Este trabalho propõe-se a delinear o processo histórico da arte religiosa na arte moderna no Brasil, enfocando a produção de Candido Portinari (1903-1962) como representante da segunda fase do Movimento Modernista Brasileiro, ao qual aderiu de modo definitivo depois de sua primeira viagem à Europa (1928-1930), apesar de não ter participado diretamente da famosa Semana de 1922. Em primeiro lugar, são relatados os principais fatos da vida do artista, que servem de parâmetro para uma interpretação da cena artística da época. São muitas as polêmicas em que ele esteve envolvido, sendo acusado de ser uma espécie de pintor oficial durante o Governo Vargas e de receber influências explícitas dos muralistas mexicanos e de Pablo Picasso; mas o que nos interessa mais de perto é o fato de ter sido membro efetivo do Partido Comunista e declarar-se ateu, ao mesmo tempo em que era capaz de realizar uma arte religiosa tão sublime. Destacamos também sua capacidade de estabelecer um frutífero diálogo entre o tema religioso e o social. Como comprovação disso tudo são analisadas as principais obras de arte religiosa de sua autoria, tais como as pinturas da Capela da Nonna, em Brodowski, os murais da Igreja da Pampulha, em Belo Horizonte e da Matriz de Batatais, na cidade paulista de Batatais, as obras da Capela Mayrink, no Rio de Janeiro, e a Série Bíblica, na Rádio Tupi de São Paulo, dentre outras. / The research work proposes to delineate the historical process of religious art in modern art in Brazil, focusing on the production of Candido Portinari (1903-1962) as representative of the second phase of the Brazilian Modernist movement, to which he definitively adhered after his first voyage to Europe (1928-1930), although he did not participate in the famous Week of 1922. Firstly, the main facts of the artist\'s life are described, which serve as parameters for an interpretation of the artistic scene of the time. There are many controversies in which he was involved, being accused of serving as a kind of \"official painter\" during the Vargas government and of receiving explicit influences of Mexican muralists and Pablo Picasso; but what interests us more closely is the fact that he was a member of the Communist Party and declared himself an atheist at the same time that he was capable of producing such a superbe religious art. We also emphasize his ability to establish a fruitfull dialogue between the religious and social issues. As proof of this all, the main religious works of Portinari are analyzed, such as the paintings of Capela da Nonna in Brodowski, the murals of Pampulha Church in Belo Horizonte and the Matriz de Batatais, in Batatais, São Paulo, besides works of the Mayrink Chapel in Rio de Janeiro and a Biblic Series from Rádio Tupi in São Paulo, among others.

Orientador: Jose Roberto Teixeira Leite / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-07-23T12:51:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Zamboni_LuisSergio_M.pdf: 68196430 bytes, checksum: d5514430aac1323877db6645219af240 (MD5) Previous issue date: 1997 / Resumo: A pesquisa Portinari na Matriz de Batatais, desenvolvida no Curso de Mestrado em Artes do Instituto de Artes da UNICAMP, tem por objetivo estudar o importante conjunto de telas, de temática religiosa, que se encontra na Matriz de Batatais (SP) e ainda pouco focalizado na extensa bibliografia existente sobre o pintor. Inicia-se o trabalho com uma abordagem dos fatos históricos- a encomenda e inauguração dos quadros. Seguem, depois, as análises de cada peça do acervo, finalizando, em apêndice, com uma entrevista com a irmã do pintor e um quadro cronológico, situando o pintor em seu contexto histórico-social / Mestrado / Mestre em Artes Plásticas

Architectural ceramics have been a legitimizing resource for the inaugural discourse of the Modern Movement architecture in Brazil. Understood as an element that connects with the tradition of that country, and therefore fully identifiable with it, architectural ceramics have been reinterpreted to assume a prominent, sometimes decisive, role in shaping the most important works of this movement. Oscar Niemeyer, a key architect in the recent history of Brazil, has used ceramic tiles throughout his career with different purposes that are linked both to the artistic context around him and to his own personal interests. The present research aims to rescue and to highlight the role that architectural ceramics play in his work as a compositional resource that provides it with significant values and cultural references. The present study has focused on those among the most emblematic Niemeyer buildings in which the use of tiles is more apparent. Analyses are made under an eminently visual perspective, discussing the chromatic, morphological and symbolic characteristics of the ceramic pieces contained in every building, often in relation to the work of the renowned artists who designed them. Also, the contextualization of these works -both architectural and ceramic- has allowed to check the evolution of the intentions and characteristics of the ceramic material in parallel with the professional trajectory of Niemeyer. All this previous inquiry has brought us to formulate a series of conclusions about the (sometimes interwoven) motivations that led the architect to the conscious use of the ceramic material in his creations throughout each stage of his life. Those motivations range from the visual dematerialization of the surfaces to the artistic interests of Niemeyer himself through the allusion to the Brazilian tradition understood as vindication and signification. To sum up, architectural ceramics have played an unquestionable role in some of the most important works of Oscar Niemeyer and have provided constructive, aesthetic and cultural values to them, contributing (sometimes discreetly, other times with unavoidable presence) to the originality of his architecture. / La cerámica arquitectónica ha supuesto un recurso legitimador del discurso inaugural de la arquitectura del Movimiento Moderno en Brasil. Entendida como un elemento que enlaza con la tradición de dicho país, y por tanto, plenamente identificable con éste, ha sido reinterpretada para asumir un papel destacado, en ocasiones determinante, en la configuración de las obras más importantes de este movimiento. Oscar Niemeyer, arquitecto clave en la reciente historia de Brasil, ha empleado la azulejería a lo largo de toda su trayectoria profesional con distintos propósitos que están ligados tanto al contexto artístico en el que se enmarcó como sus propios intereses personales. La presente investigación tiene por objetivo rescatar y poner en valor el papel que la cerámica arquitectónica desempeña en su obra como recurso compositivo que permite aportar valores significativos y referencias culturales a la misma. El estudio se ha centrado en los edificios más emblemáticos de Niemeyer en los cuales está presente de forma evidente la azulejería. De cada uno de ellos se analizan, bajo un prisma eminentemente visual, las características cromáticas, morfológicas y simbólicas de las piezas cerámicas contenidas, en numerosas situaciones vinculadas al trabajo de reconocidos artistas. Asimismo, la contextualización de las obras -tanto las arquitectónicas como las cerámicas existentes en ellas- ha permitido constatar la evolución de las intenciones y características del material cerámico en paralelo a la trayectoria profesional de Niemeyer. Con todo ello se ha podido establecer una serie de conclusiones acerca de las motivaciones, en ocasiones imbricadas, que llevaron al arquitecto al empleo consciente del material cerámico en sus creaciones a lo largo de cada etapa de su vida, motivaciones que van desde la desmaterialización visual de los paramentos a los intereses artísticos del propio Niemeyer pasando por la alusión a la tradición brasileña entendida como reivindicación y significación. En suma, la cerámica arquitectónica ha desempeñado, por su cualidad intrínseca, un papel incuestionable en algunas de las obras más relevantes de Oscar Niemeyer, a las que ha aportado valores constructivos, estéticos y culturales, contribuyendo (unas veces de forma discreta, otras con presencia insoslayable) a la originalidad de su arquitectura. / La ceràmica arquitectònica ha suposat un recurs legitimador del discurs inaugural de l'arquitectura del Moviment Modern al Brasil. Entesa com un element que enllaça amb la tradició d'aquest país, i per tant, plenament identificable, ha sigut reinterpretada per a assumir un paper destacat, en ocasions determinant, en la configuració de les obres més importants d'aquest moviment. Oscar Niemeyer, arquitecte clau en la recent història del Brasil, ha emprat la taulelleria al llarg de tota la seua trajectòria professional amb diferents propòsits que estan lligats tant al context artístic en el qual es va emmarcar com els seus propis interessos personals. La present investigació té per objectiu rescatar i posar en valor el paper que la ceràmica arquitectònica exerceix en la seua obra com a recurs compositiu que permet aportar valors significatius i referències culturals a la mateixa. L'estudi s'ha centrat en els edificis més emblemàtics de Niemeyer en els quals està present de forma evident la taulelleria, de manera que de cada un d'ells s'analitzen, sota un prisma eminentment visual, les característiques cromàtiques, morfològiques i simbòliques de les peces ceràmiques contingudes, en nombroses situacions vinculades al treball de reconeguts artistes. Així mateix, la contextualització de les obres -tant les arquitectòniques com les ceràmiques existents en elles- ha permès constatar l'evolució de les intencions i característiques del material ceràmic en paral¿lel a la trajectòria professional de Niemeyer. Amb tot això s'ha pogut establir una sèrie de conclusions sobre les motivacions, de vegades imbricades, que van portar a l'arquitecte a l'ús conscient del material ceràmic en les seues creacions al llarg de cada etapa de la seua vida, motivacions que van des de la desmaterialització visual dels paraments als interessos artístics i a l'al¿lusió a la tradició brasilera entesa com a reivindicació i significació. En suma, la ceràmica arquitectònica ha exercit, per la seua qualitat intrínseca, un paper inqüestionable en algunes de les obres més rellevants d'Oscar Niemeyer, a les que ha aportat valors constructius, estètics i culturals, contribuint (unes vegades de forma discreta, altres amb presència ineludible) a l'originalitat de la seua arquitectura. / Torre Fornés, IDL. (2017). LA CERÁMICA ARQUITECTÓNICA EN LA OBRA DE OSCAR NIEMEYER: COLOR, MORFOLOGÍA E INTENCIONES [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/90539 / TESIS

Submitted by ALESSANDRA SILVA RIBEIRO null (alesilribeiro10@hotmail.com) on 2018-03-26T18:14:04Z No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO ALESSANDRA SILVA RIBEIRO.pdf: 1647793 bytes, checksum: d6773ca68f24ffc457864e610cc111ef (MD5) / Approved for entry into archive by Laura Akie Saito Inafuko (linafuko@assis.unesp.br) on 2018-03-26T18:28:27Z (GMT) No. of bitstreams: 1 ribeiro_as_me_assis.pdf: 1647793 bytes, checksum: d6773ca68f24ffc457864e610cc111ef (MD5) / Made available in DSpace on 2018-03-26T18:28:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ribeiro_as_me_assis.pdf: 1647793 bytes, checksum: d6773ca68f24ffc457864e610cc111ef (MD5) Previous issue date: 2018-02-05 / O livro Dom Quixote de La Mancha, do escritor espanhol Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616), publicado nos anos de 1605 (Primeiro Livro) e 1615 (Segundo Livro), é considerado por muitos como a obra que marcou o início do romance moderno e tem sua história conhecida mundialmente. O sucesso de Dom Quixote foi preconizado pelo próprio escritor, registrado no prólogo de seu Segundo Livro. Sua interpretação ao longo de quatro séculos de existência revela leituras variadas, sendo que dentre elas acentua-se a de viés romântico. Neste estudo abordamos um breve panorama da história de divulgação da obra e de Cervantes e de sua expansão pelo mundo, tornando-o um dos livros mais conhecidos pela humanidade. Sua divulgação se expande por fronteiras além-literárias, como adaptações presentes nos diferentes campos artísticos: teatro, cinema, música, pintura, entre outros. Enfocamos uma de suas adaptações literárias infantojuvenis, realizada pela escritora brasileira Ana Maria Machado, intitulada O Cavaleiro do Sonho: as aventuras e desventuras de Dom Quixote de La Mancha (2005), que dialoga interartisticamente com a pintura, pois é ilustrada pela série Dom Quixote (1956), de Candido Portinari. O contato com a história também ocorre pela esfera da oralidade, constituindo-se no mito de Dom Quixote, ou seja, a história desprende-se do papel para habitar o campo do imaginário coletivo. Averiguamos a perspectiva adotada pela escritora Ana Maria Machado em relação a sua releitura da história de Cervantes pela via do mito. Para isso adotamos uma perspectiva analítica que se vale da mitocrítica, dos estudos cervantistas, da teoria literária e dos estudos da linguagem para a análise do componente interdisciplinar ressaltado pela autora. / The novel Don Quixote de La Mancha, by the Spanish writer Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616), first published in 1605 (Volume 1) and 1615 (Volume 2), is acknowledged by many literary critics as the milestone of the modern novel, and its plot is known worldwide. The success of Don Quixote was foreboded by the own author, reported in the prologue of Volume 2. The interpretation of Don Quixote’s narrative over its four centuries of existence unveils multiple analysis, of which, among them, the romantic bias one is emphasized. In this dissertation we have approached a brief overview on the trajectory of the dissemination of the aforementioned novel, also regarding the novelist himself, as well as its diffusion throughout the world, growing into one of the most famous books in mankind. Its diffusion goes beyond literary boundaries, such as existing adaptations in several artistic fields like drama, cinema, music, painting, among others. We have emphasized one of its adaptations to children’s literature, made by the Brazilian authoress Ana Maria Machado, entitled O Cavaleiro do Sonho: as aventuras e desventuras de Dom Quixote de La Mancha (2005), which dialogues interartistically with painting, since its illustrations were taken from the series of paintings Dom Quixote (1956), by the Brazilian painter Candido Portinari. The bonding with the narrative also takes place via the field of orality, forming the Myth of Don Quixote. We have investigated Ana Maria Machado’s point of view concerning her adaptation of Cervantes’ diegesis by means of the myth. To this end, we have utilized an analytical perspective that makes use of Myth Criticism, Cervantic studies, Theory of Literature and Language Studies in order to substantiate the interdisciplinary element stressed by the authoress.

Made available in DSpace on 2016-06-02T20:11:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 5477.pdf: 2572805 bytes, checksum: c4bc4bde3a3f6142a98d3e95b8b95f75 (MD5) Previous issue date: 2013-08-21 / Financiadora de Estudos e Projetos / Graciliano Ramos and Cândido Portinari were friends, but they had something in common that bound most strongly: the desire to express in their works the authentic Brazilian man, the worker and the migrant in their daily lives. This research aims to show how the works of Graciliano and Candido Portinari are close, not only as a social content and theme, but mainly as a form, style and technical resources, as the verbal and visual language are intimately linked as modes of representation. The rapprochement between Graciliano and Cândido Portinari, between the books São Bernardo, Vidas Secas, and the frames Café, Lavrador de café, Retirantes and Criança Morta, aims to demonstrate how the life and work of these artists intersect, in order to represent critically the reality of the time, through a dialectical analysis of form and content, combining text and context in levels of interpretation, according to the hermeneutic proposal of Frederic Jameson in the political unconscious (1982) and the principles of visual semiotics. To achieve this goal, we consider the history of each narrative, structural components, linking them to the historical context of the country at the time. Thus we examine how each represents a social issue: the contradictory reality of Brazil, a country that keeps living archaic modes of production with the arrival of Modernism and Capitalism; antagonistic classes of this society, exploiters and exploited, farmers, migrants, landowners, the government; and alienation/reification that they are submitted, direct consequences of this system. The analyzes are performed with dialectic dialogue, form and content, text and context in reading the social content of his compositions. That is, we analyze how they say what they say about this fundamental aspect of socioeconomic and political organization of the country. Thus, through the analysis we confirm why Graciliano and Portinari are considered realistic and social critics, as such works make use of realism and expressionism as technical resources to bring about awareness of the real and present in the political unconscious subtexts, which allows to conclude from the comparison made that the connection between them, the analogy between literature and painting produced, is stronger and larger than the gap. / Graciliano Ramos e Cândido Portinari, além de amigos, tinham algo em comum que os unia mais fortemente: o desejo de expressar em suas obras o autêntico homem brasileiro, o trabalhador e o retirante no seu cotidiano. Esta pesquisa pretende mostrar como as obras de Graciliano Ramos e Cândido Portinari estão próximas, não apenas enquanto conteúdo social e temático, mas, sobretudo, enquanto forma, recursos técnicos e estilo, pois a linguagem visual e a verbal são intimamente ligadas enquanto modos de representação. A aproximação entre Graciliano Ramos e Cândido Portinari, entre os livros São Bernardo, Vidas Secas, e os quadros Café, Lavrador de café, Retirantes e Criança Morta, tem como objetivo demonstrar como a vida e a obra desses artistas se cruzam, a fim de representar criticamente a realidade da época, através de uma análise dialética entre forma e conteúdo, conjugando texto e contexto em níveis de interpretação, de acordo com a proposta hermenêutica de Frederic Jameson em O inconsciente politico (1982) e os princípios da semiótica visual. Para atingir esse objetivo, consideramos a história de cada narrativa, seus componentes estruturais, ligando-os ao contexto histórico do país na época. Assim examinamos o modo como cada um representa a questão social: a contraditória realidade do Brasil, um país que mantém modos de produção arcaicos vivendo a chegada do Modernismo e do Capitalismo; as classes antagônicas dessa sociedade, exploradores e explorados, lavradores, retirantes, latifundiários, o governo; e a alienação/reificação a que são submetidos, consequências diretas desse sistema. As análises são realizadas de maneira dialética, dialogando forma e conteúdo, texto e contexto, na leitura do conteúdo social das suas composições. Ou seja, analisamos como dizem o que dizem, sobre esse aspecto fundamental da organização socioeconômica e política do país. Assim, através das análises confirmamos porque Graciliano e Portinari são considerados realistas críticos e sociais, como tais obras fazem uso do realismo e do expressionismo como recursos técnicos para trazer à tona a consciência do real e o inconsciente político presente nos subtextos, o que se permite concluir da comparação efetuada, que a aproximação entre eles, a analogia entre a literatura e a pintura que produziram, é mais forte e maior que o distanciamento.

[pt] Portinari em re-trato: uma escrita de si em letra e imagem investiga a escrita autobiográfica do pintor brasileiro Candido Portinari através de diversos registros – sua correspondência, seu diário, seu poema e seus autorretratos. Sob a perspectiva das representações do eu – e partindo do significado etimológico da palavra retrato, derivada do latim re-traho (re-traçar) –, busquei retratar o homem por trás da máscara do pintor, seguindo as pistas deixadas nessa série de repetições de si mesmo. / [en] Portinari in por-trait: a self-writing in letter and image investigates the autobiographical writing of the brazilian paiter Candido Portinari through its various registers – his letters, his journal, his poems and his selfportraits. Under the perspective of self-writing, my goal is to picture the man behind the mask of the painter, following the clues in his series of self-repetitions. / [fr] Portinari en por-trait : une écriture de soi par la lettre et l image enquête l écriture autobiographique du peintre brésilien Candido Portinari à travers divers documents – sa correspondance, son journal intime, son poème et ses autoportraits. Du point de vue des représentations du moi- et en m appuyant sur le sens etymologique du mot portrait, dérivé du latin pro-trahere, infinitif de pro-traho, de traho (tirer) avec le prefixe pro - (tirer en avant, faire sortir, traîner hors de; sortir au grand jour, révéler, dévoiler), j ai cherché à dépeindre l homme derrière le masque du peintre, en suivant les indices laissés dans cette série répétitions de soi-même.

Made available in DSpace on 2016-06-02T19:39:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 3269.pdf: 22639026 bytes, checksum: 085f23e26f92e86598152d42d8e37f3f (MD5) Previous issue date: 2010-08-30 / This Project starts from an observation and a questioning: why haven t Cândido Portinari s works - greatest Brazilian painter and born in the state of São Paulo -, been taken into account by the Curricular Proposal of the State of São Paulo regarding the Arts teaching books, in particular the visual ones? Doesn t his work have any importance for the country? Don t the elaborators of the mentioned proposal know him? From the analysis of this material, a research has been done with the survey of bibliographies about the painter that could reveal his life, not only the one already known of the general public, but the one that could serve as a basis to teachers that teach art in public schools of the state of São Paulo. Through this investigation, we try to show someone worried about his people, an educator made by the image and a man formed by the observation of his work. The first chapter reveals us Portinari s formation, his family, religiosity, his involvement with Communism, his friends, his stay in Europe, his moving to Rio and his occasional trips to Brodósqui; besides the awards received, his escape of school and the greatness of his work. The second chapter shows the reader all the educational features of this painter, his concerns about the future of education in the country and mainly about the simple man who has been building this nation and not revealed by our old masters. Which man does Portinari show in his works? The third chapter compares and analyzes contemporaneous artists works taken into account by the Curricular Proposal of the State of São Paulo. It inquires about the presence of these education icons and reflects/questions Cândido Portinari s absence. / O presente trabalho parte de uma observação e de um questionamento: por que as obras de Cândido Portinari, maior pintor brasileiro e paulista de nascimento, não foram contemplados pela Proposta Curricular do Estado de São Paulo no que diz respeito ao caderno de ensino da disciplina de Arte, em particular as visuais? Será que seu trabalho não tem qualquer importância para o país? Os elaboradores da referida Proposta não o conhecem? A partir da análise deste material, deu-se início um trabalho de pesquisa com levantamentos de bibliografias sobre o pintor que pudessem revelar sua vida, não apenas a que já era conhecida pelo grande público, mas sim aquela que pudesse servir de base aos professores que lecionam Artes nas Escolas Públicas do Estado de São Paulo. Através desta investigação, tentamos mostrar um Portinari preocupado com seu povo, um educador que se fazia pela imagem e um homem que seria formado pela observação de sua obra. O primeiro capítulo revela-nos a formação de Portinari, sua família, a religiosidade, o comunismo, os amigos, sua estada na Europa, sua ida ao Rio de Janeiro e o retorno em algumas ocasiões a Brodósqui. Além dos prêmios recebidos, a fuga da escola e a grandiosidade de sua obra. O segundo capítulo apresenta ao leitor todo o caráter educativo deste pintor, suas preocupações com o futuro da educação no país e principalmente com o homem simples que construiu e constrói esta nação e não revelado pelos mestres trazidos por Dom João VI. Um olhar sobre o homem apresentado por Portinari em seus trabalhos. O terceiro capítulo compara e analisa as obras de artistas contemporâneos contempladas pela Proposta Curricular do Estado de São Paulo. Indaga sobre a presença destes ícones da educação e faz uma reflexão/questionamento sobre a ausência de Candido Portinari.