Made available in DSpace on 2014-06-11T19:24:52Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-12-22Bitstream added on 2014-06-13T20:13:16Z : No. of bitstreams: 1 oliveira_zv_me_rcla_parcial.pdf: 121426 bytes, checksum: b0304a876b8a5f6c7b51e1ffce0812f4 (MD5) Bitstreams deleted on 2015-02-09T14:35:40Z: oliveira_zv_me_rcla_parcial.pdf,Bitstream added on 2015-02-09T14:36:21Z : No. of bitstreams: 1 000694899.pdf: 2331411 bytes, checksum: cb07149f476b6e4e1e544b6e209aa79b (MD5) Bitstreams deleted on 2015-02-09T17:15:03Z: 000694899.pdf,Bitstream added on 2015-02-09T17:15:40Z : No. of bitstreams: 1 000694899.pdf: 2331411 bytes, checksum: cb07149f476b6e4e1e544b6e209aa79b (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / Durante a Idade Média a astronomia era estudada como uma das disciplinas do quadrivium, parte das artes liberais onde se abordava o conjunto das “matemáticas”, e no Renascimento o estudo da astronomia como parte das “disciplinas matemáticas” perdurou ainda por algum tempo e diversos estudiosos continuaram a se dedicar à publicação de obras sobre o assunto. Adriaan van Roomen (1561-1615), matemático e médico renascentista, escreveu alguns trabalhos referentes à astronomia, dentre os quais podemos citar a sua Ouranographia sive caeli descriptio (1591). Neste trabalho, apresentamos a primeira tradução da Ouranographia direta do latim para o português e acrescentamos notas e comentários acerca dos assuntos tratados em alguns dos capítulos da obra. Na Ouranographia, percebemos claramente o entrelaçamento entre diversas áreas da ciência, não só no que consideramos como matemática e astronomia, mas também no que diz respeito à astrologia, à filosofia e à história. A Ouranographia de van Roomen é constituída por três livros: no liber primus, descreve genericamente a máquina celeste, sua matéria e forma, seus movimentos e orbes; no liber secundus, descreve o primeiro céu e as linhas e círculos celestes que usamos para nos referenciar estando aqui da Terra; no liber tertius, explica o primeiro móvel, seus círculos e movimentos. Percebemos que van Roomen faz uma compilação de boa parte do conhecimento existente sobre o tema desde a Antiguidade até seu tempo e, através de suas citações, percebemos ainda que ele teve contato com obras de inúmeros autores, se mostrando um grande intelectual / During the Middle Ages the astronomy was studied as one of the disciplines of the quadrivium, part of the liberal arts where they approached the math, and in the Renaissance the study of astronomy as part of the mathematical disciplines went even on for some time and several scholars have continued to devote himself to the publication of works on the subject. Adriaan van Roomen (1561-1615), renaissance mathematician and physician, wrote several works about to astronomy, among which we mention its Ouranographia sive caeli descriptio (1591). In this work we present the first direct translation from Latin to Portuguese of the Ouranographia and add notes and comments on the issues addressed in some of the chapters of the work. In the Ouranographia, we clearly see the interconnectedness of different fields of science, not only in what we consider as mathematics and astronomy, but also with regard to astrology, philosophy and history. The van Roomen’ Ouranographia consists of three books: in the liber primus, describes generally the heaven machine, its matter and form, their movements and orbs; in the liber secundus, describes the heaven first and the celestial circles and lines that we use to refer being here on Earth, in the liber tertius, explains the mobile first, their movements and circles. We perceive that van Roomen makes a compilation of much of the existing knowledge on the subject from antiquity to his time, and through their citations, we perceive still that he had contact with works by several authors, is showing a great intellectual

Submitted by Ricardo Carrasco (ricardogc84@uepb.edu.br) on 2016-12-22T13:16:38Z No. of bitstreams: 1 PDF - Rafael de Farias Ferreira.pdf: 47503531 bytes, checksum: cc8bd9019f95edc7f2f598a40b660a10 (MD5) / Approved for entry into archive by Irenilda Medeiros (nildamedeiros@uepb.edu.br) on 2016-12-22T14:16:31Z (GMT) No. of bitstreams: 1 PDF - Rafael de Farias Ferreira.pdf: 47503531 bytes, checksum: cc8bd9019f95edc7f2f598a40b660a10 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-12-22T14:16:31Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PDF - Rafael de Farias Ferreira.pdf: 47503531 bytes, checksum: cc8bd9019f95edc7f2f598a40b660a10 (MD5) Previous issue date: 2016-09-27 / El presente estudio resalta el caso de las mujeres tejedoras de Cariri Paraibano que producen el encaje renacentista, una actividad manual textil originaria de la Isla de Burano, en Venecia, Italia, establecida en la región desde la década de 30. Momento en que la región se beneficia demasiado con el hacer profesional producido por esas tejedoras. Así que, la pesquisa ha buscado contestar los siguientes cuestionamientos. ¿Por qué será que pese la valoración comercial del encaje renacentista, la sabiduría y quehaceres desarrollados por las tejedoras de Cariri Paraibano no están introducidos en el currículo de las instituciones socioeducativas? ¿Y cómo escolarizar los sujetos de esa región a partir del relieve memorial que adviene de esas prácticas socioculturales? Para contestar esa problemática de la pesquisa, el estudio ha buscado desarrollar métodos que han evidenciado la memoria de las mujeres tejedoras de Cariri Paraibano, de modo a cambiar la mirada sobre la mujer caririzeira, valorando, a partir de los procesos pedagógicos, las sabidurías y quehaceres de los sujetos locales. Con pocas referencias históricas, que relaten las relaciones desarrolladas en vuelta de este hacer artesanal, la pesquisa revivió los espacios de vida y recuerdos de las tejedoras, a partir de un estudio cualitativo que ha reunido técnicas interpretativas para describir y explicar los componentes del sistemas de valores que dan significados a las prácticas culturales de la mujer del campo. Los autores como Alberti (2006) y Amado & Ferreira (2006) han contribuido con la construcción teórica que trata de lo cerne del trabajo como historia oral. Las reflexiones elaboradas evidencian el rumbo histórico que concedió a “habla” status del documento oral. Halbwachs (2003) y Rodrigues (2011) son algunos de los autores que han colaborado para el ejercicio del pensar de las tejedoras, considerando las peculiaridades de la trama de cada historia individual. Morin (2011) y Rojo (2011) contribuyen en el desarrollo de las acciones a través de la interdisciplinaridad que ha posibilitado la integración de los contenidos y disciplinas. El trabajo fundamentado en la tríplice historia, geografía y multiletramentos ha renovado la densidad del mirar por medio de nuevos cruzamientos de interpretaciones sobre cómo viven y resisten, cómo piensan y establecen relaciones que direccionan prácticas sociales fundadas entre los sujetos de la pesquisa. El estudio evidencia los aspectos humanos y geográficos del local, dando notoriedad a los sistemas de acción y de objetos que se materializan en sus gestos, en sus modos de ser, de vivir y de compartir bienes, símbolos, servicios y sentidos. Discute el papel de la escuela como lugar de dominación, de construcción de conocimiento, de identidad cultural y desarrolla un proyecto pedagógico, acción educativa, que ha colaborado con el proceso de reversión del panorama actual en que se encuentra introducida la escuela. La pesquisa-acción ha generado, a través del producto, un conjunto de aprendizajes que solamente ha sido posible a partir del diálogo establecido entre la cultura de las humanidades y la cultura científica. Que instituyó una enseñanza orientada para un reconocimiento de los valores, de las creencias, y de las tradiciones de los sujetos locales. A través de la sistematización pedagógica, los alumnos han practicado el pensamiento crítico y han reflexionado sus identidades, a partir del reconocimiento de otras identidades (a de las mujeres tejedoras). / O estudo destaca o caso das mulheres rendeiras do Cariri Paraibano que produzem a renda renascença, uma atividade artesanal têxtil originária da Ilha de Burano, em Veneza, na Itália, introduzida na região desde a década de 30. Momento em que a região se beneficia sobremaneira com o fazer profissional produzido por essas rendeiras. Diante disso, a pesquisa procurou responder os seguintes questionamentos: Por que será que apesar da valorização comercial da renda renascença, os saberes e fazeres desenvolvidos pelas rendeiras do cariri paraibano não estão inseridos no currículo das instituições socioeducativas? E como escolarizar os sujeitos dessa região a partir do destaque do arranjo memorial que advém dessas práticas socioculturais? Para responder a problemática da pesquisa, o estudo buscou desenvolver mecanismos que permitiram evidenciar a memória das mulheres rendeiras do Cariri Paraibano, de modo a transmutar o olhar sobre a mulher caririzeira, valorizando, a partir dos processos pedagógicos, os saberes e fazeres dos sujeitos locais. Com poucas referências históricas, que relatem as relações desenvolvidas em torno deste fazer artesanal, a pesquisa revisitou os espaços de vida e lembranças das rendeiras, a partir de um estudo qualitativo que reuniu técnicas interpretativas para descrever e explicar os componentes do sistema de valores que dão significados às práticas culturais da mulher do campo. Autores como Alberti (2006) e Amado & Ferreira (2006) contribuíram com a construção teórica que trata do cerne do trabalho com a história oral. As reflexões traçadas evidenciam o percurso histórico que concedeu a “fala” status de documento oral. Halbwachs (2003) e Rodrigues (2011) são alguns dos autores que colaboram para o exercício de pensar a memória das rendeiras, considerando as especificidades das tramas de cada história individual. Morin (2011) e Rojo (2010) contribuem no desenvolvimento da ação através da interdisciplinaridade que possibilitou a integração e a interação de conteúdos e disciplinas. O trabalho alicerçado na tríplice história, geografia e multiletramentos renovou a densidade do olhar por meio de novos cruzamentos de interpretações sobre como vivem e resistem, como pensam e estabelecem relações próprias, ou apropriadas, as mulheres dessa região. Ao reconhecer e compreender as relações que norteiam as práticas sociais instauradas entre os sujeitos da pesquisa. O estudo evidencia os aspectos humanos e geográficos do local, dando notoriedade aos sistemas de ação e de objetos que se materializam nos seus gestos, nos modos de ser, de viver e de trocar bens, símbolos, serviços e sentidos. Discute o papel da escola como lugar de dominação, de construção de conhecimento e de identidade cultural e desenvolve um projeto pedagógico, ação educativa, que colaborou com o processo de reversão do quadro atual em que se encontra inserida a escola. A pesquisa-ação gerou, através do produto, um conjunto de aprendizagens que só se tornou possível a partir do diálogo estabelecido entre a cultura das humanidades e a cultura científica, que instituiu um ensino voltado para o reconhecimento dos valores, das crenças e das tradições dos sujeitos locais. Através da sistematização pedagógica, os alunos exercitaram o pensamento crítico e repensaram as suas identidades, a partir do reconhecimento de outras identidades (a das mulheres rendeiras).

Orientador: Carlos Eduardo Ornelas Berriel / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-08-17T19:08:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lopes_JulianadeOliveira_M.pdf: 1925950 bytes, checksum: 39cb8214255d1831693b236c1724cadd (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: Este trabalho apresenta um estudo sobre a melancolia na obra de Robert Burton, The Anatomy of Melancholy. Sob a perspectiva de um clérigo inglês de Oxford que vive no século XVII sob a égide do rei Jaime I, a pergunta do melancólico Burton é justamente por que o homem é melancólico. Será uma disposição transitória, um hábito ou uma maldição sobre a humanidade? Por que os homens não entendem a melancolia como sua condição de mortais, decaídos, separados do Sagrado, e se voltam para Deus ao invés de propor reformas sociais ineficazes como as utopias tão usuais no Renascimento inglês? Focando a pesquisa no texto Democritus Junior to the Reader que abre a obra, sem, no entanto, deixar de percorrer todo seu extenso tratado sobre a melancolia, o presente trabalho inquieta-se e questiona junto com Robert Burton, dialoga com seus contemporâneos renascentistas, com pensadores clássicos que abordam temáticas sobre o homem, com pensadores atuais, e procura não respostas resolutas, mas o debate permanente entre literatura, filosofia, teologia, história e outras fontes de conhecimento que ajudaram o studia humanitatis e ainda hoje nos ajudam a aplacar nossa sede pelo mistério do saber / Abstract: This work presents a study about melancholy on Robert Burton?s The Anatomy of Melancholy. Under a clergyman perspective from Oxford who lives in the XVII century on James I?s Kingdom, the melancholic Burton?s query is exactly why the man is melancholic. Is it a transitory disposition, a habit or a curse over humanity? Why men do not understand that melancholy is their mortal condition, that they are decayed, separated from the Sacred, and come back to God instead of proposing such ineffective social reforms like utopias as it was usual in the English Renaissance? Focusing the research on the text Democritus Junior to the Reader that opens his work, nevertheless not neglecting all his extense treatise about melancholy, this dissertation joins Burton and fidgets and requires, dialogues with his contemporaneous renaissance men, with classical thinkers who tell of themes about men, with current thinkers, and wants not resolute answers, but the permanent debate among Literature, Philosophy, Theology, History and others knowledge sources that guided the studia humanitatis and has been guiding us to assuage our thirst for knowledge that still is too mysterious / Mestrado / Teoria e Critica Literaria / Mestre em Teoria e História Literária

Orientador: Luiz Cesar Marques Filho / Acompanha volume das figuras / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-05T18:23:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gomes_Waldemar_M.pdf: 99392439 bytes, checksum: bbd9e4a60a5bca216b0c5680fecf9ea2 (MD5) Previous issue date: 2006 / Resumo: A construção do Sepulcro do Papa Júlio II ocupou 40 anos da vida produtiva madura de Michelangelo, entre 1505 e 1545. Idealizada como um grande mausoléo composto de cerca de 40 esculturas e ornamentos em bronze para ser construída na Basílica de São Pedro, o monumento passou a sofrer reduções gradativas a cada novo projeto que foi assinado entre Michelangelo e os herdeiros e executores da vontade do papa. O monumento edificado não mais na Basílica de São Pedro, mas na Igreja de San Pietro in Vincoli, conta com apenas 7 esculturas, algumas delas de discípulos do mestre florentino. Ao afirmar que o resultado final foi o resultado possível a que o artista conseguiu chegar para ver-se finalmente livre daquela encomenda, a crítica tem considerado que essa obra ficou muito aquém dos sonhos grandiosos tanto do papa quanto do próprio artista. A partir dos recentes trabalhos de restauro, Antonio Forcellino, Adriano Prosperi e Christoph L. Frommel avançaram novas hipóteses sobre as condicionantes sociais, políticas e religiosas que nortearam a conclusão do monumento e que teriam motivado Michelangelo a fazer a escolha de certas esculturas em detrimento de outras influenciado que teria sido pelo conteúdo do opúsculo Il Beneficio di Cristo. Com isto, eles criaram uma das mais novas e revolucionárias teorias sobre o programa iconográfico do resultado final dessa obra e avançaram novas luzes para sua compreensão, contribuindo para que possamos entendê-lo melhor / Abstract: Michelangelo spent 40 years both in his mature and productive life to build The Tomb of Pope Julius II between 1505 and 1545. Planned at the very beginning as a big mausoleum adorned with around 40 sculptures and pieces of bronze to be construct at Saint Peter Church, the sepulchral monument was reduced at each new project that was signed between Michelangelo and the executors and heirs of Pope Julius' wiIl. The monument was finally constructed not more in Saint Peter Church, but in Saint Peter in Chains, with only 7 sculptures, some of them by the hand of Michelangelo's disciples. Saying that the final result was a possible arrangement that the artist could arrive for to be free forever the scholars have appointed that this work became much distant from the dreams of the pope and the proper artist. Based on the recent works on restoration conducted by Antonio ForceIlino and supported by the studies made by Adriano Prosperi on religious field side by side the inquiries made by Christoph L. Frommel on the sculpture of Moses they advanced new hipothesis on the social, political and religious context that marked the conclusion of the monument and that motivated Michelangelo to choose some sculptures and not others under the influence of the little book II Beneficio di Cristo. FoIlowing this way they created one of the newest and the most revolutionary theories on the iconographic program of the last project of this work putting new lights on its comprehension and help us understand it better / Mestrado / Historia da Arte / Mestre em História

Orientador: Edmundo Pacheco Hora / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Insstituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-12T16:10:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Aguilar_PatriciaMichelini_M.pdf: 3684123 bytes, checksum: 24e1c408f76195a26447f223c958eec2 (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Este trabalho investiga o uso da articulação na flauta doce durante a Renascença e o Barroco italiano através da análise dos tratados Fontegara (1535), de Silvestro Ganassi e Compendio Musicale (1677), de Bartolomeo Bismantova. Para uma compreensão abrangente do assunto, inicialmente procurou-se definir como se dá o processo de articulação na flauta doce, em seguida verificou-se o contexto musical e o papel do instrumento no período e nas cidades onde estes autores atuaram e finalmente foram estabelecidos paralelos com a fala e o canto contemporâneos. Na parte final as instruções sobre articulação de Ganassi e Bismantova foram transcritas, traduzidas e detalhadamente comentadas. O objetivo maior desta dissertação foi instruir o intérprete brasileiro sobre a forma de realizar tais articulações e de como adequá-las ao repertório, não exclusivamente ao daquele período. A metodologia utilizada foi o levantamento e leitura dos tratados e da bibliografia a eles relacionada associada à experiência da autora como intérprete de flauta doce. Foram utilizados conceitos de fonética para explicar a realização do processo de articulação na flauta doce, com o cuidado para que as explicações ficassem acessíveis ao leitor leigo no assunto. Constatou-se que os maiores indícios do uso da flauta doce na Itália durante os séculos XVI e XVII estão nas confrarias, academias e em situações informais; era um instrumento menos utilizado nos ambientes profissionais, mas muito apreciado por nobres amadores. Concluiu-se que a voz humana falada e cantada exercia influência na prática instrumental dos séculos XVI e XVII, que a língua utilizada como referência era o dialeto toscano e que a expressividade da língua era realçada no instrumento através do uso de dinâmicas e articulações irregulares. Constatou-se ainda que as principais sílabas de articulação indicadas nos tratados são te, de, re, le e che, principalmente nas combinações te-re, le-re e te-che. A maior diferença na realização destas sílabas entre intérpretes italianos e brasileiros é a predileção pela vogal [?] (pronuncia-se é) pelos primeiros e pela vogal [?] pelos últimos. / Abstract: This study investigates the use of syllable tonguing in recorder performance during the Italian Renaissance and Baroque periods through the analyses of the Fontegara (1535) treatise, by Silvestro Ganassi and the Compendio Musicale (1677) treatise, by Bartolomeo Bismantova. For a comprehensive understanding of this subject, first it was defined how recorder tonguing articulation occurs, then an analysis was conducted on the musical context and role of the instrument during the relevant period in the cities where these authors worked, and finally parallels were drawn against contemporary speech and singing. On the last part the instructions about tonguing syllables from Ganassi and Bismantova were transcribed, translated and comented in details. The major purpose of this study was to instruct Brazilian performers on how to implement such tonguing articulations and fit them into repertoires, which may include works not exclusively from that period. The methodology used for the analysis was an interpretation of the treatises and related literature that is associated with the author's experience as a performer. Phonetic concepts were used to explain the recorder tonguing articulations, and the descriptions were structured to be easily comprehensible by any reader. It was found that the most evidence of recorder use in Italy during the 16th and 17th centuries was apparent at religious orders, academies and informal situations; the instrument was used less frequently in professional settings, but was very appreciated by amateur noblemen. It was concluded that the spoken and sung voices influenced instrumental performance during the 16th and 17th centuries, that the language used as reference by performers was Tuscan dialect, and that the language expressiveness was emphasized in recorder performance through techniques of dynamics and irregular tonguing. It was also observed that the main tonguing syllables displayed in the treatises were te, de, re, le and che, specially the combinations te-re, lere and te-che. The most prominent difference between Italians' and Brazilians' use of tonguing syllables is the preference for the open vowel e [?] by the former and u [?] by the latter. / Mestrado / Mestre em Música

Orientador: Ligia Arcuri Eluf / Tese (doutorado) - Univesidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T19:04:37Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Niculitcheff_Sergio_D.pdf: 15344861 bytes, checksum: ad35877328602d1ad77c5aa64e7b7fef (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Neste trabalho abordo minha produção artística tendo a memória como aspecto principal. Rememoro alguns fatos vividos na infância e juventude, demonstrando como eles estão diretamente relacionados às Imagens utilizadas no presente e as relações que se estabelecem com a poética em minhas obras. Mostro a importância da observação no surgimento da imagem, abordando aspectos relacionados às inspirações e à criação de figuras. Exponho procedimentos pessoais, como o de colecionar pequenos objetos, e como também são manifestações da memória. Associo as lembranças a elementos culturais ligados a aspectos formais, tais como as influências da representação do Renascimento. Discorro sobre os elementos de linguagem e de como em minha obra são tratados os procedimentos artísticos, enfoco questões práticas da confecção das obras, relatando as técnicas de pintura, gravura e escultura. Faço um relato sobre a gênese de minha obra, explicitando detalhadamente as etapas de meu processo particular de criação. Desnudo todos os passos; desde a concepção das imagens, as escolhas das formas, a preparação do suporte, a execução da obra e o tratamento pictórico até a finalização do trabalho / Abstract: This work has been developed based in my memory only. Childhood and teenager experienced facts are used as a demonstration that is directly related to actual images, also poethic relation with my work. Observation importance was pointed out at image's construction also comprehending future aspects of picture creation. The relevance of object collection as part of memory perception was also emphasized at this document. Relation of cultural elements and formal aspects, as Renaissance influences as well, are proximately connected at this work. The language elements are mentioned, artistics procedures, practical focus works, relating paint techniques, engraving and sculpture. Reporting of my work's genesis were developed detailing steps of my particular creation process. All steps are explicit; beginning with image conception, shapes choice, support preparation, work execution and pictorial treatment up to work conclusion / Doutorado / Artes / Doutor em Artes

Orientador: Milton Jose de Almeida / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-08-11T17:46:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Scarassatti_MarcoAntonioFarias_D.pdf: 34515032 bytes, checksum: 86455cc8e7e97526bc993b5b961b8d3c (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo : Esta pesquisa propôs a construção de emblemas sonoros a partir do estudo das imagens do jesuíta alemão do século XVII, Athanasius Kircher. Neste trabalho essas imagens são vistas como aglutinações simbólicas. Os emblemas foram trabalhados e recriados nas formas: literária, de imagem e musical, na construção de um campo sonoro/espacial relacionado ao pensamento do padre alemão, bem como nos arredores simbólicos da sua época e nas ressonâncias artísticas de outros períodos / Abstract : This research proposed the construction of musical emblems from the study of the images of the German Jesuit of the century XVII, Athanasius Kircher. In this work these images are seen as symbolic agglutinations. The emblems were worked and recreated in the forms: literary, of image and musical, in the construction of a resonant / space field relative to the thought of the German priest, as well as in the symbolic surroundings of his time and in the artistic resonance of other periods / Doutorado / Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte / Doutor em Educação

Orientador: Luiz César Marques Filho / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-24T00:07:32Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_IsabelHargraveGoncalvesda_M.pdf: 3737281 bytes, checksum: a829869df2478bcf2b9705c711da3747 (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: Pertencente ao acervo do Museu de Arte de São Paulo, o Retrato do Cardeal Cristoforo Madruzzo foi pintado por Tiziano em 1552, na segunda viagem do pintor à cidade imperial de Augsburg. O cardeal representado foi anfitrião do Concílio de Trento, de onde era príncipe-bispo, e que catalizou a Reforma Católica que deu novas diretrizes para a religião, a arte, e a história do Ocidente. Como príncipe-bispo do território imperial de Trento, Madruzzo atuou como embaixador e porta-voz de Carlos V, imperador do Sacro Império Romano Germânico. Como cardeal romano, serviu a mais de cinco papas ao longo de quase trinta anos. Madruzzo, portanto, encontrava-se como mediador entre as forças e os interesses papais e os do imperador. O retrato, executado pelo maior retratista do século - preferido de Carlos V e que pintou diversos membros da corte Habsburga - deixa transparecer aspectos diferentes desse momento da história européia. O cardeal é representado no ato de abrir a cortina vermelha e revelar um precioso relógio mecânico no qual está gravada a data do quadro, e que indica uma hora precisa. Longe se ser a primeira vez em que um relógio mecânico aparece num retrato, este se insere numa tradição iconográfica que atribui ao mecanismo diversas conotações morais, como a virtude da temperança, a vanitas, o memento mori. Além disso, o objeto passa a ser visto como um símbolo da regularidade do mundo que, com o advento da ciência, é cada vez mais racional e preciso. O relógio mecânico foi apreciado por colecionadores, como o próprio Carlos V, cujo interesse se devia em parte à proliferação de textos políticos que associavam a ação do governante às engrenagens de um mecanismo como o relógio. Enfim, o mecanismo em forma de torre presente no Retrato do Cardeal Cristoforo Madruzzo é, mais do que um objeto, o personagem central da cena, cuja teatralidade brilhantemente construída por Tiziano nos fez percorrer toda essa trajetória / Abstract: From the collection of the Museum of São Paulo, the Portrait of the Cardinal Cristoforo Madruzzo was painted by Titian in 1552 in his second trip to the imperial city of Augsburg. The cardinal was the host of the Council of Trent, where he was prince-bishop, and which catalyzed the Catholic Reformation and brought new directions to religion, art and the Western history. As prince-bishop of the imperial territory of Trent, Madruzzo acted as ambassador and spokesman of Charles V, emperor of the Holy Roman Empire. As Roman cardinal, he served more than five popes throughout almost thirty years. Therefore, Madruzzo acted between the forces and interests of pope and emperor. The portrait, painted by the greatest portraitist of the century - Charles V?s favorite, and who painted several members of the Hapsburg court - allows us to see different aspects of this moment in European history. The cardinal is portrayed in the action of opening the red curtain and revealing the precious mechanical clock that shows an exact hour, in which the date of the painting is engraved. Far from being the first appearance of a mechanical clock on a portrait, this object belongs to the iconographical tradition that attributes moral meanings to it, such as the virtue of temperance, the vanitas and the memento mori. Besides, this object is seen as the symbol of regularity in a world that, with the advent of science, becomes more rational and accurate. The mechanical clock was valued by collectors such as Charles V himself, whose interest was partially due to political texts that associated the action of the ruler with the wheels and engine of a clock. In short, the mechanism in the shape of a tower, present in the Portrait of the Cardinal Cristoforo Madruzzo is, even more than just an object, the main character of the scene, whose theatricality brilliantly built by Titian made us go through all this course / Mestrado / Historia da Arte / Mestra em História

Orientador: Yllan de Mattos Oliveira / Resumo: A presente Dissertação tem em seu cerne os resultados da pesquisa em que cujo tema desenvolvido foi o da escrita renascentista feminina italiana no século XVI, em que nos embasamos nas obras poético-epistolares de duas mulheres homônimas, Veronica Gambara (1485 - 1550) e Veronica Franco (1546 - 1591). Nossas fontes foram as Terze Rime (1575), as Lettere Familiari a Diversi (1580) de Veronica Franco, as Rime de Veronica Gambara e suas Lettere. O ponto basilar que se faz presente na investigação é o de como ocorreram as construções linguísticas, o jogo de palavras, de cortesia (característica da arte cortesã), ou seja, como foram construídas as composições das obras. Tanto as poesias quanto as cartas eram pensadas por suas autoras com uma intencionalidade. As poetisas estiveram inseridas em um jogo cortesão. Portanto, investigamos as nuances existentes, encontradas nas obras e os contornos sociais pertinentes à época que nortearam a escrita das duas mulheres pesquisadas. / Abstract: The present Dissertation has at its heart the results of the research in which the theme developed was the Italian female Renaissance writing in the 16th century, which is based on the poetic-epistolary works of two homonymous women, Veronica Gambara (1485 - 1550) and Veronica Franco (1546 - 1591). Our sources were Terze Rime (1575), Veronica Franco's Lettere Familiari a Diversi (1580), Veronica Gambara's Rime and her Lettere. The basic point that is present in the investigation is how the linguistic constructions, the courtesy wordplay (characteristic of courtly art) occurred, that is, how the compositions of the works were constructed. Both poetry and letters were intended by their authors with intent. The poets were inserted in a courtier game. Therefore, we investigate the existing nuances found in the works and the social contours pertinent to the time that guided the writing of the two women surveyed. / Mestre

Orientador: Luiz Cesar Marques Filho / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-03T01:27:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Quirico_TamaraCarneiro_M.pdf: 11453631 bytes, checksum: b0402908d432c858d04c145a3a2ffffb (MD5) Previous issue date: 2003 / Resumo: Esta pesquisa aborda a iconografia do Juízo final, focando especialmente o célebre afresco de Michelangelo Buonarroti (1475-1564) na Capela Sistina. O trabalho desenvolve-se a partir de uma sucinta análise de modelos iconográficos precedentes, para então discutir as mudanças impetradas por Michelangelo nessa tradição iconográfica ao idealizar sua própria interpretação para o tema, observando-se também os pontos de contato do artista com essa mesma tradição. Para proceder a tal análise, serão vistas possíveis influências externas ao campo artístico, como as pregações de Girolamo Savonarola e o saque de Roma de 1527. Por fim, a pesquisa irá discutir as críticas sofridas pelo Juizo michelangiano no século XVI, examinando as razões para uma oposição tão forte ao afresco a partir do ambiente contra-reformístico / Abstract: This work approaches the iconography of the Last Judgement, focusing especially on the renowned fresco of Michelangelo Buonarroti (1475-1564) in the Sistine Chapel. It begins with a brief analysis of preceding iconographic models; afterward it shall examine the changes entreated by Michelangelo in this iconographic tradition as he idealised his own interpretation for the subject, also considering the elements he maintained from this tradition. For such analysis, we shall see possible influences from outside the artistic context, such as the preaching of Girolamo Savonarola and the Sack ofRome in 1527. Finally, it shall be fundamental to discuss the criticisms to Michelangelo's Last Judgement in the sixteenth century as well as to examine the reasons for such fierce opposition to the fresco from the Counter-reformist context / Mestrado / Mestre em História