer – forêts – Nord – fleuve – froid – ciel – terres) accompagnés des écrits épistolaires de Marie Guyart traitant des mêmes thèmes. Cet accompagnement littéraire a comme double objectif d’employer les textes de l’Ursuline comme élément déclencheur de la création poétique, ainsi que de produire une oeuvre au caractère inédit réunissant deux femmes des XVIIe et XXIe siècles. Une oeuvre de création doctorale qui expose la mystérieuse fondation de la parole s’étant tissée au-delà du temps et de l’espace. L’essai D’errance et d’espace chez Marie Guyart a comme objectif, d’une part, de démontrer la pertinence du choix des textes de l’Ursuline au regard des thèmes abordés dans la partie création et, d’autre part, de montrer la vie de la Mère de la Nouvelle-France sous un angle neuf. La grande majorité des chercheurs reviennent souvent sur l’aspect d’une existence cloîtrée à l’intérieur de laquelle la religieuse ne recherche qu’à s’abîmer en Dieu. Si cette vision de Guyart s’avère pertinente, il m’apparaît important d’élargir celle-ci en approfondissant le lien de l’Ursuline à l’espace de la Nouvelle-France à partir principalement de ses textes épistolaires portant sur des terres lointaines. Nous découvrons alors comment la religieuse vit son désir d’errance dans sa relation singulière au territoire. Par ses mots, Marie Guyart se rend aux quatre coins de son pays d’adoption. Elle s’évade, elle parcourt, elle nourrit son besoin d’espace mystique. L’essai Poésie et mystique : au coeur d’une rencontre traite de la naissance du lien entre Guyart et la doctorante, lequel s’est poursuivi dans le segment création de la thèse. J’explique et interroge la manière dont s’est vécue cette rencontre littéraire entre une mystique écrivaine et une poète en quête d’absolu, et ouvre la discussion en abordant plus largement des questionnements sur tout acte créateur. / This research-creation doctoral thesis is a rendezvous with Marie Guyart, in both segments of its composition. The creation part, D’errance et d’espace. Accompagnement de Marie Guyart, is composed of versified poetic lyrics (with themes of wandering and nature: ocean – forest – North – river – cold – sky – land) accompanied by some of Marie Guyart’s written correspondence treating of the same themes. This literary accompaniment has the double objective of employing the Ursuline’s words as a trigger element of the poetic creation as well as producing a work of original character bringing together two women of the XVIIth et XXIst centuries. A doctoral creative work demonstrating the mysterious foundation of speech woven beyond time and space. The first research segment, D’errance et d’espace chez Marie Guyart, has as objective, on the one hand, to demonstrate the relevance of the Ursuline’s texts with regard to the themes treated in the creation part and, on the other hand, to show the life of the Mother of New France from a new angle. The vast majority of researchers often deal with the aspect of a cloistered life within which the nun seeks only to lose herself in God. Even if this vision of Guyart is relevant, I consider it important to broaden this view by looking at the connection between the Ursuline and space in New France as witnessed mainly in her letters treating of distant lands. This allows us to see how the nun lives out her desire for journeying through her unique relation to the territory. Through her words, Marie Guyart travels to the four corners of her adopted land. She breaks free, she journeys, she feeds her need for mystical space. The second research segment, Poésie et mystique : au coeur d’une rencontre, treats of the birth of a bond between Guyart and the doctoral student, which bond held fast throughout the creation segment of the thesis. I illustrate and question the manner in which this literary encounter occurred between a mystical writer and a poet in search of the absolute and thus open discussion to a broader approach to the creative act in general.

Cette thèse propose l’émergence d’une poésie de l’entre deux dans la littérature expérimentale, en suivant ses développements du milieu du vingtième siècle jusqu'au début du vingt-et-unième. Cette notion d’entre-deux poétique se fonde sur une théorie du neutre (Barthes, Blanchot) comme ce qui se situe au delà ou entre l'opposition et la médiation. Le premier chapitre retrace le concept de monotonie dans la théorie esthétique depuis la période romantique où il est vu comme l'antithèse de la variabilité ou tension poétique, jusqu’à l’émergence de l’art conceptuel au vingtième siècle où il se déploie sans interruption. Ce chapitre examine alors la relation de la monotonie à la mélancolie à travers l’analyse de « The Anatomy of Monotony », poème de Wallace Stevens tiré du recueil Harmonium et l’œuvre poétique alphabet de Inger Christensen. Le deuxième chapitre aborde la réalisation d’une poésie de l’entre-deux à travers une analyse de quatre œuvres poétiques qui revisitent l’usage de l’index du livre paratextuel: l’index au long poème “A” de Louis Zukofsky, « Index to Shelley's Death » d’Alan Halsey qui apparait à la fin de l’oeuvre The Text of Shelley's Death, Cinema of the Present de Lisa Robertson, et l’oeuvre multimédia Via de Carolyn Bergvall. Le troisième chapitre retrace la politique de neutralité dans la théorie de la traduction. Face à la logique oppositionnelle de l’original contre la traduction, il propose hypothétiquement la réalisation d’une troisième texte ou « l’entre-deux », qui sert aussi à perturber les récits familiers de l’appropriation, l’absorption et l’assimilation qui effacent la différence du sujet de l’écrit. Il examine l’oeuvre hybride Secession with Insecession de Chus Pato et Erin Moure comme un exemple de poésie de l’entre-deux. A la fois pour Maurice Blanchot et Roland Barthes, le neutre représente un troisième terme potentiel qui défie le paradigme de la pensée oppositionnelle. Pour Blanchot, le neutre est la différence amenée au point de l’indifférence et de l’opacité de la transparence tandis que le désire de Barthes pour le neutre est une utopie lyrique qui se situe au-delà des contraintes de but et de marquage. La conclusion examine comment le neutre correspond au conditions de liberté gouvernant le principe de créativité de la poésie comme l’acte de faire sans intention ni raison. / This dissertation proposes the emergence of a poetry of the threshold in experimental literature, tracing its development from the mid-twentieth century to the early twenty-first century. The notion of threshold poetry is premised on a theory of the neutral (Barthes, Blanchot) as that which is located beyond or between opposition or mediates. Chapter One retraces the concept of monotony in aesthetic theory, from the Romantic period, where it figures as the antithesis to changefulness or poetic tension, to the emergence of conceptual art in the twentieth century. Chapter One further examines the relationship of monotony to melancholy through an analysis of “The Anatomy of Monotony” by Wallace Stevens and alphabet by Inger Christensen. Chapter Two proposes a ‘poetry of the threshold’ through an analysis of four works of experimental, paratextually structured works of poetry: Louis Zukofsky’s index to “A”; Alan Halsey’s “Index to Shelley’s Death,” which comes after The Text of Shelley’s Death; Lisa Robertson’s Cinema of the Present; and Carolyn Bergvall’s multimedia work Via. Chapter Three retraces the politics of neutrality in translation theory. Against the oppositional logic of original versus translation, it hypothetically proposes the realization of a ‘third’ or threshold text, which also serves to disrupt the familiar narratives of appropriation, absorption and assimilation that efface the difference of the writing subject. It examines the hybrid work Secession with Insecession by Chus Pato and Erin Moure as an example of threshold poetry. For both Maurice Blanchot and Roland Barthes, the neutral represents a potential third term that baffles the paradigm of oppositional thought. For Blanchot, the neutral is difference taken to the point of indifference and the opacity of transparency while Barthes’ desire for the neutral is for a lyrical utopia that is located beyond the constraints of purpose and marketability. The conclusion examines how the neutral corresponds to the conditions of freedom governing the creative principle of poiesis as the act of making without intention or purpose.

Ce mémoire examine les poétiques de trois poètes très différentes, mais dont les œuvres peuvent être qualifiées d'indéterminées et de radicales : Emily Dickinson (1830-1886), Gertrude Stein (1874-1946) et Caroline Bergvall (née en 1962). Dickinson et Stein sont anglo-américaines, tandis que Bergvall est d’origine franco-norvégienne, bien qu'elle choisisse d’écrire en anglais. Toutes les trois rompent la structure syntaxique conventionnelle de l’anglais par leurs poétiques, ce qui comporte des implications esthétiques et politiques. Dans ce qui suit, j’analyse l’indétermination de leurs poétiques à partir de la notion, décrite par Lyn Hejinian, de la description comme appréhension qui présente l’écriture comme un mode de connaissance plutôt qu'un moyen d’enregistrer ce que le poète sait déjà. La temporalité de cette activité épistémologique est donc celle du présent de l’écriture, elle lui est concomitante. J'affirme que c'est cette temporalité qui, en ouvrant l’écriture aux événements imprévus, aux vicissitudes, aux hésitations, aux erreurs et torsions de l’affect, cause l'indétermination de la poésie. Dans le premier chapitre, j'envisage l'appréhension chez Gertrude Stein à travers son engagement, tout au long de sa carrière, envers « le présent continu » de l’écriture. Le deuxième chapitre porte sur le sens angoissé de l’appréhension dans la poésie de Dickinson, où le malaise, en empêchant ou en refoulant une pensée, suspend la connaissance. Le langage, sollicité par une expérience qu'il ne peut lui-même exprimer, donne forme à l'indétermination. Un dernier chapitre considère l’indétermination linguistique du texte et de l’exposition Say Parsley, dans lesquels Bergvall met en scène l’appréhension du langage : une appréhension qui survient plutôt chez le lecteur ou spectateur que chez la poète. / This thesis investigates the poetics of three very different female poets, whose works nevertheless are characterized as both indeterminate and radical: Emily Dickinson (1830-1886), Gertrude Stein (1874-1946), and Caroline Bergvall (b. 1962). Dickinson and Stein are Anglo-American, while Bergvall is of French-Norwegian descent yet writes in English, but all three fracture the conventional syntactic structures of the English language in their poetics. This move bears both aesthetic and political implications. In this thesis, I read the indeterminacies of their poetics through Lyn Hejinian’s notion of description as apprehension, which figures writing as a mode of knowing rather than a means of recording something the poet already knows. The temporality of epistemology in their work is thus the present tense of writing; thinking is concomitant with it. Following Hejinian, I contend that it is this temporality that, in making writing open to the vicissitudes, hesitations, reprisals, unexpected events, errors, and the torsions of affect, perturbs determination. The first chapter explores apprehension in Gertrude Stein’s work through her career-long commitment to the present tense of writing: perception occurs concurrently with composition. The second chapter, on Dickinson, hinges on the anxious dimension of apprehension, in which unease, in thwarting or repressing a thought, suspends its understanding. Indeterminacy figures as language claimed by an experience it can’t itself claim. Finally, the last chapter considers the linguistic indeterminacies of Say Parsley, where Bergvall stages the apprehension of language itself in using indeterminacy as a poetic strategy to determinate ends, placing the possibilities, uncertainties and responsibilities of apprehension onto the reader or spectator.

Les œuvres poétiques de Fernando Assis Pacheco (Coimbra, 1937 – Lisbonne, 1995) et d’Adília Lopes (Lisbonne, 1960) présentent des éléments communs: un sabotage du langage poétique traditionnel, une dépréciation du sujet poétique, une représentation du monde apparemment triviale. Notre proposition est que ces trois grandes caractéristiques sont liées entre elles, de par leurs modes de concrétisation et les intentions qui les sous-tendent. On y retrouve en effet un même projet de « dégonflement » – d’un langage poétique grandiloquent et ampoulé, d’un sujet lyrique prétentieux et qui se prend trop au sérieux, d’une conception du monde excessivement épurée ou tendant vers le transcendantal. Néanmoins, cette opération ne s’assimile pas à une action proprement déconstructiviste, car elle vise à transmettre à ces entités un « souffle » susceptible de leur conférer une force animique et une capacité d’intervention. C’est sur la base de ce double mouvement que nous proposons le terme de « poétique de la déflation », en choisissant une notion qui recouvre à la fois ces deux acceptions (respectivement, dans les domaines économique et géomorphologique). L’adoption du prisme de la déflation nous permettra d’examiner le modèle sous-jacent des œuvres de Fernando Assis Pacheco et d’Adília Lopes. Pour le faire, notre travail se décompose en trois parties : nous étudions successivement la façon dont ces auteurs s’engagent dans une procédure de déflation du langage poétique qu’ils utilisent (concrètement, en nous penchant sur ses formes narratives) ; du sujet lyrique qu’ils figurent (par l’analyse d’une fluidification dans la figuration de ce sujet) ; et de la conception du monde que dénote leur poésie (en nous intéressant à la dimension éthique qui y est implicite). / The poetic works of Fernando Assis Pacheco (Coimbra, 1937 - Lisbon, 1995) and Adília Lopes (Lisbon, 1960) have common elements: a sabotage of the traditional poetic language, an impairment of the poetic self, an apparently trivial representation of the world. Our proposal is that these three characteristics are interrelated, by their modes of realization and the intentions that underlie them. We find indeed a project of "reduction" – of the pompous and bombastic language of poetry, of a pretentious lyrical self that takes itself too seriously, of a conception of the world excessively refined or tending towards the transcendental. However, this does not amount to a proper deconstructive action because it aims to convey a sense of strength and energy to these entities a purifying "breath". On the basis of this double movement we propose the term "poetics of deflation", choosing a concept that covers both these two meanings (respectively, in the economic and geomorphic domains). Adopting the prism of deflation allow us to examine the underlying model at Fernando Assis Pacheco’s and Adília Lopes’ poetry. To do so, our work is divided into three parts: we successively study how these writers engage in a process of deflation of the poetic language they use (specifically, by looking at its narrative forms); of the lyrical self that they portray (through analysis of a fluidity in this process of portrayal); and the world view they manifest in their poetry (focusing on its ethical dimension).