Orientador: Alexandre Luiz Mate / Banca: Renata Pallottini / Banca: José Manuel Lázaro de Ortecho Ramírez / Resumo: O objetivo do presente trabalho é realizar um estudo sobre a incidência do teatro narrativo nas peças: Borandá, do autor brasileiro Luís Alberto de Abreu, e Nuestra Señora de las Nubes, do autor argentino Aristides Vargas. A análise desenvolvida privilegia primeiramente o contexto histórico que antecedeu a formação dos grupos teatrais com os quais os dramaturgos colaboraram. Apontamentos sobre os golpes de Estado na América Latina, que tiveram lugar no pós-guerra, servem para delinear o quadro de instabilidade social e política reinante na região. Descreve-se um cenário tomado por regimes autoritários, uns de natureza dinástico-patrimonialista e outros promovidos pelo intervencionismo estrangeiro, visando evitar revoluções sociais e apoiar contrarrevoluções conservadoras. À continuação, o estudo focaliza a questão artística, assinalando a origem, o processo de trabalho e o repertório de peças encenadas pelos grupos estudados. Enfoca o surgimento do grupo de teatro Malayerba, em 1979, como um coletivo de atores exilados na cidade de Quito, no Equador; e a fundação da Fraternal Companhia de Arte e Malas-Artes de São Paulo, em 1993, como um conjunto empenhado em pesquisar novas formas de comédia popular brasileira. Em seguida, o trabalho indaga as questões temáticas levantadas nas peças, abordando o fenômeno da migração interna e do exílio político e econômico, experimentado pelos cidadãos dos países latino-americanos na segunda metade do século XX. Aqui, o conceito de esperança utópica do geógrafo inglês David Harvey, a noção de identidade latino-americana do pesquisador argentino Néstor Canclini e o enfoque histórico do escritor uruguaio Eduardo Galeano significaram uma eficaz ferramenta de trabalho. Na sequência, a pesquisa encarrega-se de fazer um estudo comparativo entre... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Resumen: El objeto de este trabajo es realizar un estudio sobre la incidencia del teatro narrativo en las piezas: Borandá, del autor brasileño Luís Alberto de Abreu, y Nuestra Señora de las Nubes, del autor argentino Arístides Vargas. El análisis desarrollado privilegía en primer lugar el contexto histórico que precedió la formación de los grupos teatrales con los cuales colaboraron los dramaturgos. Apuntes sobre los golpes de Estado en Latinoamerica durante la posguerra sirven para demarcar el cuadro de inestabilidad social y política reinante en la región. Se describe un escenário plagado de régimenes autoritários, unos de naturaleza dinástico-patrimonialista y otros promovidos por el intervencionismo extranjero, intentando evitar revoluciones sociales y apoyar contrarrevoluciones conservadoras. A continuación, el estudio focaliza la cuestión artística, señalando el origen, el proceso de trabajo y el repertorio de piezas montadas por los grupos estudiados. Destaca el surgimiento del Malayerba, en 1979, como un colectivo de actores exiliados en la ciudad de Quito, en Ecuador, y la fundación de la Fraternal Companhia de Arte e Malas-Artes de São Paulo, en 1993, como un conjunto empeñado en investigar las nuevas formas de la comedia popular brasileña. Después, el trabajo trata de las cuestiones temáticas levantadas en las piezas, abordando el fenómeno de la migración interna y del exílio político-económico experimentado por los ciudadanos de los países latinoamericanos en la segunda mitad del siglo XX. Aquí, el concepto de esperanza utópica del geografo inglés David Harvey, la noción de identidad latinoamericana del estudioso argentino Néstor Canclini y el enfoque histórico del escritor uruguayo Eduardo Galeano, se constituyeron en una eficaz herramienta de trabajo. Después, se hace un estudio comparativo de las obras... (Resumen completo clicar acceso eletronico abajo) / Mestre

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Línguas Estrangeiras e Tradução, Programa de Pós-Graduação em Linguística Aplicada, 2013. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2013-05-16T12:59:45Z No. of bitstreams: 1 2013_JunioCesarBatistaSouza.pdf: 1373752 bytes, checksum: 4ac7ab4e6a6293d691e87737add23538 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-05-17T12:00:23Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_JunioCesarBatistaSouza.pdf: 1373752 bytes, checksum: 4ac7ab4e6a6293d691e87737add23538 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-05-17T12:00:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_JunioCesarBatistaSouza.pdf: 1373752 bytes, checksum: 4ac7ab4e6a6293d691e87737add23538 (MD5) / Este trabalho é resultado de um estudo no qual o texto dramático foi utilizado como ferramenta para desenvolver a apropriação de LE – Inglês. Apresenta as experiências de uma classe de estudantes de língua inglesa de nível intermediário adulto, em um curso temático intitulado ―Teatro e Inglês Língua Estrangeira‖ realizado no primeiro semestre de 2012 na Universidade de Brasília. Fundamentado nas teorias de Bakhtin (2003), Mastrella-de-Andrade (2011), Massaro (2008), PCN (2002), Prabhu (2003), Rajagopalan (2009) e Reis (2008), esta pesquisa investigou como o texto teatral na sua aplicabilidade permite e promove uma melhora na produção oral do aluno no processo de apropriação do Inglês Língua Estrangeira ao mesmo tempo em que, por conseguinte, novos processos de reconstrução de identidades são inicializados. A metodologia utilizada foi a Pesquisa-Ação, segundo Barbier (2007) e Andaloussi (2004), que por sua vez propiciou adequações metodológicas durante todo o processo bem como a constante reavaliação do desenvolvimento do curso e dos participantes nele inseridos. Os resultados mostraram que as técnicas dramáticas fornecem elementos que potencializam o aprendizado de LE, tais como: segurança, motivação e iniciativa. Ademais, dentre as várias dimensões pressupostas em relação às expectativas do aprendizado dos participantes, observou-se que a mais relevante delas foi a capacidade de se expressarem em outra língua em contextos diversos de utilização linguística. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This work is the result of a study in which the dramatic text was used as a tool to develop ownership of LE - English. Presents the experiences of a class of English-speaking students of intermediate level adult in a thematic course titled "Theatre and English as a Foreign Language" performed in the first semester of 2012 at the University of Brasilia. Based on the theories of Bakhtin (2003), Mastrella-de-Andrade (2011), Massaro (2008), PCNs (2002), Prabhu (2003), Rajagopalan (2009) and Reis (2008), this study investigated how the theatrical text in its applicability allows and promotes an improvement in the student's oral production in the process of appropriation of English as a Foreign Language at the same time, therefore new methods of reconstruction of identities are initialized. The methodology used was the Action Research, according to Barbier (2007) and Andaloussi (2004), which in turn led to methodological adjustments during the entire process well as the constant reassessment of the development of the course and participants inserted it. The results showed that the techniques provide dramatic elements that enhance learning LE, such as: security, motivation and initiative. Moreover, among the several dimensions assumed in relation to the expectations of the participants' learning, it was observed that the most important of them was the ability to express themselves in another language in different contexts of language use.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2013. / Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2013-10-02T12:04:10Z No. of bitstreams: 1 2013_SaraMariaBrittoMariano.pdf: 6195568 bytes, checksum: 96dce6b6a0193644ddb505e8b84a01be (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-10-08T12:08:51Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_SaraMariaBrittoMariano.pdf: 6195568 bytes, checksum: 96dce6b6a0193644ddb505e8b84a01be (MD5) / Made available in DSpace on 2013-10-08T12:08:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_SaraMariaBrittoMariano.pdf: 6195568 bytes, checksum: 96dce6b6a0193644ddb505e8b84a01be (MD5) / Essa dissertação trata da presença de uma ou mais notações no campo das performances teatrais, limitando o espectro de estudo ao Ocidente. Desde a arte parietal, a título de mostrar os primeiros registros sobre cada área, com foco maior no século XX, no qual mais se desenvolvem e se debatem ideias, conceitos e teorias a respeito do tema – o confronto entre o texto falado e o escrito –, especialmente nas artes cênicas. Como referência para a argumentação, o mesmo processo de análise em relação à notação é realizado em quatro outros campos. Na iconografia, com suas formas, cores e materiais que designavam estilos e códigos de dominância social em favor de classes sócio-políticas. Na dança, especialmente a clássica, devido à necessidade de estruturação técnica e a possibilidade de transmissão e controle dos elementos relacionados com movimento. Na música, observa-se com mais clareza o processo de configuração de formas de transcrição, adequadas às demandas de estilos musicais, composicionais e de instrumentos e vozes diversas. E no código escritural, a letra e seus reflexos como elemento de influência nas camadas sócio-políticas e artísticas, em especial na dramaturgia teatral. O trabalho analisa a falta de um ou mais códigos específicos para a performance teatral (na qual haja predominância verbal) e – com base nos benefícios e especificidades do trabalho com um registro notatório nas áreas descritas e revisão bibliográfica – busca também que autores abordam o tema, a necessidade e a funcionalidade em pesquisa e transmissão, e como os treinamentos e as vocalidades são afetados por um registro específico. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This dissertation deals with the presence of one or more notations in the field of theatrical performances, limiting the spectrum of study in the West. Since the parietal art, by way of showing the first records of each area, with greater focus on the twentieth century, in which further develop and discuss ideas, concepts and theories on the subject - the confrontation between the written and spoken word - especially in the performing arts. As a reference to the argument, the same process of analysis in relation to the rating is carried out in four other fields. In iconography, with its shapes, colors and materials that designated styles and codes of dominance in social class socio-political. In dance, especially classical, because of the need for structuring technique and the possibility of transmission and control of the elements related to movement. In music, we observe more clearly the process of setting up forms of transcription, appropriate to the demands of musical styles, compositional and various instruments and voices. And in the code entry, the letter and its effects as an element of influence in layers socio-political and artistic, especially in playwriting theater. The study analyzes the failure of one or more specific codes for theatrical performance (which there is predominantly verbal) and – based on the benefits and specifics of working with a record of notation areas described and literature review – the authors also seeks to address the theme, the necessity and functionality in research and transmission, and how the training and vocalities are affected by a specific record.

Orientador: José Manuel Lázaro de Ortecho Ramírez / Banca: Luiz Fernando Ramos / Banca: Vinicius Torres Machado / Resumo: A proposta desta dissertação é analisar textos de dramaturgos contemporâneos paulistanos, entre os anos de 2005 e 2015, tendo em vista a relação entre texto e cena no interior dessas dramaturgias, identificando e refletindo sobre a presença de elementos incorporados de uma gramática cênica que evocam materialidades em suas estruturas textuais. A análise parte do debate sobre a mudança de status do texto ao longo do século XX, considerando o duplo movimento de emancipação do texto e da cena em relação à tutela do gênero dramático, o que configura novas possibilidades de escrita e encenação mais permissíveis entre si. Com base nas referências teóricas cotejadas no primeiro capítulo, cria-se uma grade de análise para o exame das dramaturgias selecionadas, com o objetivo de posicioná-las, no terceiro capítulo, entre dois polos: mythos e opsis - e posteriormente serem consideradas polaridades recorrentes entre dispositivos dramatúrgicos encontrados nos textos. O corpus desta dissertação, analisado no segundo capítulo, é composto por textos de autores vencedores do Prêmio Shell de Teatro em São Paulo na categoria de Melhor Autor no período de onze anos - até o início desta pesquisa. Este recorte é retomado no final do terceiro capítulo com o objetivo de estabelecer conexões entre o processo de legitimação de bens culturais por instâncias de consagração, segundo a conceituação do sociólogo Pierre Bourdieu, e as estruturas dramatúrgicas analisadas, pensando sobre os desdobramentos en... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / The purpose of this dissertation is to analyze texts written by contemporary playwrights from the city of São Paulo, between the years of 2005 to 2015, considering a relationship between text and the scene within the dramaturgies, identifying and reflecting on a presence of incorporated elements of a scenic grammar that evoke materialities in its textual structures. The analysis starts from the debate about the change in the state of the text throughout the twentieth century, considering the double movement of emancipation of the text and the scene in relation to the tutelage of the dramatic genre, which sets up new possibilities of writing and staging more permissible among themselves. Based on theoretical references in the first chapter, an analysis evaluation is created for the examination of selected dramaturgies, with the aim of positioning, in the third chapter, between two poles: mythos and opsis - and later considered recurrent polarities between devices found in the texts. The corpus of this dissertation, analyzed in the second chapter, is composed of texts by authors who won the Shell Prize of Theater in São Paulo in the category of Best Author in the period of eleven years - until the beginning of the research. This methodological cut is resumed at the end of the third chapter with the aim of establishing connections between the process of legitimation of cultural goods by instances of consecration, according to a conception of the sociologist Pierre Bourdieu, and the dramaturgical structures analyzed, on the unfolding between theory and practice in contemporaneity, as well as on the function of the author and the notion of authorship, in the context of the new state of the theatrical text - and in the place of the playwright - in the process... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Mestre

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-Graduação em Literatura e Práticas Sociais, 2012. / Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2013-03-04T14:09:19Z No. of bitstreams: 1 2012_HelcicleverBarrosdaSilvaVitoriano.pdf: 21021788 bytes, checksum: c586bf988dff4c406ba854a363eebb56 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-03-06T10:29:47Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2012_HelcicleverBarrosdaSilvaVitoriano.pdf: 21021788 bytes, checksum: c586bf988dff4c406ba854a363eebb56 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-03-06T10:29:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2012_HelcicleverBarrosdaSilvaVitoriano.pdf: 21021788 bytes, checksum: c586bf988dff4c406ba854a363eebb56 (MD5) / Esta dissertação objetiva discutir e analisar as imagens e as referências especulares e infernais contidas nas peças Navalha na carne (1967), de Plínio Marcos de Barros e Entre quatro paredes (1944), de Jean-Paul Sartre conjuntamente às obras fílmicas homônimas a estes textos teatrais, respectivamente, Navalha na carne (1969), do diretor brasileiro Braz Chediak, e Huis Clos (1954), da diretora francesa Jacqueline Audry. Observou-se que o corpus em análise traz vários pontos de vista sobre a natureza e função dos espelhos na literatura moderna, bem como na mesma direção, o inferno dantesco foi redesenhado pelos dramaturgos contemporâneos Plínio Marcos e Jean-Paul Sartre. As obras fílmicas oriundas dos textos-fontes expressam estas categorias analíticas, ora recuperando as ideias dos escritores, ora inovando as temáticas sob o jugo da linguagem cinematográfica e das concepções dos cineastas Jacqueline Audry e Braz Chediak. Do ponto de vista teórico, serviram a este trabalho, variadas expressões críticas, tais como a semiótica, especialmente a peirceana, além de Bakhtin com seus conceitos de carnavalização e dialogia e as inevitáveis incursões sobre a seara da alteridade. Algumas concepções filosóficas de Sartre foram estudadas por serem necessárias para elucidar e melhor compreender seu teatro, especialmente os fundamentos do pensamento existencialista de orientação ateia. No que se refere a Plínio Marcos, processou-se um escrutínio dos seus maiores críticos à luz das intenções da presente dissertação, especialmente sobre sua estética naturalista. Ficou evidente no decorrer da investigação que a condensação da ação e sua aparente simplicidade, características do texto teatral contemporâneo, escondem um universo polissêmico colossal. Ademais, a quantidade reduzida de personagens reclusos em ambientes claustrofóbicos, marca das duas peças estudadas, redefinem nossas concepções de inferno e de relações interpessoais, além de restar agônica nossa percepção do cotidiano, do qual o espelho é objeto indispensável. Na mesma orientação, os textos-fonte de Sartre e Plínio Marcos são oriundos de dois contextos sociais de alta turbulência: a segunda Grande Guerra e a Ditadura Militar brasileira, sendo que estas peças teatrais acabam “espelhando” ou pelo menos desembocando num novo paradigma estético da Odisseia infernal jamais antes imaginado. No âmbito da constituição dos personagens, há notória semelhança entre os textos estudados, a começar pela quantidade de personagens, pela utilização do espaço em confinamento, por uma correspondência em termos de perfil psicológico: Garcin ⇔ Neusa Sueli (fracos e dominados), Estelle ⇔ Veludo (dissimulados e orgulhosos), Inês ⇔ Vado (arrogantes e controladores), sendo que estes binarismos são permutáveis entre si, a depender do olhar do analista. Além disso, observamos que do ponto de vista da interação entre os personagens de ambas as peças, esses carregam grande semelhança em termos constitutivos, pois as “alianças” e “conchavos” entre eles se dão na mesma intensidade que dos rompimentos com intuito de destruir os outros, de se sobrepor: Estelle finge interesse por Garcin para castigar Inês, da mesma maneira que Veludo e Neusa Sueli se aproximam e se distanciam de Vado ao sabor de suas intenções pessoais e mesquinhas ou para autodefesa. Ao cabo percebemos que as máximas sartrianas “o inferno são os outros” e “a existência precede a essência” são acerbamente experimentadas por todos os personagens analisados, assim como pelos dramaturgos em suas trajetórias artísticas e intelectuais. _______________________________________________________________________________________ RÉSUMÉ / Cette memoire de maîtrise vise à discuter et analyser les images et les références spéculer et infernal contenues dans les pièces Navalha na carne (1967), Plinio Marcos de Barros et Huis Clos (1944), Jean-Paul Sartre à travailler conjointement à ces textes théâtrales avec les films homonymes, respectivement de A Navalha na carne (1969) du réalisateur Braz Chediak et Huis Clos (1954) de Jacqueline Audry, la réalisatrice française. On a observé que l'analyse de corpus a plusieurs points de vue sur la nature et la fonction des miroirs dans la littérature moderne, ainsi que dans la même direction, l’enfer dantèsque a été redessiné par les auteurs contemporains Marcos Plinio et Jean-Paul Sartre. Le travail des textes filmiques en provenance de sources exprimant ces catégories analytiques désormais récupérer les idées des écrivains, parfois d'innover les questions sous le joug du langage cinématographique et les concepts des cinéastes Braz Chediak et Jacqueline Audry. Du point de vue théorique, ce travail s’a servi de variée critiques expressions, telles que la sémiotique de Peirce et avec ses concepts de la carnavalisation et le dialogisme de Bakhtine et les raids inévitable sur la récolte de l'altérité. Certaines des idées philosophiques de Sartre ont été étudiés parce qu'ils sont nécessaires pour élucider et mieux comprendre son théâtre. En ce qui concerne Plinio Marcos, a poursuivi à un examen minutieux de ses plus grands critiques, à la lumière des intentions de cette thèse du maîtrise, en particulier sur son esthétique naturaliste. Il est devenu évident au cours de l'enquête que la condensation de l'action et de son apparente simplicité, caractéristique de texte de théâtre contemporain, cacher un polysémique univers colossal. Par ailleurs, la quantité réduite de détenus des personnages dans des environnements oppressants, caractéristique du deux pièces étudiées, Il forme nos concepts de l'enfer et les relations interpersonnelles, ainsi que notre perception quotidienne reste angoissante, dont le miroir est un objet indispensable. Dans le même sens, les textes sources de Sartre et de Plinio Marcos sont de deux contextes sociaux de haute turbulence: la Seconde Guerre mondiale et la dictature militaire brésilienne, et ces jeux de fin " être en train de miroir" ou tout au moins de se retrouver dans un nouveau paradigme esthétique de Odyssey infernal jamais imaginé. Conformément à la constitution des personnages, il ya des similitudes frappantes entre les textes étudiés, à commencer par le nombre de caractères, l'utilisation de l'espace en isolement pour un match en termes de profil psychologique: Garcin ⇔ Neusa Sueli (faible et dominé), Estelle ⇔ Veludo (déguisée et fier), Inês ⇔ Vado (arrogants et dominateurs), et ces binaires sont interchangeables, selon le regard de l'analyste. En outre, nous notons que le point de vue de l'interaction entre les personnages dans les deux pièces de théâtre, ceux-ci portent une grande similarité en termes d'incorporation, puisque les «alliances» et «collusion» entre eux donnent la même intensité de perturbations dans l'intention de détruire d'autres, se chevauchent: l’Intérêt d’Estelle par Garcin est seulement pour punir Inês, tout comme Veludo et Neusa Sueli approche et de s'éloigner de Vado à la saveur de leurs intentions personnelles et mesquines ou d'auto-défense. A la fin, nous voyons que les postulats sartriens «l'enfer, c'est les autres» et «l'existence précède l'essence» sont amèrement vécue par tous les caractères analysés, ainsi que par les dramaturges dans leurs trajectoires artistiques et intellectuelles.

Resumo: Clicar acesso eletrônico abaixo / Abstract: Not available

Submitted by Setor de Tratamento da Informa??o - BC/PUCRS (tede2@pucrs.br) on 2016-09-22T11:06:10Z No. of bitstreams: 1 TES_PATRICIA_DOS_SANTOS_SILVEIRA_PARCIAL.pdf: 1607494 bytes, checksum: 5b74d62d7eb404d527468c03d8c8f15a (MD5) / Made available in DSpace on 2016-09-22T11:06:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 TES_PATRICIA_DOS_SANTOS_SILVEIRA_PARCIAL.pdf: 1607494 bytes, checksum: 5b74d62d7eb404d527468c03d8c8f15a (MD5) Previous issue date: 2016-02-29 / Coordena??o de Aperfei?oamento de Pessoal de N?vel Superior - CAPES / This dissertation presents a dramaturgical work, which is followed by a reflection on its compositional process. The work is comprised of five different texts. Each one has specific narratives, situations, characters and aesthetic proposals, and can be read independently. Its general theme is violence, as seen in a personal perspective. The texts complement each other, while keep their artistic unity. A creative diary that was composed along the writing process of the theatrical texts is presented. The reflexive part tells the origin of their creative process, their main points and how I see the relation between the process and some theoretical points on dramatic text and on literature. From this experience, exercises on playwriting creation are also presented. / Este trabalho consiste na apresenta??o de uma obra dramat?rgica, acompanhada da reflex?o sobre seu processo de cria??o. A obra ? composta por cinco textos teatrais. Cada um deles possui uma narrativa, situa??o, personagens e proposta est?tica espec?ficos, podendo ser lido de maneira independente em rela??o aos outros. Seu conjunto versa sobre o tema da viol?ncia numa perspectiva pessoal. Os textos possuem uma rela??o de complementariedade, mantendo sua unidade art?stica. Depois disso, ? apresentado um di?rio de cria??o, composto ao longo do processo de escrita dos textos teatrais. Na parte reflexiva, conta-se a origem de sua escrita, suas principais quest?es e como a autora percebe a rela??o desse processo com alguns pontos da teoria do texto dram?tico e da literatura. A partir dessa experi?ncia, s?o tamb?m apresentados exerc?cios de cria??o em dramaturgia.

Orientador: Renata Soares Junqueira / Banca: Maria Lúcia Outeiro Fernandes / Banca: Flávia Cristina de Souza Nascimento / Resumo: Sabe-se que a dramaturgia constitui um gênero que ainda não ocupa, nos currículos de Letras das universidades brasileiras, o mesmo espaço privilegiado que é dedicado ao estudo da poesia e da narrativa, e se isto é um fato que afeta mesmo o teatro produzido no Brasil, o que dizer então do teatro produzido além-fronteiras? O que dizer, por exemplo, do teatro produzido em Portugal ao longo do século XX? E o que dizer então daquela dramaturgia que é marginal no quadro deste teatro contemporâneo? É claro que pouco ou nada ouvimos falar, no Brasil, da literatura dramática de autoria feminina produzida em Portugal durante os tempos difíceis da ditadura salazarista. No entanto, pelo menos uma das dramaturgas que tentaram inserir seu nome no teatro produzido nesse período é merecedora de uma posição de destaque pelas peças que compôs. Natália Correia foi poetisa, ensaísta, romancista e dramaturga e é reconhecida principalmente por suas poesias. Porém, apesar de não ser reconhecida como dramaturga tanto quanto é como poetisa, a autora escreveu peças teatrais que merecem ser destacadas em meio à dramaturgia portuguesa devido ao caráter inovador de algumas das suas composições. A variedade de recursos cênicos nas suas peças, bem como a presença de elementos surrealistas e de características do Teatro do Absurdo, demonstram um certo vínculo estabelecido pela autora com estas duas estéticas. A nossa proposta, para a Dissertação de Mestrado, é a de um estudo de duas das peças teatrais produzidas por Natália Correia - O Homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) -, com o intuito de esmiuçar os seus elementos componentes, relacioná-los com o Surrealismo e o Teatro do Absurdo e mostrar a inovação formal que caracteriza seu teatro / Abstract: We know that, the theatre is not so much studied in Brazilian Universities. And if this happens here in Brazil, what can we say about the plays that were produced in Portugal during the 20 century? And what can we say about those plays that are considered marginal among the contemporary theatre? We sure don't hear almost anything about the dramatic literature produced by Portuguese women during the difficult period of the salazarista dictatorship. But, at least one of the women who tried to insert their names among the theatre that was produced during this period, deserves being highlighted because of the plays she wrote. Natália Correia wrote poems, novels essays and plays and she is known around the world especially as a poet, but she should be known as a playwright as well because of her singular plays that show formal innovation. The large quantity of scenic resources used by the playwright in her plays and some characteristics from the Surrealism and the Theatre of the Absurd show that she is linked to these aesthetics. Our aim in this dissertation is to study two of the plays written by Natália Correia - O homúnculo (1964) e O Encoberto (1969) intending to show all their component elements, relating them to the Surrealism and the Theatre of the Absurd and show the formal innovation which is one of the main characteristics of her plays / Mestre

Orientadora: Gabriela Kvacek Betella / Banca: Francisco Claudio Alves Marques / Banca: Altamir Botoso / Resumo: Baseado em O lago dos cisnes, de Piotr Ilyich Tchaikovsky em 1877, o longa metragem Cisne negro (2010), dirigido por Darren Aronofsky, é a combinação de um drama psicológico com a dramaturgia que atuam reciprocamente na vida da protagonista. O lago dos cisnes, conto escrito pelo alemão Johan Karl August Musäus no século XVIII, ganha vida e potencialidade no filme em uma estrutura que mescla subjetividade e estranhamento, produzindo no espectador os mais variados sentimentos. No que concerne aos estudos literários, o filme é pouco explorado visto que seu maior foco versa sobre a presença psicanalítica à ele empregada. Desse modo, isolando parcialmente a carga psicológica, percebemos a presença de traços literários que se encaixam pertinentemente, construindo uma trama complexa entre os planos da realidade e do psicológico. Tendo como base a literatura do escritor italiano Luigi Pirandello (1867-1936), considerado um dos maiores dramaturgos da literatura mundial, usaremos as obras Seis personagens à procura de um autor (1921) e Assim é (se lhes parece) (1917) para discutir os seguintes pontos: 1) a personagem dramatúrgica pirandelliana e cinematográfica voltando-se para a protagonista Nina; 2) o teatro pirandelliano focado no drama moderno e no conceito de 'teatro no teatro' e como se dão no filme e 3) Cisne negro como tragédia moderna valendo-se de pressupostos teóricos de Aristóteles, Arnold Hauser, Raymond Williams e Luigi Pirandello para exemplificações. No campo teórico, nos apoiaremos também em Antonio Candido, Peter Szondi, Sergei Einsenstein entre outros para a construção de um estudo conciso e objetivo do corpus proposto / Astratto: Basato su Il lago dei cigni, da Piotr IIyich Tchaikovsky nel 1877, il lungometraggio Cigno nero (2010), sulla regia di Darren Aronofsky, è la combinazione di un drama psicologico con la drammaturgia che, allo stesso tempo, fanno parte della vita della protagonista. Il lago dei cigni, racconto scritto dal tedesco Johan Karl August Musäus nel secolo XVIII, aquista vita e potenza nel film componendo una struttura che mescola soggetività e stranezza, provocando molteplice sentieri nello spetattore. Al rispetto degli studi letterari, il film è poco esplorato giacché il suo fuoco maggiore si trova nella presenza psicoanalistica esistente. Così, allontanando parzialmente l'aspetto psicologico, rendiamo conto della presenza di tracce letterari che s'incastrano con pertinenza, construendo una tramma complessa tra le atmosfere della realtà e dello psicologico. Con la conoscenza della letteratura dello scrittore italiano Luigi Pirandello (1867-1936), così detto uno dei maggiori drammaturghi della letteratura mondiale, useremo le opere Sei personaggi in cerca d'autore (1921) e Così è (se vi pare) (1917) per dicutere i punti che seguono: 1) il personaggio della drammaturgia pirandelliana e cinematografica volgendosi alla protagonista Nina; 2) il teatro pirandelliano mettendo a fuoco il dramma moderno e il concetto di teatro nel teatro' e come si trova nel film e 3) Cigno nero come tragedia moderna, utilizzando le teorie di Aristotele, Arnold Hauser, Raymond Wiliams e Pirandello per gli esempi. Nel campo teorico, ci baseremo anche in Antonio Candido, Peter Szondi, Sergei Einsenstein tra gli altri che costruiranno uno studio conciso e oggetivo del corpus proposto / Mestre

Orientador: Elizabete Sanches Rocha / Banca: Maria Lúcia Outeiro Fernandes / Banca: Emerson Calil Rossetti / Resumo: Dea Loher, dramaturga nascida no país de Bertolt Brecht, reinventa o teatro político nos anos 90 do século XX, buscando devolver ao teatro seu lugar social que estimula o debate. Com a ascensão do capitalismo e o surgimento dos meios de comunicação de massa, segundo alguns autores, o teatro perdeu espaço face às novas mídias baseadas no consumo de imagens. A proposta de Loher é discutir questões pós-modernas através da literatura, recorrendo a estéticas dramáticas tradicionais que dialogam com o teatro épico e os efeitos de distanciamento brechtianos, assim como alguns recursos da estética pós-dramática. Junto a esses conceitos teatrais, Loher adota da física quântica o Princípio da Incerteza, do físico Heisenberg e técnicas cinematográficas do grupo "Dogma-95", dos dinamarqueses Lars Von Trier e Thomas Vinterberg, para mostrar no palco a política de forma desfocada com quebras e interrupções fílmicas a fim de proporcionar ao público a possibilidade de reflexão ao tirar do espectador uma visão privilegiada. Essa mistura de estilos pode ser denominada "teatro híbrido" em referência aos estudos de hibridismo cultural do professor Homi Bhabha. Em sua peça mais complexa, Inocência, Loher apresenta um drama com todas essas características revelando o retrato de uma sociedade onde as pessoas vivem em busca de sentido para as próprias vidas tendo que lidar com temas como morte, abandono, fé, Deus, dinheiro, preconceito e amor com o objetivo de refletir sobre os problemas da sociedade pós-moderna, a falência das metanarrativas e do projeto de emancipação humana e a ascensão dos simulacros. A dramaturga faz esta proposta ao seu leitor, optando por um drama cíclico de caráter episódico aparentemente cronológico, revelando no decorrer da história um colapso espácio-temporal. Esta retomada de elementos estéticos caracteriza-se por um hibridismo da forma teatral que afasta Loher do épico ... / Abstract: Dea Loher, playwright born in Bertolt Brecht's country, reinvents political theater in the 90s trying to give back to theater its social place that stimulates discussion. With the rising of capitalism and the appearance of mass media, according to some authors, theater lost its space to the media based on the consumption of images. Loher's proposal is to discuss post-modern issues through literature resorting to traditional dramatic aesthetics that link to the epic theater and the Brechtian V-Effekte, as well as recourses found in the post-dramatic aesthetics. Together with these theatrical concepts, Loher adopts from quantum physics the Uncertainty Principle by the physicist Heisenberg and also some cinematographic techniques by the group "Dogma-95" created by the Danes Lars Von Trier e Thomas Vinterberg to show on stage politics in a blurred way with filmic breaks and interruptions in order to provide the audience with the possibility of reflection as she takes away from the spectator a privileged view. This mixture of styles can be named "hybrid theater" in reference to the studies of hybridism by the Professor Homi Bhabha. In Loher's most complex play, Innocence, the playwright presents a kind of drama with all these characteristics revealing a portrait of a society where people live searching for a meaning for their own lives having to deal with themes such as death, abandonment, faith, God, money, prejudice and love with the objective of reflecting on the problems of the post-modern society, the falling of the metarratives and the project of human emancipation and the rising of simulacra. The playwright proposes this to her reader, opting for a cyclic and episodic drama that is apparently chronologic, but that reveals throughout the story a collapse of space and time. This resumption of aesthetics elements reveals a certain hybridism of the theatrical form, which deviates Loher from the epic and the post-dramatic and ... / Mestre