Orientador: Alvaro Luiz Hattnher / Banca: Nícea Helena de Almeida Nogueira / Banca: Orlando Nunes de Amorim / Resumo: O problema da representação da mulher é um tema instigante, passando por esferas sociais, econômicas e políticas. Nosso foco, aqui, se volta para a literatura, mais especificamente para dois autores que acreditamos trabalhar com perfis do ideário medieval. O primeiro, Thomas Malory, viveu durante o século XV, e compôs a obra mais alta do ciclo arturiano na Idade Média inglesa. Já o segundo, John Ronald Reuel Tolkien, é um autor do século XX; é trazido à luz devido à harmonia que, acreditamos, existe entre a caracterização de suas personagens femininas e alguns elementos medievais - alguns, inclusive, do próprio ciclo arturiano. Valendo-nos da teoria literária e de algumas teorias críticas feministas, investigamos a representação da mulher nas obras A morte de Artur, de Malory, e O senhor dos anéis, de Tolkien. Após contextualizarmos historicamente o papel da mulher na sociedade, identificamos as características das personagens femininas que condizem (ou não) com determinados perfis, propondo, também, uma análise comparativa entre as duas obras supracitadas. / Abstract: The issue of woman representation is an instigating theme, related to social, economic and political spheres. Our focus, here, is directed to literature, more specifically to two authors we believe that deal with medieval ideary profiles. The first of them, Thomas Malory, lived during the 15th century, and wrote the masterpiece of the Arthurian Cycle in English Middle Ages. The second, John Ronald Reuel Tolkien, is a 20th century author; he is brought in due to the harmony we believe there is between the characterization of his female characters and some medieval elements - some of them from the Arthurian Cycle itself. Based on literary theory and some feminist critical theories, we investigated women representation in the works Le Morte Darthur, by Thomas Malory, and The Lord of the Rings, by Tolkien. After contextualizing woman's role historically in society, we identified female characters aspects that match (or not) with some profiles, proposing, also, a comparative analysis between the two works. / Mestre

Este trabalho analisa os arquétipos do malandro e do feminino presentes na Ópera do malandro, de Chico Buarque, pelo viés da psicologia analítica de Carl Gustav Jung, estabelecendo relações com as bases antropológicas do imaginário, de Gilbert Durand, com a mitologia grega e com os estudos culturais de gênero. Investiga, ainda, aspectos regionais vinculados ao bairro da Lapa, no Rio de Janeiro, na década de 1940, período em que a peça é ambientada. Sendo assim, o presente estudo defende que a dinâmica psíquica está constantemente sendo transformada pela capacidade humana de criar analogias e de dar significado ou representação simbólica a todas as coisas, mostrando, dessa forma, que quanto mais flexível for o ego do indivíduo, mais elementos internos ele terá para promover, para si mesmo e para o meio onde vive, uma vida mais plena em criatividade e em saúde mental. / Submitted by Marcelo Teixeira (mvteixeira@ucs.br) on 2014-07-03T16:20:56Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao Gisela Cardoso da Silva.pdf: 1303171 bytes, checksum: 11369796f7f784f4bb6407822d5f03e6 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-07-03T16:20:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Gisela Cardoso da Silva.pdf: 1303171 bytes, checksum: 11369796f7f784f4bb6407822d5f03e6 (MD5) / This paper analyses the archetypes of the malandro and of the feminine that are present in Chico Buarque’s Ópera do Malandro, from the point of view of Carl Gustav Jung’s analytical psychology, forming relations with the anthropological basis of the imaginary, by Gilbert Durand, with the Greek mythology and with gender cultural studies. Besides, it investigates regional aspects that are attached to the Lapa neighborhood in Rio de Janeiro in the 1940s, the time when the theater play takes place. Thus, the present study defends that the psychic dynamic is constantly being transformed by the human capacity in creating analogies. And also in giving meaning or a symbolic representation to all the things. This way, showing that the more flexible the individual’s ego is, the more internal elements he will have to promote a life filled with creativity and mental health to himself and to the environment he lives in.

Orientador: Maria Lúcia Outeiro Fernandes / Banca: Maria das Graças Gomes Villa da Silva / Banca: Neil Besner / Resumo: Esta pesquisa tem como objetivo principal analisar, sob o ponto de vista da narratologia, três contos: "The Peace of Utrecht", "Meneseteung" e "Fiction", presentes, respectivamente, nas coletâneas Dance of the Happy Shades (1968), Friend of my Youth (1991) e Too Much Happiness (2009), da escritora canadense contemporânea Alice Munro, vencedora do Prêmio Nobel de Literatura em 2013, cujos contos, elaborados de forma renovada, são caracterizados pelos finais em aberto, contém descrições realistas do sudoeste de Ontário, retratam cenas familiares que facilitam a introdução do estranho, do misterioso, do desconhecido e até fantástico. Esta união, do familiar e do estranho, cria um senso de ironia e duplicidade de observação em relação a lugares e às pessoas, permitindo que se explore a luta canadense com a identidade evidenciada na escritora. A ambivalência que Munro sente como escritora é uma de suas preocupações pessoais que contribuem para essa profundidade emocional e vivacidade em sua ficção. Algumas de suas melhores histórias expressam sentimentos que provocam questionamentos em qualquer leitor mais sensível e que são, ao mesmo tempo, explorações e descobertas da própria emoção da autora. Para o desenvolvimento deste estudo, apoiamo-nos nas reflexões de Osman Lins, Bachelard, Ozíris Borges Silva no que diz respeito à espacialização da narrativa, como também em estudos de Bakhtin que explora a ideia de cronotopo. Também constitui objetivo identificar os momentos de epifania ... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The main goal of this paper is to analyse, from the point of view of narratology, three short stories: "The Peace of Utrecht", "Meneseteung" and "Fiction", present, respectively, in the collections Dance of the Happy Shades (1968), Friend of my Youth (1991) and Too Much Happiness (2009), from the contemporary Canadian writer Alice Munro, winner of the 2013 Nobel Prize in Literature, whose short stories, elaborated in a renewed way, are characterized by open ends, have realistic descriptions of southwest Ontario, depict familiar scenes that facilitate the introduction of the strange, the mysterious, the unknown and even the fantastic. This connection of the familiar and the strange, creates a sense of irony and duplicity in observation concerning places and people, allowing that the Canadian fight for identity is evidenced. The ambivalence Munro feels as a writer is one of her personal concerns that contribute to emotional and vivacious depth in her fiction. Some of her best stories show feelings that raise a lot of questions in any sensitive reader and that are, at the same time, the writer's explorations and discoveries. To the development of this study, we will base our reflections in Osman Lins, Bachelard and Ozíris Borges Silva concerning narrative space as well as Bakhtin that explores the idea of cronotopos. It is also the aim of the paper to identify the epiphanic moments and the gothic elements that act in the description of Munro's characters. / Mestre

Orientador: Antonio Roberto Esteves / Banca: Marilene Weinhardt / Banca: Lívia Maria de Freitas Reis Teixeira / Banca: Ana Cecília Arias Olmos / Banca: Ana Maria Carlos / Resumo: Jorge Luis Borges é considerado por muitos críticos e escritores um dos autores mais importantes do século XX. Afinal, sua poética revolucionou a prática literária, bem como os estudos de literatura, tornando-se paradigmática. Atualmente, observamos que o escritor argentino não é apenas alvo de inúmeros ensaios, teses e biografias, mas também foi convertido em personagem de vários romances, contos, crônicas, peças teatrais, filmes e até histórias em quadrinhos. Nesse sentido, Pablo Brescia (2008) assinala que há uma tendência a "literaturizar" Borges, isto é, transformá-lo em objeto literário. O estudioso acrescenta que nos estudos borgeanos ainda há um espaço ignorado sobre o modo como os escritores (re) leram o autor argentino, particularmente, no âmbito ficcional. Considerando a existência da referida lacuna, entendemos ser justificável a realização de um estudo que examine esta questão. Assim, o objetivo de nosso trabalho é contribuir para a compreensão do processo de conversão de Borges em personagem de outros autores, especificamente, no âmbito das literaturas argentina e brasileira, ou melhor, latino-americana. Destarte, selecionamos como corpus desta pesquisa os seguintes romances: El simulador (1990), de Jorge Manzur; Las libres del Sur. Una novela sobre Victoria Ocampo (2004), de María Rosa Lojo, Matar a Borges (2012), de Francisco Cappellotti, Borges e os orangotangos eternos (2000), de Luis Fernando Veríssimo; O romance de Borges (2000), de Hamilton Alves e Memorial de Buenos Aires (2006), de Antonio Fernando Borges. Observamos que essas narrativas giram em torno de biografemas de Borges e de sua literatura, dialogam com a poética borgeana e a história da literatura, além de utilizarem a intertextualidade e a metaficção como principais recursos estilísticos / Abstract: Jorge Luis Borges is regarded as one of the most important XX century writers from many critics' and writers' standpoint. Therefore, his poetry, which became a paradigmatic one, has revolutionized the literary practice as well as the literary studies. Currently, we observe that the Argentinian writer is not only analyzed in several essays, theses and biographies, but also the writer himself has been converted into a recurring character in various novels, short stories, chronicles, plays, films and comics. In this sense, Pablo Brescia (2008) points out that there is a tendency in fictionalizing Borges, that is, to make him into a literary object. Brescia adds that instudies on Borges there is still an ignored aspect concerning the way some writers have (re)read the Argentinian author, especially within the fictional sphere. Considering the existence of that gap we may justify the accomplishment of a study about this topic. Thus, this research work aims at contributing to the understanding of the process of Borges' conversion into a character in the production by other writers, specifically within the scope of Latin American literature, such as, the Argentinian and Brazilian ones. Thereby, the corpus of this research consists of the following novels: Jorge Manzur's El simulador (1990); María Rosa Lojo's Las libres del Sur. Una novela sobre Victoria Ocampo (2004); Francisco Cappellotti's Matar a Borges (2012); Luis FernadoVeríssimo's Borges e os orangotangos eternos (2000); Hamilton Alves's O romance de Borges (2000); and Antonio Fernando Borges's Memorial de Buenos Aires (2006). We observe that those narratives are structured around Borges' "biografemas" and his literature which dialogs with both Borges' poetry and the history of literature, besides utilizing intertextuality and metafiction as main stylistic features / Doutor

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Esta pesquisa objetivou discutir a violência e o laço social, tomando como fonte de inspiração a relação com o semelhante, desvelada na obra de Rubem Fonseca. A literatura é apreendida como espaço ético no qual os processos de subjetivação são expressos e forjados, dando forma ao mal-estar que a psicanálise institui como próprio do existir humano. Considerando a violência constituinte do dualismo pulsional Eros-Tanatos, hipotetiza-se que as trocas sociais, na atualidade, efetuam-se pelo ódio indiferenciado ao outro, reificando-o e destituindo-o de sua singularidade. As personagens de Rubem Fonseca protagonizam, juntamente com o cenário urbano, a tragédia contemporânea na qual a melancolia parece ser a tônica da trama coletiva e os atos violentos despropositados contra o outro, uma forma de resposta contra a desvitalização e a impotência subjetivas. Em um universo social caracterizado pela retração dos poderes regeneradores e unificadores de Eros, a erótica predominante se afirma pela violência em relação ao próximo, não posto no lugar de parceiro na construção da coletividade.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:29:50Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2003-01-24Bitstream added on 2014-06-13T20:27:11Z : No. of bitstreams: 1 correa_lc_me_assis.pdf: 339857 bytes, checksum: 1a1fadedb4cb10a14da1064120896af4 (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / O presente estudo pretende realizar uma classificação das personagens nos contos de João Antônio, já que constituem um dos elementos estruturais dos textos ao lado do foco narrativo, responsável pela transformação na maneira de apresentar as figuras que permeiam a ficção desse autor. Para a realização do trabalho, tomamos como ponto de partida os seus dois primeiros livros, Malagueta, Perus e Bacanaço (1963) e Leão-de-chácara (1975), nos quais encontramos quatro grupos distintos de personagens. Aos malandros e otários que habitam as páginas da primeira obra, adicionamos as figuras de um bandido e um merduncho na observação dos seres da segunda publicação. / This dissertation is aimed at the classification of the characters in João Antônio's short stories, since they are one of the text structural elements together with the narrative focus, responsible for the transformation in the way of presenting these characters. The starting point of this research was Malagueta, Perus e Bacanaço (1963) and Leão-de-chácara (1975), which show four distinct groups of characters. To the malandros (roguish) and otários (suckers) that inhabit the pages of the first book, the figures of a bandido (bandit) and a merduncho (poor common people) of the second book were added.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-Graduação em Literatura, 2011. / Submitted by Elna Araújo (elna@bce.unb.br) on 2012-07-25T21:03:24Z No. of bitstreams: 1 2011_SilviaUrmilaAlmeidaSantos.pdf: 788289 bytes, checksum: 3e4a605182032c7194784db1cd0492fe (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Ferreira de Souza(jaquefs.braz@gmail.com) on 2012-07-30T12:25:18Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2011_SilviaUrmilaAlmeidaSantos.pdf: 788289 bytes, checksum: 3e4a605182032c7194784db1cd0492fe (MD5) / Made available in DSpace on 2012-07-30T12:25:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2011_SilviaUrmilaAlmeidaSantos.pdf: 788289 bytes, checksum: 3e4a605182032c7194784db1cd0492fe (MD5) / Esta pesquisa tem por objetivo constituir apontamentos críticos sobre os romances Ninguém escreve ao coronel (1957) e Cem anos de solidão (1967), de Gabriel García Márquez, sob a perspectiva de idealização da modernidade. Este estudo pretende observar, estruturalmente, como se dá a percepção da condição periférica por meio de dois personagens das referidas obras de García Márquez. Pretende-se analisar também o propósito de aproximação entre a esposa do coronel de Ninguém escreve ao coronel e Úrsula Iguarán de Cem anos de solidão. O objetivo é entender como personagens de distintas narrativas, estruturadas esteticamente sob os moldes do realismo fantástico, porém, tão díspares em forma e conteúdo, podem ser compreendidas em função uma da outra. Trata-se, portanto, de uma comparação dialética entre a esposa do coronel reformado, que em meio a discernimentos e autoconsciência dilacerada da burocracia se destina ela mesma ao egoísmo e a matriarca da estirpe condenada a cem anos de solidão Úrsula Iguarán, que, pesem várias diferenças e distanciamentos, aproximam-se pela visão intencionada ou não, catastrófica ou não, das justificações ideológicas de classe. Em última instância, se perguntará: “Em quais pontos uma das primeiras obras de Gabriel García Márquez, a saber, Ninguém escreve ao coronel, uma narrativa elaborada sem grandes pretensões formais e estilísticas, acerca-se de Cem anos de solidão, provavelmente um dos romances latino-americano mais lido do mundo em que as escolhas estilísticas do autor, valorizadas e aclamadas pela literatura mundial, alcançaram força e amplitude extraordinárias?”. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This research aims to constitute critical notes on the novels Nobody writes to the Colonel (1957) and One hundred years of solitude (1967), by Gabriel García Márquez, from the perspective of idealization of modernity. This study seeks to define, structurally, the perception of peripheral condition through two characters of these works of García Márquez. Furthermore it will examine the intended similarity between the wife of the colonel in Nobody writes to the Colonel and the character of Ursula Iguarán in One Hundred Years of Solitude. The goal is to understand how characters from different stories, aesthetically structured in the manner of magical realism, but so different in form and content, can be understood in terms of one another. Hence It is a comparison of the dialectic between the wife of the retired colonel, who in the midst of insights and the bureaucracy of her self-consciousness, devotes itself to the selfishness, and Ursula Iguarán, the matriarch sentenced to one hundred years of solitude, that, despite several differences and distances, are close to the intention or not, catastrophic or not, the ideological justification of class. Eventually it will ask "Which aspects in the early work of Gabriel García Márquez, namely Nobody writes to the colonel, an elaborated narration without too many formal and stylistic pretensions, converge to his latter One hundred years of solitude, probably one of the world's most read Latin American novel with the author's stylistic art of writing, valued and praised in world literature, both pieces having achieved extraordinary power of expression and magnitude?".

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Programa de Pós-Graduação em Literatura, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Doutorado com Convenção de Co-tutela Internacional de Tese/Université Européenne de Bretagne, École Doctorale Arts, Lettres, Langues, ERIMIT Mémoire, Identité, Territoire, Département de Portugais, Doctorat en Cotutelle Internationale de Thèse, 2012. / Submitted by Elna Araújo (elna@bce.unb.br) on 2012-09-11T20:07:30Z No. of bitstreams: 1 2012_MonicaHortaAzeredo.pdf: 3921945 bytes, checksum: c7275079f96c58dbc5673884c8aaffdf (MD5) / Approved for entry into archive by Marília Freitas(marilia@bce.unb.br) on 2012-09-25T18:04:19Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2012_MonicaHortaAzeredo.pdf: 3921945 bytes, checksum: c7275079f96c58dbc5673884c8aaffdf (MD5) / Made available in DSpace on 2012-09-25T18:04:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2012_MonicaHortaAzeredo.pdf: 3921945 bytes, checksum: c7275079f96c58dbc5673884c8aaffdf (MD5) / O objetivo deste trabalho é analisar a representação da figura de heroína em cinco obras de cinema e literatura: De Salto Alto (1991) e Tudo sobre Minha Mãe (1999), filmes espanhóis de ficção dirigidos por Pedro Almodóvar; Estamira (2004) e Estamira para Todos e para Ninguém (2004), documentários brasileiros em longa-metragem e média-metragem, respectivamente, dirigidos por Marcos Prado; e Quarto de Despejo: diário de uma favelada (19601), livro brasileiro escrito por Carolina Maria de Jesus e editado por Audálio Dantas. Propõe-se a análise do modo como esses textos cinematográficos e literário constroem e apresentam suas respectivas protagonistas ao longo de toda a narrativa: Rebeca (De Salto Alto), Manuela (Tudo sobre Minha Mãe), Estamira (Estamira e Estamira para Todos e para Ninguém) e Carolina Maria de Jesus (Quarto de Despejo: diário de uma favelada). O trabalho é desenvolvido em quatro capítulos, sendo que o primeiro trata das teorias de representação, da conceituação e representação do ser heroico, das peculiaridades pertinentes a cada gênero (melodrama, documentário, diário autobiográfico), e do diálogo que cada obra trava com outros tipos de arte ao longo das narrativas. No segundo capítulo, a proposta é analisar as questões identitárias pertinentes ao universo das personagens principais, considerando o constante diálogo dessas com o leitor/espectador. No terceiro e quarto capítulos, discorre-se sobre as estratégias de distanciamento e aproximação das heroínas com relação ao leitor/espectador, observadas ao longo dos textos fílmicos e literário. De Salto Alto é uma obra que conta a vida de duas mulheres – mãe e filha – que vivem momentos diferentes. A mãe, a cantora e atriz famosa Becky Del Páramo (Marisa Paredes), retorna a Madri, sua cidade natal, onde pretende passar seus últimos dias. Ela reencontra sua filha Rebeca (Victoria Abril), depois de quinze anos de separação. A moça nunca superou o desejo de imitar a mãe. Tudo sobre Minha Mãe representa o sofrimento de Manuela (Cecília Roth) que perde seu filho único, Estéban (Eloy Azorín), pouco antes de contar a ele toda a verdade sobre seu pai. A mulher resolve voltar à cidade de Barcelona para reencontrar o ex-marido, Estéban. O homem, pouco antes de engravidá-la, havia decidido se tornar o travesti Lola (Toni Cantó). Estamira e Estamira para Todos e para Ninguém contam a história de Estamira Gomes de Souza (1939-2011), uma brasileira que sofre de distúrbios mentais e que durante cerca de duas décadas vive e trabalha no Lixão do Jardim Gramacho, no Rio de Janeiro, em péssimas condições de vida. Quarto de Despejo: diário de uma favelada revela os escritos diários de Carolina Maria de Jesus entre 1955 e 1960. A edição foi feita por Audálio Dantas, que leu os vinte cadernos onde se encontravam os relatos da autora. No livro, Carolina descreve sua rotina como favelada ao lado dos três filhos e de outras pessoas que, como ela, lutam para sobreviver à miséria na hoje extinta favela do Canindé, em São Paulo. Para o processo de desvendamento das intenções implícitas dos filmes, opta-se por utilizar como metodologia a análise do discurso das personagens e a observação de outros componentes literários ou fílmicos, como o gestual, o roteiro, o cenário, o figurino, a locação, a atmosfera, a montagem. Propõe-se uma análise com base em teóricos como Michel Foucault, Stuart Hall, Mikhail Bakhtin, Kathryn Woodward, Antonio Candido e Anatol Rosenfeld. _________________________________________________________________________________ RÉSUMÉ / L’objectif de ce travail est d’analyser la représentation de la figure de l’héroïne en cinq oeuvres littéraires et cinématographiques: Talons Aiguilles (1991) et Tout sur Ma Mère (1999), films espagnols de fiction dirigés par Pedro Almodóvar; Estamira (2004) et Estamira para Todos e para Ninguém (2004), documentaires brésiliens en long-métrage et moyen-métrage, respectivement, dirigés par Marcos Prado; et Le Dépotoir (19602), livre brésilien écrit par Carolina Maria de Jesus et édité par Audálio Dantas. Je propose d’analyser, entre autres, comment ces textes littéraires et cinématographiques façonnent et présentent ses respectives protagonistes le long de toute le récit: Rebeca (Talons Aiguilles), Manuela (Tout sur Ma Mère), Estamira (Estamira et Estamira para Todos e para Ninguém) et Carolina (Le Dépotoir). Le travail est développé en quatre chapitres. Le premier : traite des théories de représentation, de la conceptualisation et représentation de l’être héroïque, des particularités pertinentes de chaque genre (mélodrame, documentaire, journal autobiographique), et de la question d’intertextualité où chaque oeuvre s’entremêle avec d’autres types d’art. Le second chapitre se consacre à l’analyse des questions identitaires pertinentes dans l’univers des personnages principaux, considérant son constant dialogue avec le lecteur/spectateur. Le troisième et quatrième chapitres décrivent les stratégies d’éloignement et d’approximation des héroïnes par rapport au lecteur/spectateur, observées dans les textes filmiques et littéraires. Talons Aiguilles raconte la vie de deux femmes – mère et fille – qui vivent des moments différents. La mère, la chanteuse et actrice fameuse Becky Del Páramo (Marisa Paredes), revient à Madrid, sa ville natale, où elle prétend passer ses derniers jours. Elle retrouve sa fille Rebeca (Victoria Abril) aprés quinze ans de séparation. La jeune fille n’a jamais pu surmonter le désir d’imiter sa mère. Tout sur Ma Mère représente la souffrance de Manuela (Cecília Roth), qui perd son fils unique, Estéban (Eloy Azorín) peu avant de lui raconter toute la vérité sur son père. Elle décide alors de revenir à Barcelone pour retrouver son ex-mari Estéban (Toni Cantó). Celui-ci, peu avant de l’enfanter, avait décidé de devenir le travesti Lola. Estamira et Estamira para Todos e para Ninguém, racontent l’histoire d’Estamira Gomes de Souza (1939-2011), une brésilienne qui souffre de troubles mentaux et durant près de deux décennies vit et travaille au dépotoir d’ordure du Jardim Gramacho, à Rio de Janeiro, dans de terribles conditions de vie. Le Dépotoir raconte les confidences quotidiennes de Carolina Maria de Jesus entre 1955 et 1960. L’édition a été faite par Audálio Dantas, qui lut les vingt cahiers contenant les récits de l’auteur. Dans ce livre, Carolina décrit sa routine comme favelada au côté de ses trois enfants et d’autres qui, comme elle, lutent pour survivre à la misère dans le bidonville du Canindé, à São Paulo, aujourd’hui démoli. Pour dévoiler les intentions implicites des films, j’utilise comme méthodologie, l’analyse des commentaires des personnages et l’observation des autres composants littéraires ou filmiques, comme la gestuelle, le dialogue, le scénario, les figurines, le lieu, l’atmosphère, le montage. En proposant cette analyse je me base sur des théoriciens tels que Michel Foucault, Stuart Hall, Mikhaïl Bakhtin, Kathryn Woodward, Antonio Candido et Anatol Rosenfeld. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The purpose of this thesis is to analyze the representation of the heroine figure through five works of cinema and literature: High Heels (1991) and All About My Mother (1999), both Spanish fiction films directed by Pedro Almodóvar; Estamira (2004) and Estamira para Todos e para Ninguém (2004), respectively full-length and medium-length Brazilian documentaries, directed by Marcos Prado; and Child of the Dark: the Diary of Carolina Maria de Jesus (1960)3, a Brazilian book written by Carolina Maria de Jesus and edited by Audálio Dantas. I intend to analyze, among other aspects, how these literary and cinematographic pieces assemble and display their respective protagonists throughout the entire narrative: Rebeca (High Heels), Manuela (All about My Mother), Estamira (Estamira and Estamira para Todos e para Ninguém) and Carolina (Child of the dark: the diary of Carolina Maria de Jesus). This thesis is segmented in four chapters, the first being the one which concerns the theories of representation; the conceptualization and representation of the heroic being; the peculiarities applicable to each genre (melodrama, documentary, autobiographical diary), and the interchange that each piece establishes with other types of art throughout the narrative. For the second chapter, I contemplate the analysis of identitary issues concerning the main characters’ universe, heeding the on-going dialogue from the given parts towards the reader/ spectator. For the third and fourth chapter, I analyse the strategies of distancing and approaching of the heroines regarding the reader/spectator, strategies which have been pinpointed all over the cinematic and literary texts. High Heels is a film, which tells the story of two women - mother and daughter - who experience different moments. The mother, the famous singer and actress, Becky Del Páramo (Marisa Paredes), returns to Madrid, her hometown, where she wishes to spend the last days of her life. There she reunites with her daughter Rebeca (Victoria Abril) after having spent 15 years apart. The daughter failed to overcome the desire to emulate her mother. All about My Mother represents the suffering of Manuela (Cecília Roth), who has lost her only son, Estéban (Eloy Azorín), just before she tells him all the truth concerning his father. The woman then decides to come back to Barcelona to meet her ex-husband, Estéban. The man, soon before impregnating her, had decided to turn into the transvestite Lola (Eloy Azorín). Estamira and Estamira para Todos e para Ninguém narrates the story of Estamira Gomes de Souza (1939 -2011), a Brazilian woman who has a mental disorder and has been working for more than twenty years at a landfill in Jardim Gramacho, in Rio de Janeiro, under appalling living conditions. Child of the dark: the diary of Carolina Maria de Jesus reveals the daily chronicles of Carolina Maria de Jesus from 1955 to 1960. The editing was done by Audálio Dantas, who has read all the twenty notebooks, in which the writer’s reports were found. In the book, Carolina documents her everyday life as a slum woman besides her three children, and others, who share the same eagerness to get over the extreme poverty in Canindé, an extinct shanty town, in São Paulo. Having in mind the process of unveiling the implicit intentions of the films, I choose to use as a methodology the analysis of the characters’ speech and the observation of other literary or cinematographic components, such as gesture, screenplay, settings, costume, location, atmosphere, and assembly. This analysis is based in theorists such as Michel Foucault, Stuart Hall, Mikhail Bakhtin, Kathryn Woodward, Antonio Candido and Anatol Rosenfeld.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-Graduação em Literatura e Práticas Sociais, 2012. / Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2013-03-04T14:09:19Z No. of bitstreams: 1 2012_HelcicleverBarrosdaSilvaVitoriano.pdf: 21021788 bytes, checksum: c586bf988dff4c406ba854a363eebb56 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-03-06T10:29:47Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2012_HelcicleverBarrosdaSilvaVitoriano.pdf: 21021788 bytes, checksum: c586bf988dff4c406ba854a363eebb56 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-03-06T10:29:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2012_HelcicleverBarrosdaSilvaVitoriano.pdf: 21021788 bytes, checksum: c586bf988dff4c406ba854a363eebb56 (MD5) / Esta dissertação objetiva discutir e analisar as imagens e as referências especulares e infernais contidas nas peças Navalha na carne (1967), de Plínio Marcos de Barros e Entre quatro paredes (1944), de Jean-Paul Sartre conjuntamente às obras fílmicas homônimas a estes textos teatrais, respectivamente, Navalha na carne (1969), do diretor brasileiro Braz Chediak, e Huis Clos (1954), da diretora francesa Jacqueline Audry. Observou-se que o corpus em análise traz vários pontos de vista sobre a natureza e função dos espelhos na literatura moderna, bem como na mesma direção, o inferno dantesco foi redesenhado pelos dramaturgos contemporâneos Plínio Marcos e Jean-Paul Sartre. As obras fílmicas oriundas dos textos-fontes expressam estas categorias analíticas, ora recuperando as ideias dos escritores, ora inovando as temáticas sob o jugo da linguagem cinematográfica e das concepções dos cineastas Jacqueline Audry e Braz Chediak. Do ponto de vista teórico, serviram a este trabalho, variadas expressões críticas, tais como a semiótica, especialmente a peirceana, além de Bakhtin com seus conceitos de carnavalização e dialogia e as inevitáveis incursões sobre a seara da alteridade. Algumas concepções filosóficas de Sartre foram estudadas por serem necessárias para elucidar e melhor compreender seu teatro, especialmente os fundamentos do pensamento existencialista de orientação ateia. No que se refere a Plínio Marcos, processou-se um escrutínio dos seus maiores críticos à luz das intenções da presente dissertação, especialmente sobre sua estética naturalista. Ficou evidente no decorrer da investigação que a condensação da ação e sua aparente simplicidade, características do texto teatral contemporâneo, escondem um universo polissêmico colossal. Ademais, a quantidade reduzida de personagens reclusos em ambientes claustrofóbicos, marca das duas peças estudadas, redefinem nossas concepções de inferno e de relações interpessoais, além de restar agônica nossa percepção do cotidiano, do qual o espelho é objeto indispensável. Na mesma orientação, os textos-fonte de Sartre e Plínio Marcos são oriundos de dois contextos sociais de alta turbulência: a segunda Grande Guerra e a Ditadura Militar brasileira, sendo que estas peças teatrais acabam “espelhando” ou pelo menos desembocando num novo paradigma estético da Odisseia infernal jamais antes imaginado. No âmbito da constituição dos personagens, há notória semelhança entre os textos estudados, a começar pela quantidade de personagens, pela utilização do espaço em confinamento, por uma correspondência em termos de perfil psicológico: Garcin ⇔ Neusa Sueli (fracos e dominados), Estelle ⇔ Veludo (dissimulados e orgulhosos), Inês ⇔ Vado (arrogantes e controladores), sendo que estes binarismos são permutáveis entre si, a depender do olhar do analista. Além disso, observamos que do ponto de vista da interação entre os personagens de ambas as peças, esses carregam grande semelhança em termos constitutivos, pois as “alianças” e “conchavos” entre eles se dão na mesma intensidade que dos rompimentos com intuito de destruir os outros, de se sobrepor: Estelle finge interesse por Garcin para castigar Inês, da mesma maneira que Veludo e Neusa Sueli se aproximam e se distanciam de Vado ao sabor de suas intenções pessoais e mesquinhas ou para autodefesa. Ao cabo percebemos que as máximas sartrianas “o inferno são os outros” e “a existência precede a essência” são acerbamente experimentadas por todos os personagens analisados, assim como pelos dramaturgos em suas trajetórias artísticas e intelectuais. _______________________________________________________________________________________ RÉSUMÉ / Cette memoire de maîtrise vise à discuter et analyser les images et les références spéculer et infernal contenues dans les pièces Navalha na carne (1967), Plinio Marcos de Barros et Huis Clos (1944), Jean-Paul Sartre à travailler conjointement à ces textes théâtrales avec les films homonymes, respectivement de A Navalha na carne (1969) du réalisateur Braz Chediak et Huis Clos (1954) de Jacqueline Audry, la réalisatrice française. On a observé que l'analyse de corpus a plusieurs points de vue sur la nature et la fonction des miroirs dans la littérature moderne, ainsi que dans la même direction, l’enfer dantèsque a été redessiné par les auteurs contemporains Marcos Plinio et Jean-Paul Sartre. Le travail des textes filmiques en provenance de sources exprimant ces catégories analytiques désormais récupérer les idées des écrivains, parfois d'innover les questions sous le joug du langage cinématographique et les concepts des cinéastes Braz Chediak et Jacqueline Audry. Du point de vue théorique, ce travail s’a servi de variée critiques expressions, telles que la sémiotique de Peirce et avec ses concepts de la carnavalisation et le dialogisme de Bakhtine et les raids inévitable sur la récolte de l'altérité. Certaines des idées philosophiques de Sartre ont été étudiés parce qu'ils sont nécessaires pour élucider et mieux comprendre son théâtre. En ce qui concerne Plinio Marcos, a poursuivi à un examen minutieux de ses plus grands critiques, à la lumière des intentions de cette thèse du maîtrise, en particulier sur son esthétique naturaliste. Il est devenu évident au cours de l'enquête que la condensation de l'action et de son apparente simplicité, caractéristique de texte de théâtre contemporain, cacher un polysémique univers colossal. Par ailleurs, la quantité réduite de détenus des personnages dans des environnements oppressants, caractéristique du deux pièces étudiées, Il forme nos concepts de l'enfer et les relations interpersonnelles, ainsi que notre perception quotidienne reste angoissante, dont le miroir est un objet indispensable. Dans le même sens, les textes sources de Sartre et de Plinio Marcos sont de deux contextes sociaux de haute turbulence: la Seconde Guerre mondiale et la dictature militaire brésilienne, et ces jeux de fin " être en train de miroir" ou tout au moins de se retrouver dans un nouveau paradigme esthétique de Odyssey infernal jamais imaginé. Conformément à la constitution des personnages, il ya des similitudes frappantes entre les textes étudiés, à commencer par le nombre de caractères, l'utilisation de l'espace en isolement pour un match en termes de profil psychologique: Garcin ⇔ Neusa Sueli (faible et dominé), Estelle ⇔ Veludo (déguisée et fier), Inês ⇔ Vado (arrogants et dominateurs), et ces binaires sont interchangeables, selon le regard de l'analyste. En outre, nous notons que le point de vue de l'interaction entre les personnages dans les deux pièces de théâtre, ceux-ci portent une grande similarité en termes d'incorporation, puisque les «alliances» et «collusion» entre eux donnent la même intensité de perturbations dans l'intention de détruire d'autres, se chevauchent: l’Intérêt d’Estelle par Garcin est seulement pour punir Inês, tout comme Veludo et Neusa Sueli approche et de s'éloigner de Vado à la saveur de leurs intentions personnelles et mesquines ou d'auto-défense. A la fin, nous voyons que les postulats sartriens «l'enfer, c'est les autres» et «l'existence précède l'essence» sont amèrement vécue par tous les caractères analysés, ainsi que par les dramaturges dans leurs trajectoires artistiques et intellectuelles.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, 2010. / Submitted by Fernanda Weschenfelder (nandaweschenfelder@gmail.com) on 2010-11-16T16:31:22Z No. of bitstreams: 1 2010_FlavioPereiraCamargo.pdf: 1281636 bytes, checksum: 043a0c14d8a9ccf7b8029fd7f2fd80f7 (MD5) / Approved for entry into archive by Daniel Ribeiro(daniel@bce.unb.br) on 2010-11-17T23:10:05Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2010_FlavioPereiraCamargo.pdf: 1281636 bytes, checksum: 043a0c14d8a9ccf7b8029fd7f2fd80f7 (MD5) / Made available in DSpace on 2010-11-17T23:10:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2010_FlavioPereiraCamargo.pdf: 1281636 bytes, checksum: 043a0c14d8a9ccf7b8029fd7f2fd80f7 (MD5) / Nesta pesquisa, objetivamos analisar como ocorrem as (auto)representações de personagens homossexuais masculinos em contos de Caio Fernando Abreu, além de examinar nas estratégias discursivas e narrativas quem fala, o que e de onde fala; pensar a relação centro-periferia no âmbito da dominação simbólica no mundo literário e artístico, que é transfigurada no campo das relações sociais; e evidenciar os preconceitos e os estereótipos preestabelecidos em relação a esses personagens. Para tanto, em um primeiro momento, propomos uma discussão entre literatura e representação, cuja ênfase recai sobre as implicações teóricas, sociais, políticas, culturais e subjetivas em relação à representação do outro na literatura brasileira. Nesta etapa, também examinamos certos questionamentos que não podem ser deixados de lado: como o outro é representado? O que essa representação significa? Sob quais circunstâncias essa representação se concretiza e como ela se justifica? Trata-se de uma representação institucionalizada ou não? Em seguida, discutimos questões diversas de cunho teórico e crítico sobre gênero, sexualidade e identidade, com enfoque especial nos valores socioculturais e históricos presentes na cultura ocidental. Tecemos ainda algumas considerações sobre as travessias e os deslocamentos na constituição de identidades de gênero e sexual, que remetem a uma questão cara àqueles sujeitos que ousam romper tais fronteiras de uma sociedade marcadamente heteronormativa: o coming out. Posteriormente, situamos Caio Fernando Abreu no panorama das literaturas brasileira e gaúcha, bem como evidenciamos certas características peculiares à contística do autor, particularmente o que diz respeito ao seu estilo urbano. Por fim, passamos à análise do corpus literário com a finalidade de analisar os seguintes eixos temáticos: 1) as experiências homoafetivas e/ou homoeróticas; 2) as questões relacionadas à sexualidade humana, à solidão, ao preconceito, à discriminação e à violência às quais os personagens homossexuais estão sujeitos diariamente; 3) os ritos de iniciação sexual ou a passagem da (pré)adolescência para a fase adulta; 4) a AIDS e seu impacto na vida afetiva e sexual desses personagens. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / In this research we aim at analyzing how the self-representations of masculine homosexual literary characters occur in Caio Fernando Abreu´s short stories, besides examining who speaks, what is spoken and from where one speaks in the discursive strategies; think the relation center-periphery in the field of symbolic domination in the literary and artistic world, which is transfigured in the area of social relations; and put in evidence the pre-established prejudices and stereotypes related to those characters. In a first moment, a discussion between literature and representation is proposed. Its emphasis is on the theoretical, social, political, cultural and subjective implications related to the representation of the other in Brazilian literature. At this point, some questions which could not be neglected are also raised: how is the other represented? What does this representation mean? Under which circumstances does this representation turn out to be concrete and how does it justify itself? Is it an institutionalized representation or not? Then, diverse theoretical and critical issues on gender, sexuality and identity are discussed with a distinguished prominence on sociocultural and historical values present the Western culture. Also, some considerations about the crossings and displacements in the constitution of a gender and sexual identity, which directs an issue of importance to those individuals who dare breaking up the frontiers of a highly heteronormative society: the coming out. Next, Caio Fernando Abreu is placed in the scenario of the literatures from Brazil and Rio Grande do Sul and some peculiar characteristics of his short story production are evidenced, particularly those which refer to his urban style. Finally, the literary corpus is analyzed so that we concentrate on the following thematic fields: a) the homoaffective and/or homoerotic experiences; 2) issues related to human sexuality, solitude, prejudice, discrimination and violence, to which the homosexual characters are subjected everyday; 3) the sexual initiation rituals or the passage from pre-adolescence to adulthood; 4) the AIDS and its impact on the sexual and affective life of these characters.