Architectural ceramics have been a legitimizing resource for the inaugural discourse of the Modern Movement architecture in Brazil. Understood as an element that connects with the tradition of that country, and therefore fully identifiable with it, architectural ceramics have been reinterpreted to assume a prominent, sometimes decisive, role in shaping the most important works of this movement. Oscar Niemeyer, a key architect in the recent history of Brazil, has used ceramic tiles throughout his career with different purposes that are linked both to the artistic context around him and to his own personal interests. The present research aims to rescue and to highlight the role that architectural ceramics play in his work as a compositional resource that provides it with significant values and cultural references. The present study has focused on those among the most emblematic Niemeyer buildings in which the use of tiles is more apparent. Analyses are made under an eminently visual perspective, discussing the chromatic, morphological and symbolic characteristics of the ceramic pieces contained in every building, often in relation to the work of the renowned artists who designed them. Also, the contextualization of these works -both architectural and ceramic- has allowed to check the evolution of the intentions and characteristics of the ceramic material in parallel with the professional trajectory of Niemeyer. All this previous inquiry has brought us to formulate a series of conclusions about the (sometimes interwoven) motivations that led the architect to the conscious use of the ceramic material in his creations throughout each stage of his life. Those motivations range from the visual dematerialization of the surfaces to the artistic interests of Niemeyer himself through the allusion to the Brazilian tradition understood as vindication and signification. To sum up, architectural ceramics have played an unquestionable role in some of the most important works of Oscar Niemeyer and have provided constructive, aesthetic and cultural values to them, contributing (sometimes discreetly, other times with unavoidable presence) to the originality of his architecture. / La cerámica arquitectónica ha supuesto un recurso legitimador del discurso inaugural de la arquitectura del Movimiento Moderno en Brasil. Entendida como un elemento que enlaza con la tradición de dicho país, y por tanto, plenamente identificable con éste, ha sido reinterpretada para asumir un papel destacado, en ocasiones determinante, en la configuración de las obras más importantes de este movimiento. Oscar Niemeyer, arquitecto clave en la reciente historia de Brasil, ha empleado la azulejería a lo largo de toda su trayectoria profesional con distintos propósitos que están ligados tanto al contexto artístico en el que se enmarcó como sus propios intereses personales. La presente investigación tiene por objetivo rescatar y poner en valor el papel que la cerámica arquitectónica desempeña en su obra como recurso compositivo que permite aportar valores significativos y referencias culturales a la misma. El estudio se ha centrado en los edificios más emblemáticos de Niemeyer en los cuales está presente de forma evidente la azulejería. De cada uno de ellos se analizan, bajo un prisma eminentemente visual, las características cromáticas, morfológicas y simbólicas de las piezas cerámicas contenidas, en numerosas situaciones vinculadas al trabajo de reconocidos artistas. Asimismo, la contextualización de las obras -tanto las arquitectónicas como las cerámicas existentes en ellas- ha permitido constatar la evolución de las intenciones y características del material cerámico en paralelo a la trayectoria profesional de Niemeyer. Con todo ello se ha podido establecer una serie de conclusiones acerca de las motivaciones, en ocasiones imbricadas, que llevaron al arquitecto al empleo consciente del material cerámico en sus creaciones a lo largo de cada etapa de su vida, motivaciones que van desde la desmaterialización visual de los paramentos a los intereses artísticos del propio Niemeyer pasando por la alusión a la tradición brasileña entendida como reivindicación y significación. En suma, la cerámica arquitectónica ha desempeñado, por su cualidad intrínseca, un papel incuestionable en algunas de las obras más relevantes de Oscar Niemeyer, a las que ha aportado valores constructivos, estéticos y culturales, contribuyendo (unas veces de forma discreta, otras con presencia insoslayable) a la originalidad de su arquitectura. / La ceràmica arquitectònica ha suposat un recurs legitimador del discurs inaugural de l'arquitectura del Moviment Modern al Brasil. Entesa com un element que enllaça amb la tradició d'aquest país, i per tant, plenament identificable, ha sigut reinterpretada per a assumir un paper destacat, en ocasions determinant, en la configuració de les obres més importants d'aquest moviment. Oscar Niemeyer, arquitecte clau en la recent història del Brasil, ha emprat la taulelleria al llarg de tota la seua trajectòria professional amb diferents propòsits que estan lligats tant al context artístic en el qual es va emmarcar com els seus propis interessos personals. La present investigació té per objectiu rescatar i posar en valor el paper que la ceràmica arquitectònica exerceix en la seua obra com a recurs compositiu que permet aportar valors significatius i referències culturals a la mateixa. L'estudi s'ha centrat en els edificis més emblemàtics de Niemeyer en els quals està present de forma evident la taulelleria, de manera que de cada un d'ells s'analitzen, sota un prisma eminentment visual, les característiques cromàtiques, morfològiques i simbòliques de les peces ceràmiques contingudes, en nombroses situacions vinculades al treball de reconeguts artistes. Així mateix, la contextualització de les obres -tant les arquitectòniques com les ceràmiques existents en elles- ha permès constatar l'evolució de les intencions i característiques del material ceràmic en paral¿lel a la trajectòria professional de Niemeyer. Amb tot això s'ha pogut establir una sèrie de conclusions sobre les motivacions, de vegades imbricades, que van portar a l'arquitecte a l'ús conscient del material ceràmic en les seues creacions al llarg de cada etapa de la seua vida, motivacions que van des de la desmaterialització visual dels paraments als interessos artístics i a l'al¿lusió a la tradició brasilera entesa com a reivindicació i significació. En suma, la ceràmica arquitectònica ha exercit, per la seua qualitat intrínseca, un paper inqüestionable en algunes de les obres més rellevants d'Oscar Niemeyer, a les que ha aportat valors constructius, estètics i culturals, contribuint (unes vegades de forma discreta, altres amb presència ineludible) a l'originalitat de la seua arquitectura. / Torre Fornés, IDL. (2017). LA CERÁMICA ARQUITECTÓNICA EN LA OBRA DE OSCAR NIEMEYER: COLOR, MORFOLOGÍA E INTENCIONES [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/90539 / TESIS

Este trabalho apresenta uma investigação pioneira dos encadeamentos que conduziram a formação da coleção de arte brasileira do Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA), buscando desvendar os fatores que levaram peças nacionais a serem incorporadas ao acervo da proeminente instituição americana, partindo da primeira aquisição em 1939 e mapeando todos os ingressos ao longo dos anos 1940. O objetivo central do estudo é compreender os processos históricos que direcionaram a aquisição e permitiram a recepção das obras por parte da instituição no período investigado, bem como os fatores que permitiram que ela divulgasse a arte brasileira no contexto cultural americano no decênio de 1940. / This study presents a pioneering effort to set out the formation processes of the Museum of Modern Art in Ney York (MoMA) Brazilian art collection, revealing the sequence of events that lead artworks from Brazil to be acquired by this institution from 1939 to 1949. Its aim is to understand the historical scenarios that allowed these artworks to be received by the museum in the delimited time, as well as to comprehend the reasons that propelled MoMA to promote Brazilian art in the 1940s. The investigation work was based on correspondence of key people in this process Nelson Rockefeller, Alfred H. Barr Jr., Lincoln Kirstein and Cândido Portinari as well as on documents produced by the MoMA; the results of this research opens new possibilities of understanding the relations between Brazil and the United States, in the fields of art, culture and politics.

Made available in DSpace on 2016-06-02T19:39:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 3269.pdf: 22639026 bytes, checksum: 085f23e26f92e86598152d42d8e37f3f (MD5) Previous issue date: 2010-08-30 / This Project starts from an observation and a questioning: why haven t Cândido Portinari s works - greatest Brazilian painter and born in the state of São Paulo -, been taken into account by the Curricular Proposal of the State of São Paulo regarding the Arts teaching books, in particular the visual ones? Doesn t his work have any importance for the country? Don t the elaborators of the mentioned proposal know him? From the analysis of this material, a research has been done with the survey of bibliographies about the painter that could reveal his life, not only the one already known of the general public, but the one that could serve as a basis to teachers that teach art in public schools of the state of São Paulo. Through this investigation, we try to show someone worried about his people, an educator made by the image and a man formed by the observation of his work. The first chapter reveals us Portinari s formation, his family, religiosity, his involvement with Communism, his friends, his stay in Europe, his moving to Rio and his occasional trips to Brodósqui; besides the awards received, his escape of school and the greatness of his work. The second chapter shows the reader all the educational features of this painter, his concerns about the future of education in the country and mainly about the simple man who has been building this nation and not revealed by our old masters. Which man does Portinari show in his works? The third chapter compares and analyzes contemporaneous artists works taken into account by the Curricular Proposal of the State of São Paulo. It inquires about the presence of these education icons and reflects/questions Cândido Portinari s absence. / O presente trabalho parte de uma observação e de um questionamento: por que as obras de Cândido Portinari, maior pintor brasileiro e paulista de nascimento, não foram contemplados pela Proposta Curricular do Estado de São Paulo no que diz respeito ao caderno de ensino da disciplina de Arte, em particular as visuais? Será que seu trabalho não tem qualquer importância para o país? Os elaboradores da referida Proposta não o conhecem? A partir da análise deste material, deu-se início um trabalho de pesquisa com levantamentos de bibliografias sobre o pintor que pudessem revelar sua vida, não apenas a que já era conhecida pelo grande público, mas sim aquela que pudesse servir de base aos professores que lecionam Artes nas Escolas Públicas do Estado de São Paulo. Através desta investigação, tentamos mostrar um Portinari preocupado com seu povo, um educador que se fazia pela imagem e um homem que seria formado pela observação de sua obra. O primeiro capítulo revela-nos a formação de Portinari, sua família, a religiosidade, o comunismo, os amigos, sua estada na Europa, sua ida ao Rio de Janeiro e o retorno em algumas ocasiões a Brodósqui. Além dos prêmios recebidos, a fuga da escola e a grandiosidade de sua obra. O segundo capítulo apresenta ao leitor todo o caráter educativo deste pintor, suas preocupações com o futuro da educação no país e principalmente com o homem simples que construiu e constrói esta nação e não revelado pelos mestres trazidos por Dom João VI. Um olhar sobre o homem apresentado por Portinari em seus trabalhos. O terceiro capítulo compara e analisa as obras de artistas contemporâneos contempladas pela Proposta Curricular do Estado de São Paulo. Indaga sobre a presença destes ícones da educação e faz uma reflexão/questionamento sobre a ausência de Candido Portinari.

Este trabalho apresenta uma investigação pioneira dos encadeamentos que conduziram a formação da coleção de arte brasileira do Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA), buscando desvendar os fatores que levaram peças nacionais a serem incorporadas ao acervo da proeminente instituição americana, partindo da primeira aquisição em 1939 e mapeando todos os ingressos ao longo dos anos 1940. O objetivo central do estudo é compreender os processos históricos que direcionaram a aquisição e permitiram a recepção das obras por parte da instituição no período investigado, bem como os fatores que permitiram que ela divulgasse a arte brasileira no contexto cultural americano no decênio de 1940. / This study presents a pioneering effort to set out the formation processes of the Museum of Modern Art in Ney York (MoMA) Brazilian art collection, revealing the sequence of events that lead artworks from Brazil to be acquired by this institution from 1939 to 1949. Its aim is to understand the historical scenarios that allowed these artworks to be received by the museum in the delimited time, as well as to comprehend the reasons that propelled MoMA to promote Brazilian art in the 1940s. The investigation work was based on correspondence of key people in this process Nelson Rockefeller, Alfred H. Barr Jr., Lincoln Kirstein and Cândido Portinari as well as on documents produced by the MoMA; the results of this research opens new possibilities of understanding the relations between Brazil and the United States, in the fields of art, culture and politics.

Submitted by ALESSANDRA SILVA RIBEIRO null (alesilribeiro10@hotmail.com) on 2018-03-26T18:14:04Z No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO ALESSANDRA SILVA RIBEIRO.pdf: 1647793 bytes, checksum: d6773ca68f24ffc457864e610cc111ef (MD5) / Approved for entry into archive by Laura Akie Saito Inafuko (linafuko@assis.unesp.br) on 2018-03-26T18:28:27Z (GMT) No. of bitstreams: 1 ribeiro_as_me_assis.pdf: 1647793 bytes, checksum: d6773ca68f24ffc457864e610cc111ef (MD5) / Made available in DSpace on 2018-03-26T18:28:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ribeiro_as_me_assis.pdf: 1647793 bytes, checksum: d6773ca68f24ffc457864e610cc111ef (MD5) Previous issue date: 2018-02-05 / O livro Dom Quixote de La Mancha, do escritor espanhol Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616), publicado nos anos de 1605 (Primeiro Livro) e 1615 (Segundo Livro), é considerado por muitos como a obra que marcou o início do romance moderno e tem sua história conhecida mundialmente. O sucesso de Dom Quixote foi preconizado pelo próprio escritor, registrado no prólogo de seu Segundo Livro. Sua interpretação ao longo de quatro séculos de existência revela leituras variadas, sendo que dentre elas acentua-se a de viés romântico. Neste estudo abordamos um breve panorama da história de divulgação da obra e de Cervantes e de sua expansão pelo mundo, tornando-o um dos livros mais conhecidos pela humanidade. Sua divulgação se expande por fronteiras além-literárias, como adaptações presentes nos diferentes campos artísticos: teatro, cinema, música, pintura, entre outros. Enfocamos uma de suas adaptações literárias infantojuvenis, realizada pela escritora brasileira Ana Maria Machado, intitulada O Cavaleiro do Sonho: as aventuras e desventuras de Dom Quixote de La Mancha (2005), que dialoga interartisticamente com a pintura, pois é ilustrada pela série Dom Quixote (1956), de Candido Portinari. O contato com a história também ocorre pela esfera da oralidade, constituindo-se no mito de Dom Quixote, ou seja, a história desprende-se do papel para habitar o campo do imaginário coletivo. Averiguamos a perspectiva adotada pela escritora Ana Maria Machado em relação a sua releitura da história de Cervantes pela via do mito. Para isso adotamos uma perspectiva analítica que se vale da mitocrítica, dos estudos cervantistas, da teoria literária e dos estudos da linguagem para a análise do componente interdisciplinar ressaltado pela autora. / The novel Don Quixote de La Mancha, by the Spanish writer Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616), first published in 1605 (Volume 1) and 1615 (Volume 2), is acknowledged by many literary critics as the milestone of the modern novel, and its plot is known worldwide. The success of Don Quixote was foreboded by the own author, reported in the prologue of Volume 2. The interpretation of Don Quixote’s narrative over its four centuries of existence unveils multiple analysis, of which, among them, the romantic bias one is emphasized. In this dissertation we have approached a brief overview on the trajectory of the dissemination of the aforementioned novel, also regarding the novelist himself, as well as its diffusion throughout the world, growing into one of the most famous books in mankind. Its diffusion goes beyond literary boundaries, such as existing adaptations in several artistic fields like drama, cinema, music, painting, among others. We have emphasized one of its adaptations to children’s literature, made by the Brazilian authoress Ana Maria Machado, entitled O Cavaleiro do Sonho: as aventuras e desventuras de Dom Quixote de La Mancha (2005), which dialogues interartistically with painting, since its illustrations were taken from the series of paintings Dom Quixote (1956), by the Brazilian painter Candido Portinari. The bonding with the narrative also takes place via the field of orality, forming the Myth of Don Quixote. We have investigated Ana Maria Machado’s point of view concerning her adaptation of Cervantes’ diegesis by means of the myth. To this end, we have utilized an analytical perspective that makes use of Myth Criticism, Cervantic studies, Theory of Literature and Language Studies in order to substantiate the interdisciplinary element stressed by the authoress.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:46Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-06-18Bitstream added on 2014-06-13T18:30:30Z : No. of bitstreams: 1 franceschini_sr_me_ia.pdf: 3443496 bytes, checksum: 1be3859e2ceca695db5f78f598fffb22 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Este é um estudo analítico/interpretativo sobre o Ciclo de Portinari, um conjunto de oito canções para vozes femininas (soprano e mezzo soprano) e piano, do compositor João Guilherme Ripper (1959-), com textos por Cândido Portinari (1903-1962). Considerando a interação entre os textos literário e musical, típica do gênero canção, e as relações sensoriais decorrentes da escuta e interpretação musical, a intenção é investigar o tratamento musical do compositor para os textos do artista. Procuraremos estabelecer aproximações entre o texto literário e as artes visuais, identificar analiticamente elementos musicais usados para reforçar o sentido do texto e estabelecer possíveis contribuições para a interpretação na transmissão desses elementos ao público, visando demonstrar experiências multissensoriais justificadas por conceitos de interdisciplinaridade e/ou sinestesia. / This is this an analytical/interpretative study of the Ciclo Portinari, a set of eight songs for female voices (soprano and mezzo soprano) and piano, by composer João Guilherme Ripper (1959-), with texts by Cândido Portinari (1903-1962). Considering the interaction between the literary and musical texts, typical to the genre song, and sensory relations arising from listening and musical interpretation, the intention is to investigate the composer’s musical treatment of the artist’s texts. We will seek to establish approximations between the literary text and the Visual Arts, identify analytically musical elements used to strengthen the sense of the text and establish possible contributions for interpretation in the transmission of these elements to the public, aiming to demonstrate multi-sensorial experiences justified by concepts of interdisciplinarity and/or synesthesia.

[pt] Portinari em re-trato: uma escrita de si em letra e imagem investiga a escrita autobiográfica do pintor brasileiro Candido Portinari através de diversos registros – sua correspondência, seu diário, seu poema e seus autorretratos. Sob a perspectiva das representações do eu – e partindo do significado etimológico da palavra retrato, derivada do latim re-traho (re-traçar) –, busquei retratar o homem por trás da máscara do pintor, seguindo as pistas deixadas nessa série de repetições de si mesmo. / [en] Portinari in por-trait: a self-writing in letter and image investigates the autobiographical writing of the brazilian paiter Candido Portinari through its various registers – his letters, his journal, his poems and his selfportraits. Under the perspective of self-writing, my goal is to picture the man behind the mask of the painter, following the clues in his series of self-repetitions. / [fr] Portinari en por-trait : une écriture de soi par la lettre et l image enquête l écriture autobiographique du peintre brésilien Candido Portinari à travers divers documents – sa correspondance, son journal intime, son poème et ses autoportraits. Du point de vue des représentations du moi- et en m appuyant sur le sens etymologique du mot portrait, dérivé du latin pro-trahere, infinitif de pro-traho, de traho (tirer) avec le prefixe pro - (tirer en avant, faire sortir, traîner hors de; sortir au grand jour, révéler, dévoiler), j ai cherché à dépeindre l homme derrière le masque du peintre, en suivant les indices laissés dans cette série répétitions de soi-même.

Orientador: Jorge Sidney Coli Junior / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-12T08:21:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Philippov_Karin_M.pdf: 8422545 bytes, checksum: 40df82fcd15ed0670cc412c9a95e2836 (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: A viagem de Rockwell Kent ao Brasil, em novembro de 1937, suscita uma série de questões inéditas tanto no Brasil quanto nos Estados Unidos. Assim, a presente dissertação busca pontuar e analisar todas as implicações que antecedem sua viagem de nove dias ao Brasil, como observador político, bem como abrange todos os fatos decorrentes de sua estada, os quais englobam a redação de seu relatório "Brazil and Vargas", além do início de sua amizade com Candido Portinari; a dissertação igualmente privilegia as conseqüências da viagem de Rockwell Kent ao Brasil, sempre partindo da análise dos documentos obtidos junto ao Smithsonian Institution, em Washington e ao Projeto Portinari, no Rio de Janeiro. Desse modo, tem-se um amplo campo de trabalho no qual é possível perceber as implicações de sua viagem dentro de um espectro mais amplo, envolvendo Brasil e Estados Unidos dentro do panorama intelectual, econômico, político e cultural de 1937 a 1955. / Abstract: Rockwell Kent's trip to Brazil in November, 1937, raises a series of new issues both in Brazil and the United States. Thus, this thesis aims at pointing out and analyzing all the implications preceding his nine-day trip to Brazil, as a political observer; besides, it also includes all the facts stemming from his stay, such as the making of his "Brazil and Vargas" report and the beginning of his friendship with Candido Portinari. Furthermore, this thesis studies the consequences of Rockwell Kent's trip to Brazil, based on the analysis of the documents obtained from the Smithsonian Institution, in Washington D.C, and the Portinari Project, in Rio de Janeiro. Therefore, this thesis presents a huge field of study in which it is possible to perceive the implications of such a trip within a larger scope, involving Brazil and the United States in the intellectual, economic, political and cultural panorama from 1937 to 1955. / Mestrado / Historia da Arte / Mestre em História da Arte

A presente dissertação tem como objeto estudar as relações que foram estabelecidas entre arquitetura e as artes plásticas no período brasileiro do Século XX, compreendido desde a década de 30 com a construção do antigo Ministério da Educação e Saúde, hoje Palácio Gustavo Capanema, até a década de 60, com a fundação da cidade de Brasília em 1961. A dissertação consta de duas partes, complementares entre-si. Na primeira, são realizados ensaios de cunho bibliográfico e abordagens críticas reexaminando questões relativas à introdução da arte e arquitetura modernas no Brasil, visando buscar as conexões existentes entre as obras arquitetônicas das décadas de 30 e 40 e os artistas que se destacaram neste período. É abordado o Ministério da Educação e Saúde como elemento precursor da incorporação de obras de arte na arquitetura moderna brasileira e as obras subsequentes à ele que deram continuidade a essa suposta integração artística. Investiga-se também a obra de Cândido Portinari, e Roberto Burle Marx e suas colaborações nos paradigmas arquitetônicos do período, discutindo a pintura mural e o paisagismo como as principais formas de incorporação do modelo artístico ao objeto arquitetônico. Na segunda parte, são abordados os aspectos que predominavam na arquitetura moderna brasileira a partir da década de 50, dando destaque para o Brutalismo Paulista, que através da obra de Vilanova Artigas passou a figurar como uma tendência expressiva no contexto brasileiro. São investigadas também questões relativas às vanguardas construtivas e sua influência na arquitetura. Por fim, a dissertação avalia o conceito de síntese-integração das artes na escala urbanística e nos edifícios de Brasília.

A presente dissertação tem como objeto estudar as relações que foram estabelecidas entre arquitetura e as artes plásticas no período brasileiro do Século XX, compreendido desde a década de 30 com a construção do antigo Ministério da Educação e Saúde, hoje Palácio Gustavo Capanema, até a década de 60, com a fundação da cidade de Brasília em 1961. A dissertação consta de duas partes, complementares entre-si. Na primeira, são realizados ensaios de cunho bibliográfico e abordagens críticas reexaminando questões relativas à introdução da arte e arquitetura modernas no Brasil, visando buscar as conexões existentes entre as obras arquitetônicas das décadas de 30 e 40 e os artistas que se destacaram neste período. É abordado o Ministério da Educação e Saúde como elemento precursor da incorporação de obras de arte na arquitetura moderna brasileira e as obras subsequentes à ele que deram continuidade a essa suposta integração artística. Investiga-se também a obra de Cândido Portinari, e Roberto Burle Marx e suas colaborações nos paradigmas arquitetônicos do período, discutindo a pintura mural e o paisagismo como as principais formas de incorporação do modelo artístico ao objeto arquitetônico. Na segunda parte, são abordados os aspectos que predominavam na arquitetura moderna brasileira a partir da década de 50, dando destaque para o Brutalismo Paulista, que através da obra de Vilanova Artigas passou a figurar como uma tendência expressiva no contexto brasileiro. São investigadas também questões relativas às vanguardas construtivas e sua influência na arquitetura. Por fim, a dissertação avalia o conceito de síntese-integração das artes na escala urbanística e nos edifícios de Brasília.